viernes, 30 de diciembre de 2011

ESTRENOS DEL 30 DE DICIEMBRE

Último fin de semana del año y las carteleras han querido ofrecernos un variado abanico de posibilidades para despedir al 2011. Desde el terror y la comedia al drama y la acción. A destacar la llegada de una de las películas de culto que nos han dejado estos últimos 12 meses, “Drive” o como un cineasta danés puede dar el salto a Hollywood y ganar el premio al Mejor Director en un festival tan selecto como Cannes con un homenaje al cine de acción de los años 70 y 80.

XP3D

xp3D

Director: Sergi Vizcaíno

Guión: Dani Padro

Reparto: Amaia Salamanca, Maxi Iglesias, Luis Fernández, Úrsula Corberó, Oscar Sinela, Manuel de Blas, Miguel Angel Jenner, Eduard Farelo, Alba Ribas

Los responsables de “El Orfanato” y “Los Ojos de Julia” mantienen su apuesta por el cine de terror de producción nacional con expectativas comerciales con “XP3D”, o lo que es lo mismo, “Experiencia Paranormal 3D”. Tomando como referencia el slasher de los 70 y 80 (“La Noche de Haloween”, “Viernes 13” o “Pesadilla en Elm Street”), el director Sergi Vizcaíno, acompañado por actores de nueva hornada del cine español como Amaia Salamanca o Maxi Iglesias, nos ofrecen una cinta de suspense, sangre y vísceras ideada para explotar las posibilidades del sistema estereoscópico (3D).

Ángela, es una estudiante de psiquiatría escéptica ante la existencia del mundo paranormal. El profesor más duro y excéntrico de la facultad, propone a Ángela y a un grupo de estudiantes demostrar o desmentir la existencia del más allá investigando un pueblo minero con una historia oscura. Ángela y cuatro compañeros de clase emprenden el viaje a Susurro, en compañía de Diana, la hermana menor de Ángela, que les presta su furgoneta. Su relación ha sido fría desde la infancia, cuando unos trágicos acontecimientos las separaron irremediablemente. Juntos recorren el pueblo y las antiguas minas de sal. Sin hacer caso a las advertencias abren un portal hacia el mas allá, con consecuencias imprevisibles.

EL CAMBIAZO

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Director: David Dobkin

Guión: Jon Lucas, Scott Moore

Reparto: Ryan Reynolds, Jason Bateman, Leslie Mann, Olivia Wilde, Alan Arkin

Como si de un híbrido gamberro de “Conocimiento Carnal” y “Ponte en mi Lugar” se tratara, “El Cambiazo” sigue el esquema de la nueva comedia estadounidense de influencia post-Judd Apatow (“Virgen a los 40”, “Lío Embarazoso”, “Hazme Reir”) para ofrecernos un vehículo de lucimiento para sus dos principales protagonistas, Ryan Reynolds (visto este año en las ajustadas mallas de “Linterna Verde”) o Jason Bateman (“Cómo Matar a tu Jefe”, “Paul”). La réplica femenina viene de la mano de Leslie Mann (no por casualidad esposa en la vida real de Apatow y vista en muchas de sus películas) y Olivia Wilde (la famosa Trece de la serie “House”, vista también en “Tron Legacy”, “Cowboys y Aliens”).

Mitch (Ryan Reynolds) y Dave (Jason Bateman) eran amigos inseparables de niños y adolescentes, pero con el paso de los años, se han alejado. Dave es un abogado enganchado al trabajo, se ha casado y tiene tres hijos, pero Mitch sigue soltero, un hombre niño que trabaja a veces y que nunca se ha atado a nada ni a nadie. Mitch cree que Dave lo tiene todo: una preciosa esposa llamada Jamie (Leslie Mann), unos niños que le adoran y un trabajo muy bien pagado en un prestigioso bufete. Dave cree que vivir como Mitch, sin estrés ni presión, sin obligaciones, es un auténtico sueño hecho realidad. Después de compartir una sonada borrachera, los mundos de Mitch y Dave se vuelven del revés cuando se despiertan en el cuerpo del otro y pierden los papeles a lo grande.A pesar de verse liberados de la rutina, no tardan en descubrir que sus respectivas vidas no son tan rosadas como parecían. Para complicarlo aún más también está Sabrina (Olivia Wilde), la abogada sexy que trabaja con Dave, y el padre (Alan Arkin) de Mitch, del que se ha distanciado. Con el tiempo en contra, Mitch y Dave deberán luchar para no hacer añicos a sus vidas antes de encontrar la forma de reincorporarse a sí mismos.

