viernes, 28 de noviembre de 2014

SCOTT RUNNER

Scott runner
En la fiebre por recuperar los clásicos de los 70 y los 80, Ridley Scott anunció años atrás su interés de regresar a los universos de sus dos títulos por antonomasia, “Alien” y “Blade Runner”. El resultado de la primera fue “Prometheus”, visualmente impactante, pero un desastre a nivel de guion, recibiendo un notable abucheo por parte de los fans. Pese a esto la cinta fue un éxito de taquilla y Scott sigue adelante con su interés en desarrollar la franquicia, olvidándose, eso sí, de los xenomorfos y prestando más atención a los arquitectos. El cineasta también comentó que su intención era fusionar ambos universos y que “Blade Runner 2” sería decisiva en esa línea. Ahora, con Harrison Ford ya bajo contrato, Scott ha anunciado que finalmente no dirigirá la película, reservándose el papel de productor (recordemos que en un momento determinado de la producción Scott quiso hacer lo mismo con “Prometheus”, pero la Fox se negó en redondo). La excusa esgrimida es que se solapa con otro proyecto de ciencia ficción “The Martian”. A la espera de que se anuncie su nuevo director, sí se ha confirmado que el personaje de Rick Deckard tendrá un papel muy relevante en la trama, aunque no aparecerá hasta el tercer acto de la cinta.
BLOFELD
Siguiendo con la nostalgia. Sabíamos que el villano de la próxima entrega de la saga Bond sería interpretado por el actor alemán Christoph Waltz. Después del reinicio del personaje presentado en “Casino Royale” y la nueva lectura que se ha ido dando de elementos clásicos de la franquicia, faltaba dar luz verde al verdadero némesis de 007. Esta semana hemos sabido que el personaje al que dará vida Waltz será Ernst Stavro Blofeld, líder de la organización terrorista SPECTRE. El actor de “Malditos Bastardos” recoge así el testigo de intérpretes como Donald Pleasence, Telly Savalas, Charles Gray o Max von Sydow (aunque Este último en la apócrifa “Nunca Digas Nunca Jamás”).
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El casting de “Hotel Transilvania 2” acaba de incluir en sus filas a toda una leyenda de la comedia en Estados Unidos, el director y actor Mel Brooks. Retirado de la dirección desde 1995, el autor de títulos como “Los Productores”, “El Jovencito Frankenstein”, “Sillas de Montar Calientes” o “Spaceballs. La Loca Guerra de las Galaxias” tampoco se ha prodigado mucho como actor en las dos últimas décadas, limitándose a pequeños cameos en televisión. Ahora será el encargado de interpretar al Conde Vlad, padre de Drácula, al que pone la voz en versión original Adam Sandler y que suponemos volverá a doblar Santiago Segura en nuestro país. Esta secuela vuelve a estar dirigida por Genndy Tartakovsky y tiene fecha de estreno para septiembre de 2015.
Avatar-James-Cameron
Aún quedan dos años para que la primera secuela de “Avatar” llegue a las pantallas, sin embargo, James Cameron no quiere que la producción caiga en el olvido y esta semana ha comentado lo que nos espera en las próximas tres entregas de la saga. Sin desvelar nada de las tramas, el director se ha mostrado entusiasmado y no ha dudado en comentar que las películas serán “la leche. Te dejarán con la boca abierta”. Además ha adelantado que serán rodadas en 48 fps, como ha hecho Peter Jackson con “El Hobbit”.
Jobs biopic
¿Cierra el culebrón del nuevo biopic de Steve Jobs? Recordemos. Sony era la encargada de producir esta película, con guion de Aaron Sorkin y dirección de Danny Boyle. El actor elegido inicialmente fue Christian Bale. Hace dos semanas la estrella anuncia que no se considera el actor más adecuado para este papel y abandona la producción. Se tantea a Michael Fassbender, pero Sorkin se muestra disconforme con esta elección. Mientras Sony, al ver que la producción se retrasa y peligran las fechas en las que está disponible Danny Boyle decide desprenderse del proyecto. Esta semana, esta última ha quedado solventada con la entrada de Universal, que además ha puesto orden y ha anunciado que se mantiene a Danny Boyle, el guion de Sorkin y Fassbender como protagonista. Además, se está negociando con Natalie Portman para que se incorpore a la película. No se ha precisado en qué papel, pero los rumores apuntan a Lisa Bennan-Jobs, la hija del protagonista.
pacific-rim-justice-league-dark-del-toro
En plena postproducción de su nuevo trabajo, “Crimson Peaks”, Guillermo del Toro ha aprovechado para dar apuntes de sus siguientes proyectos. En “Pacific Rim 2” nos encontraremos con un mundo donde aparentemente ya se ha eliminado la amenaza de los Kaijus y hay que darle un nuevo uso a toda la tecnología creada en torno a los Jaegers. La cinta se estrenará el 7 de abril de 2017. Además el director confirma que ya está listo el guion de 'Justice League Dark', donde veremos personajes del universo DC como John Constantine, Zatanna, Deadman o La Cosa del Pantano. Se trata de un proyecto que aún no tiene luz verde por parte de Warner, pero que se espera que tras la finalización del libreto, el inicio de la producción no tarde en suceder.
Independence-Day
Por si quedaba alguna duda, 20th Century Fox ha confirmado el inicio de la producción de la nueva entrega de “Independence Day”, que se estrenará el 24 de junio de 2016. La película volverá a estar dirigida por Roland Emmerich, pero de momento el estudio no se ha pronunciado respecto a las otras dos secuelas que el cineasta anunció cuando se empezó a hablar de este proyecto.
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Y este viernes se había convertido en un día esperado por la presentación del primer teaser de “Star Wars. El Despertar de la Fuerza”, dirigida por J.J. Abrams. Este primer avance, como todo teaser, no desvela nada del argumento y de momento sólo presenta una serie de imágenes inconexas que apuntan el tono y la estética de la cinta, dejando el principal protagonismo a una aparición estelar del Halcón Milenario.
 
 
 
 
 


ESTRENOS DEL 28 DE NOVIEMBRE

Pues “Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1” no pasan hambruna precisamente. Con sus 4,28 millones de euros recaudados se convierte en el mejor estreno del año en la taquilla española y absorbe la mayor parte del público del pasado fin de semana. Su principal competidora, “Interstellar” cae a la segunda posición con un descenso del 44% y una recaudación de unos 900.000 euros. “Dos tontos todavía más tontos” suma 570.000 euros. Completan los cinco primeros puestos del ranking la cinta familiar “Alexander y el Día Terrible, Horrible, Espantoso, Horroroso” (350.000 euros) y “Escobar: Paraíso perdido” que se consuela con 260.000 euros. Ahora Katniss Everdeen tendrá que vérselas con adversarios de peso. Comienza la campaña navideña con la llegada de dos esperados títulos de animación para toda la familia, mientras que el público adulto cuenta también con una de esas películas de mensaje optimista bajo la dirección del autor de “Billy Elliot”.
Trash
A Stephen Daldry le gustan las historias de peso dramático, pendientes de los social, con protagonista infantil e impulso optimista. Ya lo demostró con “Billy Elliot” o “Tan Lejos, Tan Cerca”, y vuelve a demostrarlo con “Trash. Ladrones de Esperanza”. Esta cinta basada en la novela de Andy Mulligan, adaptada por Richard Curtis (“Love Actually”, “Una Cuestión de Tiempo”), nos lleva hasta las favelas de Rio de Janeiro para presentarnos una historia de pobreza infantil y superación personal que recuerda en tono a “Slumdog Millionaire”, a pesar de que la acción se desarrolla en continentes diferentes. Protagonizada por los jóvenes Rickson Tevez y Luis Eduardo, cuenta también con la presencia de rostros conocidos como Martin Sheen y Rooney Mara.
Dos niños de las favelas de Río encuentran una cartera en el basurero donde buscan a diario, pero no se imaginan que este descubrimiento cambiará sus vidas para siempre. Cuando la policía local aparece para ofrecerles una generosa recompensa por la cartera, los dos chicos, Rafael y Gardo, comprenden que han encontrado algo importante. Deciden recurrir a su amigo Rato, y los tres se lanzan a una extraordinaria aventura para intentar quedarse con la cartera y descubrir el secreto que esconde. En el camino, deberán distinguir entre amigos y enemigos, juntar las piezas del rompecabezas para entender la historia de José Angelo, el dueño de la cartera, y aprender a no fiarse de la policía, especialmente del peligroso Federico. Dos misioneros estadounidenses que trabajan en la favela, el decepcionado padre Julliard y su joven asistente Olivia, quizá tengan la clave para encontrar la solución.
 
