BIENVENIDO, MR. DISNEY

Tenía que suceder. Tras el crecimiento desproporcionado de The Walt Disney Company con la adquisición de Marvel, Lucasfilm y 21st Century Fox, la multinacional del entretenimiento ha encontrado su siguiente objetivo en su plan para aglutinar el mayor emporio del entretenimiento mundial. Según anuncio conjunto entre la compañía y el Gobierno de Canarias, a partir de ahora la industria audiovisual del archipiélago pasará a ser una nueva filial del Tío Walt. En los proyectos de la empresa está convertir el Loro Parque en un nuevo parque de Disneyland y la playa de Las Canteras en el nuevo emplazamiento del Disney Beach Club Resort. Las islas se beneficiarán de todo un nuevo plan de producción cinematográfico, donde la Disney tiene previsto aprovechar la cantera de artistas del archipiélago para dar nueva vida a sus producciones internacionales con el talento canario. De cara a dar la correcta promoción a todos sus nuevos proyectos, Disney ha adquirido también la revista Alisios, nombrado como jefe de comunicación para su delegación canaria a Attua Alegre Páiz. A partir de ahora, Alisios actuará como BOD (Boletín Oficial de Disney).

Con la nueva adquisición, los personajes del cine canario pasarán ahora a formar parte también del universo Disney, por lo que ya se han iniciado los pasos para incorporar a la nueva entrega de Los Vengadores al protagonista de “Redemption”. Juan José Ramallo unirá fuerzas con los actores Robert Downey Jr, Chris Evans, Chris Hemsworth o Scarlett Johansson y ya se está planificando una precuela con los orígenes del personaje. Vasni Ramos, que iba a dirigir esta nueva entrega, ha sido sustituido por Ron Howard después de que el éxito de “Apocalypsis Vodoo” motivara a Disney a dar luz verde a un nuevo franquiciado de los detectives Paul Kersey y White Chocolate, que a partir de ahora estará protagonizada por Tom Cruise y Leonardo DiCaprio.

Tras las reacciones a la última entrega de “Star Wars” y con los problemas que está dando el spin of de Han Solo, Lucasfilm ha pasado a entregar el desarrollo de la franquicia a Fuerza Imperial de Tenerife, sin duda mucho más veteranos y conocedores del funcionamiento del universo galáctico que J.J. Abrams,  Ryan Johnson o Gareth Edwards. Se aprovechará la variedad de localizaciones que aportan las islas para recrear en ellas los diferentes planetas y civilizaciones que conforman la saga. Masplomas será Tatooine, La Esperanza Dagobah, Las Palmas Coruscant, Timafaya Mustafar y la Plaza de Toros de Santa Cruz será el nuevo emplazamiento del circo de Geonosis. El presidente de Fuerza Imperial de Tenerife, Rafael Rodríguez, ha comentado que su plan es empezar por ahí y poco a poco ir apropiándose también de la franquicia de Marvel. La partitura musical de esta nueva andadura de “Star Wars” correrá a cargo de Diego Navarro y se grabará en el Auditorio de Tenerife con la OST. Navarro no se siente en absoluto abrumado ante la responsabilidad de sustituir a John Williams. “La partitura la empecé a componer hace más de 30 años, cuando iba de camino al Colegio Alemán. La tengo ya toda planificada en mi cabeza”.

La fantasía épica tendrá también cabida en el nuevo catálogo de producción. Dispuestos a quitarse la espina clavada después de que la franquicia de “Las Crónicas de Narnia” quedara interrumpida, la factoría Disney ha decidido apostar por un proyecto original de temática fantástica, “Ánima” de Cándido Pérez de Armas. Tras comprobar los valores del universo creado con “Minaa”, el estudio pondrá todo su esfuerzo para que la visión del cineasta quede reflejada de manera colosal y épica. Anatael Pérez será el responsable de la dirección artística de la película y tienen libertad absoluta para utilizar cualquier personaje del catálogo Disney. “Es como dirigir mi película Lego en imagen real”, ha dicho Pérez de Armas.

El cine de acción tendrá también su representación con un proyecto a través del cual Disney  pretende, además, recuperar su tradición de películas con vehículos parlantes. Así “Tranvía en Blanco” nos presenta una variante de la película “Speed”, en la que, durante la celebración de La Noche en Blanco, un terrorista (al que dará vida Tana González) coloca una bomba en el Tranvía amenazando con hacerla explosionar si el vehículo reduce su velocidad. Alicia Rodríguez le pondrá la voz al tranvía, mientras que Darío López será el heroico conductor. Rodríguez comentó que el proyecto es todo un reto y que nunca pensó que se contaría con ella para un proyecto tan original. Entre los dos se generará además una relación romántica imposible. El director inicialmente previsto era Víctor González Outon, pero cuando éste anunció que quería introducir una secuencia de mecafilia entre los dos protagonistas, los directivos de la Disney dieron marcha atrás y han asignado el proyecto a los hermanos Russo.

El Canal Disney se nutrirá también de producciones canarias. Concretamente, la webserie “Mambo” tendrá continuidad dentro de la plataforma televisiva de la compañía, aunque con ligeros cambios. David Sáinz y Aarón Gómez seguirán siendo sus protagonistas, en los roles de los primos Mambo que buscan triunfar en el mundo de la música, pero ahora el enfoque será más cercano a otros títulos del canal, como “iCarly”. De hecho, para esta nueva etapa, en lugar de cameos de youtubers o influencers españoles, se contará con la participación de estrellas juveniles como Zendaya, Peyton List, Cameron Boyce o Isaak Presley. Además se está pensando en versiones animadas de los personajes para que hagan cameos musicales en “La Casa de Mickey Mouse”, “PJ Masks” o “Las Aventuras de Ladybug”.

La asociación SAVE ha aprovechado también para firmar un acuerdo con Disney para desplazar toda la producción animada del estudio a Canarias. El primer proyecto de animación que se va a desarrollar íntegramente en las islas será una versión animada de “La Tribu de las 7 Islas” de Armando Ravelo. Tras el éxito de “Coco”, Disney-Pixar quiere seguir la estela de películas que traten elementos folclóricos y la propuesta de Ravelo sobre las figuras mitológicas aborígenes les aporta el componente de aventuras, humor y tradición que estaban buscando.  

Tras “El Libro de la Selva”, “La Bella y La Bestia” o la inminente “El Rey León”, Disney busca continuar con sus adaptaciones de sus clásicos animados a imagen real también en la nueva delegación canaria. El siguiente personaje en pasar a imagen real será Pinocho y el director escogido para este proyecto ha sido Daniel León Lacave, quien ya ha anunciado que el título será “El Muñeco Roto”. La nueva versión tendrá una mirada de denuncia social, donde el joven Pinocho es un niño de madera obligado a trabajar primero para el empresario circense Strómboli y luego explotado como mano de obra en La Isla de los Juegos. Víctor León será Pinocho, Lamberto Guerra interpretará a Geppetto, Borja Texeira a Strómboli y Penélope Acín al Hada Azul. Jonay Armas será el encargado de preparar la nueva versión de la canción “When You Wish Upon a Star”.