UN LUGAR PARA SOÑAR

un lugar para soñar

Director: Cameron Crowe

Guión: Cameron Crowe, Aline Brosh McKenna

Reparto: Matt Damon, Scarlett Johansson, Elle Fanning, Thomas Haden Church, Carla Gallo, John Michael Higgins, Angus Macfadyen, Stephanie Szostak, Desi Lydic, Peter Riegert, J.B. Smoove, Mark Hengs, Patrick Fugit, Colin Ford, Maggie Elizabeth Jones

Cameron Crowe es un cineasta irregular pero de voz personal, que ha ofrecido al cine películas como “Solteros”, “Casi Famosos” o “Jerry Maguire”, pero también “Vanilla Sky” o “Elizabethtown”. Su último trabajo es “Un Lugar para Soñar”, basado en un hecho real y con la presencia de actores de peso comercial como Matt Damon o Scarlett Johansson. Se trata de un drama familiar, con historia de superación personal y unión familiar de por medio, con la que el director y guionista tiene el reto de lograr una cinta fresca y original a partir de un argumento un tanto manido.

Basado en las memorias de Benjamin Mee, un hombre que se gastó todos sus ahorros en comprar un ruinoso zoo con más de 200 animales exóticos en la campiña inglesa. Mee (Matt Damon), junto con sus hijos, tuvo que apañárselas para cuidar de su esposa (Scarlett Johansson) enferma de cáncer cerebral y del zoo: de los tigres que se escapaban, de criar animales en vías de extinción, de trabajar con un equipo mínimo y finalmente de la reapertura del zoo. Lily (Elle Fanning), una chica de trece años que trabaja ilegalmente como camarera en un restaurante cercano al zoo, rápidamente hace amistad con Kelly, la esposa, que le enseña a apreciar a los animales que viven en el decrépito parque y se enamora de su hijo (Colin Ford).

DRIVE

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Director: Nicolas Winding Refn

Guión: Hossein Amini

Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Ron Perlman, Christina Hendricks, Oscar Isaac, Albert Brooks

Basada en la novela homónima de James Sallis, supone el salto a la industria de Hollywood de Nicolas Winding Refn, joven cineasta danés, reconocido por trabajos anteriores como “Pusher”, “Bronson” o “Valhalla Rising”, la mayor parte de ellos inéditos en nuestro país. Esta cinta, homenaje al género de acción de los años 70 y 80 y protagonizada por Ryan Gosling (al que en breve veremos en “Las Idus de Marzo” de George Clooney) y Carey Mulligan (vista en “An Education” y “Wall Street 2”, y que próximamente estrenará en nuestro país “Shame”, junto a Michael Fassbender), llamó la atención por su selección en el Festival de Cannes, donde ganó el premio a Mejor Director y fue candidata a la Palma de Oro. Desde entonces, ha ido sumando avales críticos que la han aupado como uno de los títulos más destacados de este 2011, siendo también aplaudida por el público que la ha convertido en un título de culto inmediato. Ahora llega a nuestro país dispuesta a revalidar estos honores entre el público español, engalanándose como el último gran estreno del año.

Driver (Ryan Gosling) es un conductor especialista de cine por el día y un conductor para fugas por la noche. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque Driver se siente siempre a gusto detrás del volante. Shannon (Bryan Cranston) es mentor de Driver a la vez que su jefe. Desde que se dio cuenta del talento de Driver al volante, le busca directores de cine y televisión del mundo del entretenimiento o a ladrones que necesitan el mejor conductor para sus fugas, pero llevándose una comisión en ambos casos. Shannon siempre está planeando la forma de hacer dinero y ahora quiere encontrar un coche de carreras que pueda competir en el circuito profesional. Dado que Bernie Rose (Albert Brooks) es el hombre más rico que conoce, y a pesar de que los orígenes de su dinero son bastante dudosos, Shannon le propone convertirse en su inversor. Después de ver a driver en acción en la pista de carreras, Bernie Rose insiste en que Nino (Ron Perlman) sea también su socio. Driver es un solitario y no le entusiasman los planes que Shannon le busca. Pero su mundo cambia el día que se encuentra con Irene (Carey Mulligan) en el ascensor del edificio donde vive. Cuando vuelve a verla en la tienda de comestibles con su hijo pequeño, Benicio (Kaden Leos), se queda paralizado y le ofrece ayuda cuando se encuentran de nuevo en el aparcamiento y el coche de Irene no arranca. A partir de ese momento, Driver se acostumbra a llevar a Irene a su trabajo de camarera y a vigilar a Benicio mientras el coche de Irene está en el taller. Este interludio en la vida de Driver termina bruscamente cuando Standard (Oscar Isaac), el marido de Irene, sale de prisión antes de tiempo por buen comportamiento. A pesar de que no ha pasado nada entre Driver e Irene, Standard se siente amenazado por la presencia de otro hombre en su vida familiar. Driver se retira ya que respeta el deseo de Irene de mantener unida a su familia. Pero cuando encuentra a Standard ensangrentado y tirado en el garaje con Benicio a su lado y muy asustado, Driver se enreda mucho más en la vida de Irene. Y es cuando empiezan los problemas...

