NIÑOS PRODIGIO EN HOLLYWOOD. EL RIESGO DEL ÉXITO (PARTE I)

INTRODUCCIÓN

El estreno la semana pasada de la penúltima aventura de Harry Potter, con la saga ya prácticamente finiquitada para sus jóvenes protagonistas, ha puesto nuevamente de actualidad la pregunta que lleva rondando a Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint desde que saltaran a la fama hace ya casi una década con aquella “Harry Potter y la Piedra Filosofal”: ¿qué futuro les depara el cine a estos actores ahora que ya no pueden seguir dependiendo de unos personajes que han absorbido sus vidas durante todo este tiempo? Ellos, al igual que otros actores infantiles en el pasado, deben afrontar ahora el paso más difícil, la transformación en intérpretes adultos o el olvido. Lo cierto es que la presencia de niños actores en el cine siempre ha sido un tema muy delicado. A cuestiones como la explotación infantil o al vano intento de mantener una apariencia determinada frente al desarrollo propio de su edad, se suman los efectos a posteriori, como es el caso de la multitud de muñecas rotas que ha dejado el Séptimo Arte. A continuación vamos a hacer un breve repaso por algunos de los nombres más característicos de la historia de Hollywood.

ESTRELLAS DEL CINE MUDO Y DEL HOLLYWOOD DORADO

El primero de nuestra lista es Jackie Coogan. Sus inicios en el cine no podían ser más destacados, acompañando a dos grandes del cine mudo. En 1921 protagonizó “El Chico” de Charles Chaplin y un año más tarde encarnó a “Oliver Twist” frente a un avaricioso Fagin al que daba vida Lon Chaney. Calificado en aquel momento como “el mejor niño actor del mundo”, no pudo mantener el alto nivel marcado por estos dos títulos y después de 1930 se encontró deambulando por producciones de poco calado. Fue a partir de los años 60 que pudo reconducir su carrera hacia el terreno de la televisión, donde, ya adulto, volvió a conocer la fama interpretando al Tío Fester en la adaptación de “La Familia Addams”.

Ya en la época del cine sonoro, varias fueron las estrellas infantiles en disputarse la corona del éxito. En este sentido, Shirley Temple ha sido la niña estrella más célebre de toda la Historia del Cine estadounidense, con taquillas que superaron a las de actores como Clark Gable o Gary Cooper. Actriz, cantante y bailarina, debutó a los tres años, protagonizó películas como “Ahora y Siempre”, “La Pequeña Coronela”, “La Simpática Huerfanita”, “Desde que te Fuiste” o “El Solterón y la Menor”, a los seis años ganó un Oscar por su contribución a la producción cinematográfica del año 1934 (en el que participó en la friolera de 12 películas), y a los 20 abandonó el cine para pasarse a la política y la diplomacia. En 1967 fue elegida congresista por el Partido Republicano, ejerciendo posteriormente como embajadora en las Naciones Unidas, Ghana y Checoslovaquia. Pese a sus logros en otros campos y haber podido desarrollar una carrera adulta con éxito más allá del cine, lo cierto es que su cara angelical, su tirabuzones y sus pasos de baile junto a Bill "Bojangles" Robinson siguen siendo su mayor contribución a la Historia.

Por otro lado, Freddie Bartholomew fue un actor infantil muy conocido durante la década de los 30 con películas como “David Copperfield”, “Capitanes Intrépidos” o “El Pequeño Lord”. Su aspecto aristocrático y un tanto pretencioso le hacía perfecto para papeles de niño mimado, aunque cuando se ponía tierno, sabía esponjar el corazón del espectador como una madalena. Aquel pequeño “pescadito” que aprendió lo que era la vida junto al viejo marinero interpretado por Spencer Tracy en “Capitanes Intrépidos” lo tenía todo a su favor para ser una de las grandes estrellas infantiles de su época. Desgraciadamente, tal y como suele suceder en estos casos, la fortuna alcanzada en la gran pantalla se convirtió también en un arma de doble filo que malogró parte de su vida personal. Abandonado por sus padres antes de ser famoso, su éxito provocó una verdadera batalla campal por parte de estos para poder recuperar la custodia legal de esta gallina de los huevos de oro. Al final, cansado de estar expuesto al escrutinio público, Bartholomew dejó el cine en 1944, tras cumplir los 20 años, para dedicarse posteriormente a trabajar en una empresa de publicidad.

Uno de los principales competidores de Bartholomew fue Mickey Rooney (curiosamente, ambos llegaron a coincidir en pantalla en títulos como “Capitanes Intrépidos” o “El Pequeño Lord”), quien debutó en la pantalla grande con tan sólo 15 meses y actuó en más de cincuenta comedias entre 1927 y 1933. Su carrera infantil le reportó una fama extraordinaria, siendo capaz de alternar papeles diseñados claramente para contentar al público (generalmente en comedias musicales), con otros de peso más dramático (aquí podemos destacar “Forja de Hombres”, donde nuevamente Spencer Tracy, esta vez en el papel del Padre Flanagan, era quien se encargaba de enderezar el camino de jóvenes descarriados). En su tránsito de la infancia a la madurez, Rooney supo aprovechar su fama para desarrollar una importante labor como secundario de lujo (la más celebrada, su caracterizada presencia como el Sr. Yunioshi, el irascible vecino japonés de Holly Golightly) alternando además la televisión con el cine. Con fama de insolente y maleducado, Rooney se ha mantenido en activo hasta nuestros días, normalmente en producciones televisivas o de escasa difusión, pero de vez en cuando también en títulos taquilleros como “Noche en el Museo” de 2006.

Una de las parejas míticas de Rooney fue otra niña prodigio, Judy Garland. Ésta debutó a los 14 años, protagonizando ambos varios musicales, como “Los Hijos de la Farándula”, “Armonías de Juventud” o “Babes on Broadway”. La química existente entre ambos les ha mantenido como una de las más queridas parejas de jóvenes actores del cine de Hollywood y si bien Rooney era ya una estrella antes de formar pareja con Garland, sus duetos con ella terminaron de situarlo en un lugar de honor en la industria del cine. Sin embargo, por su parte Garland no le debía tanto su fama a su relación con Rooney, sino a su inolvidable interpretación de Dorothy “El Mago de Oz” en 1939. Si bien la fama acompañó a Garland a lo largo de toda su vida, fue claramente una víctima de ella. Durante años, los productores trataron de mantener su aspecto aniñado, llegando incluso a vendarle los pechos en su época de desarrollo para que no se notaran. Su salto a la madurez lo inició en 1942 con la película “Por Mí y Mi Chica”, donde ya por fin su nombre era tratado dentro del estudio como el de una actriz adulta. Sin embargo este tránsito no quedó establecido hasta 1944, cuando ya tenía 22 años y protagonizó a las órdenes de Vincente Minnelli “Cita en St Louis”. Para su papel de Esther Smith, el director solicitó un cambió estético para la actriz, desde cambiar la curva de sus cejas hasta modificar la línea del pelo y la forma de sus labios. Esta relación entre director y estrella trascendió lo profesional y ambos contrajeron matrimonio el 15 de junio de 1945. A partir de aquí la actriz empezó a alternar musicales (“El Pirata” de nuevo con Minnelli, o “Repertorio de Verano”, ambas con Gen Kelly) con papeles dramáticos (“Ha Nacido una Estrella”, “¿Vencedores o Vencidos? Los Juicios de Nuremberg”) propios de una actriz adulta, sin embargo, su estabilidad psicológica estaba ya afecta (durante el rodaje de “El Pirata” sufrió una crisis nerviosa, con su primer intento de suicidio, y tuvo que ser ingresada en un sanatorio privado). Icono cinematográfico donde los haya, su relación con el cine y la fama la convirtieron en una mujer perturbada y pronto esta inestabilidad quedó patente también en su físico. Madre de la actriz y cantante Liza Minnelli, falleció de una sobredosis de barbitúricos en junio de 1969.

