ESTRENOS DEL 27 DE MARZO

Es difícil combatir con el cine familiar. Éste parte con la ventaja de que como mínimo, una entrada son dos, es decir, la del niño y la del adulto que le acompaña, sin embargo, a pesar de eso y de las tres semanas que lleva en cartelera, “Perdiendo el Norte” ha estado a punto de mantener su liderazgo en la taquilla. La cinta de Dreamworks Animation “Hogar, Dulce Hogar” se ha estrenado con 1.776.718 €, mientras que la cinta de Nacho Velilla vuelve a aumentar un 7% su recaudación con respecto al pasado fin de semana, ingresando 1.446.868 €. Entre estas dos cintas se han repartido la mayor parte del pastel de la taquilla del pasado fin de semana, y de los estrenos que nos llegaban, sólo “Obsesión” y “Pride (Orgullo)” consiguen entrar en el top 10, aunque con unos paupérrimos 393.411 € y 170.151 €, respectivamente. “El Año Más Violento” se queda en el puesto 12 con 119.340 €, y el reestreno de “Blade Runner” se salda con un decimosexto puesto (56.197 €). El tercer puesto de las películas más vistas es para “El Francotirador” de Clint Eastwood, que suma otros 446.039 €, mientras que “50 Sombras de Grey” se desploma al séptimo puesto con 286.357 €. “Chappie” tampoco resiste muy buen su segundo fin de semana, quedando con tan sólo unos 408.038 que le proporciona la cuarta posición. Los estrenos de esta semana abren con el documental ganador del Oscar en la pasada edición de los Premios de la Academia de Hollywood, y nos devuelven a los veteranos inquilinos del Hotel Marigold. Sin embargo, la lucha por la taquilla esta semana estará entre el r egreso de Will Smith con “Focus” y la apuesta de Disney por una nueva versión en imagen real de “Cenicienta”. (Cifras taquilla: Rentrak)

Con competidores tan fuertes como “La Sal de la Tierra” de Wim Wenders, el documental “Citizenfour” logró alzarse con el Oscar en el apartado de Mejor Largometraje Documental (además de otros 13 premios, entre los que se encuentran el de mejor documental en el Gotham Independent Film Awards, el Critic’s Choice Awards, los BAFTA, y los Independent Spirit Awards). Detrás de este título, una historia que ha derramado ríos de tinta, la de Edward Snowden y su filtración de documentación secreta muy sensible sobre los escándalos de espionajes que se producen en la Agencia Nacional de Seguridad. La cinta está dirigida por Laura Poitras, quien ya había estado nominada a los Oscars en 2007 con su trabajo “My Country, My Country”. Este documental se adelanta a la cinta de ficción sobre estos mismos hechos que está rodando Oliver Stone con Joseph Gordon Levitt en el papel de Snowden, Zachary Quinto como Glenn Greenwald, Tom Wilkinson como Ewen MacAskill y Melissa Leo como Poitras.

En enero de 2013, Laura Poitras comenzó a recibir correos electrónicos cifrados cuyo remitente era "CITIZENFOUR", quien aseguraba tener pruebas de los programas de vigilancia ilegales dirigidos por la NSA en colaboración con otras agencias de inteligencia. Cinco meses después, en junio de 2013, Poitras viaja a Hong Kong, junto con los periodistas Glenn Greenwald y Ewen MacAskill, para el primero de los muchos encuentros que mantendrá con su misterioso confidente. Poitras acudió a todos esos encuentros acompañada de una cámara para registrar todo lo acontecido. Al salir a la luz toda esa información clasificada y desatarse el escándalo deberán hacer frente a los medios y mantener su seguridad y la de los suyos que ahora están en peligro.

 

El director John Madden tuvo su momento de gloria en 1998 con “Shakespeare in Love” y si bien su carrera posterior ha sido bastante discreta, cuenta con títulos estimables como “La Verdad Oculta” o “La Deuda”. En 2011 dirigió “El Exótico Hotel Marigold”, una estimable comedia crepuscular ambientada en La India, con guion de Ol Parker y protagonizada por un notable reparto de veteranos actores británicos, encabezados por Judi Dench, Bill Nighy, Maggie Smith, Tom Wilkinson y el joven Dev Patel. La cinta gozó de un inesperado éxito, y si bien inicialmente no había intención de alargar la historia, pronto sus artífices empezaron a fantasear sobre cómo continuaría la vida de los protagonistas. Ahora la mayor parte de ellos, junto con Madden de nuevo en la dirección y Parker como guionista, regresan en una secuela en la que se incorporan otros nombres como Richard Gere y David Strathairn.

El exótico hotel Marigold 2 es el sueño expansionista de Sonny y le exige más tiempo del que dispone, teniendo en cuenta su inminente matrimonio con el amor de su vida, Sunaina. Sonny le ha echado el ojo a un prometedor inmueble ahora que su primera empresa, El Exótico Hotel Marigold para Personas Mayores y Encantadoras, sólo tiene una habitación libre, lo que plantea una dificultad de alojamiento para los recién llegados Guy y Lavinia. Evelyn y Douglas se han incorporado a la plantilla de Jaipur y se preguntan a dónde les conducirán sus citas habituales para comer tortas de Chilla, mientras que Norman y Carol navegan las complicadas aguas de una relación exclusiva, a la vez que Madge hace malabarismos con dos excelentes partidos, que, además, son muy ricos. Quizá la única que puede conocer las respuestas es la recién incorporada codirectora del hotel, Muriel, la guardiana de los secretos de todos. Cuando las exigencias de una tradicional boda india amenazan con sepultarlos a todos, se presenta una inesperada salida.

 

Hasta hace relativamente poco, Will Smith, junto con Denzel Washington y Tom Hanks, formaba parte de ese reducido grupo de estrellas de Hollywood infalibles. Su nombre por sí sólo servía para atraer al público a las salas y obtener un éxito de taquilla. La carrera de Smith se empezó a torcer con “Siete Almas”, no rentabilizando como se esperaba la tercera entrega de “Men in Black” y estrellándose de nuevo con “After Earth”. Necesitado de un taquillazo urgente para remontar el terreno perdido, Smith se ha hecho acompañar por el astro emergente de Margot Robbie en “Focus”, cinta dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, responsables de la estupenda “Crazy, Stupid Love”.

Nicky, un consumado maestro de la estafa, comienza un romance con una novata en el oficio, Jess. Mientras le enseña los trucos del oficio, ella desea estrechar demasiado los lazos con Nicky, y éste rompe de repente la relación. Tres años más tarde, la mujer que había encendido una llama en él, que ahora es una mujer fatal, aparece en Buenos Aires en un circuito de carreras en el que hay apuestas muy elevadas. En medio del último plan de Nicky, que es muy peligroso, ella echa sus planes por tierra y saca al maestro de la estafa del juego.

 

Disney le ha cogido el gusto a eso de reversionar algunos de sus clásicos de animación en formato de imagen real. El éxito de títulos como “Alicia en el País de las Maravillas” de Tim Burton o “Maléfica” de Robert Stromberg deja ahora paso a una nueva adaptación de “Cenicienta”, esta vez de la mano de un Kenneth Branagh, quien en los últimos años parece estar más cómodo en este tipo de productos de encargo. Protagonizada por dos actores llegados de la televisión, Lily James (“Dowton Abbey”) y Richard Madden (“Juego de Tronos”), la cinta cuenta también con dos actrices veteranas del peso de Cate Blanchett y Helena Bonham Carter, además de algunos nombres habituales en el cine de Branagh, como Derek Jacobi. La relación del cineasta con sus dos jóvenes protagonistas debe de haber sido positiva, ya que juntos van a escenificar en Londres “Romeo y Julieta” de William Shakespeare.

La historia de La Cenicienta cuenta las andanzas de la joven Ella cuyo padre vuelve a casarse tras la trágica muerte de su madre. Ella no quiere disgustar a su querido padre así que acoge a su madrastra, Lady Tremaine y a sus hijas Anastasia y Drisella en la casa familiar. Pero el padre de Ella fallece repentinamente y ahora se encuentra a merced de una nueva familia celosa y cruel. Ella acaba siendo una sirvienta cubierta de cenizas a la que llaman despectivamente Cenicienta. Una situación que podría sumirla en la desesperanza pero ella está decidida a cumplir con las últimas palabras que le dijo su madre: "Deberás ser valiente y amable". Así que Cenicienta no caerá en la desesperación, ni despreciará a los que la maltratan. Además, está el apuesto extraño al que conoce en el bosque. No sabe que no se trata de un empleado más de Palacio, sino que es un príncipe, pero lo que sí sabe es que ha encontrado a su alma gemela. Parece que su destino podría cambiar cuando Palacio invita a todas las jóvenes casaderas a un gran baile donde Ella abriga la esperanza de volver a encontrarse con el encantador "Kit". Por desgracia, su madrastra le prohíbe asistir al baile y hace jirones su vestido. Pero, como ocurre en todos los buenos cuentos de hadas, surge una mano amiga en forma de una amable mendiga que, armada con una calabaza y unos ratones, cambiará para siempre la vida de Cenicienta.