Mortadelo y Filemón contra Jimmy El Cachondo
Javier Fesser se apuntó un gran éxito en 2003 con “La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón”, donde se atrevía a llevar a los legendarios personajes de Francisco Ibáñez al terreno de la imagen real (relativamente, ya que el uso de efectos digitales le dio al conjunto la estética cartoon de los tebeos). Tras una secuela más desangelada dirigida por Miguel Bardem, Fesser regresa a este universo con “Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo”, aunque esta vez aprovechando las virtudes de la animación digital gracias al trabajo del estudio Ilion (“Planet 51”). Karra Elejalde (“8 Apellidos Vascos”) y Janfri Topera (que en las dos películas anteriores se encargó de interpretar al Profesor Bacterio) son los encargados de prestarle su voz a los dos protagonistas.
Los agentes Mortadelo y Filemón se ven obligados a hacer uso de toda su inoperancia para seguir sin resolver nada y sembrar el caos allá donde van. En esta ocasión, su inexistente capacidad será puesta a prueba sin éxito ninguno para dar con el paradero de Jimmy el Cachondo, un acomplejado maleante que tampoco despunta por su elevado coeficiente intelectual, pero que tiene su gracia. Su gracia es que lleva colgando en su helicóptero una bombita de neutrones picantes que pueden hacer ¡PUM! en cualquier momento. Y todo esto mientras Mortadelo y Filemón esconden en su propia casa a un testigo protegido peligrosísimo del que ellos mismos se tendrán que proteger si no quieren que la película se acorte drásticamente y termine antes de tiempo.
 
Los Pingüinos de Madagascar
Cuando en 2005 Dreamworks estrenó su película “Madagascar” no esperaba que sus personajes principales fueran eclipsados por un grupo de pingüinos paramilitares, que posteriormente se convirtieron en el principal gancho de la franquicia, hasta el punto de conseguir su propia serie de animación para televisión y ahora un spin off donde cuentan con el protagonismo absoluto. Se trata del segundo spin off que ofrece Dreamworks tras “El Gato con Botas”. Para ello se ha contado con los directores Eric Darnell (codirector junto con Tom McGrath del resto de las películas de la franquicia) y Simon J. Smith (cuya experiencia previa en el largometraje se limita a “Bee Movie”). En la versión original encontramos las voces invitadas de estrellas como Benedict Cumberbatch, Peter Stormare, John Malkovich o Ken Jeong.
Los equipos de súper espías no se hacen… salen de un cascarón. Descubre los secretos de las mejores y más divertidas aves encubiertas del mundo del espionaje: Capitán, Kowalski, Rico y Soldado. Son la élite de la élite y unen sus fuerzas a una elegante organización encubierta llamada Viento Norte, liderada por el apuesto y musculoso Agente Clasificado. Juntos se enfrentan a un temible villano que pretende apoderarse del mundo.


viernes, 21 de noviembre de 2014

ADIÓS, MR. NICHOLS

mike nichols
Ésta ha sido otra de esas semanas funestas a las que el cine nos parece querer acostumbrar desde hace un par de años. Ayer jueves 20 de noviembre teníamos que decir adiós a un extraordinario director, una voz singular dentro de Hollywood que mantenía esa mirada ácida, inteligente y penetrante en la sociedad de su país. Mike Nichols hizo acertados retratos sociales y generacionales gracias a películas como “¿Quién Teme a Virginia Woolf?”, “El Graduado”, “Conocimiento Carnal”, “Silkwood”, “Se Acabó el Pastel”, “Armas de Mujer”, “Primary Colors”, “Closer” o “La Guerra de Charlie Wilson”. Su cine dejó secuencias imborrables en nuestra memoria cinéfila, que ante esta triste noticia no podemos más que pararnos a recordar.
ken takakura
Otra pérdida esta semana ha sido la del actor japonés Ken Takakura, intérprete de larga trayectoria, la mayor parte de ella en su país de origen y prácticamente desconocida en nuestro país, de entre las que podemos destacar por ejemplo “El Pañuelo Amarillo de la Felicidad” de Yôji Yamada. Sin embargo, en occidente ganó popularidad gracias a la cinta de Sidney Pollack “Yakuza” y a su pseudo remake dirigido por Ridley Scott “Black Rain”. Una de sus últimas películas fue “La Búsqueda”, a las órdenes de Zhang Yimou.
koldo-losada
La crónica fúnebre de esta semana se convierte en crónica negra con el caso del actor Koldo Losada, visto en multitud de serie de ficción como “Amar en Tiempos Revueltos”, “Aída”, “Cuéntame”, “Águila Roja”, “Yo Soy Bea”, “Los Hombres de Paco”, “Gran Reserva”, “Policías” o “El Secreto del Puente Viejo”. El intérprete fue hallado muerto en la noche del miércoles en su domicilio de Bilbao de un fuerte golpe en la cabeza. El principal sospechoso del asesinato ha sido su expareja sentimental, un hombre de 54 años que ha sido inmediatamente detenido por la Ertzaintza.
Cruise highlander
El remake de “Los Inmortales”, la cinta dirigida por Russell Mulcahy en 1986 es uno de esos proyectos que no terminan de arrancar. Después de pasar por manos de diferentes directores, entre ellos Juan Carlos Fresnadillo, finalmente parece que esta nueva versión será dirigida por Cedric Nicolas-Troyan, hasta ahora supervisor de efectos especiales y director de segunda unidad de títulos como “Blancanieves y la Leyenda del Cazador”. Esta semana la productora Summit ha querido dar un impulso fuerte a la producción y han ofrecido el papel de Juan Ramírez Sánchez VillaLobos, es decir, el personaje que interpretaba Sean Connery en la original, ni más ni menos que Tom Cruise. De momento su agente se ha limitado a decir que son varias las propuestas que recibe la estrella y que ya se pronunciarán cuando la hayan estudiado.
1984
Después de “Capitán Phillips”, la agenda del director Paul Greengrass no para de acumular proyectos. Hace poco se anunciaba que tanto él como Matt Damon regresarán con una nueva entrega de Jason Bourne que se estrenará en 2016. También tiene en espera “Memphis”, sobre el asesinato de Martin Luther King Jr.. Ahora se ha anunciado que el cineasta será el encargado de rodar la nueva adaptación de la novela de George Orwell “1984”, producida por Scott Rudin y Gina Rosenblum y con guion de James Graham.
yucatan
En los años 60, el actor Steve McQueen estaba obsesionado con un proyecto de cine de aventuras titulado “Yucatán”, acerca de un experto en salvamento renegado y la búsqueda de un tesoro maya por la Península de Yucatán. La estrella llevó a cabo una extensa documentación, pero la producción nunca llegó a concretarse. Ahora Robert Downey Jr., a través de su productora Team Downey y en alianza con Warner Bros. ha asumido la producción de este proyecto, que actualmente está siendo reescrito por el guionista Steve Rossio, con la intención de que la estrella protagonice la película.
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La secuela de “Zoolander” cada vez parece estar más cerca. Después de que el guionista Justin Theroux anunciara que el guion está prácticamente listo, esta semana conocíamos la noticia de que Penélope Cruz se ha unido a la producción que estará protagonizada nuevamente por Ben Stiller, acompañado por Owen Wilson y Will Ferrell.
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“Apocalipsis” es una de las novelas de referencia de Stephen King. Escrita en 1978, primero fue publicada como “La Danza del Muerte” y posteriormente, en 1990, en versión íntegra con el título con el que se la conoce actualmente. En 1994 el director Mick Garris hizo una adaptación para televisión y ahora es el guionista y director Josh Boone (“Bajo la Misma Estrella”) quien quiere llevarla a la gran pantalla. Dada la extensión de la novela, el proyecto inicial era hacer una película de tres horas, sin embargo, Warner Bros. ha subido la apuesta y le ha ofrecido al cineasta rodar cuatro películas que abarquen de manera más detallada toda la historia.
Mel GIbson
Alejado de la dirección desde “Apocalypto” y con su carrera como actor sin terminar de levantar cabeza, Mel Gibson ha anunciado su regreso tras la cámara con “Hacksaw Ridge”, drama bélico ambientado en la 2ª Guerra Mundial que ha escrito Randall Wallace, guionista de “Braveheart” y que dirigió a Gibson en “Cuando Éramos Soldados”. Concretamente el guion se basa en la historia real de Desmond T. Doss, cuyas creencias religiosas le impidieron coger un arma en el conflicto, convirtiéndose en el médico de su batallón, salvando a decenas de hombres durante la batalla de Okinawa y siendo galardonado con la Medalla de Honor del Congreso, dos Estrellas de Bronce y tres Corazones Púrpura por su trabajo.
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Después de tanta inestabilidad con el proyecto de biopic de Steve Jobs, Sony ha decidido abandonar la producción. El abandono de Christian Bale y el retraso a la hora de encontrar sustituto que satisfaga a todas las partes han hecho que la ventana que tenía el director Danny Boyle en su agenda para rodar la película esté comprometida, razón por la que el estudio ha preferido salirse del proyecto. Afortunadamente, aún hay esperanza en el horizonte y Universal podría estar interesada en retomar la producción ahí donde la ha abandonado Sony.
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“Interstellar” deja muchas incógnitas. Por ello el director Christopher Nolan se ha aliado con el galardonado artista Sean Gordon Murphy para preparar un cómic que narra una de las tramas obviadas en la película, concretamente el viaje del Dr. Mann a través del agujero de Gusano. Se trata de una historia de siete páginas titulada “Abolute Zero” y publicada por la revista Wired que se puede leer online en el siguiente enlace: http://www.wired.com/2014/11/absolute-zero/
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La semana pasada Pixar anunciaba la producción de una cuarta entrega de “Toy Story” a estrenar en Junio de 2017. Sin embargo, no hará falta esperar tanto tiempo para volver a Woody, Buzz y compañía en la gran pantalla, ya que este mes de diciembre se estrenará “Toy Story That Time Forgot”, el segundo especial televisivo que protagonizan los famosos "juguetes" tras el de “Toy Story of Terror!”.
TRAILERS