También está en proyecto una nueva versión de “Toy Story”, para la que se ha anunciado a la pareja formada por Álex Medina y Basilio Hernández para los papeles de Woody y Buzz Lightyear. Al parecer este anuncio no ha sentado muy bien a los futuros actores y es probable que acaben renunciando al proyecto. Según Basilio Hernández, desde que se hizo pública la noticia sus vidas han sido un infierno, con multitud de personas haciendo cola en las puertas de sus casas día y noche esperando para sacarse fotos con ellos.  

A estas alturas y con todos estos proyectos en marcha, sólo hay una cosa que preocupa a la compañía y son las críticas de Norberto Trujillo en su “Faquer Reviews”. Dispuestos a desacreditar su imagen, crearon un programa adverso al que denominaron “Norber Reviews”. La finalidad era dar malas críticas de los trabajos de Trujillo como actor. Para su desgracia, el proyecto fue puesto en marcha en plena temporada de festivales cine express y acabaron desbordados ante tanto cortometraje, por lo que la plataforma tuvo que ser clausurada antes de iniciar su campaña.  

¡FELIZ DÍA DE LOS SANTOS INOCENTES A TODOS! 

ENTREVISTA AL DIRECTOR VÍCTOR MATELLANO

 



FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO DE CANARIAS "ISLA CALAVERA". ENTREVISTA A DANIEL FUMERO Y RAMÓN GONZÁLEZ

COSMOCINE. "LA MUJER Y EL AGUA". ENTREVISTA A ANTONIO MAMPASO



“THOR. RAGNAROK”. ÉPICA LISÉRGICA.

Tras dos aventuras poco satisfactorias de Thor en solitario y motivados por el éxito de “Guardianes de la Galaxia” y el interés de Chris Hemsworth de potenciar su faceta humorística tras su rol secundario en comedias como “Vacaciones” o “Cazafantasmas”, Marvel ha querido dar un volantazo para la tercera entrega del Dios del Trueno. Con Taiki Waititi, creador de “Los Concords”, al frente de los controles, esta nave pone toda la carne en el asador a la hora de ofrecer una visión alocada, psicodélica, desprejuiciada e irreverente del Universo Marvel. 

La sucesión de gags y chistes, con mayor o menor fortuna, es constante. Sólo Heimdall y Hela, la villana de la función, evitan el tono de trazo grueso de la película e incluso momentos fundamentales y de gran repercusión en el Universo Marvel son punteados rápidamente con una frase o un gag con los que desinflar el componente dramático. Y ahí, en nuestra opinión, está el grave problema de esta película. Sí, “Thor. Ragnarok” cuenta con algunas de las mejores secuencias de acción de las tres entregas del personaje y varios sucesos de la trama van a dejar una huella indeleble en el futuro del personaje y del mismísimo Universo Cinematográfico Marvel; la estética de la película entronca de maravilla con el colorido del cómic o el imaginario de Jack Kirby; y los guiños a los fans del comic son abundantes. Sin embargo, en nuestra opinión, la amenaza del Ragnarok y lo que ello supone para los dioses de Asgard no se merecía este tono desfachatado más propio del Saturday Night Live. 

No estamos en contra de que Marvel apueste por la comedia. El humor ha sido un componente esencial en todas las películas de la franquicia como contrapunto de la acción, no por encima, y mantenemos que la primera entrega de “Guardianes de la Galaxia” supuso un refrescante cambio en una fórmula que ya empezaba a oler a cuerno quemado; sin embargo, forzar un cambio de tono en un personaje ya preestablecido y tomarse a cachondeo lo que, de otra manera, podría haber sido una estupenda película de dimensiones épicas nos ha parecido un error de juicio. 

Como película independiente, no podemos negar que es una cinta muy divertida y que aporta una visión desenfadada de los personajes; sin embargo, no debemos olvidar que todo esto forma parte de un continuo y que las acciones y los cambios de tono que aquí suceden deberán tener continuidad en lo que viene a continuación. ¿Seguirá Thor siendo un personaje paródico en “Avengers: Infinity Wars”?, ¿competirá ahora el Dios del Trueno con Iron Man o con Starlord a ver quién es más chistoso?, ¿pasará ahora todo el Universo Marvel a tener este tono caricaturesco?

ENTREVISTA A ARMANDO ARVELO

CATÁLOGO DIGITAL 104 DISTRIBUTION 2017

Se está convirtiendo en una tradición y esperamos que por muchos años. Digital 104 Distribution hizo el pasado viernes 20 de octubre un pase de proyección de varios de los títulos que componen su catálogo de este 2017, un encuentro que tuvo lugar en Aguere Espacio Cultural y que nos permitió conocer las principales propuestas que andan ya realizando el recorrido de festivales, algunas ya con una importante trayectoria detrás y otras iniciando ahora su periplo. Entre las seleccionadas se contaba con varios títulos de, o vinculados con, el audiovisual canario (“2 de Agosto”, “Nouvelle Cuisine”, “The Blinking Island”, “El Mejor Momento” y “Sub Terrae”), pero también otros títulos procedentes de otros lugares del territorio nacional e incluso internacional. La primera buena noticia fue entrar en la sala y encontrarla a rebosar de gente esperando para ver los cortos. Eso sí, varios de ellos estaban allí para acompañar a Diego Borges en la presentación en Tenerife de su corto “The Blinking Island”, y no tuvieron la deferencia de quedarse al resto de la proyección una vez finalizado el visionado de este trabajo.    

La sesión se abrió de manera ligera con “Dieciocho” de Tonet Ferrer, una comedia negra con toques de gore protagonizada por Loles León, Cristina Plazas y Sergio Caballero. De puesta en escena sencilla, casi teatral, el corto se desarrolla en dos secuencias diferenciadas, la primera anticipatoria, en la cocina, y la parte principal en el comedor donde se reúne la familia para celebrar la mayoría de edad de la hija del matrimonio protagonista. Ferrer juega con el costumbrismo, los dobles sentidos y con la ironía a la hora de establecer una crítica ligera a nuestra sociedad y la intransigencia hacia lo que está fuera de la norma. Menos provocador de lo que a priori parece pretender, al final el cortometraje funciona mejor gracias a vis cómica de los actores, pero sin profundizar demasiado en la trama y con un desarrollo que resulta previsible.

De una propuesta de género pasamos a otro trabajo de corte más experimental. “28 de agosto” supone el acercamiento de Domingo J. González (miembro también de Digital 104) a un formato de documental familiar, con registro de una realidad cotidiana, a la que la cámara aporta un componente representativo de un momento vital excepcional. La reunión de diferentes generaciones dentro de una misma familia, el retrato de los particulares espacios del hogar, la documentación de la coincidencia de la generación mayor con las nuevas incorporaciones dan un valor especial al momento que recoge el corto, pese a que la mirada del cineasta trata de evitar cualquier énfasis emocional, intentado mantener la objetividad y cierto distanciamiento con todo lo que recoge. Esto, sin duda, le aporta un gran valor como documento familiar, sin embargo, a nivela particular, como cortometraje nos dejó bastante fríos y añorantes de trabajos anteriores del mismo director como aquel fantástico “Ridícula” (2011).   