Otro nombre importante de esta época era Margaret O’Brien. A los 3 años comenzó su carrera artística, debutando en el cine con el musical “Babes on Broadway” junto a Judy Garland y Mickey Rooney en 1941 y al año siguiente ya protagonizaba el drama bélico “Journey for Margaret”, el primero de los 28 largometrajes en los que participó como estrella absoluta. En su filmografía podemos encontrar obras imperecederas como “Cita en St. Louis”, “Alma Rebelde” o “Mujercitas”. Con la llegada de la televisión cambió las salas de cine por la pequeña pantalla, donde además se dedicó no sólo a protagonizar sino incluso a crear y escribir varias series de gran éxito.

Más conocida por sus papeles de adolescente rebelde en títulos como “Rebelde sin Causa”, “West Side Story” o “Esplendor en la Hierba”, Natalie Wood debutó en 1947 a la edad de 9 años con otros dos clásicos del cine de Hollywood, “De Ilusión También se Vive” (donde interpretaba a la hija de Maureen O’Hara) y “El Fantasma y la Señora Muir” (junto a Gene Tierney). Su transición a actriz adulta se vio apoyada por el nuevo Hollywood que se abría hacia temas como la revolución sexual, donde la actriz participó en películas de referencia como “Amor con un Extraño” (una de las primeras películas en tratar abiertamente el tema del aborto), “La Reina del Vaudeville”, “La Pícara Soltera”, “La Rebelde”, “Propiedad Condenada” o “Bob y Carol, Ted y Alice”. Aún en pleno esplendor de su carrera, la actriz falleció con tan sólo 43 años, en un accidente marítimo, cayéndose de su yate durante una travesía, incidente que desató una serie de rumores sobre si estaba bajo el influjo de las drogas y el alcohol, o incluso si fue realmente un suicidio.

Otra figura rebelde del Hollywood de los años 60, Elizabeth Taylor, también inició su carrera como niña prodigio, en películas más acordes con la mentalidad conservadora del Hollywood dorado. Con tan sólo 11 años, Taylor se convirtió en estrella interpretando películas infantiles como “La Cadena Invisible” (primera aparición de otro icono cinematográfico, la perra Lassie, y en cuya secuela, “El Coraje de Lassie” volvería a parecer Elizabeth Taylor) o la cinta de equitación “Fuego de Juventud”. El paso a la adolescencia quedó marcado por dos papeles clave, Amy en la versión de 1949 de “Mujercitas”, y Kay Banks, la hija de Spencer Tracy en “El Padre de la Novia”. Títulos como “Un Lugar en el Sol”, “La última Vez que Vi París”, “Gigante”, “El Árbol de la Vida” y, sobre todo las adaptaciones de las obras de Tennesse Williams, “La Gata sobre el Tejado de Zinc” y “De Repente, el Último Verano”, definieron su maduración definitiva como actriz de carácter, especializada en personajes complejos y de fuerte sexualidad. En 1963, interpretó al personaje más importante de su carrera, “Cleopatra”, y desató la polémica con su relación extramatrimonial con el actor Richard Burton, dejando claro que ya no era aquella niña cándida de sus primeras películas. Durante la década de los 60 y parte de los 70, Elizabeth Taylor le tomó el pulso a los cambios sociales que se estaban produciendo en su país, tanto en la gran pantalla (con películas como “Reflejos en un Ojo Dorado” y “¿Quién Teme a Virginia Woolf?”) como fuera de ella (con su conflictiva relación con Burton). A partir de la segunda mitad de los 70 su carrera cinematográfica empieza a decaer y se refugia en la televisión y en papeles secundarios de mero lucimiento, retirándose definitivamente del cine en 1994 con una pequeña aparición en “Los Picapiedras”.

3. AÑOS 70. LA GENERACIÓN PERDIDA

Llegados a la década de los 70, las estrellas infantiles ya no procedían únicamente de películas destinadas a toda la familia. Es cierto que muchos comenzaban en producciones infantiles pero muchos jóvenes intérpretes alcanzaron la fama en películas destinadas a un público claramente adulto, en muchas ocasiones con personajes de gran dureza.

Conocido hoy en día por su labor como director y productor, Ron Howard debe su posición actual a la gran popularidad que alcanzó como actor durante su infancia y adolescencia. Con cuatro años ya se paseaba por los platos, pero su primer papel importante lo consiguió a los 9, cuando protagonizó junto a Glenn Ford “El Noviazgo del Padre de Eddie”. Su presencia en televisión fue muy fructífera y en la década de los 70 se convirtió en un rostro clave de la serie “Happy Days”. Sin embargo, su sueño era sentarse en la silla del director y abandonar su carrera delante de las cámaras. Tras algunos cortometrajes, por fin le llegó la oportunidad de dirigir su opera prima “Loca Escapada a Las Vegas”, aunque para ello se tuvo que comprometer también a protagonizar la cinta. El éxito en 1984 de “Un, Dos, Tres,… Splash” le avalaron para poder desarrollar una rentable carrera como cineasta, con títulos como “Cocoon”, “Willow”, “Dulce Hogar … A Veces” o “Llamaradas”. En la década de los 90 decidió dar otro paso adelante, y dejar de lado las producciones puramente comerciales, para involucrarse en proyectos más personales. Esta faceta generó títulos como “Apollo 13”, “Una Mente Maravillosa”, “Cinderella Man” o “El Desafío – Frost contra Nixon”. Actualmente, Ron Howard es uno de los directores y productores más valorados de la industria, capaz de compaginar películas dirigidas a premios y festivales con éxitos de taquilla.