“EX MACHINA”/“CHAPPIE”. MÁS HUMANOS QUE LOS HUMANOS

A finales de los 70, principios de los 80 del pasado siglo, uno de los temas clave del género fantástico fue el concepto de humanidad, motivado por la explosión de la tecnología, la robótica y la informática, a la vez que la muerte de las utopías sociales dejaban paso al capitalismo feroz y una visión alienada de la sociedad. El mundo occidental necesitaba redefinir sus valores y el carácter metafórico del cine de género ayudó a reflejar las dudas, miedos y anhelos próximos al cambio de siglo. Una de las cintas que más y mejor ejemplificaron esto fue “Blade Runner”. En ella, Ridley Scott debatía sobre los sentimientos como frontera final entre los humanos y las máquinas, adelantándose a un concepto hoy en día más en boga, la inteligencia emocional. Curiosamente, ahora que se acaba de reestrenar la película, esa confrontación entre inteligencia artificial e inteligencia emocional (representada entonces por la dicotomía entre los personajes de Rick Deckard y Roy Batty) vuelve a tener especial relevancia en dos estrenos recientes, “Ex Machina” de Alex Garland y “Chappie” de Neill Blomkamp.

“EX MACHINA”. VOIGHT-KAMPFF

Alex Garland ha demostrado ser un gran amante de la ciencia ficción y, especialmente, del valor especulativo y reflexivo de ésta a la hora de representar nuestra sociedad y hablar de la naturaleza del ser humano y su evolución. El uso de los patrones de género como subterfugio para ahondar en temas más intimistas y próximos no es nuevo, como tampoco lo es poner la mirada en un futuro (próximo o lejano) para denunciar aspectos actuales y/o universales. Precisamente no es difícil rememorar “Blade Runner” durante el visionado de “Ex Machina”. La representación del ser humano con síndrome de Dios ante la creación de vida artificial (identificado en la figura de Nathan/Oscar Issac), las crisis de identidad que surgen al borrarse las fronteras entre lo artificial y lo orgánico (Caleb/Domhnall Gleeson), o la necesidad emocional del nuevo ser (Ava/Alicia Vikander) apunta directamente a algunas de las secuencias clave de la película de Ridley Scott. Es más, la excusa argumental de la película (los encuentros entre los personajes de Caleb y Ava para poner a prueba las reacciones emocionales de ésta) no es otra cosa que una extensión del test VOIGHT-KAMPFF que Deckard realizara a Rachel 33 años atrás. Incluso, sin llegar a extremos tan evidentes como los que podíamos encontrar en “Blade Runner”, no es descabellado tampoco apuntar patrones de cine negro al guion de “Ex Machina”, aunque alejada de los claroscuros marcados por el género en la década de los 40 y 50 y apostando por una estética postmoderna, aséptica y fría. ¿Acaso el lado oscuro e inquietante, y al mismo tiempo atractivo y carismático, de Nathan no corresponde con la representación que el cine ha propiciado de la figura del gangster?, ¿no es Caleb ese detective naif y honesto, con aspiraciones de caballero andante, que se ve tentado por unos personajes que buscan sacar provecho de él?, ¿es Ava una dama en desgracia o una femme fatale que no duda en utilizar su sensualidad o su apariencia dulce e inocente para manipular a los hombres?

Garland arma todas estas referencias como si fuera una obra de cámara, pensada para pocos personajes, en un espacio reducido, aislado, y donde se evita la proliferación de subtramas que distraigan del argumento principal. La puesta en escena del director novel tampoco quiere despistar al espectador. Se trata de una narrativa sobria y estilizada, centrada en los tres protagonistas y los ambientes, pero evitando virtuosismos expresivos que lleven al público a fijarse más en los movimientos de la cámara que en las acciones de los personajes. Tampoco se pretende abusar de los efectos especiales, que los hay, pero están minimizados a lo puramente necesario para dar prestancia tecnológica y futurista a la estética de la película. En realidad, puestos a hablar de un verdadero hallazgo de efectos visuales, éste responde al nombre de Alicia Vikander, quien con su interpretación consigue apuntar diferentes capas de lectura a su personaje, manteniéndolo en esa fina línea que separa la interpretación afectada y mecánica del naturalismo. Resulta también fascinante ver la interrelación de los personajes masculinos (entre la admiración y el recelo, la amistad y la confrontación) y cómo esto queda reflejado en el excelente trabajo de los actores, todos conscientes del peso que recae sobre sus hombros en la película, fundamental para que la propuesta de Garland fructifique y llegue a buen puerto.

“Ex Machina” es una cinta pausada y cerebral, desaconsejable para quien vaya a la sala en busca de un divertimento meramente recreativo. La cinta requiere del espectador interacción y que salga de su zona de confort, que asimile la jerga tecnológica y que escudriñe el valor metafórico de la trama. Es cierto que Garland no saca total rendimiento de su propuesta y que como toda opera prima, la película es víctima de la inexperiencia del cineasta, sin embargo, pese a eso, sigue siendo una de las propuestas más sugestivas que tenemos actualmente en cartelera.

“CHAPPIE”. CHAPA Y PINTURA

Pese a la faceta comercial de su cine, la filmografía de Neill Blomkamp no evita dejar constancia de su propósito de reflexión social e incluso política. “Chappie” comparte con su opera prima, “District 9”, su ambientación en los guetos de Johannesburgo para representar una estructura social descompensada en un entorno de superpoblación, donde los altos índices de pobreza concuerdan con la proliferación de la delincuencia y la violencia en las calles (un entorno que en su segunda película, “Elysium”, quedaba ubicado en las localizaciones de Ciudad de México). Ante la falta de medidas sociales que la solventen, se busca coartar esta situación con brutalidad policial y medidas neoliberales (con una clara lectura anticorporativista). Como en sus películas anteriores, la respuesta a este entorno viene dada por parte de un protagonista que rompe con el status quo impuesto y se acaba estableciendo como estandarte hacia un cambio social. En este caso, ese héroe accidental es un robot dotado de inteligencia artificial, cuyo bagaje emocional reseteado le libera del peso de la violencia y el odio que ha cerrado las puertas del entendimiento entre ambos bandos; un ser inocente como un niño, pero en cuya naturaleza única y revolucionaria se encuentra la promesa de un mundo mejor.

Nacido en 1979, Neill Blomkamp creció bebiendo de toda la cultura de los 80, la explosión de la tecnología, el ciberpunk, los videojuegos, los comics, la irrupción del manga y el anime en occidente y la influencia de cineastas como Steven Spielberg, Paul Verhoeven, George Miller, o autores como Frank Miller. “Chappie” busca ser también un homenaje a todo ese bagaje, proponiendo una fusión del tono naïf del cine juvenil post Spielberg (en este caso especialmente la cinta de John Badham de 1986, “Cortocircuito”) y el estilo ultraviolento y apocalíptico de títulos como “Robocop” y “Mad Max”. No podemos negar que a nivel de estética y popurrí de referencias, la cinta despierta en el espectador iniciado cierto interés, a lo que la pirotecnia visual de Blomkamp tampoco es ajena. En este sentido, “Chappie” es una película sensorial, que entra por los ojos, y donde destacan las aparatosas y vibrantes secuencias de acción. Desgraciadamente, estos dos elementos (la nostalgia y el despliegue visual) es lo único a lo que puede agarrarse la audiencia. El guion escrito por el propio Blomkampf y Terri Tatchell (colaboradora habitual del cineasta y su esposa en la vida real) es de una torpeza supina. La trama va perdiendo coherencia a medida que avanza, la descripción de personajes es monocromática y los diálogos son de vergüenza ajena.