La animación tuvo también representación en la selección con “Nouvelle Cuisine” de Manuel Reyes Halaby, en nuestra opinión uno de los trabajos destacados de la noche. Tomando como referencia la tradición del cartoon y de las silly symphonies de Disney, se nos presenta una divertida historia a medio camino entre el cine gastronómico y el homenaje al género de terror. Curiosamente, estos elementos conectan este corto con el de “Dieciocho”, aunque poco más en común tienen ambos trabajos. Colorido y visualmente juguetón, cuenta también con una dinámica partitura original de Joseph Rowe. Aquí la resolución final sí resulta novedosa e inesperada, aportando un espléndido giro humorístico a toda la trama.

“The Blinking Island” supone el segundo trabajo de Diego Borges tras “Delta” (2013). El corto mantiene muchos elementos en común con aquel trabajo, especialmente en lo que se refiere al trabajo de edición y fotografía, que bebe directamente del lenguaje publicitario y del reportaje deportivo. Con un argumento de aventura, con la excusa de la búsqueda de la isla de San Borondón, el director aprovecha para hacer un canto al surf y ofrecer imágenes marítimas de impacto, todo ello acompañado por la voz en off que nos narra la acción y con una cobertura musical que busca aporta al conjunto un tono épico. Desgraciadamente, a nuestro parecer, el componente narrativo de la propuesta queda anulado por tanto plano enfático y epatante, con una saturación musical de temas extraídos de Jamendo, y donde al final la historia es poco menos que una excusa y lo único que prevalece es el componente promocional del surf. 

El fenómeno del cine express ha influido también en la distribución de cortometrajes para otro tipo de festivales. Digital 104 Distribution premia con un año de distribución algunos trabajos generados dentro de este tipo de certámenes y precisamente “El mejor momento” de Raúl Navarro corresponde al premio de distribución de la pasada edición del Festivalito de La Palma. Protagonizado por David Sáinz y Miguel Esteban, nos presenta el peculiar método que dos amigos idean para solventar la claustrofobia de uno de ellos, momento que el otro aprovechará también para hacer una confesión. Tanto Navarro como Esteban son conocidos por su labor en Comedy Central, mientras que Sáinz es popular gracias a la webserie “Malvivendo”, así que obviamente nos encontramos ante una comedia, ese toque de humor negro e irreverente que caracteriza a sus creadores. Visualmente la propuesta resulta meramente funcional y la estructura del corto es la de un sketch humorístico, residiendo su éxito sobre todo en el trabajo de los actores, en este caso, David Sáinz, que es quien asume un mayor protagonismo. El resultado es un trabajo muy divertido, sin mayor ambición.

Dentro de la selección de cortos, nuestro favorito fue “Déjala ir” de Arie Socorro, una historia con componentes de terror y suspense, que se desarrolla dentro de la habitación de un hotel, donde una pareja intenta consumar su noche  de bodas, pero el miedo de ella y la interacción de un tercer personaje desde fuera va cargando la situación de tensión y violencia hasta su inesperado final. Con una espléndida puesta en escena, un cuidado trabajo de fotografía y la interpretación de los actores se trata de un corto que engancha al espectador desde el principio y le mantiene atrapado con una férrea narrativa. La resolución final resulta sorprendente y estupendamente realizada, con un puntual, pero efectivo, trabajo de efectos especiales.

Entrando ya en la recta final de las proyecciones, pudimos ver “Area” de Anxos Fazáns, un interesante trabajo con una narrativa fragmentada y rupturista para contar la historia de una separación. Protagonizada por Tamar Novas y Nerea Barros, el cortometraje nos habla de la relación entre dos personajes sin que estos apenas coincidan en plano, jugando más bien con las distancias y el montaje de las miradas. El sentimiento de pérdida, la soledad, lo irremediable de la partida son conceptos con los que trabaja la directora aportando a la historia un cierto toque de abstracción que da al conjunto una sensación onírica, irreal. Prácticamente sin diálogos y apoyándose en los pasajes naturales para subrayar esa idea de soledad y abandono, este cortometraje resulta, a nuestro entender, la propuesta más original de la selección.    

“La Caja de tu Vida” de David F Vega ofrece una mirada crítica y sarcástica hacia el mundo de la televisión y la forma en que nuestra sociedad devora en forma de entretenimiento las desgracias ajenas bajo la esperanza de un premio que ayude a solventar los problemas. La figura del presentador del concurso corre a cargo de Antonio Valero, mientras que la sufrida concursante está interpretada por Cuca Escribano. El ambiente de falso divertimento, de risas enlatadas y de morbo vouyerístico ante el sufrimiento ajeno transforma lo que a priori se presenta como una comedia negra en una distopía macabra, donde la exageración y la caricatura grotesca de los verdaderos concursos televisivos, más que provocar la risa en el espectador, pretende generar desasosiego y repulsión. En este sentido, el cortometraje cumple su función, resultado un trabajo incómodo y perturbador.

Cerró la proyección una de las apuestas fuertes de Digital 104 para esta temporada, “Sub Terrae” de Nayra Sanz Fuentes, cortometraje ganador también del premio a distribución de la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. Al igual que “28 de Agosto” de Domingo J. González, se trata de un documental donde la autora recoge una situación cotidiana y deja en manos del espectador sacar las diferentes lecturas que esas imágenes puedan tener. La conexión de dos espacios distintos, como son un cementerio y un basurero adquieren un carácter de denuncia por su proximidad y a través de la conexión que la cámara hace de ambos. Una lectura directa sería la crítica social y el modo en que la dureza de las imágenes nos habla de una realidad escondida; sin embargo, la cineasta abre el corto con una cita a “La Divina Comedia” de Dante, estableciendo además una visión más metafísica acerca de cómo el infierno existe realmente en nuestra realidad. Sin diálogos, sino simplemente exponiendo a través de las imágenes esos dos espacios, si nos parece que, dejándose llevar por lo impactante de la imagen, la directora acaba recreándose en exceso en la situación, alargando los planos finales más allá de lo que su denuncia necesitaba y cayendo con ello en un cierto morbo. Por el resto, un trabajo necesario que deja patente aquella miseria que preferimos ignorar.

Desde sus orígenes, Digital 104 se ha caracterizado por ser una empresa con un criterio bien definido y con un propósito de defensa del cine de autor y en sus variantes más minoritarias, apostando por propuestas arriesgadas, ya sea desde su faceta como productora, como en su labor como distribuidora. Esta selección de trabajos que pudimos disfrutar el pasado viernes dio fe de ello y de cómo un amplio abanico de estilos y enfoques pueden convivir en un mismo catálogo y retroalimentrarse unos a otros, ayudando así a este tipo de trabajos a llegar a una audiencia mayor. Nos quedamos, eso sí, con ganas de ver en esta selección otros títulos del catálogo reciente, como “El Principiante” de Octavio Guerra, “Archipiélago Fantasma” de Dailo Barco o “La Hora de la Merienda” Alba González de Molina. Ponemos ya en marcha la cuenta atrás a la espera de la muestra que nos llegará en 2018. 

FIC GÁLDAR 2017. ENTREVISTA A RUTH ARMAS

 

Entrevista a la directora del Festival Internacional de Cine de Gáldar, Ruth Armas, con motivo del inicio de su quinta edición.
La entrevista tuvo lugar en el programa Días de Radio de la Radio Canaria el viernes 13 de octubre.

