viernes, 30 de octubre de 2015

ESTRENOS DEL 30 DE OCTUBRE

No coge a nadie por sorpresa, pero la número uno del ranking de taquilla del pasado fin de semana fue “Hotel Transilvania 2”. La película ha logrado superar las cifras de su anterior entrega y debuta con 2.883.467 €, mientras el segundo gran estreno del pasado fin de semana, “Mi Gran Noche” de Álex de la Iglesia, no cumple las expectativas y no supera el millón de euros de recaudación. La cinta tiene que conformarse con la tercera posición y con 816.000 € en la caja. La responsable de esto es “Marte”, que en su segundo fin de semana se apropia de la segunda posición con 1,855.867 €. Guillermo del Toro y su “Cumbre Escarlata” descienden a cuarta posición con 529.631 € y la “Black Mass” de Johnnie Depp se tiene que conformar con el quinto puesto al sólo recaudar 466.946 €. Tenemos por delante un fin de semana largo, que además coincide con la celebración del Día de Todos los Santos. A esto se suma la llegada de una nueva edición de la fiesta del cine que tendrá lugar los días 3, 4 y 5 de noviembre. Con el paso de los años, esto ha supuesto también la asimilación de la festividad anglosajona de Halloween, algo en lo que el cine tiene mucho que ver. Al fin y al cabo, es en estas fechas cuando se congregan en las salas varias producciones de terror o fantasía, ideales para disfrutar esa noche. Este año, aparte de lo que ya tenemos en cartelera, los cines nos ofrecen “El Cadáver de Nikki Fritz” y “El Último Cazador de Brujas”. Para los espectadores que busquen otro tipo de producciones, las posibilidades son el drama intimista “Truman”, el drama periodístico “La Verdad” y la comedia “El Becario”. (Datos taquilla: Rentrak) 
El director Cesc Gay regresa a la gran pantalla tres años después de la espléndida “Una Pistola en Cada Mano” con “Truman”, cinta intimista sobre la amistad a mayor gloria de su pareja de actores protagonistas, Ricardo Darín y Javier Cámara. En cualquier caso a Cesc Gay le gusta rodearse de grandes actores y a parte de estos dos veteranos, cuenta también en roles secundarios con rostros como Eduard Fernández, Àlex Brendemühl, Pedro Casablanc, José Luis Gómez, Javier Gutiérrez o Elvira Mínguez, entre otros.
Julián recibe la visita inesperada de su amigo Tomás que vive en Canadá. Los dos amigos junto a Truman, su perro fiel, compartirán a lo largo de cuatro intensos días momentos emotivos y sorprendentes, provocados por la difícil situación que está atravesando Julián.
La celebración de Halloween abre la ventana a la llegada a las salas de cine de películas que en otras fechas no encontrarían fecha de estreno, o al menos no en las mismas condiciones. “El Cadáver de Anna Fritz” es una cinta de bajo presupuesto, rodada de acuerdo a los patrones del cine de género actual, es decir, una propuesta sugerente, actores poco conocidos y una producción austera. Su director es Héctor Hernández Vicens, quien debuta en el terreno del largometraje después de una larga trayectoria en televisión, donde fue guionista de “Los Lunnis” y el creador de la serie “Pol & Cía”. Protagonizan la cinta Albert Carbó, Bernat Saumell, Cristian Valencia y Alba Ribas.
Anna Fritz es una famosa y bella actriz que acaba de morir. Tres jóvenes deciden colarse en la morgue para ver su cuerpo desnudo y no pueden evitar tener sexo con ella. Víctimas de sus instintos más primitivos bajarán a un infierno del que es muy difícil salir.
El guionista James Vanderbilt, autor de los libretos de “Zodiac” o las dos entregas de “The Amazing Spiderman” debuta como director con el thriller periodístico, “La Verdad”, inspirado en hechos reales y que adapta en el polémico libro escrito por la productora de noticias Mary Mapes “Truth and Duty: The Press, The President and The Privilege of Power2. Para ello se hace acompañar de un importante conjunto de actores, encabezados por Cate Blanchett y Robert Redford, pero donde también podemos encontrar a Elisabeth Moss, Topher Grace, Dennis Quaid o Bruce Greenwood.
Víspera de las elecciones estadounidenses de 2004. El país se encuentra inmerso en la guerra contra Iraq y Afganistán y todo apunta a que George Bush va a ser reelegido presidente de los Estados Unidos. La productora de noticias de la CBS Mary Mapes y su socio, el presentador Dan Rather, descubren una historia que podría cambiar el curso de las elecciones. La emisión de un programa especial con la información desata una tormenta informativa que llevará a Mapes y Rather a pelear para demostrar la veracidad de su noticia y defender los valores de la verdad por encima de los intereses políticos y económicos que se esconden detrás de los medios de comunicación.
A la directora Nancy Meyers le gusta escribir comedias amables y cosmopolitas donde reflexiona sobre la evolución de los roles masculinos y femeninos en la sociedad. “El Becario” no es una excepción. Otro elemento coincidente en sus películas es la esmerada labor de casting, donde le gusta confrontar importantes intérpretes, en este caso  Anne Hathaway y Robert De Niro. A destacar también la presencia de Rene Russo y Drena De Niro, hija adoptiva del actor.
Ben Whittaker es un viudo de 70 años que descubre que la jubilación no es lo que esperaba. Aprovecha la oportunidad de volver a trabajar y se convierte en becario senior en una empresa de moda online fundada y dirigida por Jules Ostin.
Desde el fracaso económico de “Babylon” en 2008, Vin Diesel ha estado protegido por la rentabilidad de la franquicia de “Fast&Furious”. Desde entonces sólo ha abandonado a Toretto pare regresar a Riddick en 2013 (sin demasiada fortuna) y poner la voz a Groot en “Guardianes de la Galaxia”. Esto convierte a “El último Cazador de Brujas” en el primer protagonista original al que se ha enfrentado el actor en siete años, reto en el que está acompañado por Michael Caine, Elijah Wood o Rose Leslie. La dirección de la película recae en Breck Eisner, responsable de “Sahara” y el remake de “The Crazies”.
El mundo moderno oculta muchos secretos, pero el más asombroso de todos es el de las brujas que siguen viviendo entre nosotros; crueles criaturas sobrenaturales con la intención de liberar la Muerte Negra sobre el mundo. Ejércitos de cazadores de brujas han combatido al enemigo antinatural alrededor del globo durante siglos, incluyendo a Kaulder, un valiente guerrero que logró acabar con la Reina Bruja, diezmando a sus seguidores en el proceso. En los momentos anteriores a su muerte, la Reina maldice a Kaulder con su propia inmortalidad, separándole para siempre de su amada esposa e hija en la otra vida. Hoy, Kaulder es el único de su especie que queda, habiendo pasado siglos cazando brujas solitarias y anhelando a los seres queridos que perdió tiempo atrás. Sin embargo y para desconocimiento de Kaulder, la Reina Bruja ha resucitado y busca venganza con su asesino, provocando una épica batalla que determinará la supervivencia de la raza humana.