A mediados de los 60 la factoría Disney empezó a ver que el mercado de sus títulos de animación se estaba enfriando y comenzó una serie de producciones de imagen real. Dentro de ellas empezó a destacar un joven actor llamado Kurt Russell, quien con películas como “Mi Cerebro es Electrónico”, “Un Ejecutivo Muy Mono”, “Te Veo y No Te Veo” o “El Hombre Más Fuerte del Mundo” se convirtió en una de las principales estrellas del estudio. Posteriormente consiguió hacer la transición como actor adulto gracias a sus papeles en películas de acción y ciencia ficción (especialmente con su alianza con John Carpenter en títulos como “1997. Rescate en Nuevas York”, “La Cosa” y “Golpe en la Pequeña China”) y en comedias románticas (como pareja de su esposa en la vida real, Goldie Hawn, en “Chicas en Pie de Guerra” o “Un Mar de Líos”). A día de hoy Russell es recordado más como uno de los duros de Hollywood de la década de los 801 y parte de los 90 que como aquella estrella infantil de las películas de la Disney, pero está claro que uno no existiría sin el otro.

Jodie Foster debutó en 1972 con anuncios de pañales, después participó en productos infantiles como “El Mágico Mundo de Disney”, la adaptación de 1973 de “Tom Sawyer” o la cinta “Freaky Friday”, sin embargo, la verdadera fama le llegó en 1976 con su papel de prostituta adolescente en “Taxi Driver”. Aquí dejó claro que era una joven muy madura para su edad y con las vistas claras a convertirse en una de las más destacadas actrices adultas de Hollywood. Este tránsito a la madurez se mantuvo con películas como “El Hotel New Hampshire”, hasta que en 1988 fue ya reconocida como actriz adulta gracias a “Acusados” y, poco después, “El Silencio de los Corderos”, por las que ganó sendos Oscars de la Academia de Hollywood. La carrera de Jodie Foster se volvió más analítica, eligiendo con gran precisión el tipo de películas en las que se involucraba. En ocasiones la actriz ha tenido algún altibajo, pero el éxito y las buenas críticas de títulos como “Nell”, “Contact”, “La Habitación del Pánico” o “Plan Oculto”, además de sus incursiones como directora con “El Pequeño Tate” o “Casa por Vacaciones” dan muestra del buen ojo de Foster a la hora de escoger proyectos.

No siempre esta transición de estrella infantil a actriz adulta ha sido tan positiva. Tatum O’Neal parecía tenerlo todo a su favor. Hija de una de las principales estrellas del cine de los años 70, Ryan O’Neal, debutó en la gran pantalla junto a su padre a la edad de 10 años en la película “Luna de Papel” de Peter Bogdanovich, convirtiéndose en la actriz más joven en recibir un Oscar de la academia. A continuación participó en películas como “Los Picarones” o, de nuevo a las órdenes de Bogdanovich “Nickelodeon. Así Empezó Hollywood”. Sin embargo su carrera como estrella infantil se fue diluyendo, pasando a ser más famosa por sus relaciones sentimentales (su primer novio fue Michael Jackson y ha reconocido haber mantenido relaciones sexuales con Melanie Griffith, Jean Claude Van Damme o el Príncipe Alberto de Mónaco pero fue su conflictivo matrimonio con el tenista John McEnroe lo que proporcionó tinta a los tabloides). Años más tarde, la actriz confesó en sus memorias los abusos que sufrió de niña por parte de un padre alcohólico y drogadicto, lo que le produjo una gran inestabilidad emocional y psicológica. Ya como adulta, ha intentado mantener una carrera artística participando en películas como “Basquiat” y series de televisión como “Sexo en Nueva York” o “Ley y Orden”, pero los laureles del éxito de aquel primer Oscar quedan ya muy lejanos.

ESTRENOS 26 DE NOVIEMBRE

CHLOE

Director: Atom Egoyan

Guión: Erin Cressida Wilson

Reparto: Julianne Moore, Liam Neeson, Amanda Seyfried, Max Thieriot

Catherine, una ginecóloga de éxito que lleva una vida acomodada, aunque monótona, junto a su marido David y su hijo Michael, comienza a tener sospechas de que David la engaña. Tras conocer casualmente a Chloe, una joven y bella prostituta de lujo, decide contratarla para que seduzca a su marido y poner a prueba su fidelidad. Pero los relatos de los encuentros de Chloe con David no sólo prenden en Catherine la mecha de los celos, sino también una serie de deseos ocultos que la desconciertan. Atrapada en una telaraña de pasiones y sentimientos encontrados, Catherine descubrirá que en el peligroso juego de seducción de Chloe toda su familia está implicada.

ENTRELOBOS

Director: Gerardo Olivares

Guión: Gerardo Olivares

Reparto: Manuel Angel Camacho, Juan José Ballesta, Sancho Gracia, Vicente Romero, Carlos Bardem, Alex Brendemühl, Luisa Martín

Marcos tenía siete años cuando fue entregado, por su padre, a un cabrero para cuidar el rebaño en un perdido valle de Sierra Morena. Al poco tiempo el cabrero murió y Marcos se quedó solo y completamente aislado. En los doce años que permaneció en el monte no tuvo contacto con humanos, vivió junto a una manada de lobos y sus amigos eran un hurón y una jineta. Como dijo en una ocasión Yo era el rey del valle. Marcos nunca consiguió adaptarse a la sociedad y, desde entonces, su sueño fue siempre volver a vivir... entre lobos.

LADRONES

Director: John Luessenhop

Guión: John Luessenhop, Avery Duff, Gabriel Casseus, Peter Allen

Reparto: Paul Walker, Hayden Christensen, Matt Dillon, Idris Elba, Chris Brown, T.I., Michael Ealy, Steve Harris, Jay Hernandez, Marianne Jean-Baptiste, Zoe Saldana

Amigos de toda la vida Gordon Betts, John Rahway, A.J. y los hermanos Attica, Jake y Jesse, financian su lujoso estilo de vida lleno de coches extravagantes, mujeres hermosas y dinero a manos llenas con intrincados robos de bancos. Evitan que los cojan gracias a la planificación de hasta el más mínimo detalle, sin dejar huellas y con un, sólo un, trabajo por año.

Su última gran travesura, un golpe de 2 millones de dólares, atrae la atención de un detective del departamento de policía de Los Ángeles, Jack Welles, un policía de la vieja escuela que ha sacrificado su matrimonio, su hijo y toda su vida personal por el trabajo. A pesar de la falta de apoyo de su departamento, Welles está decidido a atrapar a la escurridiza banda antes de que vuelva a dar otro golpe.