“EFECTOS DE SONIDO”. CUENTOS ASOMBROSOS

A cada nuevo proyecto audiovisual que emprende, el cineasta Óscar Martínez sigue evidenciando el tipo de cine que le gusta, que le marcó de niño y que, a día de hoy, sigue siendo su fuente referencial: la ciencia ficción, el terror, el género fantástico en su más amplio espectro, pero especialmente el realizado entre las décadas de los 70 y principios de los 90 por cineastas como John Carpenter, Steven Spielberg o Robert Zemeckis, entre otros. Esto le ha llevado a desarrollar trabajos conceptualmente muy ambiciosos y difícilmente asumibles con la falta de inversión y medios de los que disponía. Aún así, con sus aciertos y sus errores, ahí quedan títulos como “Amania”, “Extinción” o “Melania. Paciente Cero” para atestiguar los esfuerzos del cineasta por mantenerse fiel a un tono y a una narrativa a día de hoy anacrónicos y, por lo general, olvidados por las nuevas generaciones. Su nueva aventura no podía ser menos.

“Crónicas de la Imaginación” nace tomando como referencia clásicos de la televisión como “Alfred Hitchcock Presenta”, “La Dimensión Desconocida”, “Galería Nocturna” o “Cuentos Asombrosos”, donde cada episodio ofrecía una historia autoconclusiva que buscaba ser sorprendente y jugar con los componentes del suspense, el terror o lo sobrenatural. El propósito de Martínez es ir presentando de manera esporádica pequeñas historias, sencillas y modestas en sus planteamientos, pero con las que seguir recreándose en ese gusto por una concepción clásica de lo fantástico. Todo un reto para un director al que los proyectos anteriores siempre han acabado siendo más ambiciosos y extensos de lo inicialmente previsto. La primera entrega de estas “Crónicas de la Imaginación” es “Efectos de Sonido”, un cortometraje de 10 minutos de duración centrado en la búsqueda que emprende un joven armado con un micrófono de unos extraños cánticos que parecen apuntar a algo más siniestro.

Por una vez, Martínez se mantiene fiel a su propósito y, argumentalmente, el corto es bastante sintético. La narración se centra sobre todo en ese proceso de búsqueda y la resolución es rápida y efectiva, reservándose únicamente dos planos en los que se evidencia ese componente sobrenatural de la historia. El director aprovecha el cortometraje para jugar con la puesta en escena, apostando por una narrativa limpia y clásica, con un cuidado trabajo de montaje a la hora de dilatar la acción y donde, evidentemente, el uso de la banda sonora, tanto en el apartado musical (con uso de una serie de temas libres de derecho, que, eso sí, falta acreditar en los títulos finales) como de efectos de sonido, tiene un papel decisivo, creando una atmósfera de suspense que va creciendo de manera paulatina y advierte al espectador del territorio sobrenatural en el que se va aventurando. Se trata, por lo tanto, de un corto de poco diálogo, aunque incluso con lo poco que hay, nosotros hubiésemos prescindido de parte de él. La labor interpretativa recae casi exclusivamente en el actor Norberto Trujillo, quien hace un buen trabajo a la hora de dar naturalidad y verosimilitud a su personaje (algo que, por otro lado, suele ser uno de los talones de Aquiles del cine del cine anterior de Óscar Martínez, con tendencia a una cierta artificiosidad en los actores y en lo que aquí apreciamos una notable mejoría).

“Efectos de Sonido” es un trabajo modesto, emprendido con falta de medios, pero lleno de ilusión y cariño por una forma muy especial de contar historias con imágenes y resuelto con eficacia. ¿Para cuándo el siguiente capítulo?      

“LA NIEBLA Y LA DONCELLA”. DOBLE LECTURA

PRIMERA LECTURA: DELITOS Y FALTAS

En “La Niebla y La Doncella” hemos encontrado la confluencia de dos películas diferentes, pero complementarias. La primera, la más evidente, supone el primer largometraje como director del guionista Andrés Koppel, basado en la novela de Lorenzo Silva dentro de su serie de procedimentales protagonizados por el Sargento Bevilaqua y la Cabo Chamorro.

Se trata de un policíaco puro y duro, con todas las claves, los esquemas y las trampas del procedimental, narrado con solvencia por parte de su director y guionista, y que ofrece al espectador un visionado entretenido y bien construido. El género policíaco parte de la base de que todos los personajes mienten y todos tienen algo que esconder. Es responsabilidad del escritor o, en este caso, el director y guionista saber diseminar las pistas para que, una vez desvelado el misterio, el espectador no sienta que le han engañado y que, si no ha resuelto la identidad del asesino, no sea por falta de migas de pan que le guíen en el camino. En este sentido, ni Lorenzo Silva, ni Andrés Koppel han pretendido reinventar el género, sino ser fiel a sus características. “La Niebla y La Doncella”, como buen criminal, busca esconder sus huellas y desviar la atención del espectador, pero al mismo tiempo cumple con las estructuras y los clichés narrativos, que acaban convirtiéndose en los principales indicios acerca de la identidad del asesino (y hasta ahí podemos leer). Se trata de una cinta donde, aparte de su trama detectivesca, se trabaja el concepto de culpa que persigue, de una manera u otra, a todos los personajes. Es recurrente que este tipo de historias, que se construyen entorno a aspectos policiales y jurídicos, acaben volando por encima de cuestiones meramente legalistas y prefieran profundizar más en el alma humana y su complejidad moral. “La Niebla y La Doncella” habla precisamente de la culpabilidad, por los actos realizados o por las cobardías escondidas, y en ella encontramos la razón de ser de todas las mentiras y los secretos que esconde el crimen principal, pero también la complejidad psicológica de los propios protagonistas, Bevilaqua y Chamorro, cuyos conflictos personales se cruzan con el modo en que investigan el caso que tienen sobre la mesa. 

Desde el punto de vista interpretativo, se agradece ver a un Quim Gutiérrez alejado de su rol habitual y ofreciendo un Bevilaqua aparentemente equilibrado y resolutivo, pero que esconde una gran rabia interior. El actor mantiene una excelente química con una fantástica Verónica Echegui (a nuestro entender el plato fuerte interpretativo de la cinta) y de manera más discreta, bien controlada para no romper la dinámica establecida por el escritor en las novelas, con Aura Garrido. La actriz realiza una buena composición de personaje y tiene momentos destacados en la cinta, pero sí es cierto que en esta historia Chamorro tiene un rol más secundario. A ellos se suma, cerrando un cuarteto de lujo un estupendo Roberto Álamo, muy comedido en su papel, y la colaboración especial de Marián Álvarez, en un personaje muy pequeño, prácticamente sin diálogo y que se mueve más por miradas. Como guionista, Koppel sabe establecer dónde están los puntos fuertes de la narración y su puesta en escena da dinamismo a la imagen, aunque sí apreciamos un clímax final un tanto precipitado y atropellado. La fotografía saca un excelente partido de los paisajes de La Gomera y juega muy bien con uno de los dos elementos que ya aportaba el título de la novela, la niebla, dando al escenario una cualidad ominosa y, en ocasiones, hasta fantasmagórica, que ayudan a dar la atmósfera correcta a la trama. “La Niebla y La Doncella” es, por lo tanto, una cinta consciente de su naturaleza de producto comercial, realizado con honestidad y solvencia, y que tampoco aspira a mucho más salvo atraer y entretener al espectador con un buen relato. Para algunos, será un título que requerirá un segundo visionado con el fin de atender mejor a los detalles, para otros (nuestro caso), una trama algo predecible si se saben leer los patrones del género.