martes, 27 de octubre de 2015

"MARTE". GROUND CONTROL TO MAJOR TOM



Al cine y la literatura les encanta las historias de supervivencia, aquellas en las que un ser humano se ve aislado en un entorno hostil y tiene que hacer uso de los pocos recursos que tiene a su alcance y de su ingenio para lograr sobrevivir. Nos gusta creer en el espíritu humano y en su capaz de adaptarse y controlar hábitats salvajes o ignotos. Es la esencia misma de la aventura. Y esto es lo que es “Marte” por encima de todas las cosas, una historia de aventuras ambientada en un entorno de ciencia ficción cercana. En la historia ideada por Andy Weir no hacen falta extraterrestres, ni naves espaciales futuristas o misterios sobrenaturales, sólo la existencia de un espacio tan agresivo y aparentemente disociado de la posibilidad de colonización como es Marte. Esto, claro está, ideado antes del anuncio de la Nasa sobre el descubrimiento de agua en el planeta. La combinación de estos ingredientes del género de aventuras clásico con el envoltorio científico de la novela de Weir convertía esta adaptación en un proyecto muy goloso para un cineasta como Ridley Scott, autor de dos clásicos de la ciencia ficción, como “Alien. El Octavo Pasajero” y “Blade Runner”, pero cuyo tercer acercamiento al género resultó la fallida “Prometheus”.
Inicialmente, el proyecto iba a estar adaptado y dirigido por Drew Goddard, quien finalmente rechazó dirigirla en favor del spin off de “The Amazing Spiderman” sobre “Los Seis Siniestros”. En cualquier caso, Goddard sí llevó a cabo el guion, consiguiendo el que es uno de los principales logros de la película. El libreto de “Marte” es capaz de condensar los principales elementos de la novela de Andy Weir, manteniendo su esencia y su tono narrativo, desde la narración en primera persona, a través de los video-diarios que va grabando el protagonista, hasta el uso fundamental del humor en la historia y el personaje principal. Evidentemente, para aquellos que se hayan leído el libro hay mucho material que se ha quedado fuera (y es que por mucho que veamos sufrir al protagonista en la pantalla, lo suyo es un paseo comparado con lo que tiene que afrontar el Mark Watney literario). Uno de los aspectos de los que se ha prescindido ha sido todas las explicaciones científicas que sustentan las diferentes soluciones que el héroe va ideando para lograr sobrevivir. Esto aligera la narración, al fin y al cabo lo que funciona en el papel no tiene que resultar igual de efectivo en una película, sin embargo, también es cierto que hay algunos conceptos que hubiesen necesitado al menos una ligera explicación para el público profano en la materia. Por el resto, como decimos, creemos que el guion se mantiene bastante fiel al texto literario y consigue darle forma de narración cinematográfica.
Uno de los principales elementos responsables del éxito de la novela está en la construcción de su protagonista. Mark Watney es uno de esos personajes que suponen una golosina para cualquier actor, y aquí Matt Damon sabe sacarle todo el partido. El actor resulta totalmente verosímil en su papel y le aporta el carisma necesario para hacer justicia al héroe de la historia. Damon debe afrontar el reto de construir un protagonista sin otros personajes de apoyo. Watney se pasa solo la mayor parte del metraje y el actor debe buscar herramientas para hacerlo creíble y accesible para el público, ya sea en esos monólogos ante la cámara, como las escenas sin diálogo. Con respecto al resto de los personajes, se hace aún más necesario contar con actores de peso, ya que su presencia en la historia es muy corta y hace falta que el espectador los conozca y empatice con ellos de manera rápida. Aquí podemos destacar a Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels, Sean Bean, Jessica Chastain y Michael Peña, como los que mejor logran este objetivo, mientras que otros como Kate Mara, Sebastian Stan o Kristen Wiig quedan más rezagados en este proceso.
La puesta en escena de Ridley Scott es eficaz, dinámica y técnicamente impoluta. El cineasta se las apaña para dar un buen ritmo a la historia y que el espectador se mantenga atento e interesado en todo momento por el devenir del astronauta Watney. La ambientación está también muy cuidada. Se trata de una historia que se apoya más en los elementos físicos, las localizaciones y el diseño de producción que en los efectos especiales. En este sentido, en los últimos años (han trabajado juntos en “Prometheus”, “El Consejero” y “Exodus. Dioses y Reyes”), Dariusz Wolski se ha convertido en uno espléndido activo en la filmografía de Ridley Scott. El director de fotografía cuadra a la perfección esa iluminación fría y distante que le gusta al director, definiendo a la perfección con la luz los diferentes espacios en los que se desarrolla la trama, desde los ambientes desérticos de Marte a la atmosfera tecnológica del JPL, pasando por el progresivamente decadente refugio del Hab o el estilizado interior de la Hermes. Scott es perro viejo y se sabe rodear de un equipo excepcional por lo que todos estos elementos técnicos quedan solventados a la perfección. Sin embargo, pese a que podemos decir que “Marte” es la mejor película de Ridley Scott en años, el resultado final no va más allá del trabajo de un artesano, bien ejecutado pero absolutamente impersonal. No hay la más mínima huella de autor que distinga a esta película, ni apreciamos interés en llevar esta historia más allá de su vocación de cine de entretenimiento, a pesar de que la historia sí daba para reflexiones más profundas.
La música se divide en dos apartados, por un lado lo que es la partitura original y por otro las canciones preexistentes que acompañan a protagonista. Frente a otras películas donde la selección de canciones viene determinada más por cuestiones comerciales que poco o nada tienen que ver con la historia que se nos narra, aquí sí existe una justificación para la introducción de estos temas, que a su vez ofrecen un divertido juego al espectador. Todas las canciones que encontramos en la película cumplen una función intradiegética en la historia, se trata del archivo de música disco que la Comandante Lewis deja en Marte y que se convierte en uno de los pocos elementos lúdicos con los que cuenta el protagonista para evadirse de su situación. Más allá de los comentarios sarcásticos de Mark Watney al respecto de este estilo musical, existe también una vinculación con muchos de los temas con conceptos como el espacio o la supervivencia. Así, canciones como “Starman” de David Bowie, “I Will Survive” de Gloria Gaynor o “Hot Stuff” de Donna Summer juegan un papel irónico dentro de la trama. Por su parte, la partitura original de Harry Gragson Williams combina electrónica con orquesta, intentando reflejar el componente humano de la historia, pero también los ambientes desconocidos y las texturas donde se desarrolla la acción. La música comienza dando voz al vacío y lo inhóspito del planeta. En un principio las sonoridades que definen al planeta son sombrías y ominosas, sin embargo, al igual que la película la partitura se va decantando más por ensalzar el espíritu humano, de ahí que cuente con un tema principal que enfatiza las hazañas del protagonista y donde la electrónica más que emplearse para subrayar lo fatídico de la situación, se emplea para recalcar los logros de la ciencia frente a un entorno hostil. La partitura adquiere también un valor intimista e incluso espiritual a la hora de tratar las escenas más emocionales de la cinta, como por ejemplo las excursiones de Watney por el terreno marciano o el intercambio de mensajes entre el protagonista y los tripulantes de la Hermes. Por último, Gregson Williams despliega todo su poderío musical en el tramo final, donde la historia acumula más tensión. Aquí la combinación de orquesta, electrónica y coros llega a su cénit, con un monumental tema lleno de heroísmo y emoción. El resultado final es una partitura ecléctica, repleta de componentes experimentales, pero que en su base mantiene los elementos emocionales necesarios para trasladar esta historia al espectador.    
Con todo esto, “Marte” es una película técnicamente impecable, un gran divertimento, con un espléndido reparto, pero también es una película a la postre irrelevante, disfrutable por el público, pero sin capacidad para dejar huella en ellos.
 

