DECINE 2.0

Algunos años atrás, concretamente en septiembre de 2005, nacía “DeCine”, un programa de divulgación cinematográfica producido por la cadena local tinerfeña Teidevisión Canal 6 y que un servidor tuvo el enorme placer de dirigir. Se trataba de un programa de media hora que se emitía de martes a viernes, abarcando diferentes secciones relacionadas con la actualidad y la historia del Séptimo Arte. Alternando el cine comercial y el más minoritario, “DeCine” tuvo una longevidad de cuatro años y medio, dejándose de emitir a principios de marzo de 2010 debido a las embestidas de la crisis económica. Desde aquel momento quisimos que aquello no fuera un adiós, sino un hasta luego, esperanzados de que la situación económica reflotara y permitiera al programa renacer de alguna manera. Han pasado casi dos años y la crisis no ha hecho más que acrecentarse sin visos de una solución cercana, pero nosotros nos hemos cansado de esperar. Por eso esta semana resurgimos de nuestras cenizas con “DeCine 2.0”, una nueva andadura, más reducida en cuanto a duración, pero con la misma predisposición de difundir un espíritu cinéfilo e incorporándonos ahora también a las nuevas tecnologías.

El nuevo formato estará organizado en forma de pequeños reportajes de aproximadamente tres minutos de duración, que empezarán emitiéndose como colchón informativo en lo bloques de publicidad de la cadena para conformar posteriormente un programa definitivo de 25 minutos de duración. Los estrenos en las salas comerciales y en formato doméstico volverán a ocupar un puesto principal en el desarrollo del programa, así como las críticas cinematográficas, las reseñas de bandas sonoras o la actualidad del cine hecho en Canarias. Además cada semana buscaremos a nuestros Protagonistas y echaremos un vistazo a la historia del Séptimo Arte a través de nuestra Película del Recuerdo. “DeCine 2.0” no se ceñirá únicamente al medio televisivo y abrirá su propio canal de youtube en internet, para que esas pequeñas píldoras cinematográficas puedan ser además difundidas a través del blog adivinaquienvienealcine.com y las redes sociales.

Esperamos que esta nueva etapa sea igual de ilusionante y satisfactoria que la anterior, que todos disfruten con el nuevo formato y los nuevos contenidos, y que participen con nosotros a través de internet. Sean bienvenidos y en breve empezaremos a compartir los contenidos.

ESTRENOS DEL 27 DE ENERO

El anuncio de las nominaciones a los premios Oscar el pasado martes ha marcado la actualidad cinematográfica de la semana, llegando incluso a contagiar en diferentes sentidos a los estrenos que llegan este fin de semana. Tenemos antiguos premiados en horas bajas, nominados de esta edición y aspirantes que se han quedado de vacío.

BAJO AMENAZA

Director: Joel Schumacher

Guión: Karl Gajdusek

Reparto: Nicolas Cage, Nicole Kidman, Cam Gigandet, Jordana Spiro, Ben Mendelsohn, Dash Mihok, Liana Liberato, Nico Tortorella, Zurab Matcharashvili, Gracie Whitton, Brandon Belknap, Terry Milam

“Bajo Amenaza” reúne como principales protagonistas a Nicole Kidman (Oscar por “Las Horas”) y Nicholas Cage (Oscar por “Leaving Las Vegas”), dos actores que tiempo atrás representaron lo más alto del escalafón hollywoodiense, pero que en la actualidad parecen haber perdido su tirón artístico, refugiados en película como la que aquí nos ocupa, un thriller claustrofóbico que en Estados Unidos pasó directamente a ser distribuido en formato doméstico. Dirige John Schumacher (“St. Elmo, Punto de Encuentro”, “Batman y Robin”, “Última Llamada”), otro cineasta que ha alternado momentos de auge y caídas y cuya carrera actual no está pasando tampoco por su mejor momento.

El feliz matrimonio formado por Sarah (Nicole Kidman) y Kyle Miller (Nicolas Cage) parece tenerlo todo: un elegante y apartado hogar con todas las comodidades imaginables, y una adorable aunque rebelde hija adolescente, Avery. Kyle es un tratante de diamantes de gran éxito y Sarah es arquitecta. Ella misma ha diseñado su extenso y moderno hogar de cristal, piedra y acero, rodeado de densa vegetación. Pero sus tranquilas vidas se verán amenazadas cuando una banda de intrusos irrumpe violentamente en la casa. A partir de ese momento, Kyle se verá obligado a hacer uso de toda su pericia en un intento por salvar las vidas y los sueños de su familia.

ALBERT NOBBS

Director: Rodrigo García

Guión: Glenn Close, John Banville

Reparto: Glenn Close, Jonathan Rhys Meyers, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Brendan Gleeson, Mark Williams, Maria Doyle Kennedy, Janet McTeer, Pauline Collins, Brenda Fricker, Bronagh Gallagher, Antonia Campbell-Hughes, Annie Starke, Emerald Fennell, Phoebe Waller-Bridge

Glenn Close se presenta como principal impulsora y aval de “Albert Nobbs”, adaptación del relato de George Moore “The Singular Life of Albert Nobbs”. No sólo se ha encargado de interpretar al personaje principal, sino que además se ha escrito el guión (junto con John Banville) y ha ejercido de productora de la cinta. El esfuerzo se ha visto recompensado. La crítica ha aclamado su papel como esta mujer que pasa 30 años haciéndose pasar por hombre en al Irlanda del finales del siglo XIX y la Academia de Hollywood le ha otorgado su sexta nominación a los Oscars. Su aliado en este proceso ha sido Rodrigo García, hijo de Gabriel García Márquez y cineasta especializado en personajes femeninos complejos (“Cosas que Diría con Solo Mirarla”, “Nueve Vidas”, “Madres e Hijas”). Coprotagonizan la cinta Jonathan Rhys Meyers (“Los Tudor”), Mia Wasikowska (“Jane Eyre”) y Janet McTeer (quien ha obtenido su segunda nominación a los Oscars gracias a este papel, la primera tuvo lugar en 1999 con la cinta “Tumbleweeds”).

Historia de una mujer (Glenn Close) atrapada en un triángulo amoroso inusual. Disfrazada como hombre para poder trabajar y sobrevivir en la Irlanda del siglo XIX, unos 30 años después de adoptar el vestuario de un hombre, se encuentra perdida en una prisión propia.

UNDERWORLD. EL DESPERTAR

Director: Mans Marlind, Bjorn Stein

Guión: John Hlavin, J. Michael Straczynski

Reparto: Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy, Theo James, India Eisley, Sandrine Holt, Charles Dance, Adam Greydon Reid, Kris Holden-Ried, Catlin Adams, Jacob Blair, Robert Lawrenson, Lee Majdoub, John Innes, Tyler McClendon, Panou, Ian Rozylo, Benita Ha, Christian Tessier, Kurt Max Runte, Mark Gibbon, Richard Cetrone, Dan Payne

“Underworld. El Despertar” presenta la cuarta entrega de esta franquicia que ha enfrentado a vampiros y hombres lobo. Tras el impasse que supuso “Underworld. La Rebelión de los Licántropos”, que situó la acción en la Edad Media para contar los prolegómenos de esta historia milenaria, la historia regresa a su protagonista inicial, Selene, la vampira cazadora interpretada por Kate Beckinsale. Quien no regresa es Len Wiseman, marido de la estrella y director de las dos primeras entregas, quien actualmente se encuentra dirigiendo un remake de “Desafío Total”. Como incorporación a la serie tenemos al actor irlandés Stephen Rea (“Juego de Lágrimas”, “V de Vendetta”) y de entre el equipo de guionistas podemos destacar la presencia de J. Michael Straczynski (autor de “Babylon 5” y prestigioso guionista de comics).

La legendaria guerrera vampira Selene (Kate Beckinsale) se enfrenta a su mayor y más poderoso adversario, al tiempo que descubre un perturbador secreto que cambiará todo por lo que siempre luchó. Quince años han pasado desde que Selene y su amante Michael, híbrido entre humano y licántropo, derrotaran al Vampiro Mayor Marcus en “Underworld Evolution”. En esos años la humanidad ha descubierto la existencia tanto del clan de los vampiros como del de los licántropos y se ha lanzado a una lucha encarnizada para erradicar ambas especies. Selene, capturada durante el genocidio, se despierta después de más de una década y se da cuenta de que se encuentra cautiva en un laboratorio herméticamente cerrado en Antigen, una poderosa corporación biotecnológica que se dedica a desarrollar la vacuna en contra de los virus que han creado a vampiros y licántropos.