SKYLINE

Director: Colin y Greg Strause

Guión: Joshua Cordes, Liam O'Donnell

Reparto: Eric Balfour, Donald Faison, Scottie Thompson, David Zayas, Brittany Daniel, Crystal Reed, Neil Hopkins

Se suponía que el viaje de Jarrod y Elaine al sur de California iba a ser una simple escapada de fin de semana para ir a ver al mejor amigo de Jarrod, Terry, y a su novia, Candice, por el cumpleaños de éste. Pero, cuando el amanecer parece llegar dos horas antes, provocado por una intensa e inquietante luz procedente de una fuente desconocida, su vida tal y como la conocen ha llegado a su fin. Desde las ventanas del ático de Terry, observan aterrados mientras por toda la ciudad la gente se ve atraída al exterior y desaparecen en inmensas naves alienígenas que cubren el cielo de Los Ángeles.

Ahora, tendrán que hacer acopio de todo su instinto de supervivencia para evitar ser capturados por las miles de monstruosas criaturas que recorren la ciudad en busca de cualquier humano que haya logrado escapar de su asalto inicial. Desde tanques a zánganos o extraterrestres parecidos a hidras, los alienígenas parecen imposibles tanto de eludir como de destruir. El fin del mundo ha llegado... no hay más que asomarse por la ventana.

“HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE. PARTE I”. NO ES UN TRUCO DE MAGIA, SINO HUMO Y FUEGOS DE ARTIFICIO.

1. INTRODUCCIÓN

Según el Nuevo Testamento, Jesús obró el milagro de los panes y los peces, multiplicando la comida de la que disponía para alimentar a cinco mil seguidores hambrientos. Con la excusa de que el libro era demasiado extenso y que adaptarlo en una única película suponía dejar fuera parte de la historia fundamentales (o dicho de otra manera, con el fin de seguir explotando la gallina de los huevos de oro y sobrealimentar a los fans de Harry Potter), la Warner Bros decidió también ejercer de mesías y multiplicar por dos la adaptación de la última novela de la saga creada por J.K. Rowling. El pasado fin de semana llegaba a las pantallas la primera parte de esta duplicación y el resultado no podía ser mejor para el estudio (205 millones de dólares recaudados en 54 países, el séptimo mejor estreno internacional de la historia del cine), sin embargo, habría que analizar si además de estos buenos resultados económicos la partición del material supone también una mejoría a la hora de contar la historia.

2. LLEGANDO AL FINAL

 

Lo primero que deja claro esta “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte I” es que ya nos acercamos al final de la saga. Esto queda patente en el tono apremiante y solemne de la película desde su mismo principio. Ya la primera secuencia en el castillo de Lucius Malfoy donde está reunida la plana mayor de los Mortífagos desprende un tono fúnebre, ofreciendo algunas de las imágenes más violentas de toda la saga cinematográfica. Por otro lado, ésta es la primera de las películas cuya acción se desarrolla íntegramente fuera del entorno protector de Hogwarts. Harry, Ron y Hermione inician una búsqueda con cuenta atrás de los Horrocruxes que albergan partes del alma de Lord Voldemort, lo que da una sensación de urgencia a la acción, a pesar de que esta aventura le supondrá a los tres una larga odisea. Después de dos entregas carentes de peso dramático (no por lo que cuentan, sino por la forma lamentable cómo lo hacen), este penúltimo episodio en la gran pantalla parece querer recuperar cierto brío en la narración.

A lo largo de la serie hemos visto como el tono infantil de la historia iba desapareciendo, dejando paso a elementos mucho más siniestros de lo esperado en una película de estas características. Esto es aún más marcado en esta penúltima entrega. Dadas las características de la historia se eliminan elementos joviales como los partidos de Quidditch o el ambiente en las clases y el colegio. Esto, que puede parecer una evolución natural de la saga, implica también una cierta traición a su público inicial. Es posible que los primeros fans de los libros de J.K. Rowling hayan madurado con su héroe (el primer libro se publicó en 1997 y la primera película llegó a la gran pantalla en 2001), pero hay muchos otros nuevos seguidores de corta edad y más impresionables para los que, por ejemplo, el arranque de la película en Malfoy Manor puede resultar un tanto aterrador.

3. DAVID YATES

Resulta llamativo que después de pasar por las manos de directores de mayor peso en Hollywood, como Chris Columbus, Alfonso Cuarón o Mike Newell, la Warner haya preferido dejar la mitad de las películas de la saga en manos del inexperto y desconocido David Yates (más aún cuando nombres más comerciales como M. Night Shyamalan o Guillermo del Toro se barajaron para este tramo final). Este cineasta británico venía avalado por una interesante trayectoria televisiva (donde destacaba principalmente la miniserie “La Sombra del Poder”, posteriormente adaptada a la gran pantalla de manera notable por Kevin McDonald, con Russell Crowe y Ben Affleck como principales protagonistas), sin embargo, en “Harry Potter y la Orden del Fénix” y en “Harry Potter y el Misterio del Príncipe” evidenció una falta total de personalidad, presentando las dos películas más planas y olvidables de la serie.

Cualquiera podría sospechar que eso es precisamente lo que quería el estudio, un realizador manso, sin personalidad, incapaz de imponer su visión sobre la historia. No es que las películas anteriores de la saga hayan sido especialmente notables (un servidor se decanta por “Harry Potter y el Prisionero de Azkabán”, pero aún así, opino que toda la saga, sobre todo a partir del material del que partía, podría y debería haber alcanzado resultados mucho más meritorios), pero está claro que Yates no ha estado a la altura de sus predecesores. En cualquier caso, hay que decir que en este caso, los problemas que surgen del visionado de esta séptima entrega no son responsabilidad directa de Yates. El director se esfuerza en dar prestancia a la película, y sin grandes alardes, consigue que, al menos en lo referente a su puesta en escena, la película funcione de manera correcta.

4. GUIÓN INANE, IMAGEN PLANA

En esta ocasión, la responsabilidad de las deficiencias de la película recae principalmente en esa absurda decisión del estudio de dividir la historia en dos partes. Tal vez sea cierto que este último volumen ofrezca demasiada información indispensable como para resumirla toda en una única película, sin embargo, la impresión que se lleva alguien que no esté familiarizado con la novela es que esta “Reliquias de la Muerte. Parte I” carece por completo de un argumento sólido. A lo largo de dos horas y media encontramos varias acciones, pequeñas subtramas que afectan a la relación de amistad de los personajes principales, varias secuencias de acción (generalmente con los protagonistas huyendo y escondiéndose de las fuerzas de Lord Voldemort), sin embargo, al final de la función, uno sale de la sala con una sensación de indiferencia ante lo que es meramente una película de transición, un peaje que hay que pagar para ese supuesto despliegue épico que nos espera en la Parte II a estrenar el próximo mes de julio. Es cierto que el cine ha dado ejemplos de grandes películas de transición dentro de una saga (“El imperio Contraataca” es, sin duda, el ejemplo más claro de ello), sin embargo “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte I” no es, ni mucho menos, una de ellas.