viernes, 23 de octubre de 2015

ESTRENOS DEL 23 DE OCTUBRE

La llegada del hombre a Marte ha sido todo un éxito para la taquilla cinematográfica. “Marte” de Ridley Scott se convirtió en el gran estreno de la semana pasada, recaudando 2.988.159 €, lo que la convierte en uno de los estrenos más taquilleros de este año. Además se trata de una película cuyo boca a boca está siendo muy positivo, así que es de esperar que mantenga buenas cifras en su segundo fin de semana. Sin ser catastrófico, menos positivo fue el estreno de “La Cumbre Escarlata” de Guillermo del Toro. Sus 957.258 € le salvan la papeleta, pero se trata de una película que aspiraba a mayor recaudación. Quizás de no haberse estrenado en el mismo fin de semana que la película de Scott hubiese tenido un mayor rendimiento en taquilla. El tercer puesto recae en “Regresión”. La cinta de Amenábar tiene un notable descenso con respecto a lo recaudado en sus dos primeros fines de semana, y se queda en 777.917 €, lo que sigue sin ser una cantidad a desdeñar, habida cuenta su trayectoria anterior (en total lleva reunidos 7.317.374 €) y que no ha sido una película que haya contado con buenas críticas por parte de la prensa o el público. “Pan (Viaje a Nunca Jamás)” también se descalabra en taquilla y pasa a reunir tan sólo 755.469 €, mientras que “Atrapa la Bandera” cierra en quinta posición como uno de los títulos más veteranos de la cartelera con 404.751 €. Esta semana nos llegan más estrenos de lo acostumbrado, y entre ellos títulos muy esperados. Los pesos pesados de la semana son Alex de la Iglesia con “Mi Gran Noche” y Genndy Tartakovsky con “Hotel Transilvania 2”. Johnnie Depp por su parte, va abriendo la senda a los Oscars con “Black Mass” y la cartelera se prepara para Halloween con “Paranormal Activity. Dimensión Fantasma”. Por último, Pierce Brosnan busca revalidar su imagen de galán con “El Marido de mi Hermana”. (Datos taquilla: Rentrak)
Acompañado por su coguionista habitual, Jorge Guerricaechevarría, el director Álex de la Iglesia regresa al terreno de la comedia costumbrista con “Mi Gran Noche”, cinta coral ambientada en la grabación de un especial de Fin de Año y que recuerda a esa visión de la España televisiva que el cineasta ya trató en “Muertos de Risa”. Protagonizada por Pepón Nieto, la cinta se apoya en un amplio reparto de secundarios, donde destaca la presencia de Raphael en su regreso al cine 42 años después de “Volveré a Nacer”, así como otros rostros recurrentes en el cine de De la Iglesia, como Mario Casas, Santiago Segura, Hugo Silva, Carolina Bang, Blanca Suárez, Antonio Velázquez, Luis Callejo, Luis Fernández, Carmen Ruiz, Carlos Areces, Carmen Machi, Tomás Pozzi, Ana Polvorosa, Enrique Villén y Eduardo Casanova.
Jose, en paro, es enviado por la ETT de figurante a un pabellón industrial a las afueras de Madrid, para trabajar en la grabación de un programa especial de Nochevieja, en pleno agosto. Cientos de personas como él llevan semana y media encerrados día y noche, sudando desesperados mientras fingen reír, festejando estúpidamente la falsa venida del año nuevo, una y otra vez. No hay nadie contento. Alphonso, la estrella carismática de la canción, es capaz de todo para asegurarse que su actuación tendrá el máximo share. Adanne, su antagonista, joven cantante latino, es acosado por las fans que quieren chantajearle. Los presentadores del programa se odian, compitiendo entre sí para ganarse la confianza del productor, que lucha por impedir el cierre de la cadena. Pero lo que nadie espera es que la vida de Alphonso corra peligro. Mientras ríen y aplauden sin sentido actuaciones que no ven, los figurantes enloquecen, y nuestro protagonista se enamora. ¿Podrá sobrevivir un hombre bueno a esta espiral sin sentido que es la vida?
 
Después de revisar su imagen de héroe de acción en su papel secundario de “Golpe de Estado”, ahora Pierce Brosnan regresa con una comedia romántica, dispuesto a demostrar también que a pesar de los años sigue siendo un galán. Felizmente rodeado por las actrices Salma Hayek y Jessica Alba, el actor se pone en las manos de un director habituado al género de la comedia, Tom Vaughan (“Algo Pasa en Las Vegas”, “Peligrosamente Infiltrada”), además de contar con un padre en la ficción del caché de Malcolm McDowell.
De día, Richard Haig es un exitoso y respetado profesor de inglés que imparte clases en el renombrado Trinity College de Cambridge, donde enseña poesía romántica del siglo XVIII. De noche, cede a sus propias fantasías románticas con una continua oleada de bellezas universitarias que se muestran más que felices de citar a Byron mientras se desvisten. Richard aprendió cómo ser un granuja redomado de su padre, Gordon, también profesor de inglés jubilado y libertino de primera en sus días. Pese a su edad, Gordon todavía presume de sus habilidades. Pero Richard está harto del juego, y busca algo con más sentido, duradero. Así que cuando Kate, le dice que está embarazada, Richard se muestra entusiasmado. Anhela tener una familia propia, ser un padre del que sus hijos puedan sentirse orgullosos. Hay un único problema: Recibe la noticia cuando conoce a Olivia, una novelista exuberante y excéntrica, hermana de la que pronto se convertirá en la madre de su hijo. Un trío amoroso que dista mucho de su ideal de familia.
 