ESTRENOS DEL 21 DE NOVIEMBRE

El espacio sigue conquistado los primeros puestos de la taquilla. “Interstellar” de Christopher Nolan se mantiene por segunda semana en el puesto líder del ranking añadiendo €1.576.457 a lo ya recaudado (de momento lleva acumulado €4.604.274). De los estrenos del pasado fin de semana los títulos más afortunados han sido, como era de esperar, “Dos Tontos Todavía Más Tontos” (€942.030) y “Escobar. Paraíso Perdido” (€495.558), que se reparten el segundo y tercer puesto, respectivamente. Los otros estrenos del pasado fin de semana no han sido tan afortunados. “Matar al Mensajero” al menos consigue una octava posición con una taquilla de €219.551, mientras que “La Ignorancia de la Sangre” salta al puesto decimoquinto con €77.925 y la estupenda “Orígenes” queda relegada a decimonovena posición con unos raquíticos €71.258. El cine familiar se mantiene en buena posición con “Alexander y el Día Terrible, Horrible, Espantoso, Horroroso” en cuarta posición (€460.028) y “Los Boxtrolls” en quinta (€344.182). Las veteranas entre las 10 más vistas siguen siendo “Perdida” (en novena posición tras seis semanas en cartelera) y “La Isla Mínima” (décima posición tras ocho semanas desde su estreno). Este viernes nos encontramos con otro día marcado con rojo en el calendario, especialmente por los seguidores de Katniss Everdeen. El estreno de la nueva entrega de “Los Juegos del Hambre” amenaza con copar todas las salas, mientras que el resto de los estrenos que nos llegan apuntan a un público minoritario y adulto (ese que, a priori, no se va a dejar seducir por el canto del sinsajo). En este grupo encontramos sobre todo producciones europeas, con historias más cercanas e intimistas.
Nunca es demasiado tarde
A Uberto Pasolini le gusta el cine de personajes. Ya como productor levantó proyectos como “Palookaville”, “Full Monty”, “Mi Napoleón” o “Bel Ami, Historia de un Seductor”. En 2008 debutó como director y guionista con “Machan” y ahora regresa en estos tres apartados con “Nunca Es Demasiado Tarde”, una comedia agridulce protagonizada por Eddie Marsan (secundario habitual, visto en títulos como “21 Gramos”, “El Secreto de Vera Drake”, “V de Vendetta” o “Sherlock Holmes”) y Joanne Froggatt (“Downton Abbey”). Ganadora de cuatro premios (incluyendo Mejor Película y Mejor Director) en el festival de Venecia de 2013, la cinta fue candidata a los Premios David di Donatello en la categoría de Mejor Película Europea. La cinta cuenta también con una exquisita partitura de Rachel Portman (“Las Normas de la Casa de la Sidra”), mujer en la vida real del director.
El trabajo de John May consiste en encontrar a los familiares de los que han muerto solos. Meticuloso hasta la obsesión, John va más allá del deber en su trabajo y se involucra al máximo. Su vida es tranquila y ordenada hasta que su jefe le da una noticia devastadora: su despido por recortes. Involucrado aún en su último caso, John se libera de las rutinas que lo han gobernado. Y por primera vez siente la vida con su excitante y peligrosa imprevisibilidad.
 
Jimmy's Hall
Desde que iniciara su andadura en televisión allá por 1964 en la BBC, el director Ken Loach se ha caracterizado por su discurso comprometido con la clase obrera y en contra de los estamentos políticos y religiosos. Películas como “Agenda Oculta”, “Riff Raff”, “Lloviendo Piedras”, “Tierra y Libertad”, “La Canción de Carla”, “Pan y Rosas” o “El Viento que Agita la Cebada” han dado muestra de ello. Ahora, 50 años después, el director ha anunciado su posible retirada del cine, al menos del cine de ficción, y lo hace con “Jimmy’s Hall”, regreso a tierras irlandesas, tras “El Viento que Agita la Cebada”, con una adaptación de la obra de teatro de Donal O'Kelly, a su vez basada en la historia real de James Gralton. Como es habitual en él, Loach ha vuelto a contar con el guionista Paul Laverty, con el que ha trabajado en 14 ocasiones desde que se conocieran en 1995 durante el rodaje de “Tierra y Libertad” (en la que Laverty tenía una breve aparición como actor) y se ha rodeado de actores desconocidos (como es el caso del protagonista, Barry Ward, o la coprotagonista Simone Kirby) o directamente amateurs residentes del pueblo de Killanummery, escenario real de la historia de James Gralton.
En 1921 El pecado de Jimmy Gralton fue construir un salón de baile en un cruce de caminos rurales en una Irlanda al borde de la guerra civil. El Pearse-Connolly Hall era un lugar donde los jóvenes podían venir a aprender, a discutir, a soñar... pero sobre todo para bailar y divertirse. Mientras la popularidad de la sala crecía, su reputación socialista y de espíritu libre atrajo la atención de la iglesia y los políticos, que obligaron a Jimmy a cerrar la sala y huir. Una década más tarde, en el apogeo de la Gran Depresión, Jimmy vuelve a casa desde los EE.UU. para cuidar de su madre e intentar vivir una vida tranquila. La sala se encuentra abandonada y vacía, y a pesar de las súplicas de los jóvenes locales, permanece cerrada. Sin embargo, mientras Jimmy se reintegra en la comunidad y descubre la creciente pobreza y opresión cultural, el líder y activista en su interior resurge. Pronto tomará la decisión de reabrir la sala y afrontar lo que pueda suceder...
 