Otro aspecto irresuelto de la cinta es el formato para el que está pensado. Inicialmente la película fue rodada en 2D con intención de convertirla posteriormente al formato estereoscópico, tal y como se hizo con títulos como “Furia de Titanes”, “Alicia en el País de las Maravillas” o “Airbender. El último Guerrero”. Esto finalmente no se produjo, ya que el estudio no quedó satisfecho con los primeros resultados de la conversión, depositando en la Parte II la distinción de ser la única aventura de Harry Potter que será presentada en 3D. Sin embargo esto no quita para que no quede constancia en la puesta en escena de Yates de este propósito inicial, por lo que la sensación de precipitación y gratituidad de la película se incrementa.

5. LA COMUNIDAD DEL HORROCRUX

Evidenciar a estas alturas los vínculos que unen la creación de J.K. Rowling con “El Señor de los Anillos” es algo baladí, principalmente porque lo que aquí estamos tratando no es de un acto de imitación, sino la perpetuación de unas estructuras narrativas ancestrales, lo que se ha dado a llamar “el viaje del héroe”. Desde que el mundo es mundo, al ser humano le ha gustado idear historias en las que una persona normal y corriente (incluso más débil o aparentemente indefenso que sus conciudadanos) se convierte en la esperanza para el futuro de su comunidad, llevando a cabo una hazaña que excede sus habilidades. Esto implica para el protagonista un proceso de cambio y maduración similar al que lleva a cabo Frodo Bolsón, Harry Potter, Luke Skywalker, Neo o Jake Sully entre muchísimos otros.

En esta “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte I” esta sensación de cercanía con la obra de Tolkien se intensifica, dado que la mayor atención de la historia está centrada en el viaje que llevan a cabo los tres protagonistas custodiando uno de los Horrocruxes hasta estar en disposición de destruirlo. El carácter oscuro de este objeto (que llevan colgado al cuello) produce que salgan a la luz los peores sentimientos de su portador, poniendo a prueba la amistad que existe entre ellos, especialmente entre Harry y el siempre fiel Ron Weasley. A una menor escala, por lo tanto, no es difícil identificar a Potter con Frodo, a Ron con Sam Gamgee, Lord Voldemort con Sauron o al horrocrux con el Anillo de Poder. Como decimos, esto no debería ser tomado en cuenta, ya que nos encontramos básicamente con la aplicación de un lugar común al esquema particular del universo de Harry Potter, si no fuera por la falta de otros componentes que den una mayor identidad propia a la película. Una vez más la poca sustancia sobre la que se erige el guión vuelve a pasar factura a la película, generando en el espectador una impresión constante de déjà vu.

6. ACTORES SECUNDARIOS

Dentro del apartado de personajes secundarios de la película podemos establecer dos grupos. En primer lugar la incorporación de nuevos personajes, los más importantes, como viene siendo habitual desde el principio de la saga, interpretados por conocidos actores británicos (en este caso destacan especialmente Bill Nighy como el ministro de magia Rufus Scrimgeour y Rhys Ifans como el padre de Luna, Xenophilius Lovegood). Sin embargo, dado que, como hemos comentado, esta historia está centrada por completo en Harry, Ron y Hermione, la participación de estos intérpretes es muy reducida, casi testimonial.

En segundo lugar tenemos la recuperación de viejos conocidos (como siempre encarnados por los populares rostros de Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Jason Isaacs, Brendan Gleeson, Timothy Spall, Robbie Coltrane, Maggie Smith, Michael Gambon, Miranda Richardson, David Thewlis, Julie Walters o Imelda Staunton), algunos vistos fugazmente en algún título anterior, como John Hurt, que ya aparecía en “Harry Potter y la Piedra Filosofal”. Dado que nos acercamos al final de la historia, parece necesario generar una breve reunión para definir los integrantes de ambos bandos, aunque ello suponga la pérdida por el camino de algún personaje importante (aunque, como sucediera en títulos anteriores, estas muertes suelen sucederse fuera de plano y sin darle excesivo énfasis, al fin y al cabo, aún se quiere mantener la ilusión de que se trata de una cinta infantil).

7. REQUIEM

Si decimos que la película desprende un tono fúnebre, esto queda marcado por una banda sonora que en esta ocasión corre a cargo del francés Alexandre Desplat (quien de esta manera hace doblete en cartelera, tras el estreno la semana pasada de “Tamara Drewe”). Originariamente, el estilo musical de las aventuras de Harry Potter fue establecido por el legendario maestro John Williams, quien dio con el tono épico, aventurero, pero también infantil de la historia. Williams se mantuvo durante tres entregas (aunque en “La Cámara Secreta” delegó gran parte del trabajo en su orquestador William Ross), después fue sustituido por el británico Patrick Doyle, quien supo recoger el testigo con una deliciosa partitura, pero desde la incorporación de Daid Yates a la dirección, el apartado musical había corrido a cargo del menos diestro Nicholas Hooper, quien optó por una composición más simplista y carente de los matices que habían empleado sus predecesores. Al parecer, el esfuerzo personal y familiar que le supuso a Hooper las partituras de “La Orden del Fénix” y “El Misterio del Príncipe” le llevaron a rechazar una tercera participación en la serie (aunque no es difícil imaginarse a los ejecutivos del estudio celebrando el poder sustituir a un compositor de segundo rango en la industria por uno de los más prominentes en la actualidad). A Desplat le ha tocado una ingrata tarea, por un lado encargarse de un argumento incompleto (aún no se ha anunciado quién se encargará de la música de la última entrega y algunas voces anuncian un posible regreso de Williams para cerrar el círculo) y por otro, llevar a cabo un cambio de tono, desechando los leitmotivs habituales y desarrollando una especie de misa de réquiem, de sonoridad melancólica, lóbrega y neutra, que se correspondiera con el carácter tétrico y ominoso de la película. Desplat cumple con oficio y destreza su labor, aunque está claro que la suya no será la partitura más retentiva o tarareada de la saga.

8. CONCLUSIÓN

Habrá que esperar a julio para realmente evaluar la relevancia de “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte I” dentro de la serie y en conjunción con el desenlace final. Es posible que una vez completado el puzle y visto todo en su conjunto podamos aportar mayor sustancia a este argumento, pero lo cierto es que a fecha de hoy, nos encontramos ante una película banal y que poco aporta a lo ya visto, salvo algunos apuntes de información explicativos o que servirán de nexo de unión entre acontecimientos anteriores y lo que está por llegar, y, sinceramente, emplear dos horas y media sólo en eso me parece desproporcionado y absurdo (cuando no una estafa al bolsillo del espectador).

ESTRENOS EN DVD Y BLU-RAY (DEL 23 AL 26 DE NOVIEMBRE)

PESADILLA EN ELM STREET. EL ORIGEN (DVD Y BLU-RAY)

Nancy, Kris, Quentin, Jesse y Dean viven todos ellos en Elm Street. Por la noche, todos tienen el mismo sueño: sueñan con el mismo hombre que lleva un jersey a rayas verdes y rojas y un viejo sombrero de fieltro con ala que le oculta la mitad de su rostro desfigurado y un guante de jardinero con cuchillas en los dedos. Y todos escuchan la misma voz terrorífica... Uno a uno, les aterroriza en las penumbras del sueño donde el que manda es él y la única forma de escapar es despertarse.