La franquicia de “Paranormal Activity” sigue adelante, fiel a su cita anual previa a la celebración de Halloween. “Paranormal Activity. Dimensión Fantasma” es la quinta entrega de la saga, sexta sin contamos también el spin off “Los Señalados”. En esta ocasión incorporamos nuevo reparto pero no abandonamos a la figura de las hermanas Kristie y Katie. Esta última entrega de la saga la dirige el debutante en la dirección Gregory Plotkin, quien había trabajado como ayudante de montaje en “Cadena de Favores” y “Guerra Mundial Z”. El nuevo reparto lo componen Chris J. Murray, Brittany Shaw, Dan Gill, Olivia Taylor Dudley y Michael Krawic.
La familia Fleege, formada por Ryan y Emilie, una pareja joven con una hija pequeña de 6 años, Leia, acaba de mudarse de casa. Ryan es un diseñador de videojuegos que se ha mudado junto a su familia a Palo Alto para trabajar en Rockstar Games. Su hermano Mike, vive justo al lado. En la nueva casa, entre las cosas que dejaron los anteriores inquilinos, descubren una caja repleta de cintas de vídeo y que contiene también una cámara cuyo uso es un tanto complejo. El contenido de las cintas muestra extrañas imágenes de dos niñas, Kristi y Katie, que habitaban la casa muchos años atrás. Será entonces cuando comiencen a ocurrir fenómenos inexplicables y sobrenaturales relacionados con los malignos espíritus que habitan en la casa.
 
El director Scott Cooper debutó en 2008 con la cinta “Corazón Rebelde”, nominada a tres Oscars, de los que obtuvo el de mejor actor principal para Jeff Bridges y mejor canción original. Sin embargo, este éxito no repercutió en la carrera de Cooper. Su siguiente película fue “Out of Furnace” de 2013, que a fecha de hoy sigue inédita en nuestro país. Ahora el cineasta vuelve a probar fortuna con “Black Mass”, cinta de gangsters, inspirada en hechos reales, y que cuenta con actores de peso como Johnnie Depp, en el papel principal, o Joel Edgerton y Benedict Cumberbatch, en los papeles de reparto.  
En el sur de Boston, en la década de 1970, el agente del FBI John Connolly convence al mafioso irlandés James “Whitey” Bulger para que colabore con el FBI y elimine a un enemigo común: la mafia italiana. El drama cuenta la historia de esa nefasta alianza que provocó una espiral fuera de control, permitiendo a Whitey escapar del ámbito de la ley, consolidar su poder y convertirse en uno de los más implacables y poderosos gángsteres de la historia de Boston.
 
El director Genndy Tartakovsky se creó una reputación de cineasta rompedor y original en el mundo de la televisión gracias a trabajos como “Las Super Nenas”, “El Laboratorio de Dexter”, “Samurai Jack” o “Star Wars. Clone Wars”. Su salto a la gran pantalla con “Hotel Transilvania” fue menos aplacado de lo que se esperaba de él, pero se saldó con un gran éxito de taquilla. Ahora regresa con su segunda entrega, título pensado para arrasar en este fin de semana y convertirse en la película familiar para la celebración de Halloween de este año. En la versión original vuelven a repetir Adam Sandler, Selena Gomez, Steve Buscemi, Andy Samberg, Kevin James, Fran Drescher, añadiendo la novedad de la participación de Mel Brooks, quien salió puntualmente de su retiro para poner la voz al Conde Vlad. EN España las voces de los personajes vuelven a correr a cargo de Santiago Segura, Mario Vaquerizo, Clara Lago, Dani Martínez o Alaska, mientras que el encargado de doblar a Vlad es otro gran veterano de la escena española, Arturo Fernández.
Todo parece estar cambiando a mejor en el Hotel Transilvania... La rígida política de “sólo para monstruos” establecida por Drácula para el hotel, se ha relajado por fin y se han abierto las puertas también a huéspedes humanos. Pero, de ataúdes para dentro, Drácula está preocupado al ver que su adorable nieto Dennis, medio humano y medio vampiro, no muestra signos de ser vampiro. Así que mientras Mavis está ocupada visitando a sus suegros humanos en compañía de Johny – e inmersa ella misma en su propio choque cultural – el abuelito Drácula recluta a sus amigos Frank, Murray, Wayne y Griffin para hacer que Dennis pase por un campamento de “entrenamiento de monstruos”. Lo que ellos no saben es que el gruñón, y de la muy, muy, muy vieja guardia, padre de Drácula, Vlad, está a punto de visitar a la familia en el hotel. Y cuando Vlad descubra que su bisnieto no es de sangre pura – y que los humanos también son ahora bienvenidos en el Hotel Transilvania – las cosas se van a poner complicadas.