miércoles, 28 de diciembre de 2011

“THE ARTIST”. THAT’S ENTERTAINMENT!


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Durante un siglo y al grito de “That’s entertainment!” (“¡Eso es el espectáculo!”), la industria del cine de Hollywood ha utilizado lo que comenzó como un espectáculo de barraca en una de las industrias más lucrativas y queridas por el público en todo el mundo. En estos 100 años de existencia, el cine ha pasado por diferentes fases en su evolución. Ha alternado etapas de progreso con otras de recuperación nostálgica, ha implementado nuevas tecnologías que le han hecho avanzar en el uso de la imagen, el sonido y los efectos especiales, pero también ha permanecido fiel a su querencia por elementos tan primitivos como una historia o unos personajes. La gran pantalla se ha convertido en un nuevo púlpito, donde relatos que van más allá de lo mundano han inspirado a generaciones de espectadores y les han hecho soñar con hazañas bizarras, amores imposibles y utopías sociales basadas en conceptos tan trasnochados en nuestra realidad como el honor, la ética o la justicia. El cine se ha convertido en una moderna Shangri-La, una tierra de felicidad permanente, aislada del mundo exterior, donde sus habitantes han alcanzado un estado de inmortalidad y esplendor negado y ansiado por el común de los mortales. Sin embargo, este paraíso idealizado cuenta también con sombras, ángeles caídos y pecados capitales. De eso habla, “The Artist”, la película-fenómeno de este 2011.
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Michel Hazanavicius es un cineasta francés formado en la televisión a lo largo de la década de los 90, que logró dar el salto al mercado cinematográfico internacional gracias al éxito de su díptico sobre las aventuras del agente secreto OSS 117 (“OSS 117. El Cairo, Nido de Espías” de 2006 y “OSS 117. Perdido en Río” de 2009), un sosías de James Bond con toques del Jean Paul Belmondo más rocambolesco, al que daba vida Jean Dujardin. Con estas películas, el cineasta ya demostró su tendencia al pastiche postmoderno, imitando con meticulosidad los patrones del género de espionaje, para parodiarlos con aguda ironía, pero también con nostalgia y cariño. Esta misma fórmula la ha repetido con mayor éxito en la película que aquí nos ocupa, reincidiendo con su actor fetiche, Dujardin, y su esposa y musa Bérénice Bejo (a la que conoció en el rodaje de “OSS 117. El Cairo, Nido de Espías” y con la que ha tenido dos hijos). Otros colaboradores indispensables en esta arriesgada aventura han sido el director de fotografía Guillaume Schiffman y el compositor Ludovic Bource.
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“The Artist” nos traslada al Hollywood de finales de los años 20, en pleno momento álgido del cine mudo, pero también ante un periodo de cambios radicales marcados por el Crack del 29 y la llegada del sonido, dos factores que llevaros a la ruina y el olvido a algunas de las estrellas más rutilantes del panorama cinematográfico. Nada de esto es nuevo, ya que hay multitud de película metafictivas que nos han trasladado a este periodo y han tratado estos mismos temas (“El Crepúsculo de los Dioses”, “Cantando bajo la Lluvia”, “Buenos Días, Babilonia” o “Chaplin”, por mencionar algunas); sin embargo, la peculiaridad radica en que Hazanavicius lo ha querido hacer replicando algunas de las características del cine de los años 20, es decir, en blanco y negro, sin diálogos, ni efectos de sonido (sólo existen en la película dos breves secuencias en las que se emplean estos elementos), con actores gesticulantes y sobreactuados o con ratio de imagen cuadrado. Todo un riesgo, sin duda, para los tiempos que corren. Eso sí, en este sentido el cineasta también ha sido un tanto tramposo, ya que la película ha sido rodada en digital, manteniendo los 24 fotogramas por segundo y con una cuidada fotografía, alejados de los fotogramas tintados y la velocidad de proyección de 16/20 fps propios de la época. Tampoco la música, tan relevante en la cinta, se ajusta a las partituras de esta época (ideadas, por otro lado, para ser interpretadas en directo en la sala), sino que homenajea a lo que autores como Max Steiner o Franz Waxman