Pero cuando uno de ellos fallece de forma violenta, pronto se dan cuenta de que lo que pasa en sus sueños ocurre de verdad y de que si quieren seguir vivos no pueden dormirse. Juntos, los cuatro amigos supervivientes tratan de descubrir cómo han pasado a formar parte de esa fábula macabra en la que les persigue ese hombre oscuro. Funcionando bajo mínimos para no dormirse, se esfuerzan por comprender por qué ellos, por qué ahora y qué es lo que les están ocultando sus padres.

Enterrada en su pasado existe una deuda que está empezando a pasar cuenta, lo que les lleva a introducirse en la pesadilla más aterradora de todas... Freddy Krueger.

AVATAR. EDICIÓN ESPECIAL (DVD Y BLU-RAY)

En la aventura épica AVATAR, James Cameron, el director de "Titanic", nos lleva a un espectacular nuevo mundo más allá de nuestra imaginación. En una lejana luna llamada Pandora, un héroe inesperado se embarca en un viaje de autosalvación y descubrimiento mientras lidera una heroica batalla para salvar una civilización.

La película fue ideada por Cameron hace 14 años, cuando los medios técnicos, no permitían hacer realidad su visión. Ahora, después de 4 años de producción, AVATAR nos sumerge en una experiencia cinematográfica completamente nueva, donde la revolucionaria tecnología inventada para la película, pasa desapercibida ante la contundencia de los personajes y la conmovedora historia..

Contenido extra edición en Blu Ray

Incluye 5 Discos (3 Blu-ray + 2 DVD "combo") + Busto Jake exclusivo:

Disco 1: Película original de cine+ Película de cine Re-lanzamiento (+ 7.5 min) + Película exclusiva de DVD-BD Ed. extendida (+18-20 min).

Disco 2: Jornada de rodaje, 3 horas de documental.

Disco 3: La caja de Pandora, escenas eliminadas y otros valores añadidos.

Disco 4 y 5: Película en DVD.

EL RETRATO DE DORIAN GRAY (DVD Y BLU-RAY)

El Retrato de Dorian Gray es la última adaptación llevada a la gran pantalla de la magna obra homónima, escrita por Oscar Wilde.

Dorian Gray (Ben Barnes) es un atractivo aristócrata que regresa a su Londres natal tras pasar la adolescencia aislado en el campo. Abrumado por la vida nocturna londinense, Dorian se sumerge en ella de la mano de Lord Henry Wottom (Colin Firth), quien le muestra los lugares más recónditos y peculiares de la capital inglesa.

Dorian pronto comienza a obsesionarse con alcanzar la eterna juventud. Un retrato suyo pintado por Basil Hallward (Ben Chaplin) se convertirá en un recordatorio palpable de sus graves faltas con el paso del tiempo. A diferencia del resto de los mortales, el apuesto Dorian permanece impasible al sucederse los años y es el retrato en cambio, el que envejece y asume su degradación física y moral…

Contenido extra

Documentales: - Maquillaje y Vestuario. - El Cuadro. - El Mercado de Smithfield. - Efectos visuales, Galería fotográfica: Diseño de vestuario, Escenas eliminadas, Cómo se hizo, Tomas falsas, Trailer original, Trailer español

GLEE. PRIMERA TEMPORADA

Un grupo de estudiantes inadaptados de gran talento se convierten en toda una sensación con sus actuaciones, gracias a la dedicación de su profesor. Entre risas, lágrimas, humor y música inolvidable, aprenderán a dejarse guiar por el corazón y perseguir sus sueños.

Contenido Extra:

Bienvenidos a McKinley!, Vídeo musical de Glee, Pruebas: Rachel “On my own” y Mercedes “Respect”, Casting, Construyendo Glee con Ryan Murphy, Campamento de entrenamiento de baile, Conoce a Jane Lynch, Cosas que desconoces de Jayma, Cory, Amber y Chris, Vídeos diarios de Jane, Lea, Matt, Cory, Kevin, Amber Riley, Chris Colfer y Diana, Jukebox de Glee: canciones de cada episodio, Karaoke Glee: Alone, Somebody to love, Keep holding on, Don´t stop believing, Sigue a Glee, Vístete como tu miembro favorito de Glee, El poder de Madonna, Creando una estrella.

LOS PILARES DE LA TIERRA. SERIE COMPLETA. EDICIÓN DE LUJO (DVD Y BLU-RAY)

Los Pilares de la Tierra, basada en la novela homónima que ha vendido más de 14 millones en todo el mundo, gira en torno a la construcción de la catedral Kingsbridge en la Inglaterra del siglo XII, cuando comenzaba a introducirse el estilo arquitectónico gótico. Narra los avatares de la familia de Tom Builder, un constructor cuyo sueño es crear una catedral, siendo esta trama el hilo conductor de esta aventura en la que se mezclan drama, suspense, romance y acción. La serie constará de 8 episodios de una hora de duración cada uno.

Contenido extra

Entrevistas con el reparto y el equipo, Cómo se hizo Los Pilares de la Tierra, Trailers, Postales con fotogramas de la película

METRÓPOLIS. EDICIÓN ÍNTEGRA Y RESTAURADA (DVD Y BLU-RAY)

“Metrópolis” se estrenó en Berlín el 10 de enero de 1927 y dos meses más tarde en Nueva York en una versión reducida. A partir de entonces se exhibió en montajes tan diferentes como su duración o la banda sonora que la acompañaba. Su visión futurista de la sociedad junto a los diseños de Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht, las esculturas y robots de Walter Schulze-Mittendorf y los efectos de Eugen Schüfftan fueron cruciales para el éxito de la película. Esta edición de “Metrópolis”, restaurada por la Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung, además de respetar el montaje original, es la más completa y recrea la banda sonora compuesta por Gottfried Huppertz para el ya legendario estreno de 1927. Esta edición especial de 2 discos contiene una versión restaurada en 2010 de la película e interesantes materiales extras.

Contenido extra

El viaje a Metrópolis: La restauración de 2010 (HD), El caso de Metrópolis, Galerías (El nacimiento de Metrópolis. Bocetos arquitectónicos. Diseño de vestuario. Carteles publicitarios.), Biografías, Fichas.