J. EDGAR

Director: Clint Eastwood

Guión: Dustin Lance Black

Reparto: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Armie Hammer, Judi Dench, Ed Westwick, Damon Herriman, Dylan Burns, Lea Thompson, Dermot Mulroney, Stephen Root

A estas Alturas del partido cantar las alabanzas de Clint Eastwood como director resulta redundante e innecesario. En “J. Edgar” el veterano cineasta se enfrenta a una de las figuras icónicas y ambiguas de la historia reciente de Estados Unidos, J. Edgar Hoover, primer director del FBI y un hombre que empleó su posición privilegiada para influir en el devenir político y social de su país. Escribe el libreto Dustin Lance Black, oscarizado guionista de “Mi Nombre es Harvey Milk” y protagoniza la cinta Leonardo DiCaprio. Con este plantel, se esperaba que “J. Edgar” tuviera una fuerte presencia en los Oscars, pero la Academia ha preferido dejar de vacío en esta ocasión a la cinta de Eastwood, siendo una de las grandes olvidadas de las nominaciones, especialmente en el apartado interpretativo, donde se esperaba que DiCaprio pudiera optar a su cuarta candidatura (previamente fue nominado por “¿A Quién Ama Gilbert Grape?” en 1994, “El Aviador” en 2005 y “Diamante de Sangre” en 2007).

Durante su vida, J. Edgar Hoover (Leonardo DiCaprio) llegaría a convertirse en el hombre más poderoso de América. Como director de la Oficina Federal de Investigación (FBI), durante casi 50 años, hizo cualquier cosa para proteger a su país. Ejerció su cargo durante tres guerras y los mandatos de ocho presidentes. Hoover libró sus batallas contra amenazas, a veces reales y a veces solo percibidas y a menudo forzó las reglas con tal de velar por la seguridad de sus conciudadanos. Sus métodos fueron a menudo despiadados y en ocasiones heroicos, pero la anhelada recompensa de la admiración siempre le fue esquiva. Hoover era un hombre que valoraba los secretos -especialmente los de los demás- y no tenía reparos a la hora de utilizar esa información para ejercer su poder sobre líderes políticos y personalidades de la nación. Era consciente de que la información es poder y el miedo facilita la oportunidad; utilizó ambos y adquirió una influencia sin precedentes, forjándose una reputación tan tremenda como intocable. Era tan cauteloso en su vida privada como lo era en su vida pública, permitiendo a su alrededor tan solo un pequeño circulo de confianza. Clyde Tolson (Armie Hammer), su colega más cercano, fue también su compañero inseparable. Helen Gandy (Naomi Watts), su secretaria, quien posiblemente fue la gran conocedora de sus propósitos; leal hasta el final... e incluso después. Sólo su madre (Judi Dench), quién fue siempre su inspiración y su conciencia, le abandonaría. Su fallecimiento fue un auténtico mazazo para el hijo que siempre buscó su amor y su aprobación.

GEORGE CLOONEY. EL ÚLTIMO GALÁN CLÁSICO

El estreno de “Los Descendientes” la pasada semana, la próxima llegada de su cuarta película como director, “Los Idus de Marzo”, su Globo de Oro a Mejor Actor Dramático, su doble nominación a los Oscars (como actor y guionista) han devuelto a la actualidad cinematográfica a George Clooney. No es que se hubiese ido a ningún sitio, pero desde el estreno en septiembre de 2010 de “El Americano” estaba ausente de la gran pantalla y sabemos que, en el cine, las noticias y los estrenos se suceden a un ritmo vertiginoso. Convertido en una de las mayores estrellas del Hollywood actual, George Clooney ha estado desde siempre rodeado por el mundo del espectáculo, aunque curiosamente, fue un actor que tardó en despuntar y encontrar su sitio en el cine. Pese a esto, o precisamente por ello, hoy en día vemos en él un hálito clásico que le ha emparentado con estrellas del calado de Cary Grant o Clark Gable, cuya mera presencia inundaba la pantalla con una elegancia y un atractivo a un mismo tiempo natural y extraterrental.

Nacido el 6 de mayo de 1961, el heredero de Frank Sinatra en el puesto del truhán Danny Ocean es hijo de Nick Clooney, un presentador y actor de televisión muy popular en Cincinnati, y Nina Warren, quien ha dedicado su carrera a la política. Además, es sobrino de la actriz y cantante Rosemary Clooney y del gran actor José Ferrer, lo que le convierte a su vez en primo del también intérprete Miguel Ferrer. Los primeros pasos como artista de George Clooney fueron precisamente en el programa de su padre, donde aparecía de vez en cuando en algunas de sus frecuentes visitas al estudio; sin embargo inicialmente las bambalinas no le entusiasmaban y su sueño, como el de muchos americanos, era el de ser jugador profesional de baseball. Fue su primo Miguel Ferrer quien le metió el gusanillo de la interpretación. Dispuesto a triunfar como actor, Clooney se mudó a Los Angeles en 1982 e inició una largo periplo por producciones de todo tipo, tanto de cine como de televisión, sin llegar a destacar especialmente en ninguna de ellas. Durante años estuvo trabajando como secundario en infinidad de series hasta que a mediados de los 90 todo cambió cuando entró a formar parte del reparto fijo de “Urgencias”. La serie tuvo enorme éxito y convirtió a George Clooney en una estrella. De forma inesperada, ese actor que nunca había logrado llamar la atención se transformó de la noche a la mañana en un sex symbol televisivo, con miles de fans que seguían la serie para ver al Doctor Ross. Clooney permaneció en la serie entre 1994 y 2000, abandonándola convertido ya en una gran estrella internacional.

La popularidad alcanzada gracias a “Urgencias” le abrió a George Clooney las puertas de Hollywood. Su primera gran producción fue “Abierto hasta el Amanecer” de 1996, a las órdenes de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, y donde se encargaba de interpretar el papel protagonista junto con un reparto de lujo que también incluía a Harvey Keitel, Salma Hayek y Juliette Lewis. A pesar de los nombres que poblaban el reparto, Clooney supo irradiar carisma y sex appeal a lo largo de la película, además de un cierto toque gamberro que aumentaba ese atractivo en pantalla, que iba a marcar la línea que seguiría posteriormente. La suerte estaba echada. A partir de este momento Clooney pasó a convertirse en uno de los más destacados galanes de Hollywood tanto dentro como fuera de la pantalla.

Su fama de soltero de oro, receloso del compromiso, ha inspirado el sueño de muchas mujeres de hacerle sentar la cabeza, pero aquellas que lo han intentado no han tenido éxito. En lo referente a sus relaciones personales, se ha casado sólo en una ocasión en 1989 con Taila Balsam y se divorció en 1992. A partir de este momento ha mantenido relaciones con mujeres de extraordinaria belleza, aunque siempre negándose a volver a pasar por la vicaría. El propio actor ha confesado que su ritmo de vida hace muy difícil el poder mantener una relación estable ya que entre rodajes y promociones se pasa la mayor parte del tiempo fuera de casa. En la gran pantalla, Clooney ha ido del brazo de algunas de las actrices más explosivas. En “Un Día Inolvidable” tuvo por pareja a Michelle Pfeiffer, en “Batman y Robin” a Elle McFerson y Uma Thurman, en “El Pacificador” a Nicole Kidman, en un “Romance Muy Peligroso” a Jennifer Lopez, en “Ocean´s Eleven” a Julia Roberts, en “Crueldad Intolerable” a Catherine Zeta Jones, en “El Buen Alemán” a Cate Blanchett, en “Ella Es el Partido” a Renée Zellweger, en “Up in the Air” a Vera Farmiga y en “El Americano” a Violante Placido. Sin lugar a dudas un espectacular ramillete de actrices que a su vez pueden presumir de haber seducido al soltero más deseado de Hollywood en la gran pantalla.