SEGUNDA LECTURA. EL TRIUNFO DEL CINE EN CANARIAS

Existe, sin embargo, otra película detrás de la evidente, no tanto a nivel argumental, pero sí en lo que se refiere a su identidad, y tiene que ver con la situación del sector audiovisual en Canarias y su crecimiento en las últimas dos décadas. Desde el punto de vista nacional, Andrés Koppel es un guionista que se ha labrado un lugar en la industria gracias a sus libretos para títulos como “Intacto”, “Noche de Reyes” o, más recientemente, “En Zona Hostil”, además, su labor como jefe de desarrollo de proyectos en Sogecine hasta 2001 y como docente.

En Canarias, Koppel es también uno de los principales representantes de una generación de cineastas que devolvió a las islas el sueño de hacer cine en la década de los 90. En un archipiélago donde la relación con el cine ha sido discontinua, con periodos de crecimiento, pero también de desafección y derrota, nombres como Juan Carlos Fresnadillo, Miguel Ángel Toledo, Elio Quiroga o el propio Koppel lograron romper el insularismo y dar el salto tanto a la industria nacional como a la internacional. Con la llegada del cine digital, ya en el nuevo siglo, las reglas del cine cambiaron y la generación posterior se ha tenido que enfrentar a las virtudes, pero también a los hándicaps de la nueva tecnología. En este proceso, Koppel ha ejercido un papel fundamental, a través de su participación en proyectos audiovisuales como el LEAC, su cruzada particular por la formación y ahora con “La Niebla y La Doncella”. Es cierto que las políticas implantadas en los últimos años han potenciado los rodajes nacionales e internacionales en las islas, y que, precisamente, Tornasol, la productora detrás de esta adaptación de Lorenzo Silva, ha sido de las que más han sabido aprovechar estas ventajas fiscales. Sin embargo, en todas esas películas tanto los platós naturales, como la participación de equipo técnico y actores de las islas quedaba en un mera herramienta, un engranaje más dentro de la máquina global del cine.

“La Niebla y La Doncella” (como ya hiciera años atrás “Intacto”, precisamente con Koppel en el rol de guionista) va más allá de ahí. El conocimiento del entorno, geográfica y culturalmente, pero también la estrecha relación con el sector audiovisual de las islas han propiciado que la cinta entregue el protagonismo definitivo que el sector venía reclamando para demostrar su valor. Quizás fuera de las islas lo que impere sea la identidad comercial de producto de género, pero aquí destaca más la naturalidad y la fuerza con la que los particularismos del archipiélago inundan la historia y definen a los personajes. Destaca también el modo en que los actores de las islas se integran con el reparto estelar principal, no sólo sin desmerecer, sino incluso llegando a robar escenas (importante subrayar aquí la labor de Beneharo Hernández y Alba Tonini); o la excelente aportación de un equipo técnico bien armado y predispuesto (como ejemplo, la extraordinaria labor de segunda unidad realizada por Aarón Melián, responsable de la apabullante persecución inicial). Particularmente, más allá de las flaquezas y las fortalezas que pueda mostrar la película, de su discurso de género y su naturaleza de producto comercial, es aquí donde nosotros encontramos el gran triunfo de Andrés Koppel con esta película, en su habilidad para utilizar todos estos componentes como un macguffin hitchcoriano, donde la verdadera historia, el verdadero misterio desvelado, es el triunfo del cine en Canarias y su estado de absoluta madurez para seguir estableciendo su propia industria si se sigue contando con los apoyos adecuados y estos se siguen potenciando.  

  

ESTRENOS DEL 30 DE JUNIO DE 2017

DESPIDO PROCEDENTE

El director Lucas Figueroa se dio a conocer en 2013 con el thriller “Viral”, al que llegó tras escribir y dirigir cuatro cortometrajes. Ya en este primer largo dio muestras de interesarse por los esquemas narrativos de género, elemento que recupera con su segundo largometraje, “Despido Procedente”, aunque en esta ocasión saltando a las características de la comedia. El entorno de las grandes empresas y los efectos de la crisis económica son el punto de partida de este film, que cuenta con un destacado reparto masculino, encabezado por Imanol Arias y Darío Grandinetti, a los que acompañan Hugo Silva, Luis Luque, Miguel Ángel Solá o Tomás Pozzi. En el apartado femenino destacan las actrices Valeria Alonso y Paula Cancio. El protagonista es Javier, un ejecutivo de una multinacional, que comete un pequeño error e indica mal una dirección a un desconocido que le pregunta en la calle. Esta equivocación se transformará en su peor pesadilla cuando el desconocido comience a acosarlo reclamando una indemnización por el fallo cometido. La situación se tensa aún más con la aparición de Sam, un compañero de oficina con quien tendrá que competir para mantener su puesto de trabajo. Rodada entre Buenos Aires y Madrid, la película introduce también el contraste entre las culturas española y argentina, como parte de sus ingredientes humorísticos.

AURORA

“Aurora” está basada en la trilogía de novelas adolescentes "Le journal d'Aurore", escrita por Marie Desplechin. La directora Emilie Deleuze  ha destacado que lo que más le llamo la atención de Aurora al leer la novela fue que "no tuviera ningún problema" y que fuera "ella misma la que los genera", a diferencia de otras películas de adolescentes se cuentan historias de jóvenes con problemas enormes: el adolescente violado, maltratado o drogado. Quizás Aurora no saque las mejores notas, pero definitivamente no es tonta. Tiene una forma peculiar de observar y comentar su entorno; su familia, los chicos, su profesor de francés y ella misma también. Desafiante, Aurora explora límites y descubre en el proceso la música como medio de evasión. La debutante Léna Magnien asume la responsabilidad de ponerse en la piel de Aurora, una gruñona, desafiante e insoportable adolescente, que sin embargo, acaba ganándose la complicidad y el cariño del espectador. Tanto la novela como la película despliegan un discurso liberador, acerca de descubrir lo que a uno le hace feliz y concentrar todos los esfuerzos en eso. Para Aurora en este caso, estos elementos son la poesía y la música. La película obtuvo el premio del Oso de Cristal del Jury Génération en la Berlinale y el premio a la Mejor Película Europea del Jurado Joven de los Premios del Cine Europeo.

EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO

El manga de Fumiyo Kôno se serializó en la revista Manga Action entre 2007 y 2009. “En Este Rincón del Mundo” está considerada la obra maestra de Kôno, junto con “La Ciudad al Atardecer. El País de los Cerezos”, publicada en 2004 y que también trataba el tema de los efectos de la guerra en la gente de a pie. Por su parte, el director Sunao Katabuchi empezó como ayudante de Hayao Miyazaki en películas como “Nicky, Aprendiz de Bruja”. En su filmografía como director destacan la serie “Black Lagoon” y los largometrajes “Arete Hime” y “Maimai Shinko to Sennen no Mahô”. La historia narra la vida de una familia residente en la ciudad de Kure (Hiroshima) durante la II Guerra Mundial. Allí conocemos a Suzu Urano, una joven esposa que se muda a la ciudad de Kure desde un pequeño pueblo pesquero tras casarse con Shusaku Hojo, un oficial de la marina que le propone matrimonio y al que conoce desde que eran niños. Suzu preservará con gran determinación y valor a través de esa dura época del país. La película ha sido comparada con uno de los grandes hitos del anime japonés, “La Tumba de las Luciérnagas” de Isao Takahata. Ambas comparten ambientación durante la 2ª Guerra Mundial y tono melodramático, pero cargado de delicadeza y ternura. Ganó la candidatura de Mejor Película de Animación en los Premios de la Academia Japonesa. Además obtuvo el premio del Jurado en el Festival de Annecy.