PERDONA SI TE LLAMO AMOR (DVD Y BLU-RAY)

Niki es una joven madura y responsable que cursa su último año de secundaria. Alessandro es un exitoso publicista de 37 años a quien acaba de dejar su novia de toda la vida. A pesar de los 20 años de diferencia que hay entre ambos y del abismo generacional que los separa, Niki y Alessandro se enamorarán locamente y vivirán una apasionada historia de amor en contra de todas las convenciones y prejuicios sociales. “Perdona si te Llamo Amor” es la adaptación cinematográfica del fenómeno literario a escala mundial en que se ha convertido la literatura de Federico Moccia.

Contenido extra

Entrevistas a los protagonistas y al director. Escenas eliminadas. Clips. Teasers. Tráilers. Spots.

TOY STORY 3 (DVD Y BLU-RAY)

En “Toy Story 3”, Woody, Buzz y toda la pandilla de juguetes viven un momento de incertidumbre debido a la marcha de Andy a la universidad. Pero, cuando debido a un malentendido, se encuentren en un lugar desconocido, comprenderán que la aventura no ha hecho más que empezar. Están en la guardería de Sunnyside, rodeados de otros juguetes y de niños con una curiosidad insaciable. El grupo de amigos tendrá que preparar un plan de huida, y llevarlo a cabo con éxito. Entre las nuevas caras estarán Ken, el inseparable compañero de Barbie, el erizo Púas, y Lotso, el osito rosa con olor a fresa.

Contenido extra edición en Blu-Ray

Discos 1 y 2: Corto de cine: Día y Noche, Cómo se hizo Día y Noche, Trivial de Toy Story, Buzz Lightyear, diario de una misión: La ciencia de la aventura, Los principios: dando vida a la historia, Creadores de juguetes, A vista de juguete: creando un nuevo mundo, Más allá de la caja de juguetes, Historias del estudio Pixar, Toda la tropa está aquí, Adiós Andy, ¡Juguetes! – Un repaso a todos los juguetes de Toy Story 3, Vídeo musical – Yo soy tu amigo fiel, con Aleks Syntek y Danna Paola

Disco 3: Película en DVD

Disco 4: Copia digital

WILL FERRELL. EL REY DE LOS BUFONES

INTRODUCCIÓN

A lo largo de su carrera Will Ferrell ha sabido crear una serie de personajes paradigmáticos que le han ayudado a convertirse en uno de los cómicos más populares en Estados Unidos. Eso sí, si bien es cierto que su particular sentido del humor le ha granjeado un amplio grupo de seguidores, también cuenta con abundantes detractores que ven en sus gags una apología a la estupidez y al chiste fácil y burdo.

SATURDAY NIGHT LIVE

Sus inicios en la comedia tuvieron lugar tras terminar sus estudios de secundaria e ingresar en la Universidad del Sur de California. Allí debutó dentro del grupo de comediantes The Groundlings. A mediados de los años 90 fue contratado para aparecer en el programa de televisión “Saturday Night Live”, en el cual permaneció desde 1995 hasta el año 2002. Allí aprendió a seguir el modelo de este veterano show en el que se dio salida a otros cómicos como Dan Aykroyd, Eddie Murphy o Mike Myers. Éste se basaba principalmente en el desarrollo de una serie de personajes característicos y recurrentes, con los que Ferrell se fue ganando el favor del público y que posteriormente muchos de ellos sirvieron de base para sus trabajos en el cine. Aquí desarrolló su personaje base, un ser esperpéntico, en la frontera entre la repulsión y el patetismo, con muy pocas neuronas, síndrome de Peter Pan y aquejado de un egoísmo crónico, pero que en ocasiones apelaba a la misericordia del espectador demostrando que bajo toda su mediocridad anidaba un corazón solitario. Por sus interpretaciones en este conocido programa televisivo, Ferrell recibió en el año 2001 el premio American Comedy Award.

INICIOS EN EL CINE

Fue precisamente uno de sus compañeros en “Saturday Night Live”, Mike Myers, quien le ofreció su primera oportunidad destacada en una película. En 1997 Ferrell interpretó a Mustafa, uno de los personajes secundarios en “Austin Powers”, retomándolo dos años más tarde en su secuela, “Austin Powers: La Espía Que Me Achuchó”. A este papel le siguieron otros secundarios con los que Ferrell fue trasladando a la gran pantalla el tipo de humor que había practicado previamente en el “Saturday Night Live”.

Su primer papel protagonista lo consiguió en 1998 en la cinta “Movida en el Roxbury”. Acompañado por su compañero del programa de televisión Chris Kattan, la película nos presentaba a los hermanos Butabi, dos lerdos apasionados por la música disco y la ropa hortera, que en su búsqueda por un patrocinador que financiara su proyecto de discoteca, debían superar varios obstáculos, entre ellos la poca confianza que generaban entre los demás sus casi nulas habilidades sociales y su apariencia de idiotas. La película fue un fiel reflejo del tipo de historias y personajes que han marcado la carrera de este humorista, aunque en su momento tuvo una fría recepción en taquilla que frenó la continuidad de Ferrell en papeles principales. A pesar de esto, con el paso del tiempo ha pasado de ser un título fallido a convertirse en una película de culto y una de las más aplaudidas del humorista.

En los años siguientes, Ferrell se vio relegado a papeles secundarios en títulos como “Aventuras en la Casa Blanca”, “El Terror de las Chicas” o “Todos la Querían Muerta” donde su presencia fue llamando a la atención de un creciente grupo de fans. De entre estas películas destacaban “Superstar” de 1999, donde volvía a acompañar a otros integrantes de “Saturday Night Live”, en este caso la actriz Molly Sahnnon; “Jay y Bob el Silencioso Contraatacan”, para la que Kevin Smith le reservó un pequeño papel de policía patoso; o “Zoolander”, con su tronchante papel de Mugatu, un diseñador de moda cruzado con el Blofeld de la serie Bond.

FRAT PACK

El verdadero boom de Will Ferrell comenzó en 2003, cuando entró a formar parte del reparto de “Aquellas Juergas Universitarias”. Esta película supuso un auténtico éxito en Estados Unidos, hasta el punto que a día de hoy es vista como una película generacional, donde se agruparon algunos de los más exitosos cómicos de la comedia actual hollywoodiense y a los que se llegó a etiquetar bajo el nombre de “Frat Pack” (de “fraternidad”, en referencia al Rat Pack encabezado por Frank Sinatra en los años 50 y 60 o el Brad Pack de los 80). De aquí en adelante, gracias a la popularidad de sus películas y su presencia en forma de cameos en títulos de algunos de sus compañeros, Ferrell competiría con Ben Stiller por hacerse con el cetro del cómico más prolífico del grupo.

Ese mismo año, Ferrell, pasó a protagonizar “Elf” de Jon Favreau, una comedia de ambiente navideño, donde el actor exploró su vertiente más inocentona e infantilizada a la hora de desarrollar los gags cómicos de la película. De esta manera, Ferrell demostró que podía ajustarse a un tipo de película dirigida a un público diferente del que estaba acostumbrado, al mismo tiempo que compartía pantalla con un actor de peso como James Caan.