Su presencia, que entronca con lo galanes clásicos de Hollywood, le ha convertido también en un rostro deseado por las principales marcas publicitarias (últimamente, por ejemplo, con la marca Nespresso, parodiándose a si mismo). Sin embargo, por encima de sus pinitos en el mundo de la publicidad, George Clooney ha querido ante todo destacar por su trabajo cinematográfico, carrera en la que combina papeles comerciales (“Batman y Robin”, “El Pacificador”, “La Tormenta Perfecta”, la trilogía de “Ocean’s Eleven”) con títulos de compromiso social y político (“Buenas Noches y Buena Suerte”, “Syriana”). Conocedor del peso que tiene en la industria, ha sabido aprovechar su éxito comercial para respaldar títulos con los que poder desarrollar su capacidad como actor o para apoyar proyectos que partían de amigos suyos. Entre estos podemos encontrar películas como “Bienvenidos a Collinwood”, “Syriana” (por la que recibiría el Oscar a mejor actor secundario) o “El Americano” (donde presionó para que el rodaje se desarrollara en localizaciones de Abruzzo, como apoyo a una zona pobre de Italia que acaba de sufrir un demoledor terremoto).

Si hay algo que en todo momento Clooney ha dejado claro es que es muy buen amigo de sus amigos y que le gusta trabajar con ellos. Son famosas las salidas de marcha o las partidas de póker de Clooney con sus compañeros de reparto, sin embargo, donde más se puede apreciar sus simpatías hacia alguien es en la gran pantalla. Tras coincidir con Mark Wahlberg en “Tres Reyes”, se estableció entre ellos una buena amistad, volviendo a coincidir en “La Tormenta Perfecta”. Con Brad Pitt ha coincidido en las tres partes de las aventuras de Danny Ocean, al igual que con Matt Damon con el que también trabajó en “Syriana”. Por otro lado también es cierto que Clooney es una persona que no tiene pelos en la lengua, y que cuando tiene que hablar mal de alguien no se censura. No ha tenido inconvenientes en reconocer que el grave error que cometió al aceptar protagonizar “Batman y Robin”, seducido por los ceros del cheque. Hace algunos años se le acusó de hacer chistes de mal gusto sobre el Alkzheimer de Charlton Heston, algo que no tuvo reparo en admitir y justificar con la pertenencia del actor de “Los 10 Mandamientos” a la Asociación Nacional del Rifle. También, tras su trabajo en “Tres Reyes” no dudó en afirmar que su director David O Russell era un genio, pero también un gilipollas.

Ha sido una de las estrellas de Hollywood que de manera más regular se ha prestado a participar en producciones independientes y presupuestos inferiores a los que suelen manejar otras estrellas de su calibre. Eso le ha permitido no sólo mantener fructíferas relaciones con cineastas como los Hermanos Coen (en la denominada “Trilogía de los Idiotas”, formada por “O Brother”, “Crueldad Intolerable” y “Quemar después de Leer”) o Steven Soderbergh, sino también participar en títulos que le reportarían una excelente reputación como actor, rompiendo su imagen de galán romántico y mostrando una abierta vulnerabilidad (“Michael Clayton”, “Up in the Air”, “Los Descendientes”). También ha sido un actor que no ha tenido inconvenientes en reírse de su propia imagen en “O Brother”, su cameo en “Spy Kids”, “Ella Es el Partido”, “Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras” o “Fantástico Mr. Fox”.

Junto a su carrera como actor, está desarrollando también una más que interesante filmografía como director y productor. Este interés por actuar de padrino de determinadas películas le ha llevado a también ejercer en varias ocasiones el puesto de productor ejecutivo, especialmente a través de la compañía Section Eight Productions que creó con el director Steven Soderberg, con la que entre 2001 y 2009 dio salida, aparte de sus películas conjuntas (la trilogía de “Ocean’s Eleven”, “El Buen Alemán”), a títulos como “Insomnia” de Christopher Notan, “Lejos del Cielo” de Todd Haynes, “The Jacket” de John Maybury o “A Scanner Darkly” de Richard Linklater. Su primera película como director, “Confesiones de una Mente Peligrosa”, le reportó buenas críticas, pero sufrió una mala distribución en nuestro país y aún está esperando su edición en formato doméstico; sin embargo “Buenas Noches y Buena Suerte” fue su confirmación como un director con ambiciones y una sólida puesta en escena. Tras dos títulos comprometidos, quiso demostrar que también podía realizar cintas de género, homenajeando a la comedia clásica de Howard Hawks con “Ella Es el Partido”, ambientada alrededor del deporte del rugby en los años 20. Sin embargo, Clooney es un cineasta que prefiere ponerse tras la cámara cuando realmente tiene algo importante que decir, como vuelve a demostrar en su última película como director, “Los Idus de Marzo”, donde vuelve a arremeter contra el turbio mundo de la política.

Precisamente, en lo referente a la política, se situó en numerosas ocasiones contra la administración Bush, sobre todo en lo referente a su intervención en Irak y no ha dudado en dar su apoyo público a causas internacionales como Darfur. Y es que bajo esa fachada de estrella de Hollywood de vida glamorosa y disipada, George Clooney no puede esconder ser una persona que se toma muy en serio la sociedad en la que vive y que necesita aportar su grano de arena a la hora de ayudar a solventar causas sociales y humanitarias. Esta dualidad en su imagen ha generado de él una figura misteriosa y de la que quizás sólo hemos empezado a rascar en la superficie. Y es que ante todo hay que decir que George Clooney busca ser coherente y honesto a la hora de asumir sus éxitos y sus fracasos. Es igual de factible escucharle confesar orgulloso su participación al principio de su carrera en títulos como “El Retorno de los Tomates Asesinos”, reírse de su descalabro comercial con “Batman y Robín” o defender con valentía sus títulos más minoritarios, como “Syriana” o “Buenas Noches y Buena Suerte”. Y eso es algo que muy pocos en Hollywood son capaces de hacer en público.

NOMINACIONES A LOS OSCARS

Entre candidatos predecibles y olvidos imperdonables se han debatido las nominaciones a los Oscars presentadas ayer martes 24 de enero. Como era de esperar la cinta francesa “The Artist” parte como una de las favoritas para alzarse como gran ganadora de esta edición, con un total de 10 nominaciones, entre las que se encuentran aspectos principales como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original, Mejor Actor Principal o Mejor Actriz De Reparto. Sin embargo en lo que respecta a número de candidaturas la ganadora ha sido “La Invención de Hugo”, la primera aproximación de Martin Scorsese al cine infantil y al sistema estereoscópico, aunque ésta se ha visto aupada gracias a su alta participación en apartados técnicos, no obteniendo ninguna nominación en el apartado de interpretación. Por otro lado, al igual que sucediera en los Globos de Oro, la cinta que parte como principal competidora a la película de Michel Hazanavicius es “Los Descendientes” de Alexander Payne, que sólo ha obtenido cuatro nominaciones, pero todas en apartados importantes y que compiten directamente con “The Artist” (Película, Director, Actor Principal).

Otros títulos que partían como serios aspirantes a los premios han conseguido recoger algunas nominaciones, aunque en menor grado. “Moneyball: Rompiendo las Reglas” y “War Horse (Caballo de Batalla)” parten con seis nominaciones cada una pero pocas esperanzas de premio. David Fincher con “Los Hombres que no Amaban a las Mujeres” se ha visto relegado a aspectos técnicos, aunque sí ha conseguido mención para Rooney Mara como Actriz Principal y para Jeff Cronenweth por la Dirección de Fotografía. Woody Allen ha conseguido regresar a las principales candidaturas gracias a “Midnight in Paris”, la cinta que mayores satisfacciones le ha dado en mucho tiempo. Opta a Película, Dirección, Dirección Artística y Guión Original, con posibilidades en esta última. Otra de las favoritas, “El Árbol de la Vida”, se ha tenido que contentar con tres nominaciones (Película, Dirección y Fotografía), pero al menos ha entrado en algunos de los apartados más importantes.