GRU 3, MI VILLANO FAVORITO

Tras el parón que supuso para el personaje el spin off de los Minions, regresa Gru en una tercera entrega, donde nuevamente se podrá a prueba la verdadera naturaleza del personaje, viéndose tentado nuevamente a ingresar en las filas de nuestros villanos favoritos. Florentino Fernández vuelve a prestar su voz a Gru (Steve Carell en la versión original), así como a su hermano gemelo desaparecido Dru, que se incorpora como nuevo personaje de esta entrega de la saga. Por su parte, Patricia Conde repite en el doblaje de Lucy (Kristen Wiig) y, en esta ocasión, les acompaña el youtuber Jorge Cremades, que presta su voz al villano Balthazar Bratt (Trey Parker, uno de los creadores de South Park y la incorporación estrella al reparto de esta tercera entrega), un antiguo niño prodigio obsesionado con el personaje televisivo que interpretaba en los años ochenta. En esta ocasión, Gru se queda en el paro y deberá replantearse su futuro, al mismo tiempo que descubre que tiene un hermano gemelo, que disfruta de una vida acomodada, repleta de lujos, quien le invita a retomar el legado familiar. Pierre Couffin (creador de la franquicia junto con Chris Renaud, quien se mantiene como productor ejecutivo de la película) repite como la voz de los Minions, al mismo tiempo que dirige la película junto a Kyle Balda y Eric Guillon, dos veteranos del estudio Illumination.

ESTRENOS DEL 23 DE JUNIO

HERMANOS DEL VIENTO

La naturaleza ha jugado un papel decisivo en la filmografía de Gerardo Olivares, quien ya en 2010 con “Entrelobos” ofreció una historia integrada dentro del mundo natural y que recientemente estrenó también “El Faro de las Orcas”. Entre ambas películas rodó el estreno que nos llega este fin de semana, “Hermanos del Viento”, coproducción entre España y Austria y co-dirigida con el austríaco Otmar Penker. Rodada en espacios naturales de Los Alpes, la cinta ha contado con avances tecnológicos especiales para poder grabar el vuelo del águila con gran realismo y de una manera visualmente espectacular. La cinta narra la historia de Lukas, un chico que trata de salvar la vida de una cría de águila que se ha caído de su nido. Lukas mantiene una relación conflictiva con su padre, quien desde la pérdida de su esposa vive encerrado en sí mismo. Lukas le llama a la cría de águila Abel, y cuida en secreto al pajarillo, buscando el amor y la compañía que le niegan en casa. La cinta está protagonizada por el joven Manuel Camacho y cuenta con la participación de Jean Reno.

LA CASA DE LA ESPERANZA

Basada en hechos reales, “La Casa de la Esperanza” se basa en la historia Antonina Żabińska, una esposa y madre trabajadora real que se convirtió en una heroína durante la Segunda Guerra Mundial. La cinta adapta el ensayo escrito por Diane Ackerman, quien a su vez se basó también en los diarios de la propia Żabińska. Antonina y su esposo Jan eran los responsables del zoo de Varsovia antes de la invasión de Polonia por las tropas alemanas en septiembre de 1939. Al cerrar el zoo, deciden utilizar sus instalaciones vacías para refugiar a los judíos perseguidos por los nazis, intentando eludir la vigilancia del zoólogo jefe del Reich, Lutz Heck, y poniendo en peligro sus vidas y las de sus hijos. La cinta está dirigida por Niki Caro, cineasta neozelandesa responsable de títulos como “Whale Rider” o “En Tierra de Hombres” y está protagonizada por Jessica Chastain, Daniel Bruhl y Johan Heldenbergh.

WONDER WOMAN

El personaje de Wonder Woman fue creado en 1941 por William Moulton Marston, famoso también por ser el creador del polígrafo, para la editorial DC Comics. Marston se inspiró en las historias de la mitología griega sobre las guerreras amazonas, describiendo lo que según él debía ser el nuevo modelo de mujer. Con el tiempo, el personaje se integró en la Sociedad de la Justicia de América y más tarde en la Liga de la Justicia, junto con los principales héroes de la editorial e inspirando también una serie de televisión en la segunda mitad de la década de los 70 y varias versiones de dibujos animados. Tras su presentación cinematográfica en “Superman vs Batman. El Amanecer de la Justicia”, el personaje presenta ahora su propia aventura, donde indagamos en sus orígenes. Diana, princesa de las Amazonas ha sido criada en una isla paradisíaca protegida y entrenada para ser una guerrera invencible. Un día, un piloto americano llega a las islas de manera accidental y le habla de un gran conflicto existente en el mundo, la Primera Guerra Mundial. Diana decide salir de la isla convencida de que puede detener la terrible amenaza. Mientras lucha junto a los hombres en la guerra que acabará con todas las guerras, Diana descubre todos sus poderes, y de paso, su verdadero destino. La cinta está protagonizada por Gal Gdot y Chris Pine, con la participación de Robin Wright,  Connie Nielsen,  David Thewlis,  Elena Anaya y Danny Huston. Tras la cámara tenemos a Patty Jenkins, responsable de “Monster”, cinta que le otorgó un Oscar a Charlize Theron.

   

ESTRENOS DEL 16 DE JUNIO

SEÑOR, DAME PACIENCIA

Si algo ha dejado claro la comedia nacional es que a los españoles nos gusta reírnos de nuestros estereotipos y peculiaridades. En los últimos años, el triunfo de títulos como las dos entregas de “Ocho Apellidos Vascos” o, más recientemente, “Cuerpo de Élite”, además del éxito de series de televisión como “Aida”, “La Que se Avecina” o “Allí Abajo”, así lo han reflejado. Ahora, llega a nuestras carteleras “Señor, Dame Paciencia” del director Álvaro Díaz Lorenzo, autor de “Café Solo o con Ellas” o “La Despedida”. En la cinta, cuando la mujer de Gregorio, un banquero muy conservador, muy del Madrid y muy gruñón, fallece repentinamente, debe cumplir su última voluntad: pasar un fin de semana con sus hijos y sus parejas en Sanlúcar de Barrameda para esparcir sus cenizas en el Guadalquivir. Aquí es donde empiezan los problemas para Gregorio, ya que su hija Sandra está casada con Jordi, un catalán muy culé que quiere llevar a su futuro nieto a un colegio bilingüe catalán-inglés en Barcelona; su hija Alicia está saliendo con Leo, un hippy anti-sistema, al que Gregorio llama "perroflauta"; y Carlos, su hijo pequeño, con el que lleva seis meses sin hablarse desde que salió del armario, se presenta con su novio Eneko, un vasco de origen senegalés y gay. Este viaje multicultural pondrá a prueba la tolerancia y la capacidad de perdonar de una familia tan disfuncional como cualquier otra, en el que tendrán que aprender a aceptarse los unos a los otros, con sus virtudes y defectos.  Como suele ser habitual en la nueva comedia española, el reparto se nutre principalmente de rostros populares gracias a la televisión, empezando por el protagonista, Jordi Sánchez, y siguiendo por todo el elenco de secundarios, Megan Montaner, Silvia Alonso, Eduardo Casanova, David Guapo, Boré Buika y Salva Reina.