llevaron a cabo a los largo de las décadas de los 30, los 40 e incluso los 50. Y es que el guiño cinéfilo de Hazanavicius abarca mucho más que el periodo del cine mudo para convertirse en un canto a la industria del Hollywood clásico en general, con citas directas a películas como “La Marca del Zorro” (la versión de 1920, protagonizada por Douglas Fairbanks), “Ciudadano Kane”, “El Crepúsculo de los Dioses”, “Cantando bajo la Lluvia” o “Vértigo”, pero obviando la influencia de relevantes movimientos vanguardistas como el expresionismo alemán, una omisión incomprensible viniendo de un cineasta europeo (lo más cercano podría ser la película de espías que rueda George Valentin, un guiño al cine de folletín, como los “Fantomas” de Louis Feuillade o “Spione” de Fritz Lang, pero también a los seriales cinematográficos producidos en Hollywood durantelos años 30 y 40, a mayor gloria de personajes procedentes del comic o de la literatura pulp como Superman, Flash Gordon, Dick Tracy o Fu-Manchú).
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Gran parte del éxito de la película recae en el apartado interpretativo. La labor de Jean Dujardin es, sin duda, excepcional, construyendo un personaje a medio camino entre Douglas Fairbanks y Gene Kelly que se convierte en el epitome del galán clásico (atractivo, corpulento, elegante, carismático y con un punto de divismo que lo coloca por encima del común de los mortales). Su George Valentin cae en los mismos errores que muchas estrellas del Hollywood de la época, que no se tomaron en serio la llegada del sonido hasta que se vieron relegados por una nueva generación de actores. En el caso de nuestro protagonista no se alude a ningún handicap vocal o algún marcado acento europeo (una de las principales causas del fracaso de estrellas mudas a la hora de dar el salto al sonoro), sino más bien a un problema de orgullo y ceguera artística, encaprichándose en producir con su propio dinero el canto del cisne del cine mudo, mientras el público ya se ha dejado seducir por las películas habladas. El contraste lo marca el personaje encarnado por una desbordante y deliciosa Bérénice Brejo, Peppy Miller, una joven aspirante a actriz, quien se incorpora a la industria justo en ese momento de tránsito, escalando rápidamente al estrellato ante la falta de artistas en este nuevo Hollywood. En ella podemos encontrar ecos de los orígenes de leyendas del cine como Joan Crawford, quien en sus primeros años supo alternar con soltura el melodrama y la comedia musical hasta convertirse en una de las grandes divas del cine. Entre ambos personajes se genera una relación romántica con tensión sexual no resuelta debido al desequilibrio constante entre las posiciones sociales y artísticas de ambos personajes. En un primer momento, Valentin es una estrella demasiado rutilante para una advenediza como Miller (aparte de estar casado, pero eso nunca se presenta como un obstáculo insalvable para el actor), mientras que, después, su caída en desgracia le aleja del cada vez más fulgurante esplendor de la actriz. Aquí podemos encontrar de nuevo un guiño al Hollywood dorado real, concretamente a John Gilbert y Greta Garbo, cuya relación llenó páginas y páginas de la prensa amarilla, sentenciada por las fluctuaciones en el estatus profesional de los dos artistas en una época en la que tanto la vida profesional como la personal de las estrellas eran propiedad exclusiva del estudio.
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La pareja estelar de “The Artist” está magníficamente acompañada por un excelente grupo de secundarios, en su mayor parte, actores estadounidenses que han ayudado a estimular la carrera internacional de la película, especialmente en Estados Unidos. Dentro de este apartado encontramos a intérpretes de carácter como John Goodman, en el papel del ambicioso, pero también de buen corazón, Al Zimmer, jefe del estudio donde trabajan Valentin y Miller, quien, pese a sus ínfulas de Louis B. Mayer, acaba siempre cediendo ante las exigencias de sus estrellas; Penelope Anne Miller, quien interpreta a Doris, la esposa del protagonista, cada vez más distanciada de éste y su mundo de candilejas (a destacar las espléndidas escenas de los desayunos de la pareja, heredada de “Ciudadano Kane”); o James Cromwell dando vida a Clifton, el leal chófer de Valentin y su único y verdadero amigo; fabulosa es también la escena del casting de Peppy Miller, con una breve pero encantadora aparición de Malcolm McDowell. Sin embargo, los verdaderos robaescenas de la película son Uggie, Dash y Dude, los tres Terriers encargados de interpretar a la mascota de nuestro héroe, a medio camino entre Asta (el perro de Nick y Nora Charles en “La Cena de los Acusados” y sus secuelas) y el Milú de Tintín.