Ha sorprendido la presencia de “Tan Fuerte, Tan Cerca” entre las candidatas a Mejor Película, obteniendo sólo otra nominación más a Mejor Actriz de reparto. Tiempo atrás “El Topo” tuvo ilusiones de estar entre las favoritas, sin embargo, con el tiempo sus opciones se fueron evaporando; aún así ha logrado el mérito de darle la primera nominación de su carrera a Gary Oldman, además de optar a Guión Adaptado y Música Original para el español Alberto Iglesias. Cintas como “La Dama de Hierro”, “Albert Nobbs” y “Mi Semana con Marilyn” tenían asegurada la presencia de sus actrices protagonistas, Meryl Streep, Glenn Close y Michelle Williams, obteniendo además otras candidaturas complementarias (Maquillaje la primera, Actriz de reparto y de nuevo Maquillaje la segunda, Actor de Reparto la tercera). Los títulos más taquilleros del año han acaparado los apartados técnicos, especialmente “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2” y “Transformers. El Lado Oscuro de La Luna”, con tres nominaciones cada una (Dirección Artística, Maquillaje y Efectos Visuales la primera, Efectos de sonido, Sonido y Efectos Visuales la segunda).Aún así sorprende la presencia de “La Boda de mi Mejor Amiga” que ve reconocido el apoyo del público y su buen rendimiento en taquilla con mención a Mejor Guión Original y Mejor Actriz secundaria para Melissa McCarthy. La presencia española queda representada, además de por Alberto Iglesias, por la cinta de Fernando Trueba y Javier Mariscal “Chico y Rita” que entra en la categoría de Mejor Película de Animación, aunque tampoco hay que olvidar la participación española en la coproducción de “Midnight in Paris”. El apartado de Mejor Película de Habla no Inglesa evidencia algunas ausencias y deja vía libre a “Nader y Simin. Una Separación” como principal favorita, que además ha obtenido de manera inesperada también una candidatura a Guion Original.

Entre las sorpresas menos gratas que encontramos están las sonadas ausencias de películas como “J. Edgar” de Clint Eastwood, que no obtuvo siquiera una mención a su actor principal, Leonardo DiCaprio; “Un Dios Salvaje” de Roman Polanski, que se merecía entrar aunque fuera en los apartados de interpretación gracias a su excepcional cuarteto protagonista; “Shame” de Steve McQueen, que en todas las quinielas aparecía como una de las favoritas en el apartado de Actor Principal para Michael Fassbender; “We Need to Talk about Kevin”, para la que se había augurado al menos una candidatura para Tilda Swinton como Mejor Actriz Principal; “Melancolía” de Lars Von Trier, “El Niño de la Bicicleta” de los Hermanos Dardenne o “La Piel que Habito” de Pedro Almodóvar que tampoco se han hecho con ninguna nominación; o “Super 8”, que al menos se merecía competir en algún apartado técnico.También cintas como “Los Idus de Marzo”, “Las Aventuras de Tintín. El Secreto del Unicornio” o “Drive” debían optar a más premios de las candidaturas en las que entraron. La primera se ha tenido que contentar con una nominación a Mejor Guión Adaptado, ignorando por ejemplo a Ryan Gosling como actor secundario. El propio Gosling podía haber accedido a las candidaturas de interpretación también por su trabajo en “Drive”, cinta que a su vez tenía posibilidades de optar a Mejor Dirección, Actor Secundario para Albert Brooks o Guion Adaptado, pero que se ha quedado con una candidatura de consolación a Sonido. Por otro lado sorprende la ausencia de “Las Aventuras de Tintín”, cinta muy superior a muchas de las nominadas en el apartado de Mejor Película de Animación, pero que sin embargo sólo ha tenido mención a la partitura original de John Williams (quien además hace doblete por su otro trabajo para Steven Spielberg, “War Horse (Caballo de Batalla)”, consiguiendo así desempatar con Alfred Newman y convertirse en el compositor más nominado de la historia de estos premios).

Pasemos a continuación a la relación de las Nominaciones y a apuntar nuestra quiniela particular.

MEJOR PELÍCULA

De acuerdo a las bases establecer algunos años, según las cuales la Academia podía incluir un máximo de diez candidaturas en el apartado de Mejor Película, para esta edición se han escogido nueve títulos, de los cuales el premio parece titubear, como es habitual, entre dos de ellos: “The Artist” y “Los Descendientes”. El resto forman parte de ese conjunto de películas que la entidad ha querido favorecer con su beneplácito, aunque sorprende la presencia de “Tan Fuerte, Tan Cerca”, justificada si acaso por el peso de su director Stephen Dandry, autor de “Las Horas”, pese a que éste no ha obtenido nominación en el apartado de dirección. Si tomamos como referente las quinielas que se están estableciendo y los resultados de otras entregas de premios previas a los Oscars, todo apunta que este año la ganadora va a ser la cinta de Michel Hazanavicius, que con su homenaje a los orígenes del cine ha conquistado a público, crítica e industria.

“The Artist”

“Los Descendientes”

“Criadas y Señoras”

“La Invención de Hugo”

“Midnight in Paris”

“Moneyball: Rompiendo las Reglas”

“Tan Fuerte, Tan Cerca”

“El Árbol de la Vida”

“War Horse (Caballo de Batalla)”

MEJOR DIRECTOR

El plantel de directores que forma este apartado es francamente espectacular y curiosamente los autores de las dos películas favoritas de la noche son los que cuentan con un menor caché frente a pesos pesados como Allen, Mallick o Scorsese. El interés de sus películas puede favorecer a Hazanavicius o a Payne pero tras los resultados de los Globos de Oro y el montante de nominaciones recibido por “La Invención de Hugo” nos decantamos a creer que Scorsese hará doblete con los premios de la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood y que podrá aventajar a sus competidores, logrando así la segunda estatuilla de su carrera. En cualquier caso echamos de menos en esta categoría nombres como Clint Eastwood, Nicolas Winding Refn o Steve McQueen.

Woody Allen por “Midnight in Paris”

Michel Hanazavicius por “The Artist”

Terrence Malick por “El Árbol de la Vida”

Alexander Payne por “Los Descendientes”

Martin Scorsese por “La Invención de Hugo”

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Salvo sorpresa mayúscula este es uno de los premios cantados de la noche. Con 17 candidaturas a sus espaldas (lo que la ha convertido en la intérprete más nominada de la historia de los Oscars), Meryl Streep logrará por fin su tercera estatuilla (las anteriores fueron por “Kramer contra Kramer” en 1983 y “La Decisión de Sophie” en 1980). Sus más cercanas competidoras son Glenn Close y Michelle Williams, con casi nulas opciones de premio para Viola Davis o Rooney Mara.

Glenn Close por “Albert Nobbs”

Viola Davis por “Criadas y Señoras”

Rooney Mara por “Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres”

Meryl Streep por “La Dama de Hierro”

Michelle Williams por “Mi Semana con Marilyn”

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Esta categoría vuelve a subrayar la rivalidad entre “The Artist” y “Los Descendientes”, con Jean Dujardin y George Clooney como principales aspirantes a la estatuilla. Particularmente, nuestro mayor gozo está en esa primera nominación para un actor de trayectoria tan espectacular como Gary Oldman y sería una reconfortante sorpresa que fuera él el ganador; sin embargo, opinamos que el Oscar irá a parar finalmente a manos de Clooney, corroborando así su premio en los Globos de Oro.

Demián Bichir por “A Better Life”

Brad Pitt por “Moneyball: Rompiendo las Reglas”

George Clooney por “Los Descendientes”

Jean Dujardin por “The Artist”

Gary Oldman por “El Topo”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Las incongruencias y las injusticas de las nominaciones de este año se ensañan particularmente en la categoría de Mejor Actriz de Reparto. Ante la competencia en la otra candidatura, la productora de “The Artist” hizo campaña por Bérénice Bejo como actriz secundaria cuando el suyo es claramente un papel protagonista. La Academia de dejó llevar por esta decisión, asegurándole la candidatura, aunque dudamos que tenga opciones de premio. Por otro lado, Jessica Chastain ha sido la actriz revelación del año, sin embargo, su interpretación en “El Árbol de la Vida” resultaba mucho más destacable y merecedora de nominación que la de “Criadas y Señoras”, donde además va a tener que competir con desventaja contra la favorita en este apartado, Octavia Spencer.