El tiempo de los amantes
El director francés Jérôme Bonnell cuenta ya con una extensa filmografía de la que desgraciadamente aún no hemos podido disfrutar en España. “El Tiempo de los Amantes” es el primero de sus trabajos en estrenarse comercialmente en nuestro país. El cineasta ha comentado que a la hora de escribir los guiones de sus películas, le gusta hacerlo con un actor ya en mente, de manera que los personajes se adapten a las características del intérprete y no al revés. En este caso, el libreto fue preparado como regalo para Emmanuelle Devos (“Lee mis Labios”, “Un Cuento de Navidad de Arnaud Desplechin”, “Coco, de la Rebeldía a la Leyenda de Chanel”, “Violette”), con la que Bonnell ansiaba trabajar. Para acompañar a la actriz se contó con el actor irlandés Gabriel Byrne (“Muerte entre las Flores”, “Sospechosos Habituales”, recientemente visto en series como “En Terapia” o “Vikingos”).
En un viaje en tren, dos desconocidos intercambian miradas y es ese simple gesto el que cambiará las vidas de la francesa Alix y del misterioso irlandés. Alix es actriz de teatro y se dirige a Paris para realizar un casting. Doug es profesor de literatura en Londres y va al funeral de una amiga. La casualidad y la atracción son las aliadas perfectas para la excitante tentación de una aventura. Dudas, sueños, ilusión y miedos, son algunos de los sentimientos y sensaciones que tendrán nuestros protagonistas cuando sus caminos se crucen.
 
Los Juegos Del Hambre Sinsajo
Tal y como sucediera con las sagas de Harry Potter o Crepúsculo, la adaptación de la trilogía literaria de “Los Juegos del Hambre” de Suzanne Collins ha pasado a dividir su última entrega en dos partes. “Sinsajo” estrena este fin de semana su primera parte, y tendremos que esperar a noviembre de 2015 para cerrar la historia de Katniss Everdeen. Como en las películas anteriores volvemos a contar con Jennifer Lawrence como protagonista principal, acompañada por Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Jeffrey Wright, Stanley Tucci y Donald Sutherland, entre otros actores reincidentes. Las incorporaciones de este tercer episodio son Julianne Moore y Natalie Dormer. Además volveremos a encontrar a Philip Seymour Hoffman (ya presente en “En Llamas”), que falleció durante el rodaje de las dos partes de “Sinsajo” y cuyas escenas que se quedaron pendientes de rodar han tenido que ser solventadas gracias a la tecnología infográfica. Repite en la dirección Francis Lawrence (“Constantine”, “Soy Leyenda”).
La crónica futurista de Katniss Everdeen entra en un nuevo mundo. Los juegos han quedado totalmente destruidos para siempre, pero la lucha para sobrevivir está a punto de intensificarse. Katniss tendrá que hacer frente a obstáculos imposibles, observada por una nación llena de esperanza, y hacer uso de todo su coraje y su fuerza contra el todopoderoso Capitolio. Entonces se da cuenta de que no tiene más opción que extender sus alas y personificar en cuerpo y alma el símbolo del Sinsajo. Aunque solo sea para salvar a Peeta, deberá convertirse en una líder.