El supuesto mensaje antiviolencia de la cinta choca con la puesta en escena del director que se recrea en ella. Podemos aplaudir el trabajo de efectos especiales para crear a Chappie, pero eso no quita para que éste sea un personaje infantiloide y grotesco que no ayuda a que el espectador empatice con él. Tampoco ayuda que Blomkampf haya escogido para protagonizar la película a actores noveles como los miembros de la banda de electro rap-rave Die Antwoord, Ninja y Yo-Landi Vi$$er (cuyos personajes mantiene además estos nombres artísticos), mientras que Dev Patel (muy lejano de su descubrimiento en “Slumdog Millionaire”) tampoco da la talla en su papel de joven genio de la informática. Los únicos en cubrir el expediente en el apartado interpretativo son Hugh Jackman y Sigourney Weaver, pero más por oficio y porque sus personajes son más secundarios, que porque realmente contaran con material de interés para hacer su trabajo.

Al final, “Chappie” resulta una cinta demasiado pueril e insustancial para el espectador adulto, pero con secuencias demasiado violentas y un tono muy oscuro y amenazador para el público infantil. Esperemos que para su proyecto de “Alien 5” Blomkampf se esfuerce más, porque esta “Chappie” supone un nuevo descenso en su carrera tras la fallida “Elysium”.

ESTRENOS DEL 20 DE MARZO

El cine español sigue marcando el vértice de la taquilla gracias al éxito de “Perdiendo el Norte”. En su segundo fin de semana, la cinta de Nacho Velilla no sólo se mantiene en primera posición, sino que mejora su rendimiento en taquilla y recauda 1.349.472 €, sacando bastante ventaja a la segunda cinta más vista del pasado fin de semana, “Chappie”, que debuta con 662.473 €. Le siguen los anteriores líderes del ranking, “El Francotirador” y “50 Sombras de Grey”, con 573.137 € y 476.824 €, respectivamente. Cierra el listado de las cinco más populares “Kingsman. Servicio Secreto” con 424.707 €, no encontrando ningún otro estreno del pasado fin de semana en el ranking hasta la séptima posición. “La Conspiración de Noviembre” se estrena con 238.578 €, quedando en 12ª, 15ª y 18ª posición otros estrenos como “Puro Vicio” (85.018 €), “Negociador” (60.852 €) o “Desterrado” (55.892 €), respectivamente. Esta semana no sólo contamos con estrenos, sino que también vuelven clásicos a las pantallas de cine. “Blade Runner” buscará contentar a los fans nostálgicos de los clásicos de la ciencia ficción, mientras que la cartelera contará además con referencias a hechos históricos como la manifestación homosexual en favor de los derechos de los mineros en el Reino Unido en 1984, un psycho-thriller a mayor gloria de Jennifer Lopez, el nueva York violento de principios de los 80 o el cine para toda la familia de Dreamworks Animation. (Cifras taquilla: Rentrak)

Poco se puede añadir a lo ampliamente escrito sobre un clásico como Blade Runner, uno de los títulos de referencia (y no sólo cinematográfica) de los años 80, tercera película de Ridley Scott tras “Los Duelistas” y “Alien, El Octavo Pasajero” y la consagración en el séptimo arte de un escritor tan complejo (y maltratado por el cine) como Philip K. Dick. Con un reparto que ha pasado a la historia, encabezado por un Harrison Ford, quien llegaba a este papel tras rodar “El Imperio Contraataca” y “En Busca del Arca Perdida”, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Brion James, Joe Turkel y M. Emmet Walsh. La cinta se estrenó en 1982 con un montaje al que los productores impusieron varios elementos como una voz en off o un final más halagüeño, años más tarde Scott rescató un supuesto montaje del director, sin esos añadidos y con secuencias polémicas como el sueño del Unicornio. Finalmente, en 2007, se presentó el Final Cut, donde el director aprovechó la tecnología digital para hacer unas correcciones e incluso llegó a rodar nuevamente alguna escena con la que no estaba satisfecho. Este Final Cut es el que ya podemos ver en cines desde el pasado 18 de marzo en V.O.S.E.

A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba "retiro".

 

Más allá del cine de denuncia de cineastas como Ken Loach o Mike Leigh, la comedia obrera post “Full Monty” o “Billy Elliot” ha dado mucho rédito al cine británico. La última incorporación a este conjunto de películas ha sido “Pride (Orgullo)”, cinta que toma como referencia un hecho real y que propone una nueva revisión de algunos de los momentos más críticos del mandato de Margaret Thatcher. Escrita por Stephen Beresford y dirigida por Matthew Warchus (cuya experiencia artística viene principalmente del mundo del teatro), la cinta cuenta con un interesante reparto donde destacan veteranos como Imelda Staunton, Bill Nighy, Dominc West y Paddy Cosidine. La cinta obtuvo una candidatura a los Globos de Oro en el apartado de Mejor Película de Comedia o Musical.

Verano de 1984. Margaret Thatcher gobierna y el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) ha convocado una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un grupo de lesbianas y gays se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los mineros. Pero hay un pequeño problema: El sindicato no acepta el dinero. Los activistas no se desalientan. Deciden saltarse al sindicato e ir directamente a los mineros. Escogen un pueblecito de Gales al que van en un minibús. Así empieza la extraordinaria historia de cómo dos comunidades totalmente diferentes se unen por una causa común.

 

Más centrada en su carrera musical, la filmografía de Jennifer Lopez en los últimos años no ha sido especialmente destacable. Pocos trabajos en cine, en ocasiones prestando su voz para cintas de animación (como en el último de los estrenos que les proponemos hoy), y por lo general con cintas sin demasiado impacto en taquilla. Su último intento por recuperar el espacio perdido es “Obsesión”, un psychothriller dirigido por el mercenario Rob Cohen (“Dragon. Lavida de Bruce Lee”, “A Todo Gas”, “xXx”, “La Momia 3. La Tumba del Emperador Dragón”). Junto a la estrella destaca la presencia de Ryan Guzman y, en roles secundarios, John Corbett, Bailey Chase y Kristin Chenoweth.

Obsesión explora la historia de una atracción física entre una profesora de instituto y su joven vecino, llevada hasta las últimas consecuencias. Claire, una madre recién separada que intenta superar su divorcio junto a su hijo Kevin. Su vida cambia radicalmente cuando el carismático y joven Noah se muda a la casa de al lado. Lo que empieza siendo una sana amistad acabará convirtiéndose en una atracción física llevada a límites insospechados.

 

Con apenas tres películas en su haber, el director JC Chandor ya se ha convertido en un cineasta a seguir. Su debut con “Margin Call” recibió todo tipo de alabanzas gracias a su reparto coral. “Cuando Todo Está Perdido” sorprendió por su sobrio tratamiento y la notable interpretación de un Robert Redford en modo One Man Show. Ahora Chandor salta al terreno del thriller, con influencias del cine negro en “El Año Más Violento”, ambientada en el invierno de 1981 en Nueva York, estadísticamente etiquetado como el año más peligroso de la historia de la ciudad. La cinta está protagonizada por Oscar Isaac (“A Propósito de Llewyn Davis”, “Ex Machina”), Jessica Chastain (“La Noche Más Oscura”) y David Oyelowo (“Selma”). Chastain obtuvo una candidatura a los Globos de Oro como Mejor Actriz de Reparto por este papel.

Abel Morales, junto a su maquiavélica esposa Anna, intenta regentar un negocio honesto en una ciudad asolada por la corrupción y la decadencia. Pero por mucho que él intenta mantenerse firme en sus convicciones morales, todo lo que rodea a su pequeño imperio y su familia se irá desmoronando en una espiral de traición y violencia sin control hasta desembocar en una carrera por la propia supervivencia.

 

Tras el éxito de “Los Pingüinos de Madagascar”, Dreamworks Animation proponen otra cinta llena de comedia, acción y colorido con “Hogar, Dulce Hogar”, basada en el libro infantil de Adam Rex. La cinta se distingue dentro de la filmografía del estudio por presentar a su primera protagonista de raza negra, a la que pone voz en versión original la cantante Rihanna, quien además interpreta dos nuevas canciones para la película. Jim Parsons (el inefable Dr. Sheldon Cooper de “Big Bang Theory”) es el responsable de poner voz a Oh, mientras que el reparto de voces en inglés de la cinta incluye también a estrellas como Steve Martin o Jennifer Lopez. Dirige la cinta Tim Johnson, quien ya ha participado en otras cintas del estudio como “Hormigaz”, “Simbad: La Leyenda de los Siete Mares” o “Vecinos Invasiores”.