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La falta de diálogos convierte a la partitura musical en la única voz de los personajes. Ludovic Bource ha creado para esta película una composición ligera y dinámica, que al igual que la imagen o los personajes homenajea a los orígenes de la música para el cine. Hay que recordar que el cine mudo nunca fue silente (como reza la terminología anglosajona), sino que siempre contó con acompañamiento musical. Sin embargo, el proceso de definición de la función de la partitura junto a la imagen necesitó de una gestión larga y no fue hasta la llegada del sonoro que se estableció el patrón que (con sus variantes y evoluciones) se ha seguido utilizando desde entonces. Es por esto que no es difícil identificar entre los acordes de la banda sonora referencias a compositores como Franz Waxman (concretamente a “El Crepúsculo de los Dioses” en la obertura), a Erich Wolfgang Korngold y Max Steiner (con la música de “A Russian Affair”, la película dentro de la película con la que abre la historia) o a Bernard Herrmann (en los periodos más dramáticos de la depresión de Valentin). Además Bource localiza la acción musicalmente en ese intervalo entre finales de los 20 y principios de los 30 con el empleo del mickeymousing para describir a los dos protagonistas, con guiños a las composiciones de Charles Chaplin para sus películas o Carl Starling para las “Silly Symphonies” de Disney o las “Looney Tunes” de la Warner. Además se utilizan temas prexistentes como la canción “Pennies from Heaven” interpretada por Johnny Burke o el “Jubilee Stomp” de Duke Ellington. De esta manera se logra dos importantes objetivos: el primero ofrecer un acompañamiento dramático a lo largo de toda la película sin desfallecer ni perder efectividad, manteniendo al espectador cautivo a través de la música; y el segundo, evitar a toda costa caer en la parodia o la autocomplacencia. La música de Bource es mimética y humorística en su mayor parte, pero nunca a costa de sus referentes o intentado situarse por encima de ellos, sino de manera elegante, directa y respetuosa. Sólo existe un momento en el que esto se rompe y la utilización de la música resulta chirriante, el clímax final con el tema “Scene D’Amour” compuesto por Bernard Herrmann para “Vértigo”. Aquí lo que podía haber sido un momento de gran impacto emocional acaba resultando anticlimático debido a la falta de sincronización entre imagen y música.
“The Artist” es una cinta valientemente anacrónica, no por su recuperación de los estereotipos del cine mudo, sino por su apuesta por un tipo de cine que busca la empatía del espectador, que éste sienta y se emocione con los personajes que ve en pantalla. En estos tiempos donde el fotorrealismo digital de películas como “Avatar” es capaz de ofrecernos imágenes sintéticas absolutamente verosímiles pero inertes, donde los estudios saturan las salas de cine con el nuevo sistema estereoscópico intentando reconquistar a los espectadores con fuegos de artificio, o donde “el más difícil todavía” ha elevado al cine a unos niveles de exageración y despropósito con el fin de superar la anterior proeza visual, olvidando el tratamiento de personajes, resulta enriquecedor que una obra se atreva a recordar que más allá del artificio (y en “The Artist” lo hay y mucho), el verdadero secreto del éxito de una película sigue radicando en unos personajes sencillos y cercanos y una historia emotiva que conecte con el público. Sin esa catarsis, no hay diálogos, montajes trepidantes o efectos especiales explosivos que valgan.
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lunes, 26 de diciembre de 2011