jueves, 20 de noviembre de 2014

“INTERSTELLAR” / “ORÍGENES”. LA CIENCIA COMO MACGUFFIN

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La función de la ciencia es recopilar datos y analizarlos para poder entender el mundo que nos rodea. Lo que miles de años atrás era religión o fantasía, hoy son elementos cotidianos de nuestro día a día. Sin embargo, sigue existiendo muchos conceptos con los que convivimos, que aún no somos capaces de explicar. La finalidad del arte es también lidiar con estos conceptos, aunque en este caso no tanto para definirlos o dilucidar el sentido de su existencia, sino para aceptarlos y convivir con ellos pese a nuestro desconocimiento. Es precisamente cuando abandonamos el terreno de lo concreto y nos adentramos en la metafísica, donde la ciencia aún no cuenta con datos suficientes para dar una respuesta razonada y se ve abocada a la especulación. En las últimas semanas, este conflicto entre la razón y lo espiritual ha sido el centro de dos de las películas que han llegado a nuestras carteleras, “Interstellar” y “Orígenes”. Se trata de cine de ciencia ficción, cine discursivo, de conceptos, más que de argumentos concretos, pero donde las herramientas empíricas de la ciencia se vuelven recursos para la reflexión artística.
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Ambas películas se apoyan en teorías científicas para armar una trama que se escuda en los misterios del universo. La primera mirando hacia las estrellas, la segunda a esa galaxia que conforma la lente intraocular, encontrando en ambas un discurso enraizado en la existencia del ser humano. “Interstellar” nació por el interés de Christopher y Jonathan Nolan en trasladar las teorías de Kip Thorne sobre los agujeros de gusano al contexto cinematográfico, de la misma manera que las teorías psicoanalíticas del sueño y la arquitectura de la mente sirvieron de base para la trama de “Origen”. En la película podemos encontrar un cuidado exquisito a la hora de trasladar los estudios de este físico teórico a una trama de viajes espaciales, en lo que se refiere al tratamiento que se le ha dado a los conceptos de agujero de gusano y agujero negro, pero sobre todo a elementos más abstractos como la teoría dimensional o la teoría funcional de la densidad. Ello nos lleva a un elaborado relato de lo que supondría un viaje espacial, la aplicación de la teoría de la relatividad en cuanto al paso del tiempo en el espacio, o la posibilidad de encontrar otros planetas habitables por el ser humano. Por su parte, “Orígenes” ahonda en el interés del cineasta Mike Cahill de tratar aspectos de carácter existencial en sus películas. Su película habla de la evolución continua a la que se ve sometida el ser humano en particular, y todo organismo viviente en la tierra, en general. Todo ello se argumenta a través de la singularidad del globo ocular, cómo los organismos superiores contamos con un sentido de la vista más complejo, pero también como la lente intraocular se convierte, al igual que la huella dactilar, en un identificador de cada individuo, con características propias que le diferencia del resto de los miembros de su especie. De esta manera, para Cahill, el ojo se convierte en una metonimia del propio origen y la existencia del ser humano. A partir de esta base, el cineasta reflexiona acerca de lo que supondría encontrar a dos personas con biometrías oculares idénticas. En las dos películas el componente discursivo, cerebral, está muy subrayado, siendo su principal reto conseguir hacer asequible la física teórica o la biología molecular al espectador general para que pueda seguir el desarrollo de la trama. Se trata de un obstáculo importante, ya que por regla general, el público, especialmente el de cine de consumo, está más habituado a tramas dinámicas donde los conceptos se desarrollan junto con la acción, mientras que aquí tanto Christopher Nolan como Mike Cahill dedican bastante metraje a teorizar en torno a los conceptos básicos de sus respectivas obras. Sin embargo, no nos dejemos engañar, la física teórica o la biología molecular no son el tema central de estas películas. El componente puramente científico en ambos casos es el McGuffin, es decir, como nos explicaba Alfred Hitchcock, esa excusa argumental que el director necesita para que los personajes avancen en la trama, pero que en realidad carece de relevancia por sí misma. Evidentemente, cuanto más cuidado esté desarrollado este componente, más ayuda a la verosimilitud del contexto general, al mismo tiempo que sirve de gancho para llevar al espectador hasta el verdadero territorio al que quieren conducirle los directores; sin embargo, no debemos olvidar que por mucho que se base en estudios reales, certificados por estudiosos de prestigio internacional, una película sigue siendo una obra de ficción y por lo tanto capaz de establecer sus propias leyes físicas siempre y cuando mantengan una coherencia interna.
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Por esto podemos decir que pese a esta estructura empirista sobre la que se construye el guion, lo cierto es que los intereses temáticos de ambos directores van en otras direcciones. Si ya de por si el juego dialéctico que nos proponen es un reto ambicioso, lo cierto es que ese lenguaje científico no busca realmente descubrir los secretos del universo o de la biología molecular, sino situar el puntero en conceptos más etéreos o metafísicos. Christopher Nolan nos lleva de viaje por la galaxia, como si de Star Trek se tratara, allí a donde ningún ser humano ha llegado antes, para reflexionar no sobre la naturaleza del cosmos, sino sobre un aspecto tan humano y próximo, pero al mismo tiempo tan insondable, como es el Amor, concretamente el amor paterno filial. No es baladí que inicialmente esta película fuera ideada para ser dirigida por Steven Spielberg, cineasta que ha articulado gran parte de su filmografía entorno al tema de la relación entre padres e hijos. Los hermanos Nolan aceptan el reto de intelectualizar la faceta emocional del ser humano de acuerdo a conceptos de la física teórica para explicar algo más propio del campo de la metafísica, a riesgo de que sus planteamientos no sean admitidos por el público. En el caso de Cahill, el ojo se convierte literalmente en el espejo del alma. Aquí el choque entre razón y espiritualidad queda más subrayado que en la cinta de Nolan. El director de “Otra Tierra” convierte a sus personajes en voces de ambos bandos, imperando la ambientación esterilizada del laboratorio científico, de la disección y la experimentación para intentar deconstruir lo que une el cuerpo físico con lo incorpóreo. De nuevo el uso del empirismo para tratar temas tradicionalmente delegados en manos de la teología o la filosofía. Como en el caso de la cinta de Nolan, los acontecimientos particulares de un individuo no se presentan como hechos aislados, sino piezas de un puzzle existencialista que corrobora la simbiosis que comparten todos los seres vivos y cómo ese componente inmaterial, pero sensitivo, que denominamos alma sirve de cadena que nos vincula no sólo con las personas de nuestro entorno, sino de cualquier parte del planeta o el universo. Como hemos visto, ambas películas nacen de un concepto y todo el proceso narrativo queda subordinado a ese componente abstracto, siendo para ambos cineastas más importante mantenerse fieles a esa idea que la propia coherencia narrativa de la obra. Podríamos acusar a ambos títulos de depender de una narración un tanto forzada, donde una situación conduce obligatoriamente a otra y así hasta el desenlace con el fin de avalar la tesis de la película. Los dos cineastas actúan como demiurgos de su propio universo, convirtiendo la casualidad en predestinación. Sin embargo, esto que para algunos espectadores pueda parecer demasiado tendencioso y arbitrario, no es más que otro argumento que juega a favor de la tesis de ambas películas acerca de la conexión existente entre todos los seres vivos.
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Los dos personajes protagonistas de ambas películas comparten una misma creencia en la ciencia por encima de la fe, la necesidad de contrastar todo aquello que sucede a nuestro alrededor y buscar una explicación en lugar de dejarse llevar por cualquier dogma o la superchería. Se trata de la voz de la razón enfrentada a lo desconocido, aferrándose a ese empirismo que hemos comentado en medio de un viaje físico y espiritual. Cooper, el protagonista de “Interstellar” atraviesa el universo en busca de un mundo habitable para la humanidad; Ian Gray, el protagonista de “Orígenes” se sumerge en una galaxia microscópica, al mismo tiempo que también recorre medio mundo buscando pruebas que corroboren la existencia de biometrías oculares idénticas. Sin embargo, en ambos casos, más que el trayecto espacial que recorren, lo importante es el descubrimiento emocional que realizan y que puede alterar sus creencias y su visión de la existencia. Se trata de dos personajes diferentes, pero que no sólo cuentan con una evolución personal similar, sino que además, ambos directores concluyen sus películas dejándoles en el mismo escalón existencial. Resulta curioso ver como el último plano que nos concede Nolan de su protagonista coincide con el que Cahill ofrece del suyo. Matthew McConaughey sigue encadenando espléndidos personajes en ésta, su mejor etapa como actor. Tras “True Detective” o “Dallas Buyer’s Club”, Cooper es una nueva ocasión para que el actor demuestre su talento interpretativo, ofreciendo un trabajo emotivo, intimista, pero midiendo con cuidado cada expresión, cada gesto. Bajo un cierto hieratismo el actor logra trasmitir al espectador el conflicto interno del personaje, su talante cerebral, pero también la herida emocional que le supone dejar atrás a sus hijos. Cooper es Ulises, el héroe griego que debe afrontar un viaje imposible para poder regresar junto a su familia, un símil que cobra aún más sentido con ese plano final de la película, que recuerda irremediablemente a la conclusión de “La Odisea” de Homero. Por su parte, Michael Pitt mantiene con su papel protagonista en “Orígenes” su posición como referente del cine indie. Descubierto en “Soñadores” de Bernardo Bertolucci, el actor ha mantenido una personalidad cercana a la cultura indie que contagia sus personajes en títulos como “Last Days”, “Delirious”, el remake de “Funny Games” o en la serie de televisión “Boardwalk Empire”. Su Ian Gray comparte con otros personajes suyos una cierta ambivalencia moral. Profesionalmente implicado en sus teorías, hasta el punto de que éstas responden a su propia obsesión personal por los ojos de las personas, se escuda en su condición de científico para negar cualquier cosa que la razón no pueda explicar. Por otro lado, la seguridad que tiene en su trabajo le falta en sus relaciones sentimentales, presentándose como un personaje inseguro y errante. Finalmente será su sentimiento de culpabilidad por esa actitud emocional lo que lleva a plantearse otras perspectivas existenciales.
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Al igual que los dos protagonistas, cada personaje secundario de ambos títulos juega un papel predefinido de acuerdo al carácter conceptual de la trama. Así por ejemplo, en “Interstellar”, el personaje de Michael Caine cumple una función explicativa de la trama. Es a través suyo que los hermanos Nolan desgranan toda la teoría de la película para hacerla accesible al espectador. Curiosamente, será por ser un actor ya veterano, éste parece ser un papel recurrente en muchos de los títulos recientes del actor, a quien, al igual que a Morgan Freeman, su veteranía y prestigio parecen proporcionarle un grado de credibilidad con el público. Anne Hathaway se reserva uno de los roles más difíciles de la película, ya que frente al personaje protagonista, la Dra. Brand es la encargada de abrir la puerta la variable emocional dentro de las teorías científicas que marcan el itinerario de los astronautas. Frente a estos personajes, en la cinta encontramos también varios personajes vacíos o mal perfilados, posiblemente víctimas de recortes de metraje en postproducción. El hijo mayor de Cooper tiene una mayor presencia antes del viaje del protagonista, en la etapa interpretada por Timothée Chalamet, mientras que su época adulta, encarnada por Casey Affleck, carece del desarrollo dramático necesario para comprender la evolución del personaje. Otros, como Getty, al que da vida Topher Grace, no aportan absolutamente nada a la trama, dejando esa impresión de que había más detrás del personaje de lo que finalmente llegó a la pantalla. En “Orígenes” la dicotomía entre ciencia y espiritualidad recae también en los personajes de Brit Marling (Karen) y Astrid Bergès-Frisbey (Sofi). La primera, intelectualmente, se acerca más al perfil del protagonista, por lo que sirve de interlocutora para que ambos personajes puedan teorizar en voz alta e intercambiar reflexiones con las que explicar de manera más dinámica esa parte discursiva de la película. Por otro lado, la segunda supone un desafío para el personaje de Michael Pitt, ya que si éste representa la razón pura, ella simboliza lo emocional, lo espiritual por encima del intelecto. El protagonismo de la cinta queda concentrado casi exclusivamente en estos tres personajes protagonistas. Podríamos añadir también la presencia de Steven Yeun, como Kenny, el compañero de laboratorio del protagonista y su ocasional Pepito Grillo, aunque este rol ético lo acaba compartiendo con Karen, hasta que finalmente Kenny acaba volviéndose irrelevante para la trama. Otros personajes como la Dra. Simmons (Cara Seymour), Priya Varma (Archie Panjabi) o Salomina(Kashish) cumplen una función concreta y puntual, importante para el desarrollo de la historia, pero con escaso metraje como para desarrollar personajes más complejos.
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Si, tal y como hemos visto, temáticamente podemos relacionar ambas películas, estéticamente se trata de obras muy diferentes, deudoras también del tipo de producción a la que perteneces. “Interstellar” es una gran superproducción ($165.000.000), que viene firmada por uno de los cineastas más reputados del Hollywood actual, con un reparto encabezado por actores de peso en la industria. Mientras que “Orígenes” es una cinta independiente, de presupuesto modesto ($27.652), realizada por un director procedente del mundo del documental, ajeno a los grandes estudios, y protagonizada por actores más vinculados con la televisión o las producciones marginales de hollywood. Hasta la fecha, Christopher Nolan ha dirigido siempre películas de aspiraciones trascendentales. Desde “Following” hasta la actualidad, su filmografía se ha caracterizado por ser títulos ambiciosos, conceptualmente complejos, pero sin desatender las posibilidades comerciales de la cinta. Para este último trabajo, y siguiendo la estela de su contemporáneo Alfonso Cuarón el año pasado con “Gravity”, su intención era alejar a la ciencia ficción del marco juvenil para apostar por un tratamiento adulto del género, tomando como referentes cineastas como Andrei Tarkovski, Stanley Kubrick, Steven Spielberg o Robert Zemeckis (referentes que, todo hay que decirlo, tienen mucho peso argumental en la película, hasta el punto de poder dilucidarse su desenlace si se conocen algunas de sus obras, y hasta ahí podemos leer). Definido generalmente como un cineasta frío y cerebral, aquí debía afrontar el reto de dirigir una cinta donde el componente emocional era decisivo, optando por intelectualizar este factor para acercarlo más a su propio enfoque. De todas sus películas es la que trata de manera más clara el apartado emotivo de sus personajes (aunque si bien es cierto que éste era un ingrediente que hubiese quedado más y mejor subrayado en manos del inicialmente previsto Steven Spielberg, un cineasta más acorde con esa descripción afectiva que se establece entre los personajes). Así, la presentación agresiva de los diferentes entornos en los que se desarrolla la historia se convierte en el modo que tiene el director de visualizar los conflictos emocionales de los personajes. Esto aporta a la cinta también diferentes texturas, que van desde el moribundo, desértico, escenario terrestre, con el planeta prácticamente convertido en un territorio baldío, al amenazador entorno acuático del primer planeta, o el frío y punzante ecosistema del segundo, pero destacando sobre todo el vacío abismal del espacio. Todos ellos visualizados, en cierta forma, con una belleza propia y particular, pero sin obviar que bajo ella anida tanto una promesa de futuro como la amenaza de la destrucción. Para ello, el director ha preferido optar por el uso de elementos físicos dentro de la escenografía, recurriendo a la infografía únicamente cuando ha sido estrictamente necesario. De esta manera, la imagen de una mayor sensación de realismo y potencia la verosimilitud de la interpretación de los actores. La narrativa del cineasta es poderosa, de aliento épico en cada uno de sus planos, de manera que cada encuadre refleje las altas ambiciones tanto intelectuales como narrativas de su autor a la hora de escenificar la odisea de su protagonista. En nuestra opinión, este aliento épico de la narración cuenta también con una contrapartida negativa. Sin hacerse larga, las casi tres horas de duración de la película nos parecen excesivas y una más atenta labor en montaje podría haber aligerado mejor el metraje.
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Cahill no cuenta con el presupuesto de Nolan, y por lo tanto debe jugar con un acercamiento a la ciencia ficción con los pies más en la tierra. Tampoco sus diferentes bagajes se pueden comparar. Cahill proviene del terreno de la no-ficción, del cine documental, y eso se puede apreciar en su puesta en escena basada más en una narrativa de seguimiento, cámara en mano. Se trata de una narrativa más libre, atenta al desarrollo natural del plano, pero también por eso mismo imperfecta en su ejecución, frente al encuadre medido de manera milimétrica que propone Nolan. El director también distingue narrativamente las partes donde predomina la perspectiva empirista del protagonista (ejecutadas con este estilo documental que hemos comentado) de aquellas donde impera lo espiritual y sensitivo. En estas últimas el cineasta busca una planificación más intimista y poética, jugando con el encuadre y el ralentí como subrayado emocional. Estos dos elementos se combinan aportando a la cinta lo que podríamos denominar una estética de realismo poético. En cualquier caso, al contrario que Nolan, Cahill no busca tanto llamar la atención sobre la narración como subordinar la planificación y el montaje enteramente a las necesidades de los personajes y los actores. Sólo hay dos planos en toda la película donde el cineasta ha querido destacar el trabajo de cámara por encima de los personajes, y se trata de dos escenas con un significado especial dentro de la película, íntimamente conectadas, donde el travelling circular sirve de énfasis de cara al espectador. Se trata de dos planos que rompen por completo el tono de la narración, pero que lo hacen de manera premeditada, buscando que esa ruptura haga más consciente al espectador de la importancia de esos dos momentos. Temporalmente, la trama está ambientada en el presente con un ligero salto a un futuro cercano. De esta manera, la cinta no requiere de una ambientación especial y permite al director rodar en espacios urbanos reales. Únicamente en la secuencia de la visita a la Dra. Simmons podemos apreciar una cierta estilización futurista, mientras que el resto de los espacios (el laboratorio donde trabaja el protagonista, su casa o los exteriores) o el estilismo de los personajes apuestan más por una estética cotidiana y contemporánea, perfectamente coherente, además con el espíritu indie de la producción.
 