Cuando Oh, un adorable inadaptado procedente de otro planeta, aterriza en la Tierra y se encuentra huyendo de su propia especie, entabla una improbable amistad con una muchacha aventurera llamada Tip, que anda metida en una búsqueda exclusivamente suya. A través de una serie de cómicas aventuras junto a Tip, Oh llega a entender que ser diferente y cometer errores forma, todo ello, parte del ser humano y juntos descubren el verdadero significado de la palabra HOGAR.



“MAP TO THE STARS”. HOLLYWOOD BABYLONIA

Pese haber alcanzado su momento de mayor popularidad con películas de estudio como “La Zona Muerta” o “La Mosca”, lo cierto es que el idilio de David Cronenberg con Hollywood fue breve. Tras probar las mieles de la Meca del Cine a mediados de los 80, el cineasta regresó a sus producciones pequeñas e independientes en Canadá, donde siempre ha ejercido como uno de los principales impulsores de la cinematografía nacional dentro y fuera de sus fronteras. Fugaz, pero intenso, ese periodo dentro del canon (donde ejecutivos desorientados le ofrecieron dirigir títulos tan lejanos a su cine anterior como “Flashdance”, “Top Gun” o “El Retorno del Jedi”) permitió a Cronenberg hacerse una idea clara de cómo funciona ese microcosmos de envidias, ambición desmedida, comportamientos perversos y endogámicos y fantasmas internos, es decir, lo que en esencia es el macabro universo cinematográfico propio del director.

A medio camino entre la sátira corrosiva y el drama escabroso, “Map to the Stars” parte de un guion original escrito por Bruce Wagner, autor que se alimenta aquí de su conocimiento del entorno gracias a la época en que era conductor de limusinas (como Jerome, el personaje interpretado por Robert Pattinson). Con esta historia, Wagner no pretende dar un retrato exhaustivo de Hollywood, pero sí escarba en la llaga de una sociedad hipócrita, superficial y frívola, que se rige por intereses creados y amistades peligrosas. Así, temas como lo efímero de la fama, el sexo como elemento de canjeo, el chantaje emocional o el consumo de todo tipo de sustancias (algunas ilegales, otras recetadas) con el fin de soportar el vacío existencial de una vida insustancial perfilan un retrato de la industria del cine y sus participantes poco halagador y bastante grotesco. Por su parte, Cronenberg reincide en elementos recurrentes de su cine, como personajes de psicología estriada, con traumas internos que les aíslan de la realidad, y que somatizan de forma física (como las quemaduras de Agatha, el personaje interpretado por Mia Wasikowska) hasta eclosionar de forma agresiva e incontrolada. Para ello, el cineasta hace uso de su habitual puesta en escena aséptica y estilizada, emocionalmente fría, pero donde las secuencias más explicitas sirven de contraste con ese entorno de sentimientos silenciados. El lujoso entorno en que conviven estos personajes se convierte así en una tentadora jaula de oro, demasiado hermosa como para querer abandonarla, pero carente de calidez emocional. Todo resulta muy esteticista (casas vanguardistas, muebles de diseño, ropas de alta costura y coches caros), pero también tremendamente impersonal para acoger a unos personajes que han intentado acallar sus propias necesidades con el fin de integrase en ese entorno fastuoso. Sin embargo, lo que está enterrado acaba brotando y en esta ocasión el detonante es el regreso de Agatha, una Lilith expulsada del Paraíso y cuyo retorno abre heridas cauterizadas, pero nunca curadas. Resulta curioso que precisamente esta película, y pese a los antecedentes del director, haya sido la primera que Cronenberg ha rodado en territorio estadounidense. Hasta ahora, siempre había redirigido la mayor parte de sus rodajes a Toronto, pero los exteriores que necesitaba para esta historia sólo podía encontrarlos en el Sur de California (Hollywood, Beverly Hills).

El director echa mano también de su habitual habilidad para la dirección de actores, destacando especialmente una soberbia Julianne Moore y un inquietante Evan Bird. La primera interpreta a Havana Segrand, una actriz veterana, quien por un lado debe afrontar la llegada de la madurez, momento siempre temido por toda actriz en Hollywood, y por otro hacer frente al recuerdo traumático de su madre. Moore es capaz de reírse del absurdo de su personaje, representando la vacuidad de su vida, sin perder el sentido del drama. Se trata de un personaje al límite que exige de la actriz un alto grado de exposición, algo que, por otro lado, Moore siempre ha afrontado con valentía a lo largo de su carrera. Por su parte, Bird supone una revelación, un actor de rostro aniñado y cuerpo inquietante, que ilustra a la perfección ese salto de todo niño prodigio, desprovisto de infancia, a la adolescencia, con los riesgos de los excesos de la fama y el temor a convertirse en otro juguete roto de Hollywood. En su personaje, Benjie, las referencias a nombres como Macaulay Culkin o Lindsey Lohan resultan inevitables y buscadas. Físicamente, el personaje de Agatha es el más Cronenbergiano de todos, sus cicatrices son la Nueva Carne. La cinta utiliza el elemento del fuego como metáfora de la necesidad de esterilizar ese mundo infectado. La protagonista es la primera en pasar por esa cura que la deja marcada. A su regreso busca ocultar las cicatrices con su cabello, pero las quemaduras no sólo son un caso de fealdad en una sociedad que idolatra el cuerpo, sino también una prueba de haber salido de ese entorno endogámico.

Frente a estos tres personajes principales, encontramos otros secundarios, que sirven de apoyo, pero en los que se evidencia la dispersión del libreto. En los tres casos, el cierre de sus respectivas historias resulta precipitado y poco satisfactorio, carente de la progresión necesaria. Quizás el exceso de subtramas obligó a la tijera en postproducción, pero lo cierto es que nos encontramos ante tres personajes con posibilidades, que quedan reducidos a una descripción superficial, lastrando no sólo su peso en la película, sino también la importancia de su aportación a la trama global. Robert Pattinson interpreta el papel más equilibrado de la cinta, quizás por ser un aspirante, pero aún no perteneciente, al círculo de Hollywood. Inicialmente, Jerome parece representar una tabla de salvación para Agatha, sin embargo, la ambición de éste por entrar en la jaula de oro y codearse con la fauna autóctona y lo profundo del trauma de la protagonista parece convertirse en un obstáculo difícil de superar. Por otro lado, tenemos al matrimonio Weiss (cuyo apellido fonéticamente suena cercano a “vice”/vicio), interpretados por John Cusack y Olivia Williams. El primero interpreta a un falso gurú, un terapeuta de autoayuda que combina el psicoanálisis con el masaje terapéutico y cuyas sesiones con Havana parece remitir al acto sexual. La segunda interpreta a la madre de Benjie y quien dirige su carrera, responsable de la pérdida de la infancia de su hijo, vendida por la ambición de la familia.

“Map to the Stars” supone, por lo tanto, un interesante acercamiento a ese crepúsculo de los dioses que es Hollywood, aunque para ello peque de demasiada frialdad y un tono excesivamente cerebral que resta al conjunto impacto emocional, además de una trama argumental rica y jugosa, pero a la que le falta algo de cohesión para poder concretar mejor en su tercio final los múltiples hilos narrativos que la conforman. Con este título, Cronenberg sigue definiéndose como un hábil cronista de nuestra sociedad, aunque en esta ocasión el tiro no resulte tan certero como se esperaba de él.

ESTRENOS DEL 13 DE MARZO

Decíamos la semana pasada que nos encontrábamos ante un fin de semana de cajón de sastre, donde habían concurrido varios estrenos que se habían hecho de rogar para llegar a las pantallas españolas. Ni el tirón de los Oscars con “Selma”, ni el prestigio de un cineasta como David Cronenberg en “Map to the Stars” parecen haber servido de mucho con el público español. De los estrenos que nos llegaban sólo uno ha entrado en el ranking de las películas más vistas y ha sido el título español, “Perdiendo el Norte”. El efecto “Ocho Apellidos Vascos” parece mantenerse en activo y esta comedia comunitaria (en este caso de la Comunidad Europea) se alza con el primer puesto de recaudación, desbancando al Sr. Grey y a Clint Eastwood. “Perdiendo el Norte” consigue 1.249.274 €, que sin ser una entrada apoteósica, sí supone un buen margen. Le sigue a cierta distancia “El Francotirador”, con 871.160 €, mientras que “50 Sombras de Grey” baja a tercera posición con 842.511 €. Cierra el ranking de las 5 más vistas “Kingsman. Servicio Secreto”, con 630.163 €, y “Samba”, con 367.117 €. La veteranía la tiene “Birdman”, que tras los Oscars se mantiene como la décima película más vista, añadiendo 142.363 € a su recaudación. El efecto cajón de se puede detectar también este fin de semana, especialmente con el rescate de un grupo de actores cuyo momento de popularidad y prestigio ha quedado ya atrás, como es el caso de Nicolas Cage, Hayden Christensen o Pierce Brosnan. Por otro lado, el cine español da una mirada al País Vasco y la disolución de ETA, mientras que el americano se debate entre la nostalgia setentera o el futurismo sentimental. (Cifras taquilla: Rentrak)