Bérénice Bejo por “The Artist”

Jessica Chastain por “Criadas y Señoras”

Melissa McCarthy por “La Boda de mi Mejor Amiga”

Janet McTeer por “Albert Nobbs”

Octavia Spencer por “Criadas y Señoras”

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Dura es también la competencia del apartado de Mejor Actor de Reparto, con nombres tan prestigiosos como Kenneth Branagh, Nick Nolte, Christopher Plummer y Max Von Sydow, o la sorpresa de Jonah Hill interpretando un papel dramático. Sin embargo, y apelando a ese sentido de la justicia compensatorio de la Academia, abogamos por un Oscar para Christopher Plummer, quien, con ésta, contabiliza tan sólo dos nominaciones. Además este premio cuenta con el precedente de los Globos de Oro, lo que ayudaría a reconocer la extensa labor de este magnífico actor de carácter.

Kenneth Branagh por “Mi Semana con Marilyn”

Jonah Hill por “Moneyball: Rompiendo las Reglas”

Nick Nolte por “Warrior”

Christopher Plummer por “Beginners”

Max Von Sydow por “Tan Fuerte, Tan Cerca”

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Para esta categoría la Academia ha ofrecido un heterogéneo conjunto de nominadas. Por un lado ha querido reconocer el carácter subversivo que encandiló al público de “La Boda de mi Mejor Amiga”, la supuesta valentía de “Margin Call” al denunciar los orígenes de la crisis económica, o el reto de escribir un libreto sin diálogos en “The Artist”; sin embargo, el premio puede estar entre el regreso de Woody Allen a la categoría de Mejor Guión Original (su anterior candidatura fue por “Match Point”) o la sorpresa de la cinta iraní “Nader y Simin, una Separación” (recordemos que en 2003 Pedro Almodóvar ya ganó en un Oscar a Mejor Guión Original por un libreto en un idioma diferente al inglés). Nosotros apostamos por Allen, quien conseguiría así la cuarta estatuilla de su carrera (de 23 nominaciones), dos de ellas obtenidas también por Mejor Guión Original (“Annie Hall” en 1978 y “Hannah y Sus Hermanas” en 1987) y otra más como Mejor Director (por “Annie Hall”).

Michel Hazanavicius por “The Artist”

Kristen Wiig, Annie Mumolo por “La Boda de mi Mejor Amiga”

J.C. Chandor por “Margin Call”

Woody Allen por “Midnight in Paris”

Asghar Farhadi por “Nader y Simin, una Separación”

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

En 2006 Alexander Payne compitió como la alternativa indie de los Oscars con “Entre Copas”, obteniendo cinco nominaciones y alzándose con la estatuilla de Mejor Guión Adaptado. Este año parte con mejores expectativas, especialmente, como hemos comentado en el apartado de Actor Principal, y no nos extrañaría que volviera a repetir premio por el libreto. En cualquier caso, la competencia es dura y tal vez “Moneyball: Rompiendo las Reglas” o “El Topo” podrían enmendarle la plana.

Alexander Payne, Nat Faxton, Jim Rash por “Los Descendientes”

John Logan por “La Invención de Hugo”

George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon por “Los Idus de Marzo”

Aaron Sorkin, Steven Zaillian, Stan Chervin por “Moneyball: Rompiendo las Reglas”

Bridget O'Connor, Peter Straughn por “El Topo”

MEJOR MÚSICA - PARTITURA ORIGINAL

John Williams ha pasado a ser ya el segundo artista más nominado en los Oscars, sólo aventajado por Walt Disney. Tras un periodo alejado del cine, su regreso a la gran pantalla de la mano de su amigo Steven Spielberg le ha granjeado una doble nominación (curiosamente, igual que en 2006, cuando competía por “Munich” y “Memorias de una Geisha”); sin embargo, si bien, ambas partituras son merecedoras tanto de nominación como de estatuilla, todo parece apuntar a que este Oscar esta destinado a seguir sumando las arcas de “The Artist”. En cualquier caso desde aquí deseamos suerte a Alberto Iglesias, cuya partitura para “El Topo” es también excepcional, pero resulta más discreta durante la película y seguramente llame menos la atención a los Académicos.

John Williams por “Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio”

Ludovic Bource por “The Artist”

Howard Shore por “La Invención de Hugo”

Alberto Iglesias por “El Topo”

John Williams por “War Horse (Caballo de Batalla)”

MEJOR MÚSICA - CANCIÓN ORIGINAL

Chocante el caso de la categoría de Mejor Canción Original, donde de los múltiples temas presentados sólo se han escogido dos, dejando casi desierto este apartado. Sin duda había muchas canciones perfectamente válidas para completar la candidatura, e incluso de entre las dos películas candidatas se podría haber escogido alguna canción complementaria para que no quedara tan pobre. De las dos que hay la elección es complicada. Nosotros por preferencia personal escogeríamos ‘Man or Muppet’, pero sin duda la presencia de Carlinhos Brown y la exhubernacia y el exotismo de la música de “Real in Rio” pesarán en su favor.

‘Man or Muppet’, de “Los Muppets”

‘Real in Rio’, de “Rio”

MEJOR FOTOGRAFÍA

En esta categoría Guillaume Schiffman lo va a tener difícil para otorgarle una nueva estatuilla a “The Artist”, pese a su excelente labor a la hora de reproducir el tipo de fotografía del Hollywood clásico, pero es que nombres como Cronenweth, Richardson, Lubezki o Kaminski están en lo más alto del escalafón de la industria, además todos en representación de películas que les han permitido lucirse. Nuestra apuesta es por el descomunal trabajo de Emmanuel Lubeski en la cinta de Terence Mallick “El Árbol dela Vida”.

Guillaume Schiffman por “The Artist”

Jeff Cronenweth por “Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres”

Bob Richardson por “La Invención de Hugo”

Emmanuel Lubezki por “El Árbol de la Vida”

Janusz Kaminski por “War Horse (Caballo de Batalla)”

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

A las candidatas recurrentes de candidaturas anteriores, aquí empezamos a sumar títulos de peso más comercial, concretamente “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 2”, que a su vez suma a su favor el tratarse del cierre de una de las franquicias más taquilleras del cine reciente. Esto puede pesar a su favor frente a sus competidoras, pero en esta ocasión nosotros optamos por decantarnos por “La Invención de Hugo”, donde el detallismo habitual en este tipo de aspectos del cine de Scorsese se suma al carácter fantasioso de la trama.

“The Artist”

“Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 2”

“La Invención de Hugo”

“Midnight in Paris”

“War Horse (Caballo de Batalla)”

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Además de la presencia de “The Artist” y “La Invención de Hugo”, la categoría de vestuario ha sido el único espacio de reconocimiento para dos de las películas más vilipendiadas del pasado año, “Anonymous” de Roland Emmerich y “W.E.”, el debut como directora de Madonna. También le ha proporcionado la única nominación a una película tan loable como “Jane Eyre”, a la que hemos echado de menos en las categorías de Actriz Principal, Actor Principal y Dirección de Fotografía. Nuestro voto va para esta última, no sólo por el excelente trabajo de Michael O’Connor, sino también como reconocimiento a una de las películas más exquisitas del 2011.

“Anonymous”

“The Artist”

“La Invención de Hugo”

“Jane Eyre”

“W.E.”

MEJOR MAQUILLAJE

Este año la Academia también ha reducido el número de candidatos al apartado de Maquillaje, y como es habitual, la duda está en si se decantará por un acercamiento más realista o fantasioso. Lo primero favorecería a “La Dama de Hierro” por la labor de mimésis de Meryl Streep en Margaret Thatcher, mientras que lo segundo le reportaría la estatuilla a la última entrega de Harry Potter. Dado que se da por seguro el premio a Mejro Actriz Principal para Streep, sería incongruente no otorgarle a la película también la estatuilla de Maquillaje, dado que aquí es donde la intérprete ha encontrado su mayor apoyo para desarrollar su trabajo.

“Albert Nobbs”

“Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 2”

“La Dama de Hierro”

MEJOR MONTAJE

En nuestra opinión, el premio a Mejor Montaje estará dividido entre el carácter minimalista de “Los Descendientes” o la siempre virtuosa y barroca labor de Thelma Schoomaker para Martin Scorsese. Dado que la experiencia siempre es un grado, y que estamos hablando de una de las más destacadas profesionales de la edición cinematográfica, nuestro voto va para “La Invención de Hugo”.