MUSAS DEL CINE MUDO

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El estreno de “The Artist” ha vuelto a despertar nuestra nostalgia cinéfila hacia los orígenes del séptimo arte y los hombres y mujeres que definieron el primer star system de la industria de Hollywood. Concretamente para el desarrollo de este artículo nos hemos querido centrar en el considerable número de actrices que el periodo del cine mudo dejó para la posteridad. En algunos casos se trataba de intérpretes de carácter, que consiguieron abrirse hueco en una industria tan machista como la cinematográfica; en otros, actrices sin una carrera especialmente fructífera, pero que sí tuvieron la suerte de encarnar algún personaje que les granjeó la posteridad. Pocas son las que realmente llegaron a gozar de la fama y el prestigio que sí ostentaban sus equivalentes masculinos. Recordemos a continuación algunos de esos nombres y rostros que se han mantenido hasta nuestros días gracias al celuloide.

MARY PICKFORD

MARY PICKFORD

De origen canadiense, Mary Pickford decidió dedicarse al mundo de la interpretación con tan solo 15 años. Sus primeros pasos en el cine los dio gracias al director David Wark Griffith, quien la convirtió en la reina del melodrama. Pronto su rostro inocente y angelical le granjeó el corazón del público, obteniendo el apelativo de “Novia de América”. Su vida privada supuso un gran escándalo cuando se enamoró del actor Douglas Fairbanks, divorciándose ambos de sus respectivas parejas para poderse casar. El peso en la industria de Pickford quedó patente cuando se asoció con Fairbanks, Griffith y Charles Chaplin para crear el estudio United Artists. En un principio la llegada del sonoro le permitió ganar su primer Oscar gracias a la película “Coquette”, sin embargo, pronto optó por abandonar la gran pantalla. Su última aparición en una película fue “Secretos” de 1933, aunque siguió vinculada al séptimo arte como productora.

MABEL NORMAND

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El género dramático proporcionaba prestigio a los actores, pero era realmente gracias a la comedia que se llegaba a un público más amplio. Si repasamos los nombres de los principales comediantes de este periodo de la historia del cine podremos ver que se trataba de un grupo formado casi exclusivamente por hombres, con Harold Lloyd, Buster Keaton y Charles Chaplin a la cabeza. Sin embargo, esto no quiere decir que no hubiese comediantes femeninas o que éstas no tuvieran éxito. De las diferentes actrices que se dedicaron a la comedia la principal fue Mabel Normand. Descubierta, como no podía ser de otra manera, por el productor Mack Sennett, su habilidad cómica pronto la situó frente a estrellas como Chaplin o Fatty Arbuckle. De hecho, con éste último protagonizó con éxito gran número de cortos. Ironías del destino, al mismo tiempo que Arbuckle caía en desgracia acusado de la violación y el asesinato de la aspirante a actriz Virginia Rappe, Normand era también investigada por la muerte del director William Desmond Taylor. Afortunadamente para la actriz, nunca llegó a ser la principal sospechosa, pero el escándalo desveló su dependencia del alcohol y los narcóticos, algo que afectó de manera crítica su carrera. Siguió trabajando, pero ya sin el éxito de sus títulos anteriores, falleciendo el 22 de febrero de 1930 a la edad de 30 años víctima de la tuberculosis.

POLA NEGRI

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Mientras que en Hollywood se creaba el star system, el cine europeo podía presumir también de tener su particular grupo de estrellas, algunas de las cuales llegaron incluso a dar el salto a la Meca del cine. Éste fue el caso de la actriz de origen polaco Pola Negri, una de las principales estrellas del cine alemán de finales de la década de los 10 y principios de los 20. Su carrera comenzó como bailarina, pero una lesión la llevó a dedicarse a la interpretación. Convertida ya en una estrella en los escenarios, tras la Primera Guerra Mundial se mudó a Berlin, donde gracias principalmente a sus trabajos para el director Ernst Lubistch se especializó en papeles de mujeres fuertes y de desbordante sexualidad. Gracias al éxito de “Madame DuBarry” en Estados Unidos, director y estrella consiguieron dar el salto a Hollywood, sin embargo, el estrellato de Negri en Estados Unidos fue efímero. Su histriónico comportamiento durante el funeral de Rodolfo Valentino, la dureza del nuevo código de censura y su marcado acento provocaron que su carrera se fuera apagando, participando en algunas películas de manera esporádica a lo largo de las décadas de los 40, los 50 y los 60. Pola Negri falleció en 1987 a la edad de 93 años.