martes, 20 de octubre de 2015

“EL CORO”. CLASICISMO DIDÁCTICO

 
El estreno en 1993 de la cinta “Sinfonía en Soledad” fue un auténtico descubrimiento. Este acercamiento postmoderno a la figura de Glenn Gould nos descubría un nuevo cineasta con un conocimiento y una sensibilidad especial para tratar la música en imágenes. A partir de ahí el lenguaje de François Girard ha ido moderándose a cada nuevo estreno. En “El Violín Rojo” seguíamos encontrando su interés por jugar con las estructuras narrativas, pero de una manera menos rupturista que con su opera prima. Su tercer largometraje, “Seda”, se asentaba ya en una puesta en escena clásica, eso sí, enriquecida por una gran sensibilidad y elegancia. Con “El Coro”, Girard nos muestra el momento más bajo de su carrera, pero no por pérdida de habilidades como cineasta, sino por tener que afrontar, con diferencia, el texto más gris y convencional de toda su carrera.
El guion original es obra de Ben Ripley, cuyo crédito más loable como escritor es el guion de “Código Fuente”, pero que también ha sido el perpetrador de los libretos de la tercera y cuarta entrega de “Species”. Ripley cuenta a su favor con ser también pianista profesional y tener un amplio conocimiento del mundo de las agrupaciones corales infantiles. Esto último se aprecia en la película, en lo cuidada que está la representación del funcionamiento interno de la escuela donde se desarrolla la acción, sin embargo, para localizar esto, el guionista repite fórmulas manidas, personajes estereotipados y situaciones tópicas, sin ofrecer nada novedoso en cuanto a desarrollo de la historia. Partimos de un personaje conflictivo, preadolescente, hijo de madre soltera y criado en un entorno de pobreza y alcoholismo. Nuestro protagonista tiene a su favor contar con un don, una voz excepcional, lo que le permite acceder a una escuela de alta alcurnia y elitista. El choque social, los celos y la inadaptación al nuevo medio marcarán el devenir de la historia. A su favor, nuestro héroe cuenta con el apoyo de dos profesores, uno joven, entusiasta pero inexperto, y otro veterano, huraño y en el último tramo de su carrera profesional.
Girard demuestra una vez más su exquisita sensibilidad a la hora de rodar o tratar a los personajes. La película tiene como principal virtud la elegancia y belleza con que ha sido rodada, especialmente el cariño y el cuidado, sin caer en el sentimentalismo, con el que el cineasta se acerca a las secuencias musicales, tanto a los ensayos como a las actuaciones del coro infantil. El trabajo con los actores es también meticuloso y refinado. A estas alturas de sus carreras, difícilmente vamos a descubrir nuevos registros en las interpretaciones de Dustin Hoffman, Debra Winger, Eddie Lizzard o Kathy Bates, pero veteranía manda y todos exhiben una gran presencia en pantalla y un gran control de las necesidades de sus personajes. Más llamativo resulta el trabajo con los actores infantiles. Todos deben superar el doble reto de llevar a cabo sus papeles y cubrir también las necesidades musicales de la película. Aquí hay que resaltar el excelente descubrimiento de Garrett Wareing. Pese a la simplicidad y lo estereotipado de su personaje, el actor logra darle personalidad y presencia, creciéndose en los momentos musicales.
“El Coro” tiene en su apartado musical uno de los aspectos más destacados de la película. Las voces del American Boychoir no sólo aportan una gran belleza sonora a las imágenes, sino que se convierten en la base misma de la película. La agrupación de voces infantiles lleva a cabo prodigiosas interpretaciones de varios temas de música clásica, donde destaca especialmente la elección de autores como Thomas Tallis, Felix Mendelssohn, Benjamin Britten Georges Fauré o Georg Friedrich Haendel. Junto a estos temas clásicos, en un segundo plano, encontramos la partitura original compuesta por Bryan Byrne, una composición intimista y sencilla, pensada principalmente para piano y cuerdas, que se encarga sobre todo de acompañar el mundo interior del niño protagonista. En este sentido existe una buena compenetración entre partitura original y música preexistente. El tema principal compuesto por Byrne sirve también como base para la canción de los créditos finales,  "The Mistery of Your Gift", interpretada por Josh Groban, con apoyo coral del American Boychoir. Sin ser una mala canción, sí se trata de un tema que rompe estilísticamente el conjunto, además de darle un tono más sentimental a una película que evita precisamente cargar las tintas en el apartado emocional. 

“El Coro” no es una gran película, sufre de un guion de manual que no le permite llegar más arriba de un melodrama al uso; sin embargo, pese a su hándicap de partida, ha sido rodada con honestidad, elegancia y saberhacer, lo que hace que sea una cinta que se ve con agrado y de la que podemos aplaudir su exquisita puesta en escena y esmero interpretativo.  