“The Artist”

“Los Descendientes”

“Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres”

“La Invención de Hugo”

“Moneyball: Rompiendo las Reglas”

MEJOR EFECTOS DE SONIDO

La elaboración de sonidos que se ajusten a las acciones, personajes y objetos que aparecen en pantalla es todo un proceso creativo. En esta ocasión, nuestras favoritas son “Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres” y “Transformers: El Lado Oscuro de La Luna”, decantándonos por esta última por la complicación que acarrea una superproducción de estas características y que generalmente pasa desapercibida para el público general.

“Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres”

“La Invención de Hugo”

“Moneyball: Rompiendo las Reglas”

“Transformers: El Lado Oscuro de La Luna”

“War Horse (Caballo de Batalla)”

MEJORES EFECTOS VISUALES

La extraordinaria evolución de los efectos generados por ordenador llevan varias ediciones dominando este apartado de Efectos Visuales. Este año el nivel d las candidatas es excelente aunque nosotros distinguiríamos dos por encima de las demás: “Transformers: El Lado Oscuro de La Luna” y “El Origen del Planeta de los Simios”. La extraordinaria labor de captura de movimiento, sumado a la maestría de un actor como Andy Serkis, en nuestra opinión, hace que en ésta última el concepto de efectos visuales alcance un nivel superior. Dado que la propuesta de aceptar la captura de movimiento dentro del apartado interpretativo y, por lo tanto, nominar a Serkis como Mejor Actor Principal no fructificó, consideramos de recibo reconocer con esta estatuilla la aportación que ha hecho “El Origen del Planeta de los Simios” al desarrollo de personajes virtuales en el cine.

“Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2”

“La Invención de Hugo”

“Acero Puro”

“El Origen del Planeta de los Simios”

“Transformers: El Lado Oscuro de La Luna”

SONIDO

En diferentes puntos de este análisis hemos hecho referencia a nuestra desilusión al no encontrar una película como “Drive” nominada en más apartados. Su única candidatura ha sido a Mejor Sonido, donde consideramos que Lon Bender y Victor Ray Ennis han realizado un trabajo excepcional, convirtiendo el sonido en un elemento fundamental de la narrativa de la película. Por esto, consideramos que debería ser el ganador de esta categoría. Cualquiera de las otras alternativas, todas excelentes trabajos y merecedoras de su nominación, sería un nuevo desagravio a una de las mejores películas del 2011.

“Drive”

“Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres”

“La Invención de Hugo”

“Transformers: El Lado Oscuro de La Luna”

“War Horse (Caballo de Batalla)”

MEJOR PELÍCULA DE LENGUA EXTRANJERA

La industria ya ha hablado y ha confesado su predilección por la cinta iraní “Nader y Simín. Una Separación”. No sólo los premios recibidos en otros eventos, sino también su doble nominación a los Oscars sitúan a esta película por encima de sus competidoras. Sería una nueva incongruencia de la Academia hacer esta distinción hacia la película y posteriormente votar por otra diferente.

“Bullhead” (Bélgica)

“Footnote” (Israel)

“In Darkness” (Polonia)

“Monsieur Lazhar” (Canadá)

“Nader y Simin, una separación” (Irán)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Si bien nos alegramos de la presencia de la cinta española “Chico & Rita” en esta categoría no podemos más que protestar ante la ausencia de “Las Aventuras de Tintín. El Secreto del Unicornio”, no sólo merecedora de nominación sino de la estatuilla. Ante este desplante de la Academia a la cinta de Steven Spielberg y Peter Jackson, nuestro voto va para la cinta de Gore Verbinski “Rango”, aunque si la Academia prefiere ponerse exótica, un Oscar para Fernando Trueba y Javier Mariscal no nos parece en absoluto descabellado.

“Chico & Rita”

“Kung Fu Panda 2”

“El gato con botas”

“Rango”

“Un gato en París”

MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

Una de las ausentes en el apartado de Mejor Película de Habla no Inglesa ha sido “Pina”, experimento en sistema estereoscópico del prestigioso director alemán Wim Wenders, que la Academia ha tenido a bien redirigir a la categoría de Mejor Largometraje Documental, donde se presenta como la más que posible ganadora.

“Hell and Back Again”

“If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front”

“Paradise Lost 3: Purgatory”

“Pina”

“Undefeated”

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

“The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement”

“God Is the Bigger Elvis”

“Incident in New Baghdad”

“Saving Face”

“The Tsunami and the Cherry Blossom”

MEJOR CORTOMETRAJE DE IMAGEN REAL

“Pentecost”, Peter McDonald, director (EMU Productions)

“Raju”, Max Zähle, director y Stefan Gieren, productor (Hamburg Media School/Filmwerkstatt)

“The Shore”, Terry George, director-productor (All Ashore Productions Limited)

“Time Freak”, Andrew Bowler, director y Gigi Causey, productor (Team Toad)

“Tuba Atlantic”, HallvarWitzø, director (The Norwegian Film School/Den Norske Filmskolen)

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

“Dimanche/Sunday”, Patrick Doyon, director (National Film Board of Canada)

“The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore”, William Joyce and Brandon Oldenburg, directors (Moonbot Studios LA, LLC)

“La Luna”, Enrico Casarosa, director (Pixar AnimationStudios)

“A Morning Stroll”, Grant Orchard, director and Sue Goffe, producer (Studio AKA)

“Wild Life”, Amanda Forbis and Wendy Tilby, directors (National Film Board of Canada)

La ceremonia de entrega de los Oscars tendrá lugar en el Kodak Theatre de Los Angeles el próximo 26 de febrero y estará presentada por Billy Crystal.

DAVID FINCHER. DE “ALIEN 3” A “MILLENIUM”. DESTILANDO EL MAL.

Con una filmografía caracterizada por ofrecer ambientes oscuros, escabrosos y claustrofóbicos, así como por presentar personajes torturados y traumatizados en situaciones extremas, David Fincher ha conseguido convertirse en uno de los más destacados directores del panorama actual Hollywoodiense, con una amplia legión de fans que esperan con ansia cada nuevo trabajo suyo y con un extenso sector de la crítica postrado a sus pies, a pesar de decantarse habitualmente por superproducciones comerciales, repletas de estrellas de la industria. Tras dos títulos atípicos en su carrera, pero al mismo tiempo coherentes con su discurso, como “El Curioso Caso de Benjamin Button” y “La Red Social”, el cineasta ha regresado con “Millenium. Los Hombres que no Amaban a las Mujeres” a esos ambientes turbios que definieron a títulos como “Se7en”, “The Game”, “La Habitación del Pánico” o “Zodiac”.

David Fincher comenzó su carrera como animador para Industrial Light and Magic entre 1980 y 1984 aproximadamente, tiempo en el que trabajó en películas tan conocidas como “El Retorno del Jedi” o “Indiana Jones y el Templo Maldito”. Esta experiencia sin duda sería fundamental para su posterior dominio de la técnica como herramienta narrativa. En 1986 fundó la productora Propaganda Films, dirigiendo videos de alto presupuesto para artistas como Madonna (con canciones como “Express Yourself”, “Oh Father”, “Vogue” o “Bad Girl”), Michael Jackson (“Who is It?”), George Michael (“Freedom ‘90”), Aerosmith ("Janie's Got A Gun"), Billy Idol (“L.A. Woman”, “Cradle of Love”), Sting (“Englishman in New York”) y los Rolling Stones (“Love Is Strong”). Además desarrolló una importante carrera dentro del mundo de la publicidad, dirigiendo campañas para empresas de gran importancia como Nike.