Tras conseguir su mayor éxito el año pasado como guionista con su libreto para “Ocho Apellidos Vascos”, el director Borja Cobeaga continua su carrera con “Negociador”, donde sigue tratando el tema del País Vasco. En esta ocasión con la mirada en el proceso de negociación para la entrega de las armas de ETA durante la presidencia de José Luis Zapatero. Con tono de comedia, siguiendo la estela marcada desde su periodo en televisión con el programa “Vaya Semanita”, la cinta ahonda en las incongruencias de un proceso clave en la historia reciente de nuestro país. Protagonizada por Ramón Barea, la cinta cuenta con la participación de Óscar Ladoire, Melina Matthews, Raúl Arévalo, Carlos Areces, Secun de la Rosa

Manu Aranguren es un político vasco que ejerce de interlocutor del gobierno español en las negociaciones con ETA. Lejos de ser un acto solemne y calculado, pronto se verá que las casualidades, los errores o los malentendidos marcarán el diálogo entre ambas partes. Y que la relación personal entre negociadores será clave para la resolución del conflicto.

 

Doble de acción en títulos como el “Batman” de Tim Burton, “Robin Hood, Príncipe de los Ladrones”, “Braveheart”, “El Último Samurai” o “Resident Evil 5: Venganza”, Nick Powell debuta ahora en la dirección con “Desterrado”, cinta de acción y artes marciales, ambientada en la China feudal y con la presencia de dos actores cuya carrera ha venido a menos en los últimos años, Nicolas Cage y Hayden Christensen.

La historia nos traslada a la Edad Media dónde dos caballeros cristianos compañeros de armas, destrozados por la crueldad de Las Cruzadas, separan sus destinos. El primero, Gallain se convierte en el líder de una banda de bandidos en la Ruta de la Seda. El segundo, Jacob, perjudicado por el opio, se gana la vida como mercenario en tierras del lejano oriente. La protección de los hijos del emperador: la princesa Lian y su hermano pequeño el príncipe heredero Zhao, les unirá de nuevo en la misión casi suicida para de escoltarles en un largo viaje por el continente y devolver al príncipe su legítimo lugar en el trono. Perseguidos en todo momento por la Guardia Negra, liderada por su hermano Shing, causante de toda la muerte y el miedo que reina en la población, y asesino de su propio padre el emperador por no ser proclamado su heredero. Ambos caballeros encontrarán en este viaje un motivo para luchar y apelarán de nuevo al código del honor que un día les llevó a combatir en Las Cruzadas.

 

Años después de entregar su licencia para matar, Pierce Brosnan regresa al género del thriller de espionaje con “La Conspiración de Noviembre”, adaptación de la novela “There Are No Spies” escrita por Bill Granger en 1987. Éste ha sido un proyecto largamente acariciado por el actor, quien ya quiso protagonizarlo en 2006, justo después de abandonar la franquicia de 007. Brosnan se ha encargado de producirlo, a través de su empresa Irish DreamTime, y fue quien propuso para la dirección al veterano artesano Roger Donaldson, con quien ya había trabajado en “Un Pueblo Llamado Dante’s Peak”. Curiosamente, el reparto incluye otro nombre relacionado con James Bond, la actriz Olga Kurylenko, quien participó en “Quantum of Solace” junto a Daniel Craig. El terceto protagonista lo completa Luke Bracey, visto en “G.I. Joe. La Venganza” y que ha sido escogido como reemplazo de Keanu Reeves para el remake de “Le Llaman Bodhi”.

Peter Devereaux es un agente de la CIA extremadamente peligroso y altamente entrenado, que es persuadido para salir de su tranquilo retiro para realizar una misión muy personal. Debe proteger a una testigo muy valiosa, Alice Fournier, que podría revelar la verdad detrás de un antiguo caso de conspiración. Pronto descubre que esta misión le convierte en el objetivo de su antiguo amigo y protegido en la CIA, David Mason. Con crecientes sospechas de la presencia de un infiltrado en la agencia, no hay nadie en quien Devereaux pueda confiar, nadie en absoluto.

 

Tras la excepcional “The Master”, Paul Thomas Anderson ha decidido cambiar de tono en su nueva película, “Puro Vicio”, adaptación de la novela del prestigioso novelista Thomas Pynchon. Ambientada en los años 60, con estética funky y psicodélica, la cinta se presenta como un policíaco contracultural protagonizado por Joaquin Phoenix, al que acompañan estrellas como Jena Malone, Reese Witherspoon, Josh Brolin, Benicio Del Toro, Owen Wilson, Maya Rudolph o Martin Short. La cinta obtuvo dos candidaturas a los Oscars en los apartados de mejor guion adaptado y mejor diseño de vestuario.

Cuando la ex mujer del detective privado Doc Sportello se presenta repentinamente con una historia sobre su actual novio, un promotor inmobiliario multimillonario del que acaba de enamorarse, y sobre un complot de su mujer y el novio de ella para secuestrarlo y meterle en un manicomio… bueno, es fácil para ella decirlo. Son los finales de los psicodélicos 60, la paranoia domina el día y Doc sabe que “amar” es otra de esas palabras que está de moda decir, como “viaje” o “fabuloso”, y que están siendo usadas excesivamente— excepto que ésta normalmente conduce a problemas.

 

El Director Neill Blomkamp parece ir enganchando un Proyecto tras otro. Cuando estrenó su anterior película, “Elysium”, el estreno de esta semana, “Chappie”, estaba ya en plena preproducción. Ahora tiene que compaginar la promoción de la película con las noticias de su incorporación a la franquicia Alien. Tras una superproducción como “Elysium”, con un presupuesto estimado de 115 millones de dólares, “Chappie” se acerca más a los costes de su opera prima, “District 9” (esta costó 30 millones, mientras que su último trabajo tuvo un presupuesto de 49). Pese a su presupuesto más limitado, Blomkamp ha contado con rostros conocidos como Dev Patel (“Slumdog Millionaire”), Hugh Jackman o Sigourney Weaver, sin olvidar a su actor fetiche, Sharlto Copley, que aquí pone la voz al robot protagonista.

Todos los niños que llegan al mundo lo hacen llenos de promesas y Chappie más que ningún otro: es talentoso, especial, un prodigio. Como cualquier niño, Chappie llegará bajo la influencia de su entorno – con cosas buenas y con cosas malas – y dependerá de su corazón y su alma para encontrar su camino y convertirse en un hombre independiente. Pero hay algo que hace a Chappie diferente del resto: es un robot. El primer robot con la habilidad de pensar y sentir por sí mismo. Esta es una idea peligrosa – y es también un desafío que enfrentará a Chappie a poderosas y destructivas fuerzas que intentarán asegurarse de que él sea el último de su especie.



ESTRENOS DEL 6 DE MARZO

Los cuatro estrenos de la pasada semana han tenido una buena acogida en taquilla, entrando todos ellos entre los 10 títulos más vistos del fin de semana, sin embargo, eso no ha quitado para que el liderazgo del ranking siga perteneciendo a “50 Sombras de Grey” y “El Francotirador”. La primera se mantiene en primer puesto, recaudando 1.754.067 € (16.519.405 € en total desde su estreno), mientras que la cinta de Clint Eastwood le sigue con unos nuevos 1.678.695 €. No es hasta el tercer puesto que encontramos uno de los estrenos del pasado fin de semana. En este caso, la cinta de Matthew Vaughn, “Kingsman. Servicio Secreto”, ha sido el único nuevo título de la cartelera en superar el millón de euros de recaudación (1.158.249 €), mientras que “Samba” queda en cuarta posición bajando hasta 583.632 €. Cierra el ranking de las cinco películas más vistas “Bob Esponja. Un Héroe Fuera del Agua”, que se mantiene con 497.018 €. “La Mujer de Negro. El Ángel de la Muerte” y “Ex-Machina” quedan en sexta y octava posición, con 385.866 € y 281.395 €, respectivamente, lo que ha supuesto la salida del ranking de las dos veteranas “Dios Mío, ¿Pero Qué te Hemos Hecho?” y “La Isla Mínima”. La veteranía pertenece ahora a “Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia)” tras 8 semanas en cartel y que, tras su éxito en los Oscars, se mantiene en séptima posición con 322.398 €. Cierra el ranking “El Libro de la Vida” (278.566 €) y “Annie” (203.077 €). Esta semana la podemos calificar de cajón de sastre en cuanto a nueva incorporaciones en cartelera. Muchos son los estrenos que llegan a las pantallas, aunque la mayor parte de ellos títulos que llegan con retraso a España, esperando un momento propicio para su distribución. Así, podemos destacar el estreno de “Selma”, que llega a nuestro país tras la resaca de los Oscars, o el último trabajo de David Cronenberg, “Map of the Stars”, presentada en el Festival de Cannes en Mayo del año pasado y que en octubre ya había pasado por el Festival de Sitges. (Cifras taquilla: Rentak)