LIL DAGOVER

LIL DAGOVER

De origen alemán, Lil Dagover fue una prolífica actriz, cuya fama se sustentó principalmente gracias a los primeros papeles de su carrera a las órdenes de directores tan prominentes como Fritz Lang o Robert Wiene. Su primer contacto con el cine fue gracias a su matrimonio con el actor Fritz Dagover en 1917. Esta relación duró sólo un par de años, divorciándose en 1919, el mismo año en que dio comienzo su carrera cinematográfica. Con Fritz Lang, Dagover trabajó en títulos como “Harakiri”, las dos partes de “Las Arañas”, “Las Tres Luces” o “Mabuse”. Con Murnau coincidió en “Phantom” o “Tartufo”, sin embargo fue por su papel en “El Gabinete del Dr. Caligari” de Robert Wiene el que le otorgó un puesto destacado en la Historia del Cine.

LILLIAN Y DOROTHY GISH

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Si Mary Pickford era la reina del melodrama, sus principales competidoras en este sentido fueron las hermanas Gish, especialmente la mayor de las dos, Lillian, quien consiguió robarle a la novia de América el puesto de musa de David Wark Griffith. La carrera de ambas hermanas fue siempre de la mano. Ambas iniciaron su trayectoria como modelos, para a continuación en 1899 dar el salto al teatro, donde se mantuvieron con éxito hasta 1912. La amistad de las hermanas con Pickford les llevó a conocer en esta fecha a Griffith, quien quedó impresionado por el talento de ambas, especialmente por el de Lillian. La mayor de las hermanas Gish trabajó en 12 ocasiones a las órdenes de Griffith, consagrándose en la industria gracias a su papel en “El Nacimiento de una Nación”. De las incontables veces en que las dos hermanas trabajaron juntas en el cine, la más recordada, “Las Dos Huérfanas”, se debió también a Griffith. Con la llegada del sonoro, las hermanas Gish regresaron temporalmente al teatro, pensando que la nueva tecnología iba a arruinar al séptimo arte; sin embargo, años más tarde confesaron su equivocación y volvieron a la industria del cine, siendo nuevamente Lillian quien se adaptó mejor a los nuevos tiempos, participando en películas como “Duelo al Sol” o “La Noche del Cazador”. Dorothy Gish se despidió del cine en 1963, con la película de Otto Preminger “El Cardenal”, falleciendo el 4 de junio de 1968. Por su parte Lillian tuvo un emotivo canto del cisne en 1987 con “Las Ballenas de Agosto”, junto a Bette Davis y Vincent Price, falleciendo el 27 de febrero de 1993.

GRETA SCHROEDER

GRETA SCHROEDER

Regresamos al cine alemán con la figura de Greta Schroeder, una prolífica actriz, no tan reputada como Lil Dagover, pero que pese a los múltiples títulos que integran su filmografía ha pasado también a la historia por uno de ellos en especial, “Nosferatu” de Friederich Murnau. Previamente la actriz había sido vista en papeles secundarios en clásicos del cine alemán como “El Golem” de Paul Wegener (cinta que por otro lado estuvo marcada por el inició la relación sentimental entre la actriz y el director) y siguió actuando en el cine hasta principios de la década de los 50, sin embargo, su personaje de esposa de Thomas Hutter y víctima del conde Orlok la mantenido como un referente del cine.

GLORIA SWANSON

Gloria Swanson

Otra actriz de fuerte presencia durante el periodo mudo fue Gloria Swanson. Si bien su carrera nació vinculada a la comedia, de la mano de Mack Sennett, lo cierto es que la actriz aspiraba a papeles más dramáticos, algo que consiguió de la mano de Cecil B. DeMille, quien la transformó en una estrella. Su película más importante de esta época fue “Más Fuerte que Su Amor”, donde formó pareja romántica con el mayor galán de la pantalla de aquel momento, Rodolfo Valentino. Con la llegada del sonoro, el periodo de esplendor de Swanson llegó a su fin. Si bien su primera película hablada fue un éxito y consiguió firmar un lucrativo contrato con la Metro, su nombre quedó vinculado a una etapa pasada del cine y no logró prosperar. Sin embargo, Swanson consiguió resarcirse gracias a Billy Wilder, quien en 1950 le ofreció el último gran papel de su carrera, la Norma Desmond de “El Crepúsculo de los Dioses”, un personaje con profundos ecos autobiográficos.