A esta cinta se unió un año más tarde “El Reportero”, posiblemente la mejor comedia que ha realizado Ferrell dentro de su habitual línea de humor y su primer título para la gran pantalla a las órdenes de Adam McKay (antiguo colaborador de “Saturday Night Live”, y socio actual en la popular web humorística “Funny or Die”). Aquí Ferrell llevó al límite las características de su personaje tipo, creando al inefable Ron Burgundy, un obtuso periodista de los años 70 atrapado ante los cambios sociales de esta década. Para esta película se reunió además a un amplio grupo de secundarios que posteriormente fueron ganando peso en el cine, como Paul Rudd o Steve Carrell. A continuación hizo un pequeño cameo en “Starsky y Hutch”, junto a sus amigos Ben Stiller y Owen Wilson.

CAMBIO DE IMAGEN

Asentado ya como cómico en la industria, Ferrell empezó a seguir los pasos de otros compañeros, como Robin Williams o Jim Carrey, quienes después de destacar en el género de la comedia dieron el salto al drama para ganar prestigio como intérpretes. En el caso de Ferrell recibió la oferta de Woody Allen de participar en su película “Melinda y Melinda”, donde debía hacer frente a una parte de la historia con enfoque cómico y otro más dramático.

El nuevo status de Ferrell en la industria quedó patente al entrar como compañero de reparto de Nicole Kidman en la comedia de 2005 “Embrujada”. Si bien hasta ahora la carrera de Ferrell había deambulado principalmente en comedias de tono grotesco, junto a antiguos compañeros del “Saturday Night Live”, ahora entraba a coprotagonizar una comedia estándar, dirigida a su vez por Nora Ephron, reputada realizadora y guionista conocida por sus trabajos en títulos como “Algo para Recordar” o “Tienes un Email”. La película no tuvo el éxito esperado, pero sirvió para dar una imagen más suavizada de Ferrell y acercarle a un tipo de espectadores que normalmente no irían a ver sus comedias habituales.

2005 se presentaría como un año especialmente prolífico para el actor. Además de esta adaptación de la popular serie de televisión, trabajó también en “Un Entrenador Genial”, típica comedia norteamericana en la que Ferrell interpretaba a un torpe entrenador de un equipo infantil que tiene que aprender a llevar a sus chicos a la victoria y ayudarles a ganarse el respeto de su comunidad; dio muestras de sus habilidades musicales en “Los Productores”, adaptación a la pantalla grande de un popular musical de Broadway que a su vez estaba basado en una película de 1968 dirigida por Mel Brooks; y, finalmente, cerró el año con otra breve aparición sorpresa en “De Boda en Boda”, junto a Owen Wilson y Vince Vaugh.

En 2006 participó también en varios proyectos de características muy diferentes. Dio su primer acercamiento al cine infantil prestando su voz a Ted, el Hombre del Sombrero Amarillo en “Jorge el Curioso”; encarnó a Harold Crick, el cuadriculado inspector de hacienda que descubre que es una creación literaria en “Más Extraño que la Ficción” de Marc Forster; y, por último, regresó a su estilo de comedia alocada con “Pasado de Vueltas”, su segunda película junto a Adam McKay, donde compartía protagonismo con John C. Reilly y Sacha Baron Cohen, antes de que este último triunfara con “Borat”. De estas tres películas la que hizo más a favor de su carrera fue “Más Extraño que la Ficción”, con la que su paso a un tipo de cine más reputado tuvo más repercusión que su trabajo anterior a las órdenes de Woody Allen.

AUNQUE LA MONA SE VISTA DE SEDA…

Una vez demostrada cierta versatilidad con productos de diferente procedencia, en los últimos años Will Ferrell se ha mantenido fiel al tipo de comedia que ha venido marcando su carrera desde sus comienzos. Curiosamente, tras tocar el mundo del motor con “Pasado de Vueltas” encadenó un par de películas ambientadas en el mundo del deporte. En 2007 probó suerte con el patinaje artístico en “Patinazo a la Gloria”, donde compartía protagonismo con el también actor de culto John Heder (“Napoleón Dynamite”), y en 2008 parodió el mundo del baloncesto en “Semi-Pro”, sobre un equipo de patéticos jugadores que sueñan con llegar a la NBA. Ninguna de estas dos películas trascendería demasiado a nivel de taquilla, pero dado que las películas de Ferrell, por regla general, no conllevan grandes presupuestos, enseguida se rentabilizan.

Donde sí tuvo un mayor éxito fue en “Hermanos por Pelotas”, tercera producción a las órdenes de Adam McKay y de nuevo con John C. Reilly como compañero de reparto. Con ciertos ecos de “Movida en el Roxbury”, la película explotaba especialmente la estupenda química existente entre ambos actores, quienes lejos de competir el uno con el otro a ver quién es más gracioso, se saben complementar a la perfección y ayudarse para potenciar el efecto de los gags humorísticos.

En 2009, Ferrell se atrevió con un proyecto más arriesgado que estas últimas películas, la adaptación a la gran pantalla de la serie de culto de los años 70 “La Tierra de los Perdidos”. De manera similar a lo que hicieron Ben Stiller y Owen Wilson con “Starsky y Hutch”, la película recuperaba conceptos originales de la producción televisiva, pero los pasaba por el filtro del estilo de humor de Will Ferrell. Esto hizo que el resultado pareciera más una parodia de la original que una adaptación. Los fans de la serie no se sintieron identificados con la película y el resto, al desconocer el referente, no le encontraron la gracia al experimento. “La Tierra de los Perdidos” necesitó una inversión mayor que otros trabajos del actor para poder desarrollar el apartado de efectos especiales, por lo que el traspié en taquilla fue más sonado.

CONCLUSIÓN

Después de un tiempo centrado en apariciones en televisión y los sketches para la web “Funny or Die”, Ferrell ha regresado a la pantalla con “Los Otros Dos”, acompañado por Mark Wahlberg y Eva Mendes, título que le ha recompensado con un excelente éxito de taquilla en Estados Unidos, desbancando del primer puesto a “Origen” de Christopher Nolan. En breve regresará a las pantallas como la voz en versión original de “Megamind”, la nueva producción animada de Dreamworks Animation, mientras que para el próximo año ya tiene listas otras dos películas de imagen real: “Everything Must Go”, donde retoma su lado más dramático, y “Casa de mi Padre”, otra apuesta arriesgada, al tratarse de una película rodada íntegramente en español, con actores mexicanos como Diego Luna, Gael García Bernal o Pedro Armendariz Jr.. Sea como sea, lo cierto es que Ferrell lleva prácticamente una década inamovible en su posición como uno de los cómicos más populares en Estados Unidos, lo que de momento parece proporcionarle unas buenas perspectivas de futuro para los próximos años gracias también a sus producciones en internet o televisión.