Si en 1971 Pedro Lazaga miraba con humor a la situación de miseria de la España del franquismo, con la población teniendo que emigrar a Alemania para encontrar trabajo, con "Vente a Alemania, Pepe". Ahora, cuarenta y cuatro años más tarde, la historia se repite, esta vez con la fuga de jóvenes universitarios que no encuentran futuro en nuestro país y se tienen que ir fuera. Con “Perdiendo el Norte” el director Nacho G. Velilla (“Fuera de Carta” y “Que se Mueran los Feos”) aplica esa fórmula humorística desarrollada en series como “7 Vidas” o “Aida” buscando repetir el éxito de “Ocho Apellidos Vascos” con otra historia que se apoya en los clichés nacionales de españoles y alemanes. La cinta está protagonizada por Yon González, Julián López, Blanca Suárez y Úrsula Corberó, contando con secundarios como Javier Cámara o Carmen Machi (habituales en el cine de Velilla), pero sobre todo la presencia de un José Sacristán que sirve de puente con la película de Lazaga.

Hugo y Braulio, dos jóvenes con formación universitaria, hartos de una España incapaz de darles trabajo y un futuro, deciden emigrar a Alemania siguiendo los cantos de sirena de un programa de televisión tipo "Españoles por el mundo". Pero pronto descubrirán que sobrar en un sitio no significa ser necesario en otro y que perseguir el sueño alemán puede tener mucho de pesadilla.

 

El anime japonés está reversionando sus clásicos a la nueva tecnología digital. Si hace unas semanas le tocaba el turno al “Capitán Harlock”, ahora el punto de mira renovador se pone sobre “Los Caballeros del Zodíaco”, manga de gran éxito creado por Masami Kurumada en 1986 y que inmediatamente inspiró una serie de anime que duró 114 episodios, además de nuevas entregas en forma de OVAS (producciones animadas destinadas para su consumo en vídeo) y que ahora adquiere estética infográfica.

Cuando la maldad se extiende por el mundo, aparecen los guerreros de la esperanza… En la actualidad, muchos años después de la última Guerra Santa, Saori Kido es una chica abrumada por sus misteriosos poderes. Aunque ella no lo sepa, está destinada a convertirse en la reencarnación de Atenea y defender la paz y el amor custodiada por sus caballeros. Pero el Patriarca, la máxima autoridad del Santuario, tiene otros planes… Tras ser salvada de un intento de asesinato por Seiya, el Caballero de Pegaso, Saori acepta finalmente su destino y pone rumbo al Santuario acompañada por un pequeño grupo de Caballeros de Bronce. Allí deberán hacer frente al Patriarca y librar una batalla desesperada contra los legendarios Caballeros de Oro.

 

El escritor John Michael McDonagh, hermano del dramaturgo Martin McDonagh, debutó en el cine con el cortometraje “The Second Death” en el año 2000, pasando después a guionizar “Ned Kelly (Comienza la Leyenda)” protagonizada por Heath Ledger y Orlando Bloom en 2003. Especializado en representar el modo de vida de Irlanda del Norte y el carácter de sus habitantes, llamó la atención con su primer largometraje “El Irlandés”, protagonizada por Brendan Gleeson y Don Cheadle en 2011. Con su último trabajo, “Cavalry” le lleva a la zona rural de su país, de nuevo con Gleeson en el papel principal, y acompañado por Chris O'Dowd, Kelly Reilly, Aidan Gillen, Dylan Moran, Isaach De Bankolé, M. Emmet Walsh y Domhnall Gleeson.

En una pequeña parroquia irlandesa, en mitad de su confesión, un hombre le dice al padre James, el cura del pueblo –que goza de merecida fama de persona de buen corazón–, que debería poner en orden todos sus asuntos ya que el mismo penitente planea asesinarlo el domingo siguiente: así comienza un misterio previo a un asesinato. A lo largo de los siete días siguientes, el sacerdote marcado recorrerá su feligresía –cuyos miembros están devorados por las dudas– desagraviando y reuniéndose con los distintos sospechosos hostiles que parecen estar en todos los rincones de la aldea: desde un cáustico, agnóstico y dogmático doctor, pasando por un especulador financiero corroído por la culpa, que tiene una “propuesta comercial” para el sacerdote, hasta un esposo celoso y un novio infiel que no desea ser juzgado.

 

Formado en la televisión durante la década de los 80 y los 90, con series como “Arnold”, “Treintaytantos”, “La Ley de Los Angeles” o “Walker, Texas Ranger”, Paul Haggis logró destacar como guionista en Hollywood gracias a sus trabajos a las órdenes de Clint Eastwood (“Million Dollar Baby”, “Banderas de Nuestros Padres”) o el reinicio de la saga Bond con “Casino Royale”. Su debut en la dirección se produjo en 2004 con “Crash”, con la que consiguió el Oscar a mejor guion original y a mejor película. Sus siguientes trabajos como director (“En el Valle de Elah”, “los Próximos Tres Días”) no obtuvieron la misma repercusión, así que Haggis ha optado por regresar el mismo formato de “Crash” para su nueva película, “En Tercera Persona”. El reparto coral está liderado Por Liam Neeson, pero encontramos también rostros destacados como Maria Bello, Mila Kunis, Kim Basinger, Adrien Brody, Olivia Wilde y James Franco.

“En Tercera Persona” cuenta tres historias de amor, pasión, confianza y traición que transcurren entre Nueva York, París y Roma. Un escritor neoyorquino, que acaba de separarse de su esposa y se encuentra en París, mantiene una relación más bien problemática con su amante. Una madre neoyorquina niega tajantemente ser la responsable de un accidente que casi le cuesta la vida a su hijo. El padre del niño intenta que culpen a su mujer de negligencia para conseguir la custodia del niño. En Roma, un empresario estadounidense, se enamora hasta tal punto de una gitana que participa en la liberación de la hija de su amante, a la que ha secuestrado un mafioso. No sólo es una colección de historias de amor, también es un misterio, un rompecabezas donde la verdad se adivina por retazos, donde las pistas se descubren por el rabillo del ojo, y nada es realmente lo que parece.

 

Tras su análisis del mundo empresarial neoyorquino en “Cosmopolis”, el cineasta David Cronenberg pone su mirada en el mundo hipócrita y emocionalmente tóxico de Hollywood con “Map To the Stars”, a partir de un guion del novelista Bruce Wagner. Protagonizada por Julianne Moore (nominada a los Globos de Oro por este trabajo y recientemente ganadora del Oscar por “Siempre Alice”), Mia Wasikowska, John Cusack, Robert Pattinson, Evan Bird, Olivia Williams y Sarah Gadon, la película nos presenta una historia coral, habitada por los habituales personajes traumatizados del cine de Cronenberg, quien sorprendentemente ha rodado con esta película por primera vez en territorio estadounidense (sus anteriores trabajos fueron rodados principalmente en Canadá o Reino Unido).

“Maps to the Stars” se centra en la familia Weiss, la cual se abre camino en un caluroso sur de California colmado de dinero, sueños, fama, envidias, angustias, ambiciones… y traumas sin fin. Sanford Weiss es un famoso terapeuta televisivo cuya programa de auto-ayuda le ha traído una clientela de famosos de alto nivel. Entretanto, Cristina Weiss tiene la agenda completa manejando la carrera de su malcriado hijo, la precoz estrella de cine Benjie, quien acaba de salir de desintoxicación con apenas 13 años. Pero lo que ninguno sabe es que otro miembro de la familia Weiss acaba de llegar a la ciudad: la misteriosamente deformada y atormentada Agatha, recién salida del hospital psiquiátrico y lista para volver a empezar. Ésta última pronto conoce y se hace amiga de un conductor de limusinas y se convierte en la asistente personal de la actriz en horas bajas Havana Segrand, la cual a su vez vive atormentada por el fantasma de su legendaria madre Clarice y sobre quien planean hacer una gran película de Hollywood. Pero Agatha está en busca de la redención – e incluso en este reino de lo artificial, la ficción y lo esotérico, ella está dispuesta a encontrarla, no importa cuál sea el precio.