viernes, 16 de octubre de 2015

ESTRENOS DEL 16 DE OCTUBRE

Si bien sólo uno de los estrenos de la semana pasada consiguió entrar en el ranking de las cinco películas más vistas, si podemos decir que el pasado fin de semana fue uno de los más gozosos en lo que a recaudación se refiere experimentados en mucho tiempo y desde luego mucho más afortunado de lo que hemos podido ver en gran parte de este verano. Alejandro Amenábar saca pecho frente a las malas críticas que ha recibido “Regresión” tanto por parte de la crítica como del público que se ha acercado a verla y vuelve a mantener el liderazgo otra semana más, con muy leve reducción con respecto al estreno. La cinta sumó entre viernes y domingo 2.072.062 €, lo que le dio una notable ventaja con respecto a “Pan. Viaje a Nunca Jamás”, que fracasa a la hora de convertirse en su primer fin de semana en el título estrella de la cartelera, pero que aún así se las apaña para recaudar 1.512.759 €, una cantidad más que digna y que la aleja de la sensación de fracaso que sí tuvo en su estreno en Estados Unidos. “Everest” y “Atrapa la Bandera” se distribuyen la tercera y cuarta posición respectivamente, con 647.342 € y 615.525 €, cada una, demostrando una sorprendente capacidad de supervivencia en la cartelera. De hecho, la cinta de animación está a punto de romper la barrera de los 10 millones de recaudación y ha logrado esta semana convertirse en la película española más vista en cines en lo que llevamos de año. Cierra el ranking, en quinta posición, “El Corredor del Laberinto. Las Pruebas” con 507.677 €. Esta semana nos encontramos también con estrenos llamados a sacudir la taquilla, con dos protagonistas claros, Matt Damon y Jessica Chastain, el primero lidera la película estrella de la semana, “Marte”, mientras que la segunda coprotagoniza la cinta de Ridley Scott y otro título destacado, “La Cumbre Escarlata” de Guillermo del Toro. Además, el cine español presenta la adaptación del éxito teatral “Los Miércoles no Existen” y el cine Belga nos trae su candidata a la carrera a los Oscars “El Nuevo Nuevo Testamento”. (Datos taquilla: Rentrak)
Los caminos del cine son inescrutables. Tras una extensa labor en televisión, el director Peris Romano debutó en el terreno del largometraje junto con Rodrigo Sorogoyen (“Stockholm”) en 2008 con la comedia “8 Citas”, obteniendo una notable repercusión en gran parte gracias a la buena recepción de la película en el Festival de Málaga. En 2012, el cineasta comenzó a escribir el guion de lo que esperaba fuera su debut en solitario, sin embargo, no consiguió el apoyo de ningún productor. Ese guion fue reconvertido en obra de teatro, gozando de un gran éxito en los últimos tres años, lo que ha generado que ahora hayan sido los productores los que tocaran en la puerta de Romano y que finalmente se haya podido hacer la versión cinematográfica de la obra. Comedia romántica de enredos y con reparto coral, cuenta con un importante reparto formado por Eduardo Noriega, Inma Cuesta, María León, Alexandra Jiménez, Andrea Duro, William Miller y Gorka Otxoa (estos dos últimos ya presentes en la versión teatral).
Patricia sale con César, pero él no ha podido olvidar a Mara, su novia de toda la vida, que le dejó justo después de pedirle que se casara con él. Hace ya unos meses de esto pero aún no se ha recuperado. Su mejor amigo, Hugo, está decidido a animarlo y una noche de fiesta conocen a Paula, la hermana pequeña de Irene, un antiguo ligue de Hugo y la mujer de Pablo. Acabaron juntos tras la despedida de soltera de ella y nunca más han vuelto a verse. A Pablo le han despedido. Lo mejor del día ha sido sin duda que ha conocido a Mara y han intercambiado teléfonos. Podría ser el comienzo de algo, si no fuera porque Pablo ya está casado con Irene.
El director Jaco Van Dormael es un veterano a la hora de representar a Bélgica en la carrera a los Oscars. Ya lo hizo en 1991, con “Toto, el Héroe”, y en 1996, con El octavo día. Ahora vuelve a repetir con la comedia “El Nuevo Nuevo Testamento”, una comedia de temática religiosa que cuenta con el veterano Benoît Poelvoorde y la debutante Pili Groyne en los papeles principales, además de otros rostros clásicos del cine francés como Yolande Moreau y Catherine Deneuve (ésta última con una trama que recuerda a la cinta de Nagisa Ôshima de 1986, “Max, Mon Amour”). La cinta fue presentada en la Quincena de los Realizadores del pasado festival de Cannes y se convirtió en el mejor estreno en cartelera para una producción belga francófona en terreno nacional, además de contar con muy buenos resultados de taquilla tanto en Bélgica como en Francia.
Dios existe y vive en Bruselas. Es grosero y odioso con su esposa y con su hija. Mucho se ha hablado de su hijo, pero muy poco de su hija. Su hija soy yo, mi nombre es ÉA y tengo 10 años. Para vengarme de él, he mandado por SMS a la humanidad las fechas de sus muertes.
Gran promesa del cine fantástico en los 90, la carrera del director Guillermo del Toro ha resultado un tanto irregular debido sobre todo a la poca fortuna comercial de sus proyectos más ambiciosos, además del tiempo invertido en proyectos que finalmente no vieron la luz o lo hicieron sin él como su ansiada adaptación de “Las Montañas de la Locura” de H.P. Lovecraft y “El Hobbit”, que inicialmente iba a dirigir y que, como todos sabemos, fue realizada por Peter Jackson después de años de retraso. En los últimos tiempos Del Toro parece empeñado en recuperar el tiempo perdido y tras “Pacific Rim” se involucró en la realización de un título de terror gótico de raíces clasicistas titulado “La Cumbre Escarlata”, para la que ha contado con un reparto estelar encabezado por Tom Hiddleston, Jessica Chastain, Mia Wasikowska, además de otros intérpretes recurrentes de su filmografía como Doug Jones, Javier Botet o Charlie Hunnam
Una joven es trasladada a la cima de una montaña de arcilla de color rojo sangre cuando un atractivo desconocido le roba el corazón; se trata de un lugar lleno de secretos que la perseguirán para siempre. La verdad escondida en La cumbres escarlata se encuentra entre el deseo y las sombras, el misterio y la locura.
El regreso del director Ridley Scott a la ciencia ficción con “Prometheus”, décadas después de convertirse en un referente del género con “Alien, el Octavo Pasajero” y “Blade Runner” estuvo marcado por la controversia. Económicamente fue un gran éxito, pero despertó muchas críticas entre los fans, decepcionados por los resultados. Ahora Scott vuelve a probar fortuna con “Marte”, adaptación de la popular novela de Andy Weir “El Marciano”. Con un reparto encabezado por Matt Damon, y donde encontramos en un plano más secundario rostros como Jessica Chastain, Kate Mara, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Michael Peña, Sean Bean, Sebastian Stan o Chiwetel Ejiofor, la cinta nos presenta una historia de ciencia ficción de tono realista, ambientada, como indica su título en español, en el planeta rojo.
En el transcurso de una misión tripulada a Marte, el astronauta Mark Watney es dado por muerto y abandonado por sus compañeros de tripulación tras una violenta tormenta. Sin embargo, Watney sobrevive y se encuentra solo y abandonado en ese planeta hostil. Con escasos suministros, Watney deberá recurrir a su ingenio, humor y espíritu de supervivencia para subsistir y encontrar una forma de comunicar a la Tierra que sigue vivo. A millones de kilómetros, la NASA y un equipo internacional de científicos trabajan sin descanso para traer al “marciano” de vuelta, al mismo tiempo que sus compañeros de tripulación planean una temeraria, si no imposible, misión de rescate. Mientras todos estos acontecimientos se desarrollan, el mundo entero se une para pedir que Watney regrese sano y salvo.