Su llegada al cine no fue especialmente positiva y sí bastante traumática. En 1992 fue contratado para rodar “Alien 3”. La cinta ya venía sufriendo un grave problema de producción. Tras la cámara habían pasado los realizadores Renny Harlin y Vincent Ward, heredando Fincher la visión del proyecto de este último y su estética sucia, con tintes medievales. Durante el rodaje Fincher tuvo que sufrir la continua intervención de los productores, que no dejaban de imponerle la manera de hacer su trabajo. Además, estos no dudaban en desacreditarlo delante del reparto, a lo que hay que sumar las filtraciones del guión y la pobre recepción que tuvo por parte del público. A pesar de ello, y aceptando que “Alien 3” es por necesidad una cinta fallida e irregular, hay que reconocer que la película cuenta con algunos momentos que hacían presagiar la fuerza narrativa de su puesta en escena y algunos de los temas a desarrollar en películas posteriores, como la siniestra herencia genética del ser humano y el concepto del pecado. Sin llegar en ningún momento a los niveles de las dos primeras entregas de la saga, esta segunda secuela mantiene la dignidad con su intención de ofrecer un acercamiento diferente a la franquicia de “Alien”, sin caer en los tópicos establecidos en las dos primeras partes. En cualquier caso se trata de una cinta muy superior a las siguientes continuaciones de la serie que ya si optaron por canibalizar a las líneas maestras de Ridley Scott y James Cameron.

Tras esta traumática experiencia, Fincher tardó tres años en regresar al cine, sin embargo, su segundo trabajo estaba llamado a convertirse en uno de los clásicos del reciente cine de suspense. “Se7en” contó a priori con los ganchos de Brad Pitt y Morgan Freeman, pero pronto el boca a boca hizo que la fama de la película superara a la de sus protagonistas. Al éxito de la cinta contribuyó notablemente el guión de Andrew Kevin Walker, la excelente fotografía de Darius Khondji, la banda sonora de Howard Shore y la interpretación de un por aquel momento casi desconocido Kevin Spacey. Éste había llamado la atención gracias a su papel en “Sospechosos Habituales”, y con “Se7en” terminó de convertirse en una estrella, estatus que confirmó años más tarde con su papel en “American Beauty”. Siguiendo la estela de cinta oscura y claustrofóbica de “El Silencio de los Corderos”, “Se7en” se convirtió en un modelo a seguir para el thriller de mediados de los noventa y principios del siglo XXI. Fincher planeó la escenificación de cada uno de los crímenes como enfermizas set pieces, generando una atmósfera lúgubre y malsana hasta la náusea. A raíz de su éxito comenzaron a prepararse cintas como “El Coleccionista de Amantes”, “El Coleccionista de Huesos”, “La Celda” o “Vidas Ajenas”, marcadas por esa visión de un tipo de violencia macabra y morbosa, sexo sadomasoquista y un gran énfasis en la ambientación.

El éxito de “Se7en” permitió a Fincher acometer enseguida su siguiente proyecto, “The Game”. Aquí de nuevo contó con un guión de Andrew Kevin Walker que, en cierta forma, seguía las pautas de “Se7en”, con el personaje principal interpretado por Michael Douglas, siendo acosado por una serie de acontecimientos que derrumban su vida de comodidad y lujo para adentrarlo en el lado oscuro, esa cara de la sociedad que supura depravación y violencia. Fincher nuevamente puso un gran énfasis en la ambientación. Su puesta en escena es compleja y arriesgada, subrayando un sentido de amenaza constante que persigue al protagonista (un falso culpable al más puro estilo Hitchcoriano), sin embargo, en esta ocasión el guión no resulta tan efectivo como en su trabajo anterior. Las trampas de la trama resultaron más evidentes y la acumulación de incongruencias lastró notablemente la verosimilitud de la historia. En cualquier caso se trataba de un agobiante ejercicio de estilo que seguía ahondando en la definición del estilo personal de su director y su visión del reverso tenebroso de la sociedad moderna.

Sin ser un gran éxito como “Se7en”, “The Game” tuvo una buena acogida en taquilla, sin embargo, la carrera de Fincher parecía encontrarse en un impasse y parecía estar abocada a repetir los patrones de su mayor éxito. El director quiso salirse por la tangente y se arriesgó con otro proyecto provocador, “El Club de la Lucha”. Basada en una rompedora novela de Chuck Palahniuk, la cinta estaba protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter. La trama de la historia daba pie a salirse de las normas del cine tradicional y ofrecer una narrativa diferente y juguetona, agresiva y muy subversiva, al mismo tiempo que ofrecía al director la oportunidad de una nueva reflexión sobre el tema de la violencia inherente al ser humano, convertida aquí por el contrario en válvula de escape ante la tiranía del capitalismo y lo políticamente correcto en la sociedad moderna. A lo largo de la cinta se respiraba una gran complicidad entre los actores y el director, especialmente en el afán de todos por enfocar su trabajo desde una perspectiva un tanto anárquica. Afortunadamente, lo que se podía haber quedado en una mera travesura por parte de sus principales responsables, adquirió una mayor entidad en manos de Fincher, transformando a la cinta en un auténtico fenómeno cinematográfico, apoyado por la fama que ya arrastraba la novela original. “El Club de la Lucha” convirtió a Fincher por segunda vez en un director de culto, sin embargo en esta ocasión no quiso precipitarse y se tomó con calma su siguiente proyecto.

“La Habitación del Pánico” era un thriller claustrofóbico, protagonizado por Jodie Foster, quien tuvo que sustituir a Nicole Kidman a última hora, después de la lesión de rodilla que la actriz australiana sufrió durante el rodaje de “Moulin Rouge” y que también había obstaculizado el rodaje de “Los Otros” de Alejandro Amenábar. La trama volvía a plantear dos bandos entre la sociedad civilizada (culta, burguesa, naif), encarnada por la protagonista y su hija, y el submundo criminal, representado por el trío de ladrones (la amenaza que irrumpe en el refugio de manera violenta y perturba el status quo). Una vez superado el umbral del miedo inicial, la cinta vuelve a reflexionar sobre la naturaleza de la violencia, capaz de equiparar, una vez desatada, a los hijos repudiados de la sociedad y a sus más honestos representantes. Sin ser una obra redonda, la cinta se sustentaba principalmente en el notable trabajo de Foster, la presencia de actores como Jared Leto, Forrest Whitaker o una desconocida Kristen Stewart (seis años antes de “Crepúsculo”) y en la alambicada puesta en escena del director. Por otro lado, al desarrollarse toda la acción dentro de un mismo edificio, Fincher demostró un gran dominio del espacio físico, dando una gran entidad a todo el escenario, además de mover la cámara por cada recoveco empleando trucos digitales y planos imposibles. La fama del director y el buen ojo comercial de Jodie Foster, una actriz acostumbrada a combinar con inteligencia la comercialidad con el talento artístico, dieron como resultado un nuevo gran éxito en taquilla.

Cinco años transcurrieron entre el estreno de “La Habitación del Pánico” y el siguiente trabajo del director, “Zodiac”, durante los cuales Fincher tuvo que llevar a cabo una extensa labor de documentación. Al igual que el protagonista de su historia, el director se obsesionó con la figura del Asesino del Zodíaco, llevando a cabo una obra detallista y meticulosa. Sin embargo, más allá del intenso trabajo de ambientación y de investigación a partir de toda la documentación generada alrededor de este caso, lo verdaderamente destacado es la nueva indagación de Fincher acerca del lado oscuro de la humanidad, no sólo con los detalles de los crímenes, sino también por el carácter morbosamente obsesivo de cada uno de los personajes, cuya implicación en la búsqueda del asesino acababa truncando el devenir de sus vidas cotidianas. Por fin, tras dos intentos irregulares en el terreno del thriller como “The Game” y “La Habitación del Pánico”, el cineasta contaba con una base literaria a la altura de su poderosa narrativa, ofreciendo una película madura, compleja y nada complaciente.

Tras el estreno de “Zodiac”, la carrera de David Fincher experimentó una inesperada transformación. En primer lugar aumentó su ritmo de trabajo, hasta el punto de que apenas hubo un intervalo de un año entre ésta y su siguiente trabajo, “El Curioso Caso de Benjamin Button”. Otro elemento chocante fue el radical cambio de temática y tono. Para esta película protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett abandonaba los ambientes sórdidos y la visión pesimista del ser humano, para contar la primera historia de amor de su carrera, un drama romántico que aborda un amplio espacio de tiempo, proponiendo además una mirada nostálgica e intimista a la historia estadounidense del siglo XX. El punto de partida era un relato de Scott Fitzgerald que llevaba mucho tiempo pasando de mano en mano en busca de alguien capaz de llevar a cabo un planteamiento tan complejo, la vida de un hombre que va rejuveneciendo con los años. Salvo esta idea poco queda del relato de Fitzgerald en la película, es más, la fuente literaria era radicalmente más ácida y cínica, mientras que el Benjamin Button de Fincher es un hombre excepcional empeñado en llevar una vida normal y corriente. Si bien toda la cinta está marcada por un tono necesariamente fúnebre y agridulce, no deja de ser la película más luminosa y positiva de la carrera de su director y la única donde esa indagación en las diferentes facetas de la maldad no tiene cabida.