 

Candidata al Oscar a mejor película y ganadoras en el apartado de canción original, “Selma” recrea la famosa marcha desde la ciudad de Selma hasta Montgomery, en Alabama, organizada por Martin Luther King Jr. en 1965 para garantizar el derecho de voto de todos los ciudadanos. Una campaña que llevó al presidente Johnson a firmar la ley sobre el derecho al voto. Protagonizada por David Oyelowo, en el papel de Luther King, cuenta también con rostros populares como Tessa Thompson, Giovanni Ribisi, Tim Roth, Cuba Gooding Jr., Tom Wilkinson o Oprah Winfrey (también productora de la cinta) en papeles secundarios. Dirige la película Ava DuVernay, realizadora desconocida en nuestro país, pero de extensa trayectoria especialmente en el terreno de la publicidad, quien sustituye al inicialmente previsto Lee Daniels (“Precious”, “El Mayordomo”). Con esta temática y el apoyo de la comunidad afroamericana, su paso por la pasada edición de los Oscars no estuvo carente de polémica, especialmente debido a su reducido número de candidaturas, un hecho que sirvió para sacar nuevamente a la superficie el tema del racismo en Hollywood. Por otro lado, la cinta se encontró con el inconveniente de no poder utilizar los discursos originales de Luther King, ya que otro estudio había adquirido los derechos, obligando a la directora a escribir variaciones sobre estos.



LA MAGIA DE BÁRBARA LENNIE

Ayer lunes 2 de marzo la actriz Bárbara Lennie recibía el premio Fotograma de Plata a mejor actriz por su papel en la cinta de Carlos Vermut “Magical Girl”. Con este galardón se redondeaba un año de éxito para la actriz, donde por fin gracias este personaje y su trabajo en uno de los grandes éxitos del pasado año, “El Niño”, ha recibido un merecido reconocimiento (no sólo el Fotogramas, también el Premio Jose Mária Forqué, el Goya y el Premio Feroz por la cinta de Carlos Vermut y el Gaudí por la de Daniel Monzón) a lo que ha sido una aún corta, pero espectacular carrera interpretativa, basada en el riesgo y el talento. Con tan solo 30 años, la mitad de los cuales han estado dedicados al mundo de la interpretación, la actriz se ha convertido en uno de los rostros necesarios para el cine español, con un exquisito gusto a la hora de escoger proyectos y una gran valentía para adentrarse en territorios complejos y difíciles para un actor.

Nacida en Madrid el 30 de abril de 1984, pero criada durante sus primeros años en Argentina, confiesa que el mundo del arte le llamaba, pero descubrió realmente su vocación como actriz gracias a su amigo Jonás Trueba, cuando éste le propuso que se presentara al casting de su primera película como guionista, “Más Pena que Gloria”, dirigida por Víctor García León. Pocas actrices pueden presumir de debutar en el cine con un papel principal, aunque fuera una película modesta e independiente como aquella. En aquel momento, Lennie tenía 15 años y tras acabar el instituto, decidió irse a estudiar a la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD); sin embargo, este periodo de formación no supuso un parón en su trabajo en el cine, compartiendo sus estudios en la escuela con el rodaje de nuevos proyectos cinematográficos, teniendo rodadas ya cuatro películas cuando finalizó sus estudios. El primero de estos fue “Obaba”, a las órdenes del veterano director Montxo Armendáriz y acompañando a Pilar López de Ayala y Juan Diego Botto. Esta experiencia le deparó también sus primeras candidaturas a premios, siendo nominada como actriz secundaria a los galardones entregados por el Círculo de Escritores Cinematográficos y a los Goya.

A partir de aquí, la actriz fue perfilando una carrera repleta de desafíos, participando en películas pequeñas, pero que suponían un reto interpretativo. No encontramos en su filmografía demasiados proyectos escogidos con aspiraciones comerciales, películas dirigidas a un público general con las que escalar puestos en la industria de manera inmediata. A Lennie la hemos identificado más con un tipo de cine pequeño, independiente, con directores de voz propia, acompañada por otros actores de prestigio y donde no se le caen los anillos por representar un rol secundario. Así, la hemos visto trabajar a las órdenes de Sigfrid Monleón (en “La Bicicleta”, junto a Pilar Bardem) o Felipe Vega (en “Mujeres en el Parque”), aunque ha sido en películas posteriores, como las dirigidas por Jonás Trueba (con el que se reencontró después de “Más Pena que Gloria” en su opera prima “Todas las Canciones Hablan de Mí”), Isaki Lacuesta (“Los Condenados”) o Luis Miñarro (“Stella Cadente”) donde se la ha visto más libre.

Esta estrecha relación con el cine experimental e independiente no quita para que haya participado también en títulos de producción más pesada, aunque siempre buscando la confianza de un director de prestigio. Así, su presencia en “Las 13 Rosas”, dirigida por Emilio Martínez Lázaro, fue también un impulso importante en su carrera, como lo ha sido también trabajar para Pedro Almodóvar (con un pequeño papel en “La Piel que Habito”) o Imanol Uribe (en “Miel de Naranjas”). También la televisión ha servido de trampolín para la carrera de Bárbara Lennie. Como muchos actores en nuestro país, nuestra protagonista se ha dejado tentar por las mieles de la pequeña pantalla, quizás no con una reputación tan prestigiosa como el cine o el teatro, pero sí desde luego proveedora de una gran popularidad. Así, entre 2007 y 2008, la actriz debutó con el policíaco “Cuenta Atrás”, donde además de su trama de acción e investigación, destacaba la relación de su personaje con Corso, el papel interpretado por Dani Martín, cuando éste aún era el líder de El Canto del Loco. Después llegarían una breve aparición en “Águila Roja”, “Amar en Tiempos Revueltos” (para la que rodó la friolera de 139 episodios entre 2009 y 2010) e “Isabel” (donde durante 12 episodios dio vida a la malvada Juana de Avis entre 2011 y 2013). Su última incursión en la pequeña pantalla ha sido este año con la serie “El Incidente”, junto a Marta Etura, Miquel Fernández, Pepa Aniorte y Jordi Coll.

Vista su filmografía con perspectiva global, es difícil pensar que en estos catorce años de profesión haya quedado tiempo libre, sin embargo, como otros compañeros de profesión, la actriz ha confesado lo eternos que se le hacen las pausas entre un proyecto cinematográfico y otro, especialmente para alguien que parece necesitar movimiento continuo en su carrera. De ahí que, si bien ha sido el cine y la televisión lo que le ha proporcionado fama, ha sido el teatro lo que le ha proporcionado esas bocanadas de aire que necesitaba como artista. Ahí juega un papel fundamental su compañía Kamikaze, con la que ha participado en obras como “La Función por Hacer” (con la que se alzó con el galardón a mejor actriz revelación en los Premios Unión de Actores), “Veraneantes” (con la que ganó un Premio Max como mejor actriz principal) o “Misántropo”. La actriz ve el cine como algo efímero, cambiante, mientras que el teatro le proporciona una mayor sensación de continuidad, de generar equipo, además de una conexión más cercana con el público y esa convicción de que cada función es una experiencia única.

Con este perfil, no es de extrañar haber encontrado a Bárbara Lennie en dos proyectos tan distintos como “Magical Girl” y “El Niño”. Esta conjunción entre un cine experimental e independiente con otro más industrial y de género, pero sobre todo, el saber distinguir proyectos interesantes y ambiciosos, define esa constante búsqueda de nuevos retos que ha caracterizado hasta ahora la carrera de la actriz. De esto y de más tendremos ocasión de hablar con ella el próximo viernes 6 de marzo a las 19h. en el Espacio Cultural de la Fundación CajaCanarias en Santa Cruz de Tenerife, donde presentará la proyección de la cinta que le ha proporcionado su primer Goya y este reciente Fotogramas de Plata, “Magical Girl”.