La música juega también un papel protagonista en ambas películas. La partitura de Hans Zimmer se convierte en un verdadero hilo conductor de la película, con una presencia casi constante y que evita la construcción narrativa tradicional de la música para el cine para optar por un acercamiento más experimental. El compositor alemán juega con las sonoridades electrónicas, la orquestación y un coro de 60 voces, como ya hiciera con anteriores películas de Nolan, llevando un paso más allá ese trabajo previo. Mención aparte se merece el uso del órgano. Mientras, como hemos comentado, la puesta en escena de Nolan apuesta más por intelectualizar la trama y el componente afectivo de los personajes, la música es la encargada de aportar ese fondo emocional con el que el espectador pueda empatizar. Para ello, Zimmer escogió un órgano de tubo Harrison&Harrison de cuatro teclados de 1926 como instrumento solista, aportando a la música una sonoridad especial, de carácter espiritual. El efecto obtenido es clave para el éxito de la película, aunque, en nuestra opinión, con esta decisión Zimmer ha apuntado una cierta lectura sacra al conjunto que no casa con los propósitos de Nolan, quien en todo momento evita dar una interpretación religiosa, y mucho menos católica, de la película. Pese a esto, no podemos más que congratularnos con un trabajo que supone la recuperación del mejor Zimmer, quien por lo general anda demasiado ocupado con propuestas puramente alimenticias con las que mantiene su estatus de compositor estrella en Hollywood. “Orígenes” también opta por un acercamiento musical atípico, destacando la partitura musical creada por Will Bates y Phil Mossman y la incorporación de la canción “Dust It Off” del grupo The Dø. Los primeros apuestan por un trabajo basado en las cuerdas y el piano como instrumentos musicales, combinados con electrónica para darle al conjunto un tono ecléctico y etéreo, propio del New Age. Así, más que una función narrativa, la partitura se preocupa por generar una música atmosférica y sugerente. La canción de The Dø remite a la estética indie de la película, sirviendo de leitmotiv para la relación entre Ian y Sofi. Se trata por lo tanto de una propuesta más modesta, acorde a las necesidades de la película, pero que al igual que el trabajo de Zimmer, juega un papel más relevante del que habitualmente se le da a la música, posicionándose en primer plano, por encima de efectos de sonido e incluso, en determinados momentos, del diálogo.
 