LA MUJER DEL ANIMAL

Victor Cabiria es un cineasta con una filmografía caracterizada por el compromiso social, como ya demostró en 1998 cuando se dio a conocer con su película “La Vendedora de Rosas”, uno de los mayores éxitos del cine Colombiano. “La Mujer del Animal” es su cuarto largometraje y con él ha querido denunciar la violencia hacia la mujer y la pasividad de una sociedad que prefiere mirar hacia otro lado. Tras ser descubierta disfrazándose de Virgen, Amparo huye por miedo a su padre del internado de monjas donde la acogían. Llega a un barrio marginado de Medellín a vivir de "arrimada" donde su hermana. Cuando su cuñado la introduce a la familia, el primo Libardo queda infatuado con ella, la rapta en un rito matrimonial para luego obligarla a vivir bajo su mismo techo. La cinta está basada en un caso real, pero además, mientras preparaba la película, Gabiria fue conociendo varios casos reales de violencia de género que evidenciaban que el Animal de la película era la representación de un arquetipo real de varón. La propia protagonista, Natalia Polo, fue víctima de acoso sexual con tan sólo 8 años por el tendero de su pueblo, con el beneplácito de sus tíos a cambio de una libra de arroz. En 2016 la película fue seleccionada a concurso en el Festival de La Habana y en 2017 ganó los premios de mejor dirección y mejor montaje en el Festival de Málaga.

CARTAS DE LA GUERRA

La película está basada en las cartas reales enviadas por el escritor Antonio Lobo Antunes a su mujer mientras estuvo destinado en la guerra de Angola, a principios de los 70, y que en 2005 fueron publicadas a modo de novela epistolar (en España está publicado por Editorial Debate). Ivo Ferreira es un cineasta portugués con una filmografía formada por cinco cortometrajes, un documental y tres largos (incluyendo “Cartas a la Guerra”), todos ellos inéditos hasta ahora en España. En la actualidad tiene en postproducción su cuarto largometraje, “Hotel Imperio”. La cinta contrasta la crudeza de sus imágenes con el lirismo de la escritura de Lobo Antunes. Ofreciendo un realismo poético poco frecuentado en el cine. La vida de António Lobo Antunes se ve brutalmente interrumpida cuando el ejército portugués le recluta para ejercer cómo médico en una de las peores zonas de la guerra colonial, el Este de Angola. Alejado de todo lo que ama, escribe numerosas cartas a su joven esposa, envuelto en un ambiente cada vez más violento. “Cartas a la Guerra” fue seleccionada en la edición de 2016 del Festival de Berlín y ha sido candidata a los Premios Fénix (mejor fotografía) y Premios Platino (mejor fotografía, sonido y dirección artística).

COSECHA AMARGA

George Mendeluk es un cineasta de extensa trayectoria, un artesano capaz de combinar en su filmografía la comedia, la aventura, el drama la ciencia ficción o el thriller. En este caso, se acerca a una historia que conecta con sus raíces ucranianas. Refugiado desde hace años en televisión, “Cosecha Amarga” supone su regreso a la pantalla grande con una producción histórica de presupuesto holgado. Producida por Canadá, la cinta cuenta con un atractivo reparto repleto de actores solventes como Samanthe Banks, MaxIrons, Barry Pepper o el veterano Terence Stamp. La cinta cuenta con una pictórica dirección de fotografía de Douglas Milsome, veterano iluminador maestro de la luz en títulos como “La Bestia de la Guerra”, “37 Horas Desesperada” o “Robin Hood. Príncipe de los Ladrones”, además de haber sido operador de cámara en varias películas de Stanley Kubrick, como “Barry Lyndon” o “La Chaqueta Metálica”. La película escenifica uno de los episodios más oscuros de la historia de Rusia, el Holodomor, también llamado Genocidio ucraniano u Holocausto ucraniano. Stalin avanza con sus ambiciones mientras Yuri, un joven artista nacido en una familia de guerreros cosacos, trata de salvar a su amante, Natalka, cuando el Ejército Rojo invade su país y tiene lugar el genocidio ucraniano que acabó con las vidas de millones de personas.

BAYWATCH. LOS VIGILANTES DE LA PLAYA

“Los Vigilantes de la Playa” empezó a emitirse en televisión en abril de 1989 y tuvo una longevidad de 11 temporadas, clausurándose en mayo de 2001. Si bien no fue una serie que destacara por la calidad interpretativa de sus actores o de sus guiones, lo cierto es que se convirtió en una serie de culto durante la década de los 90 y ha seguido reponiéndose con asiduidad con posterioridad. Tras convertirse en uno de los héroes catódicos de los 80 con “El Coche Fantástico”, David Hasselhoff sumó con el personaje de Mitch Buchannon otro perfil de éxito a su carrera, sumándose al carisma del actor la presencia de un elenco de actores y actrices de físico envidiable. Así, la serie supuso el lanzamiento de modelos salidas de las páginas de Playboy como Erika Eleniak o, especialmente, Pamela Anderson. Ahora nos llega la versión cinematográfica de aquella serie de culto, en este caso con un perfil más paródico, gamberro y desenfadado que sirve de vehículo de lucimiento para sus dos actores protagonistas, Dwayne Johnson y Zac Efron. En el apartado femenino encontramos a Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach, Priyanka Chopra y a Ilfenesh Hadera. Además se promete cameos de actores de la serie como Hasselhoff y Anderson. En esta primera aventura cinematográfica, Mitch Buchannon, un estricto y esforzado socorrista de la antigua escuela, deberá trabajar codo con codo con el rebelde Matt Brody, un joven ex nadador olímpico caído en desgracia al que le gusta saltarse las normas. A pesar de tener personalidades opuestas, los dos socorristas deberán unir fuerzas y formar equipo. Juntos descubrirán una trama criminal, en torno a drogas y asesinos, que amenaza el futuro de la Bahía. Su objetivo será proteger la playa de su destrucción a manos de un magnate del petróleo. Dirige la película Seth Gordon, responsable de títulos como “Por la Cara” o “Cómo Acabar con tu Jefe”.

ESTRENOS DEL 9 DE JUNIO

PIELES

Popular en su faceta de actor gracias a su rol de Fidel en la serie “Aida”, Eduardo Casanova ha querido ampliar sus horizontes artísticos también con su faceta de guionista y director, donde ha mostrado una sensibilidad inesperada, con atracción por historias chocantes y provocadoras que han sido la base de ocho cortometrajes. Estas características se dan cita también en su debut en el terreno del largo con “Pieles”, película que surge de uno de sus cortometrajes, “Eat my Shit”. “Pieles” se presentó en la pasada edición del Festival de Cine de Berlín, donde dividió impresiones, al igual que en el Festival de Málaga. Con un reparto coral, encabezado por  Jon Kortajarena,  Macarena Gómez,  Ana Polvorosa, Candela Peña o Carmen Machi, la cinta nos habla de la importancia de las apariencias en nuestra sociedad y cómo rechazamos lo que es diferente. En ella tenemos a un conjunto de personajes marcados por estrambóticas peculiaridades físicas (mujer con el aparato digestivo al revés, una niña sin ojos o una mujer con la cara mal formada) que han afectado su relación con el mundo exterior y con los demás.