BIOPICS (VII). “EL FRANCOTIRADOR”. OVEJAS, LOBOS Y PERROS PASTORES

Clint Eastwood vuelve a la guerra y, como en ocasiones anteriores, lo hace con un tema candente, las experiencias de Chris Kyle, una leyenda dentro del ejército estadounidense por su alto índices de muertes confirmadas durante la guerra de Irak. Considerado un tipo duro del cine y, pese a su imagen pública mediatizada por su papel icónico de Harry el Sucio, lo cierto es que Eastwood siempre se ha presentado muy crítico con el estamento militar y las incursiones bélicas de su país. Ya lo demostró con “El Sargento de Hierro”, donde el ejército decidió retirar su apoyo a la película al ver la imagen que se daba de los Marines, y con su díptico sobre la Segunda Guerra Mundial (“Banderas de Nuestros Padres” y “Cartas desde Iwo Jima”) también dio una visión poco complaciente sobre este periodo histórico y todo el aparataje propagandístico que se montó detrás. “El Francotirador” llegó a nuestras pantallas avalado por un extraordinario éxito en taquilla en su país de origen, obtenido aparentemente por el supuesto mensaje patriótico de la cinta. Nosotros particularmente no hemos visto ese fervor nacionalista en la cinta, más bien lo contrario, un tono abiertamente antibelicista nada indulgente con ninguno de los dos bandos enfrentados.

Chris Kyle, tal y como se nos presenta en la cinta, no es ningún héroe, ni una leyenda. Es un tirador extraordinario, eso sí, pero a lo largo del metraje la cinta, lejos de ensalzar sus méritos, nos lleva a cuestionarnos los medios y el fin de sus actos, y por extensión la de todo un país erróneamente adoctrinado en unas creencias basadas en la violencia y la cultura de las armas. En este sentido resultan fundamentales los flashback a la infancia de Kyle que Eastwood emplea para establecer el bagaje psicológico de nuestro protagonista. Criado en Texas, uno de los estados más conservadores de los Estados Unidos, vemos cómo Kyle es adiestrado desde muy joven en el uso de armas por su padre (una imagen que el director retomará posteriormente, marcando su continuidad de una generación a otra), quien ensalza en su habilidad con el rifle y le adoctrina en una reduccionista visión de la humanidad dividida en tres categorías: las ovejas, los lobos y los perros pastores, es decir, los débiles, los agresores y los protectores; aunque sin matizar que el fanatismo y exceso de celo del perro pastor puede convertirle a él también en un lobo. Esta mentalidad es la que lleva al protagonista a enrolarse en el ejército tras el ataque del 11 de Septiembre de 2001, movido por un confeso afán proteccionista ante un ataque exterior, pero que posteriormente queda evidenciado que responde más a un instinto de venganza inculcado a través de los medios de comunicación y una sociedad que se considera el baluarte de la libertad.

Las apabullantes y realistas secuencias bélicas rodadas por Clint Eastwood no nos hablan de la destreza o el poder del ejército estadounidense, o de la extraordinaria habilidad de Chris Kyle para fulminar a su enemigos desde una larga distancia. Lo que presenciamos en la película, desde esas secuencias iniciales con su padre, pasando por el periodo de adiestramiento en el campamento militar, hasta sus diferentes incursiones en Irak es el paulatino silenciamiento de la moral del protagonista bajo el signo de la violencia. Se produce así un efecto especular entre ambos bandos. Los yihadistas son presentados como carniceros capaces de exponer a mujeres y niños a la violencia, colocándolos en el punto de mira de Kyle; sin embargo, no es más benevolente el francotirador que flanquea su moral para cumplir con un deber inculcado. De ahí que el principal reflejo de Kyle (mira contra mira) lo encontramos en el francotirador iraquí Mustafa (Sammy Sheik), cuyo adoctrinamiento pasa de convertirle de medallista olímpico a un asesino igual de eficaz que el propio protagonista.

Es cierto que la cinta se centra psicológicamente en el bando estadounidense, negándole su perspectiva a los iraquíes, de los que únicamente recibimos las impresiones que los soldados estadounidenses tienen de ellos desde la distancia como seres amorales y sanguinarios. El monstruoso retrato que se hace de ellos, capaces de matar a alguien a sangre fría con un taladro, parece justificar la incursión del ejército estadounidense y el retrato victimista de los soldados, sin embargo, en ningún momento podemos enarbolar las acciones de éstos como baluartes de la moral. Al final, no hay perros pastores, sólo lobo contra lobo y, en medio, las ovejas, víctimas de esta confrontación de fanatismos.

Eastwood complementa su discurso antibelicista cuando sale de zona de guerra y refleja la vida familiar de Chris Kyle. La dificultad del soldado de reintegrarse en la sociedad durante los periodos de descanso habla también del carácter contra natura de la guerra, apagando la humanidad del protagonista, quien se mantiene emocionalmente aislado de lo que le rodea y en continuo estado de alerta. Convertido en un autista social, es incapaz de comunicarse con su familia o interactuar con el resto de los conciudadanos a los que ha jurado proteger, atrapado en los continuos ecos de la guerra que habitan en su cerebro. Fuera de la zona de guerra, Kyle sigue habitando en un terreno marcado por la violencia y donde cualquier estímulo amenazador es respondido con ese mismo frenesí. Sólo cuando el protagonista comienza a cuestionar el sinsentido de lo que le rodea, podrá iniciar un verdadero regreso a casa, aunque nunca liberado del todo.

Como es habitual en su cine, Eastwood destaca principalmente por la excelente labor de dirección de actores. Bradley Cooper se empleó a fondo con este papel, no sólo a nivel físico, cambiando su propia constitución con un entrenamiento exhaustivo para encarnar de manera creíble a Kyle, sino especialmente a la hora de reflejar ese mundo interior bloqueado del protagonista. En las escenas más dramáticas, podemos reconocer en su hieratismo un fondo oscuro y violento contenido, al mismo tiempo que aporta humanidad al personaje en sus escenas íntimas con su mujer o en algunas escenas de descanso con sus compañeros de pelotón. El papel de Taya Kyle queda muy subordinado al del protagonista, pero sí da opción a Siena Miller a poder crear un personaje que el espectador pueda identificar y conocer (al contrario que en “Foxcatcher”, donde el papel de la actriz quedaba completamente anulado ante los tres personajes principales), sirviendo además de contrapunto a la personalidad de su marido. Ella resulta más abierta y liberal, más cómoda a la hora de expresar sus emociones, especialmente en lo referente al vacío que queda en la familia cuando él se va a la guerra. En cuanto al resto del reparto, el cineasta prescinde de rostros conocidos (dentro del grupo de soldados el actor más conocido es Kyle Gallner, tampoco especialmente popular), consiguiendo así un alto grado de verosimilitud en el apartado interpretativo, fundamentalmente en las secuencias bélicas.

Eastwood siempre ha sido un confeso seguidor de la vieja escuela, un cineasta clásico, de discurso depurado y libre de manierismos. En “El Francotirador” se permite algunos juegos de lenguaje postmoderno, para dar una referencia más inmediata y documentalista a la acción (juega con la cámara en mano, con el montaje fragmentado, con la perspectiva para introducir al espectador en el conflicto); sin embargo, en esencia, su puesta en escena y su manera de comprender la historia bebe de la narrativa clásica, de ahí que podamos ver incluso guiños al western (género con el que más se identifica al autor, especialmente en su vertiente como actor) en los enfrentamientos entre Kyle y Mustafa. Eastwood ofrece una excelente labor en todo lo referente a las secuencias militares, tanto en las concernientes al periodo de adiestramiento como después las que tienen lugar en las diferentes incursiones de Kyle en Irak. Su mirada mantiene cierta distancia de la acción y los personajes, una distancia que es lo que permite al espectador cuestionar lo que está viendo y tomar una postura crítica con los personajes y el contexto en el que se desarrolla la acción. Desgraciadamente, la cinta se resiente a la hora de combinarlas con las secuencias que tienen lugar en los momentos de descanso del protagonista con su familia. El contraste rompe el ritmo de la cinta, cojeando a la hora de profundizar más en la relación del matrimonio o la vida privada de ella con los hijos, que carecen del peso dramático adecuado. Sin estos elementos, la parte de la historia que se desarrolla en terreno estadounidense acaba resultando un tanto reiterativa y carente de la intensidad y tensión del relato principal.

Pese a esto, “El Francotirador”, sin estar a la altura de las obras más célebres de su autor, resulta un nuevo ejemplo de la excelencia narrativa de Clint Eastwood, capaz de aportar siempre una mirada humanista e inteligente al mundo que nos rodea, sin recurrir para ello a fruslerías melodramáticas, y manteniendo siempre un alto nivel de coherencia autoral independientemente de la historia que trate.