lunes, 12 de octubre de 2015

“LA POR (EL MIEDO)”. VIOLENCIA SILENCIADA

Desgraciadamente, la violencia de género sigue siendo a fecha de hoy una de las principales lacras de nuestra sociedad. Si bien hemos experimentado avances en este terreno, aún hay mucho camino que recorrer en materia educacional, social y judicial. Por de pronto, sigue sin existir un verdadero consenso con respecto a la terminología con la que nos referimos a estos casos (violencia de género, violencia contra las mujeres, violencia familiar). Si bien cada vez son más los casos que se denuncian y que salen a la luz y cada vez las víctimas tienen menos miedo a hablar, sigue siendo un tema tabú y sigue existiendo una cierta tendencia intentar justificar las acciones del maltratador. Precisamente, de eso trata la cinta de 2013 “La Por (El Miedo)”, escrita y dirigida por Jordi Cadena, a partir de la novela original de Lolita Bosch, proyectada el pasado viernes 9 de octubre en el Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife, como parte de su programación de Otoño Cultural y a la que acudieron su director, dos de sus protagonistas, Ramón Madaula y Roser Camí, así como la juez titular del Juzgado de Violencia de Género de Santa Cruz de Tenerife, Emilia Salto.
“La Por (El Miedo)” es una película pequeña, modesta, realizada con pocos medios y con un reparto reducido, que sitúa su punto de vista dentro de un hogar escenario de esta violencia, pero no tanto desde la perspectiva de la víctima directa o del maltratador, sino del hijo mayor de la familia. Precisamente, la novela en la que se basa, “M”, es una obra dirigida a un público juvenil, donde el entorno en el que se desarrolla la historia está definido por la mirada de un adolescente; sin embargo, las decisiones estilísticas de puesta en escena la convierten en una película más digerible por un público maduro. Se trata de un trabajo que se apoya más en los silencios, en las situaciones intuidas y en las emociones acalladas que en una representación explícita del problema. Cadena busca ante todo la cotidianidad de los actos, representar la vida de los personajes con un día a día donde esa situación de maltrato, aunque anómala y definitoria de la psicología de los personajes, no interrumpe la apariencia de normalidad de la familia. De esta manera, argumenta que nos encontramos ante una problemática que no involucra únicamente a dos individuos (víctima y maltratador), sino que también resulta lesiva para los hijos del matrimonio.
Codina presenta una cinta intensa, dura, dolorosa; sin embargo, no escenifica la violencia, prácticamente no hay una representación física de sus efectos (salvo algún plano aislado de los hematomas de la madre protagonista y el contundente clímax final). Se habla de huir, pero nunca de la necesidad de denunciar, a pesar de que el director sí trasmite esta idea de manera subliminal pero constante. El entorno social de los protagonistas permanece ignorante de lo que sucede, con un muro de silencio que lo separa de la realidad familiar, como en la vida real, donde estos casos están repletos de pequeñas pistas (comportamientos erráticos, pequeños brotes de violencia, ausencias torpemente justificadas) que desgraciadamente muchas veces no se pueden decodificar hasta que ya se ha producido la tragedia. Ante este acallamiento, Codina logra un excelente trabajo de los actores, quienes con poco (pequeños gestos, un lenguaje corporal repleto de tensión y distanciamiento) logran expresar mucho. En este sentido, los momentos más expresivos de la película tienen lugar en tres planos concretos en los que las tres víctimas rompen la cuarta pared y miran directamente a la audiencia, en una clara llamada de auxilio y como augurio de un aciago desenlace.
Pocos son los diálogos con los que cuenta el guion, y menos aun los que tratan directamente la problemática. En este sentido, resulta más expresivo el uso del sonido ambiente, metáfora de la rutina y la cotidianidad, que desde un principio se impone a la violencia silenciada. Lo mismo sucede con el apartado musical. Salvo el sencillo tema a piano que escuchamos en los créditos iniciales y finales, no hay partitura original y el resto de la música es preexistente e intradiegética que corresponde a las canciones con las que le protagonista intenta acallar los ataques de su padre a su madre o su propia conciencia. De la misma manera que la voz  de los personajes está apagada por el miedo, la imagen aparece difuminada en muchos de los planos de la cinta. Nos encontramos, por lo tanto, ante una realidad difusa, deformada, donde la violencia sugerida afecta a la representación de lo que la rodea. La planificación se apoya sobre todo en planos detalle, en un encuadre parcial de esa realidad cotidiana, que objetivamente está desprovista de ningún síntoma de violencia, pero en el que subyace un ambiente enrarecido, ilustrado con pequeñas miradas esquivas y silencios expresivos. Con claras cercanías con el cine de Michael Haneke y la forma seca y contundente con que éste representó la violencia en trabajos como “El Vídeo de Benny” o “Funny Games”, Cadena dilata el tiempo de la acción y se apoya en planos largos que aportan a su mirada un componente más intimista e introspectivo y que cargan la película de una gran violencia implícita y contenida.
“La Por (El Miedo)” resulta una cinta valiente, dura y sincera, que ante la imposibilidad de aportar respuestas, se esfuerza en generar preguntas en el espectador que le permitan reflexionar sobre esta problemática. Para ello utiliza un lenguaje sencillo y directo, pero sin caer en la obviedad ni el maniqueísmo en el discurso, al mismo tiempo que se apoya en un excelente trabajo interpretativo, que se aparta de cualquier histrionismo. El resultado es un trabajo notable, poderoso en su mensaje, pero también comprometido en su construcción cinematográfica.

viernes, 9 de octubre de 2015

ESTRENOS DEL 9 DE OCTUBRE

El pasado fin de semana la taquilla nos dejó mejores cifras de las recaudadas en los últimos meses, pero aún así quedándose por debajo de lo estimado. Alejandro Amenábar llegaba con “Regresión” y alcanzaba un total de 2.600.766 €, lo que la sitúa como el estreno español más taquillero de este 2015; sin embargo, esto no salda a la película como un éxito. Hace seis años “Ágora” se estrenaba con más de 5 millones de recaudación y las previsiones para esta nueva película estaban muy por encima de lo conseguido. Lo cierto es que pese a su cifra en taquilla, “Regresión” está teniendo una fría recepción por  parte de crítica y público, desde su presentación en el Festival de San Sebastián hasta el boca a boca tras el estreno en salas comerciales. Esto hace prever un importante retroceso en su segundo fin de semana. Por otro lado, el cine español puede sentirse orgulloso, ya que las películas nacionales copan el ranking de taquilla. Aparte del liderazgo de “Regresión”, “Atrapa la Bandera” obtiene un repunte en su recaudación y recupera el tercer puesto con 601.810 €, justo por debajo de “Everest” que se mantiene con 648.748 €. Por otro lado, “El Desconocido” se mantiene en quinta posición con 471.650 €, quedando “El Corredor del Laberinto. Las Pruebas” en cuarto lugar con 586.542 €. Esta semana las grandes esperanzas están puestas en “Pan. Viaje a Nunca Jamás”, apuesta por el cine familiar con un personaje mítico del cine y la literatura. El cine juvenil se decanta por una de las ganadoras del pasado festival de Sundance, “Yo, Él y Raquel”, mientras que el público adulto puede decantarse por una propuesta intimista entre el drama y el cine musical con “El Coro”. Para los amantes de la adrenalina, nos llega también “Golpe de Estado”. (Datos taquilla: Rentrak)
El escritor Jesse Andrews aportó algunos elementos autobiográficos a su novela “Un Final para Raquel”, que él mismo se ha encargado de adaptar a guion cinematográfico en la película “Yo, Él y Raquel”. Dirigida por el cineasta independiente Alfonso Gomez-Rejon, la cinta es una comedia adolescente agridulce sobre la amistad y está protagonizada por Thomas Mann, RJ Cyler y Olivia Cooke. Sus guiños cinéfilos y su tono amargo aunque conmovedor la convirtieron en una cinta que destacó en la pasada edición de Sundance, donde ganó el gran premio del jurado y el premio del público.
Greg es un alumno de último curso de secundaria que evita toda relación humana profunda como forma de atravesar con seguridad el terreno minado social que es la vida de adolescente. De hecho, describe a su mejor amigo, Earl, con quien realiza unos extraños cortometrajes, como alguien ‘más parecido a un colaborador’. Pero cuando la madre de Greg insiste en que le dedique tiempo a Raquel –una chica de su clase a la que acaban de diagnosticar un cáncer– Greg descubre la fuerza y la importancia que puede tener la verdadera amistad.

 
El cine y la música han estado siempre muy imbricados en la carrera del director François Girard. Tras largometrajes como “Sinfonía en Soledad” o “El Violín Rojo”, sus grabaciones de conciertos o las óperas que ha dirigido, ahora sigue sumando con “El Coro”, una cinta que nos recuerda a trabajos como "Los Chicos del Coro" o "El Indomable Will Hunting". Firma el guion Ben Ripley (conocido principalmente por su libreto para “Código Fuente”, aunque autor también de los guiones de la tercera y cuarta entrega de “Species”), quien abandona el terreno de la ciencia ficción para hablar de un ámbito que conoce bien como pianista clásico y experto en música coral. Protagoniza la cinta el joven Garrett Wareing junto al veterano Dustin Hoffman, además de otros rostros conocidos como Kathy Bates, Eddie Lizzard, Josh Lucas o Debra Winger.
El célebre y exigente director de uno de los mejores coros infantiles del mundo, descubre un extraordinario talento en un niño huérfano conflictivo. Sus estrictas pero inspiradoras lecciones despertarán en el joven el amor por la música.