UNA POLICÍA EN APUROS

Tras “Bienvenidos al Norte”, “Nada que Declarar” o “Supercondríaco”, Dany Boon vuelve a ponerse tras la cámara con “Una Policía en Apuros”, una comedia ambientada en el entorno del RAID, la unidad de Élite de la policía francesa. Boon ha comentado que su intención con este título era homenajear las comedias protagonizadas por Jean Paul Belmondo, quien siempre interpretaba a personajes con una gran capacidad, pero también bastante torpes y divertidos. Protagonizada por el propio Boon y por Alice Pol, la cinta nos presenta la historia de una joven agente que destaca por su buena puntería, su habilidad para el combate cuerpo a cuerpo y su intuición policial, pero a la que su torpeza ha convertido en una amenaza tanto para los criminales como para sus compañeros de trabajo y los ciudadanos en general. Relegada a misiones tan peligrosas como poner multas de tráfico e investigar pequeños hurtos en tiendas, dedica cada minuto de su tiempo libre a hacer realidad su sueño: ser la primera mujer en entrar en el RAID. Allí tendrá que vérselas con un superior que no ve con buenos ojos la entrada de una mujer en sus filas.

EL SUEÑO DE GABRIELLE

Actriz, escritora y directora, la francesa Nicole Garcia lleva 40 años metida en el mundo del cine, sobre todo en el campo de la interpretación, pero contando ya con 8 largometrajes en su haber como directora, entre los que podemos destacar “Cada Dos Fines de Semana” o “El Adversario”. En su nueva incursión tras la cámara, “El Sueño de Gabrielle”, ha adaptado una novela de la italiana Milena Agus que ha sido un atronador éxito de ventas en Francia. Historia romántica, centrada en un complejo personaje femenino, un espíritu libre y apasionado que se ajusta mal a las convenciones del momento y que por el bien de la familia se verá obligada a casarse con alguien a quien no quiere, para posteriormente descubrir el amor durante una estancia en un balneario. Protagoniza la cinta Marion Cotillard, actriz especialmente dotada para el drama, a la que acompañan, completando el trío amoroso, el español Alex Brendemühl y el francés Louis Garrel. La cinta ganó el premio del jurado a la mejor película del BCN FILM FEST 2017 y fue candidata a la Palma de Oro en Cannes de 2016, y obtuvo 8 nominaciones a los Premios César de ese mismo año.

TESTIGO

El cineasta francés Thomas Kruithof debuta por la puerta grande con “Testigo”, thriller de suspense, con dosis de crítica social, protagonizado por uno de los principales rostros del cine francés contemporáneo François Cluzet. El actor interpreta a Duval, un alcohólico en recuperación, quien, tras dos años en el paro y un año sin beber, de pronto recibe una llamada para ofrecerle un trabajo en el que sólo tiene que transcribir unas escuchas telefónicas. Económicamente desesperado, acepta sin preguntar. Entonces se ve envuelto en un complot político del que intentará escapar, pero la cosa no será tan fácil. La cinta denuncia la precaria situación de la clase trabajadora y la necesidad de acogerse a empleos moral e incluso legalmente cuestionables para poder salir adelante.

AMERICAN PASTORAL

Philip Roth es, sin duda, uno de los autores más relevantes de la literatura estadounidense de los últimos 70 años. Su mirada a la sociedad occidental y los cambios producidos en su país tras los movimientos contraculturales de los 60. De entre su amplio corpus literario uno de los títulos más importante es “Pastoral Americana”, publicada en 1997 y por la que el escritor recibió el Premio Pulitzer. Desde 2003 se lleva pergeñando su adaptación al cine que pasó por diferentes manos y que, inicialmente iba a dirigir el cineasta Philip Noyce. Finalmente, cuando éste abandonó el proyecto fue su actor principal, Ewan McGregor, quien se aventuró a ponerse tras la cámara. Sin duda un movimiento arriesgado por parte del intérprete, quien se ha atrevido a debutar como director con una obra tremendamente compleja. La cinta habla del fracaso del sueño americano y lo contextualiza en el derrumbe de una familia de clase media que se ve afectada por los cambios sociales producidos en el país por el impacto de la guerra de Vietnam. McGregor interpreta a Seymour Levov, conocido como El Sueco, quien lleva una vida aparentemente perfecta y tranquila junto a su esposa hasta que su hija se implica en un acto de terrorismo político en protesta por la guerra de Vietnam. Junto al actor encontramos a Dakota Fanning y Jennifer Connelly.

CAPITÁN CALZONCILLOS

Creado por el escritor de literatura infantil Dav Pilkey en 1999, “El Capitán Calzoncillos” se ha vuelto una popular saga literaria para los más pequeños, con 14 libros publicados, más cinco spin offs, lo que no sólo aporta mucho material para el cine, sino que ofrece garantía de éxito a su versión cinematográfica. Ahí ha sido Dreamworks Animation quien ha sido más rápida a la hora de hacerse con los derechos y producir una primera aventura para la gran pantalla, dirigida por David Soren, quien debutara en 2013 con “Turbo”, tras participar en varios títulos de la compañía como “La Ruta hacia el Dorado”, “Shrek” o “Vecinos Invasores”. “Capitán Calzoncillos. Su Primer Peliculón” nos cuenta la historia de dos chavales que un día hipnotizan al director de su colegio, haciendo así que se transforme en el Capitán Calzoncillos, el superhéroe de sus cómics. Las cosas se complicarán aún más cuando se vean obligados a enfrentarse al malvado Cocoliso Cacapipi.

LA MOMIA

Por último, el estreno estrella de esta semana es “La Momia”, nueva aportación de los Estudios Universal a su catálogos de monstruos clásicos, con la que pretende emprender una línea de películas como ya hiciera en las décadas de los años 30 y 40, pero asumiendo también algunas características del modelo de franquicia cinematográfica implantado por Marvel Studios. Esta nueva andadura debía haber comenzado con “Dracula. La Historia Jamás Contada” en 2014, pero el fracaso económico de la película llevó al estudio a frenar sus planes y replantearse el enfoque que querían dar a las películas. Para esta nueva aventura, el estudio ha contado con Tom Cruise como gran cabeza de cartel, aquí interpretando a Nick Morton, un aventurero que de manera accidental despierta a la momia de Ahmanet, una princesa egipcia engañada por su propio padre y enterrada viva en una tumba. La dirección corre a cargo de Alex Kurtzman, hasta ahora con una línea más centrada en el guion y la producción, especialmente como parte de la troupe de JJ Abrams y que será quien también marque el camino a seguir por el resto de las películas de la franquicia. En el reparto se suman a Tom Cruise las actrices Annabelle Wallis y Sofia Boutella, y el actor Russell Crowe.