“Interstellar” llegó a la pantalla como uno de los títulos esperados del año, y como tal ha cumplido generando debate y contraste de opiniones a su alrededor. Sin ser una obra redonda, si resulta una exquisita muestra del despliegue visual de su director y un ejemplo del gusto de éste por realizar obras complejas, con diferentes capas de lecturas. “Orígenes”, por su parte, ha supuesto la confirmación de Mike Cahill tras su excelente debut con “Otra Tierra”, demostrando tener una voz propia a la hora de abordar un tipo de ciencia ficción de corte existencialista. La coexistencia de estas dos películas en cartelera supone no sólo una feliz reunión de dos espléndidos títulos de ciencia ficción reflexiva y discursiva, también puede servir para complementar ambas miradas y enriquecer el visionado de estos dos trabajos.
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viernes, 14 de noviembre de 2014

ESTRENOS DEL 14 DE NOVIEMBRE

Como estaba previsto, el pasado fin de semana, Christopher Nolan fue rey absoluto de la taquilla. La película “Interstellar” se alzó con el primer puesto de taquilla, recaudando €2.151.702. Sin embargo es el único título con peso en lo económico. Otro de los estrenos del pasado fin de semana, “Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso” consigue el segundo puesto, pero con unos más modestos €573.709. El resto de la taquilla respeta más o menos lo establecido en semanas anteriores. De los títulos más veteranos, “Drácula. La Leyenda Jamás Contada” sigue siendo el título con mayor tirón, quedando en tercera posición con €566.247, “Los Boxtrolls” baja a cuarto puesto con €495.444 y “Relatos Salvajes” mantiene su éxito con una quinta posición (€400.017). A destacar el hundimiento de “[REC 4]. Apocalipsis” que en su segunda semana baja hasta novena posición, recaudando sólo €219.180 y la veteranía de “La Isla Mínima”, que tras siete semanas en cartelera se mantiene en octava posición con €224.410, llevando ya recaudados €5.501.286. Esta semana la cartelera de estrenos llega plagada de thrillers que abarcan tema como el extremismo yihadista, la corrupción de las altas esferas del gobierno estadounidense o el acercamiento biográfico a la figura del narcotraficante Pablo Escobar. Sin embargo, pese a eso, el tirón comercial apunta más hacia la comedia, con el regreso de dos personajes que marcaron escuela a medidos de los 90.
La Ignorancia De La Sangre
El director Manuel Gómez Pereira gozó de un notable éxito en la década de los 90 gracias a comedias como “Salsa Rosa”, “Boca a Boca” o “El Amor Perjudica Seriamente la Salud”. Posteriormente probó suerte con el género del thriller en títulos como “Entre las Piernas” o “El Juego del Ahorcado”. En los últimos años ha estado más dedicado a la televisión con series como el remake español de “Cheers”, “Gran Hotel” o “Gran Reserva”. Ahora regresa a la gran pantalla con “La Ignorancia de la Sangre”, adaptación del bestseller de Richard Wilson, que el propio escritor ha adaptado a guion cinematográfico. Rodada en Sevilla y en Tenerife, la cinta está protagonizada por Juan Diego Botto y cuenta también con la participación de Paz Vega, Alberto San Juan, Dacio Caballero y Ben Temple.
Javier Falcón, jefe de Homicidios de Sevilla, debe resolver dos asuntos distintos en poco tiempo. Por un lado, las consecuencias inmanejables de un caso de espionaje en el que está involucrado personalmente: un viejo amigo suyo se infiltró en un comando terrorista islámico, y ahora el comando pretende reclutar a su hijo adolescente para la causa. Por otro lado, Falcón se enfrenta al secuestro de un niño por cuya liberación la mafia rusa, a la que está investigando, le exige que pague un precio demasiado alto.
 
Orígenes
El director Mike Cahill debutó en el terreno del largometraje de ficción en 2011 con la cinta de ciencia ficción “Otra Tierra”, con la que obtuvo una excelente acogida. Ahora regresa al género con “Orígenes”, manteniendo los mismos planteamientos estéticos y filosóficos de su anterior trabajo, reflexionando acerca del choque entre razón y espiritualidad. Este nuevo trabajo, alabado y premiado en los festivales de Sundance y Sitges, está protagonizado por Michael Pitt (“Soñadores”, “Boardwalk Empire”) y Astrid Bergès-Frisbey (“Piratas del Caribe 4. En Mareas Peligrosas”), a los que les acompañan Steven Yeun (“The Walking Dead”) y Brit Marling (ex-pareja del director y co-guionista y protagonista de “Otra Tierra”).
El Dr. Ian Gray es un biólogo molecular que estudia la evolución del ojo humano. Después de un breve encuentro con una exótica joven, su trabajo va a invadir su vida por completo. A medida que sus investigaciones continúan junto a su compañera de laboratorio, Karen, descubren algo sorprendente con implicaciones de amplio alcance que complican sus creencias científicas y espirituales. Entonces, emprende un viaje por medio mundo, en el que arriesga todo lo que sabe para validar su teoría.
 
Matar al mensajero
Jeremy Renner es el principal valedor de “Matar al Mensajero”, thriller independiente, producido por el propio actor y que narra la historia real del periodista Gary Webb, ganador del Pulitzer por haber destapado las relaciones de la CIA con narcotraficantes. Dirige la película Michael Cuesta, realizador especializado en televisión, donde ha trabajado en series de éxito reciente como “Homeland” o “Dexter”. A parte de Renner, la cinta cuenta con un variado reparto de estrellas, entre las que podemos destacar a Mary Elizabeth Winstead, Michael Sheen, Robert Patrick, Paz Vega (quien hace doblete esta semana en los estrenos), Ray Liotta, Barry Pepper, Andy Garcia, Michael K. Williams, Tim Blake Nelson, Rosemarie DeWitt y Oliver Platt.
Gary Webb es un periodista del modesto San Jose Mercury News durante la presidencia de Regan. Casi sin quererlo, se encontrará con la historia que puede ser el reportaje de su vida: la crónica de cómo la CIA permite a los cárteles colombianos colocar miles de millones de dólares en droga en las calles americanas, parte de las cuales servirán luego para financiar las operaciones sucias de la Agencia contra las guerrillas centroamericanas. Cuando su valerosa editora se atreva a publicar la historia, Gary se convertirá en el héroe americano del momento, alzándose con el premio Pulitzer. La CIA, sin embargo, no se quedará de brazos cruzados y, con la complicidad de los grandes periódicos de tirada nacional iniciarán una enorme campaña de desprestigio contra Webb, destinada a manchar el buen nombre del reportero y su trabajo.
 
Escobar Paraíso Perdido
La figura de Pablo Escobar ha sido largamente acariciada por el cine. Muchos han sido los que han intentado llevarla al cine y se han quedado por el camino. Al final, pese a barajarse grandes nombres, ha sido el italiano Andrea Di Stefano quien se ha llevado el gato al agua a pesar de que su carrera anterior estaba volcada en la interpretación y no tenía experiencia tras la cámara. Pese a esto, el cineasta ha logrado contar con una figura ascendente como Josh Hutcherson (“Los Juegos del Hambre”) y un veterano de peso como Benicio Del Toro, ambos comparten protagonismo junto con la joven Claudia Traisac. Otros nombres que sobresalen en el reparto son Carlos Bardem (curiosamente, su hermano Javier Bardem fue candidato al papel de Escobar en varias ocasiones), Ana Girardot o Brady Corbet.
Nick cree que ha encontrado el paraíso cuando se reúne con su hermano en un pequeño pueblo de Colombia. Una laguna azul turquesa, una playa con arenas de marfil, olas perfectas… un sueño para este joven surfero canadiense. Allí conoce a María, una impresionante chica colombiana. Ambos se enamoran perdidamente y todo les va muy bien. Hasta que María decide presentar a Nick a su tío, Pablo Escobar.
 