 
La pareja de hermanos cineastas formada por John Erick y Drew Dowdle se ha caracterizado hasta ahora por películas de corte fantástico. Tras debutar con “Quarentine” (remake USA de “REC”), y rodar títulos como “La Trampa del Mal” o “Así en la Tierra como en el infierno”, ahora han optado por cambiar de tercio y apostar por un thriller de acción, con trasfondo social y político. Protagoniza la cinta Owen Wilson (quien abandona temporalmente su rol de comediante), al que acompañan Lake Bell y Pierce Brosnan.
Jack Dwyer, un hombre de negocios norteamericano, y su familia se ven atrapados en medio de un violento golpe de estado en un país del Sudeste Asiático que iba a ser su nuevo hogar. Mientras los rebeldes atacan sin piedad la capital, Jack y su familia desesperadamente tendrán que buscar la forma de sobrevivir y escapar de un infierno donde ser extranjero equivale a una sentencia de muerte.

 
Peter Pan ha tenido varias encarnaciones en el cine y con diferentes edades. Por lo general lo hemos conocido como el niño que no quería crecer, pero también Spielberg mostró su madurez en “Hook”. Ahora el director Joe Wright abandona sus dramas de época (“Expiación, más allá de la pasión”, “Orgullo y prejuicio”, “Ana Karenina”) para adentrarse en los orígenes del mito creado por J. M. Barrie. Protagonizan la cinta el debutante Levi Miller, al que acompañan Garrett Hedlund, como un joven James Garfio, y Hugh Jackman, en la piel del Capitán Barbanegra. Los papeles femeninos corren a cargo de Amanda Seyfried, Rooney Mara y Cara Delevingne.
Peter es un pícaro muchacho de 12 años con una irreprimible vena rebelde; lo que ocurre es que, en el sombrío orfanato de Londres en el que ha vivido toda su vida, esas cualidades no son precisamente muy deseables. Entonces, en el curso de una noche increíble, Peter se ve transportado desde el orfanato y aparece en un mundo fantástico de piratas, guerreros y hadas llamado Nunca Jamás. Allí, se enfrenta a sorprendentes aventuras y combates a vida o muerte mientras intenta descubrir el secreto de su madre, que le dejó en el orfanato hace mucho tiempo, y el lugar que le corresponde en esa tierra mágica. En compañía de la guerrera Tigrilla y de un nuevo amigo llamado Capitán Garfio, Peter debe derrotar al implacable pirata Barbanegra para salvar el país de Nunca Jamás y descubrir su auténtico destino: convertirse en el héroe que será conocido para siempre con el nombre de Peter Pan.

viernes, 2 de octubre de 2015

ESTRENOS DEL 2 DE OCTUBRE

“El Desconocido” logró su objetivo de ser el estreno más taquillero del pasado fin de semana, pero no por ello el número 1 del ranking. Con 710.013 € logra imponerse a “Irrational Man” (que con sus 570.067 se queda en quinta posición), pero no a los dos líderes de taquilla de la semana anterior. Con 1.071.707 €, “Everest” se antepone a “El Corredor del Laberinto. Las Pruebas” (1.040.830 €) y le arrebata el liderazgo. La veterana esta semana es “Atrapa la Bandera”, que se mantiene entre las más vistas por quinta semana consecutiva y suma 588.829 € a su trayectoria que la sitúan en cuarto lugar. Esta semana el estreno del nuevo trabajo de Alejandro Amenábar amenaza con monopolizar la información cinematográfica. El único título que se atreve a cuestionarle el podio es la nueva adaptación del videojuego “Hitman. Agente 47”. (Datos taquilla: Rentrak)
La saga de videojuegos de “Hitman” nació en el año 2000. Se trataba de un shooter en tercera persona protagonizado por el Agente 47, un asesino a sueldo con habilidades especiales. Le seguirían cuatro entregas más, la última, “Hitman. Absolution” comercializada en 2012. La popularidad del juego y el personaje originaron una primera película en 2007, dirigida por Xavier Gens y protagonizada por Timothy Olyphant, que pasó sin pena ni gloria, arruinando las posibilidades de transformar la saga en una franquicia cinematográfica. Ahora, 8 años más tarde, se le vuelve a dar otra oportunidad, en esta ocasión con Rupert Friend (“Homeland”) en el papel principal, y con dirección de Aleksander Bach (realizador de videoclips que debuta aquí como director de largometrajes). Completan el reparto principal Hannah Ware (“Boss”, “Traición”), Zachary Quinto (“Star Trek”) y Thomas Kretschmann (“Vengadores: La era de Ultrón”).
“Hitman: Agent 47” se centra en la historia de un asesino de élite que fue creado mediante ingeniería genética para convertirse en la máquina de matar perfecta. Se le conoce por los dos últimos dígitos del código de barras tatuado en su nuca y es la culminación de años de investigación (y cuarenta y seis clones anteriores), que le han dotado de una fuerza, velocidad, resistencia e inteligencia sin precedentes. Su último objetivo es una megacorporación que planea desvelar el secreto de su pasado para crear un ejército de asesinos con poderes que lo superan incluso a él. El Agente 47 se alía con una joven que podría guardar el secreto para superar a sus poderosos rivales mientras afronta increíbles revelaciones acerca de sus orígenes y se prepara para una épica batalla con su enemigo mortal.
 
Alejandro Amenábar revolucionó el cine español con su debut en 1996 con “Tesis”. Desde entonces su carrera ha sido sinónimo de éxito nacional e internacional. Con sus siguientes trabajos (“Abre los Ojos”, “Los Otros”) siguió vinculado con el cine de terror y fantasía, sin embargo su salto al drama con “Mar Adentro” no supuso un menoscabo en su carrera comercial, más bien todo lo contrario. Fue con su producción más ambiciosa, “Agora”, cuando crítica y taquilla no respondieron tan bien como se esperaba. Ahora seis años después, regresa a sus orígenes con “Regresión”, una cinta de suspense protagonizada por dos estrellas internacionales del calibre de Emma Watson e Ethan Hawke. Se trata de la segunda vez (la primera fue “Los Otros”) que Amenábar escribe un guion en solitario, sin la ayuda de su amigo y colaborador habitual Mateo Gil (quien actualmente está finalizando la postproducción de su nuevo trabajo como director, “Project Lazarus”). Completan el reparto David Thewlis, David Dencik y Aaron Ashmore.
Minnesota, 1990. El detective Bruce Kenner investiga el caso de la joven Angela, que acusa a su padre, John Gray, de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.