Después de que la Academia de Hollywood olvidara injustamente a “Zodiac” en sus candidaturas a los Oscars, “El Curioso Caso de Benjamin Button” se convirtió en la primera cinta claramente premiable de David Fincher, un proyecto ideado para estar entre las favoritas de los Oscars y aportarle al cineasta el reconocimiento que se le había denegado con sus trabajos de género. La película consiguió 13 nominaciones, incluyendo mejor dirección, pero ese año la Academia prefirió agasajar a la cinta de Danny Boyle, “Slumdog Millionaire”, premiando a la cinta de Fincher únicamente en tres apartados técnicos (dirección artística, maquillaje y efectos visuales). De manera casi inmediata, el cineasta inició el rodaje de su nuevo trabajo, otro proyecto arriesgado y poco común, aparentemente también muy alejado de su universo habitual, “La Red Social”.

Esta cinta sobre el origen de Facebook y su creador Mark Zuckerberg, con un guion escrito por el prestigioso Aaron Sorkin (“El Ala Oeste de la Casa Blanca”), se convirtió en el “Ciudadano Kane” particular de la era digital, ofreciendo a través de una estructura modélica una desarmante lectura psicológica de su protagonista y del vacío afectivo que le lleva a crear un medio artificial para conectar con otras personas. Aquí el mal vuelve a hacer su aparición en la filmografía de David Fincher, pero desde una perspectiva alejada de los mundos oscuros y purulentos de películas anteriores. Aquí el mal es la alienación de una sociedad cada vez más recelosa del contacto personal y que se refugia en cortafuegos informáticos para poder tener una experiencia emocional. El mal es, también, un capitalismo feroz capaz de prescindir de reticencias morales y quebrantar los pilares de la verdadera amistad con el fin de medrar en un mundo en el que tanto tienes, tanto vales. Curiosamente, la película de la filmografía de Fincher más cercana a “La Red Social” en términos de la complejidad de su estructura, tratamiento de personajes y precisión analítica e histórica es “Zodiac”, donde también la obsesión se convertía en un factor decisivo que aislaba a los personajes y les prevenía de cualquier tipo de relación íntima o emocional. Una vez más Fincher fue un firme candidato a los Oscars, pero si bien con el enfoque clásico de “El Curioso Caso de Benjamin Button” fue derrotado por el postmodernismo de “Slumdog Millionaire”, frente a una cinta tan rabiosamente moderna como “La Red Social” la Academia optó por el estilo más conservador de “El Discurso del Rey”. Tal vez haya sido por esta inconsistencia que el cineasta haya optado ahora por regresar a sus fueros previos y dirigir un nuevo psychothriller.

“Los Hombres que no Amaban a las Mujeres”, primera entrega de la Trilogía “Millenium”, era un proyecto ambicionado por Hollywood desde el momento en que las novelas pasaron a convertirse en extraordinarios bestsellers. Sin embargo, cada una de las entregas traía consigo varios problemas añadidos que obstaculizaban su traspaso al ideario hollywoodiense. En primer lugar lo voluminoso de cada libro, dificultando su condensación en la duración standard de una película. En segundo lugar lo escabroso de su contenido, en el que la truculencia, el asesinato, la violación, el sexo anal, el lesbianismo o el incesto eran conceptos irrenunciables si se quería ser fiel a la obra de Stieg Larsson y no ofender a los millones de fans de las novelas. Éste fue precisamente uno de los aspectos que atrajeron a Fincher a la hora de aceptar el encargo de la adaptación, el hecho de poder llevar acabo una obra claramente adulta, sin cortapisas para obtener una calificación abierta a un público juvenil. El encargado de escribir el guion fue Steve Zaillian, quien llevó a cabo una notable labor de síntesis con el fin de mantener la esencia de la obra literaria. Evidentemente, hay muchísimos aspectos que han quedado fuera y habrá más de un espectador que eche en falta un mayor detalle a la hora de trabajar, por ejemplo, con los diferentes miembros de la familia Vanger. Sin embargo, la cinta no escatima espacio a la hora de presentar a los dos personajes protagonistas, especialmente Lisbeth Salander, quien tarda en incorporarse a la acción principal, pero que previamente ha dejado diametralmente clara su personalidad.

La adaptación mantiene ese clima enrarecido oculto bajo el frío sueco, donde el poder va asociado a la depravación. Ninguno de los miembros de la familia Vanger está libre de pecado, siendo la corrupción un factor hereditario, potenciado por la impunidad que les da su posición social privilegiada. Ante esto, otros personajes como Mikael Nykvist, Lisbeth o las víctimas del asesino se presentan como mártires de un juego donde el fuerte hace ejercicio de su superioridad disponiendo de la vida y el cuerpo de los demás como si le perteneciera. Nykvist supone un rara avis en este contexto, al tratarse de un hombre que se guía por un código de honor arcaico, donde el dinero o la posición social no son obstáculos para la justicia. Por su parte, Salander es una víctima que se ha cansado de ser sumisa, respondiendo a las agresiones con la misma intensidad de violencia que ella ha sufrido, emprendiendo una cruzada personal (no carente de furia psicótica) contra aquellos que agreden o hacen un uso abusivo de su poder. Daniel Craig ofrece una vez más una poderosa presencia en pantalla, aportando integridad y aplomo a Mikael Nikvist, mientras que Rooney Mara se luce con un personaje tan goloso como el de Salander. Destaca también la impecable labor de caracterización, especialmente en esta última, así como la veteranía que despliegan en pantalla actores como Christopher Plummer o Stellan Skarsgaard.

Desgraciadamente, la película también cojea en este apartado literario. Desprovista de sus apartados más escabrosos, la historia restante se queda en un psychothriller al uso, donde además, a poco que se esfuerce el espectador, no es difícil reconocer la identidad del asesino. Esto no impide que David Fincher vuelva a ofrecer una realización esmerada, poderosa a la hora de escenificar las partes más oscuras de la trama, con un innovador sentido de la planificación y el montaje que arranca desde los excepcionales títulos de crédito hasta la conclusión de la película. Al final, “Los Hombres que no Amaban a las Mujeres” en su versión americana, se salda con un buen trabajo de adaptación, pero irregular al no encontrar equilibro entre lo que cuenta y la intensidad con la que lo hace. En cualquier caso, no deja de ser un excelente thriller, con un buen plantel de actores, pero en el que, como sucediera con “The Game” y “La Habitación del Pánico”, David Fincher aporta maestría a una historia que no merecía tan alto tratamiento.

Sin decidir aún si se encargará o no de rodar los dos siguientes episodios de esta trilogía, la agenda del cineasta no desfallece, contando ya en preproducción con dos ambiciosos títulos. Por un lado, una nueva adaptación de la novela de Michael Dobbs “Castillo de Naipes”, que ya contó con una notable versión televisiva producida por la BBC en 1990 y que nos adentra en el movedizo terreno de la política británica, repleta de ambiciones, envidias y traiciones. Esta nueva versión está prevista que cuente con la presencia de dos actores ya conocidos por Fincher, como son Kevin Spacey y Robin Wright. El segundo proyecto que se guarda el director en la manga es una nueva adaptación de la novela de Julio Verne “20.000 Leguas de Viaje Submarino”, una producción que inicialmente iba a dirigir McG, pero que, tras la fría recaudación de “Terminator Salvation” y el aumento de presupuesto, Disney prefirió dejar congelada. Desde hace un par de años y con el apoyo de un director como Fincher, el proyecto parece seguir un camino lento hacia la luz verde por parte del estudio que permita su realización.