Dos tontos todavía más tontos
En 1994, los hermanos Bobby y Peter Farrelly debutaron por todo lo alto en Hollywood con la comedia grueso “Dos Tontos muy Tontos”, no sólo confirmando el estrellato recién adquirido por Jim Carrey tras “La Máscara”, sino evidenciando una vis cómica del actor Jeff Daniels, hasta entonces prácticamente inédita en este actor. La película fue un boom, pero sus artífices prefirieron probar otros caminos antes de embarcarse en una secuela, de ahí que el estudio apostara por una precuela de baja estofa, con los dos protagonistas reducidos a sus versiones adolescentes. Ahora, 20 años después, y con unas carreras que ya han pasado su mejor momento, directores y estrellas han vuelto a reunirse para volver a contar una nueva aventura de Lloyd y Harry.
Han pasado ya veinte años desde que Harry y Lloyd se conocieran y formaran el divertido dúo que nos hizo reír con sus disparatadas ocurrencias, pero ninguno de los dos parece haber madurado. Ahora, a Harry le han diagnosticado un problema de riñón y necesita un trasplante. Al mismo tiempo descubre que tiene una hija que apenas conoce y decide ir a buscarla para pedirle que done uno de sus órganos. Para esta aventura necesitará la ayuda de su inseparable Lloyd. Sin embargo, éste no se encuentra en muy buen estado físico ni psicológico desde que Mary le rechazó. Harry tendrá que prepararle antes de vivir numerosas aventuras durante el viaje.


viernes, 7 de noviembre de 2014

ESTRENOS DEL 7 DE NOVIEMBRE

Vista la taquilla del pasado fin de semana, podemos afirmar que Drácula sigue siendo el señor de las tinieblas. La película protagonizada por Luke Evans se mantiene por segunda semana consecutiva en el primer puesto de recaudación en nuestro país, obteniendo €1.024,58 en la celebración de todos los santos, manteniendo una amplia ventaja sobre el resto de los títulos de la cartelera. La segunda cinta más vista ha sido “Los Boxtrolls”, quedándose en los €644,37 de recaudación. El estreno en nuestro país de “[Rec] 4. Apocalipsis” se salda con un fracaso, quedando en cuarto lugar con tan sólo €493,57 (el arranque más flojo de toda la saga). Tampoco Liam Neeson despierta demasiado el interés del público con “Caminando entre las Tumbas” que recauda €461,42. Más estable es la trayectoria de “Relatos Salvajes”, éxito sorpresa de la cartelera que el pasado fin de semana obtuvo la tercera posición con €496,82 y que en sus 3 semanas en cartelera ya tiene acumulados €2.246,51. Este fin de semana, Drácula se las tendrá que ver con Christopher Nolan y su viaje interestelar, mientras que el resto de los estrenos dejan paso sobre todo al cine familiar.
Dixie y la rebelion zombi
En 2011, el director Ricardo Ramón presentaba junto a Joan Espinach “Papá, Soy una Zombi”, cinta de animación que a pesar de su limitado presupuesto logró una nominación a los Premios Goya como Mejor película de animación. Ahora, animado esta candidatura y por las ventas internacionales de la película, Ramón se ha aliado con Beñat Beitia para una segunda parte, “Dixie y la Rebelión Zombie”. Producida por Abra Producciones y distribuida por Barton Films, la cinta cuenta con la colaboración de ETB y de TVE. Justo cuando a Dixie todo comenzaba a marcharle bien en la escuela, aparecen sus viejos amigos zombies, Isis y Gonner, con malas noticias: la malvada Nigreda lidera una rebelión de los zombies contra los mortales. Quiere conseguir su viejo sueño de conquistar el mundo. Como portadora del mágico Azoth, sólo Dixie puede detenerle, pero en la lucha final entre zombies y mortales, ¿de qué lado se pondría Dixie?
 
French Women
Actriz francesa vista en títulos como “Roman de Gare” o “Welcome” (por las que recibió sendas nominaciones a los Premisos César en 2008 y 2010, respectivamente), Audrey Dana da el salto a la dirección con “French Women”, donde además escribe el guion junto a Raphaelle Desplechin y Murielle Magellan e interpreta a uno de los personajes principales. Ideada como retrato de la mujer francesa actual, la cinta nos presenta una historia coral protagonizada también por Vanessa Paradis, Isabelle Adjani, Laetitia Casta, Alice Belaïdi, Julie Ferrier, Audrey Fleurot, Marina Hands, Géraldine Nakache, Alice Taglioni o Sylvie Testud. París, comienza la primavera. Once mujeres: madres de familia, mujeres de negocios, compañeras, solteras o casadas… Todas representando las facetas de la mujer de hoy: una criatura hermosa y paradójica, a veces totalmente desorientada, pero definitivamente siempre llena de vitalidad. Alegres, explosivas, insolentes, incomprendidas, complejas, acomplejadas, celosas… sencillamente ¡MUJERES!
La distribución de esta película en nuestro país nos deja una paradojas del mundo del cine: ¿Por qué una película FRANCESA, cuyo título original es "Sous les jupes des filles" ("Bajo las faldas de las chicas"), se traduce en ESPAÑA con el título en INGLÉS ""French Women?
Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso
Basada en la novela de Judith Viorst, “Alexander y el Día Terrible, Horrible, Espantoso, Horroroso” es una producción familiar de Disney, pensada además para su explotación a través de Disney Channel. La cinta está dirigida por Miguel Arteta, realizador especializado en televisión, donde ha colaborado en series como “A Dos Metros Bajo Tierra”, “Con C Mayúscula”, “Iluminada”, “Nurse Jackie” o “The Carrie Diaries”, y está protagonizada por el joven actor Ed Oxenbould. Le acompañan Jennifer Garner y Steve Carell, como los padres del protagonista, y Dylan Minnette y Kerris Dorsey, como los hermanos. Además, cuenta con las apariciones especiales de los veteranos Jennifer Coolidge y Dick Van Dyke. Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso narra las andanzas de Alexander, un niño de 11 años, que vive el peor día de su corta vida. Una jornada que empieza con un chicle pegado en el pelo al que le sigue una calamidad tras otra. Alexander cuenta sus desgracias a su optimista familia, pero esta no le hace mucho caso. Así que empieza a pensar que este tipo de cosas desagradables sólo le ocurren a él. Pero no tarda en comprender que no es el único ya que su madre, su padre, su hermano y su hermana también van a vivir un día terrible, horrible, espantoso, horroroso. Si alguien dice que eso no existe es que todavía no ha tenido un día tan horroroso.
 
INTERSTELLAR
Finalizada su vinculación con el universo DC y el Caballero Oscuro, el director Christopher Nolan regresa con una nueva apuesta por la ciencia ficción. “Interstellar” es un guion escrito por el hermano del director, Jonathan Nolan, de acuerdo a las teorías del experto en relatividad Kip Thorne. El proyecto iba a estar dirigido inicialmente por Steven Spielberg, pero cuando el director de “Lincoln” decidió abandonar la producción, Nolan enseguida decidió acoger el guion de su hermano. Para esta epopeya Galáctica, el director ha querido recurrir lo máximo posible a los efectos físicos, en lugar de efectos digitales, y ha vuelto a recurrir al uso del sistema IMAX para las secuencias más espectaculares. Para protagonizar la película se ha contado con Matthew McConaughey, quien sigue sumando así proyectos ambiciosos a esta etapa dulce que vive su carrera tras el éxito de “True Detective” y el Oscar por “Dallas Buyers Club”. Le acompañan Anne Hathaway, Jessica Chastain, Casey Affleck, Topher Grace, Michael Caine y Wes Bentley. Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores decide embarcarse en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.