MARION MACK

Marion-Mack

En ocasiones el sexismo de la industria ha ocultado grandes talentos del cine, como fue el caso de Marion Mack. Conocida principalmente por su papel de novia de Buster Keaton en la película “El Maquinista de la General”, papel que le ha permitido ser recordada hoy en día, lo cierto es que estamos no ante una relevante actriz del séptimo arte sino ante una inteligente guionista, quien junto con su marido el productor Louis Lewyn, desarrolló una importante labor literaria que desgraciadamente apenas ha quedado acreditada por su condición de mujer. Su carrera interpretativa empezó, una vez más, de la mano de Mack Sennett, quien la reclutó para su grupo de Bathing Girls, lo que le permitió participar en varias comedias que acabaron dirigiéndola hacia el papel de Anabelle Lee en la película de Buster Keaton. En 1927 participó en su última película como actriz, una adaptación de “Alicia en el País de las Maravillas”, y posteriormente se dedicó junto con su marido a producir una serie de exitosos cortos bajo el título de “Hollywood on Parade” y “The Voice of Hollywood”.

JANET GAYNOR

JANET GAYNOR

La carrera de la actriz Janet Gaynor surgió a la sombra de Lillian Gish. De aspecto dócil y frágil, se especializó en interpretar el mismo tipo de personajes inocentes y virginales que habían dado la fama a Gish. Títulos como “El Águila Azul”, “La Hoja de Trébol” o “El Séptimo Cielo” le ayudaron a alcanzar la fama, sin embargo su papel más característico durante el periodo del cine mudo fue el de la esposa en “Amanecer”, el espectacular debut en el cine estadounidense del reputado director alemán Friederich Murnau. Ese año Gaynor ganó su primer y único Oscar como mejor actriz. A diferencia de otras compañeras del gremio, Gaynor sí consiguió dar el salto con éxito al cine sonoro, gracias en gran parte a la dulzura de su voz. La capacidad de superación y de trabajo duro de la actriz, quien logró convertirse en una estrella partiendo de la nada, la convirtieron en la candidata ideal para protagonizar la primera versión de “Ha Nacido una Estrella” en 1937, por la que volvió a estar nominada al Oscar.

BRIGITTE HELM

BRIGITTE HELM

La carrera de Brigitte Helm comenzó en 1927 con una de las películas más importantes la Historia del Cine, “Metropolis”, dedicando los siguientes 8 años de su vida a desarrollar una intensa actividad interpretativa sin llegar en ningún momento a repetir el impacto de su debut. El papel de Maria es, sin duda, uno de los que marcan época, convirtiendo a la actriz no sólo en un icono cinematográfico, sino también erótico. Helm abandonó el cine en 1936, frustrada por la censura del Régimen Nazi, rechazando cualquier tipo de contacto con su vida anterior y dedicándose a cuidar de su marido y sus 4 hijos hasta su fallecimiento en Suiza, el 11 de junio de 1996.

GRETA GARBO

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Una de las grandes divas del cine que comenzó su carrera en la época del cine mudo fue Greta Garbo. Sus primeros papeles en Suecia le ayudaron a conocer al director Mauritz Stiller, a través del cual consiguió dar el salto a Estados Unidos. Una vez en Hollywood alcanzó la fama gracias a sus trabajos con el actor John Gilbert, con el que estuvo a punto de casarse. En Estados Unidos rodó nueve películas mudas entre 1926 y 1930, especializándose sobre todo en papeles dramáticos y normalmente de destino trágico. Con la llegada del sonoro, y a pesar del handicap del acento, la Divina logró hacer una transición nada traumática e incluso su primera película hablada, “Anna Christie”, se publicitó con el slogan “¡Garbo habla!”. A lo largo de la década de los 30 la actriz fue la reina del drama, cimentando una reputación de actriz meticulosa, pero también arisca y poco sociable. Poco amiga de las fiestas de la industria, Greta Garbo dejó el mundo del cine a la temprana edad de 36 años, en 1941, cuando se encontraba en la cúspide de su popularidad, y vivió el resto de su vida en un apartamento en Nueva York cerca de Central Park, totalmente retirada y evitando cualquier contacto con los medios informativos.

MARIA FALCONETTI

maria falconetti

El caso de María Falconetti nos presenta una carrera cinematográfica efímera, pero fundamental para la Historia del Cine. Sus orígenes los podemos encontrar en el teatro en Francia, donde se desarrolló como actriz participando en obras clásicas como “La Dama de las Camelias”. Tras un par de experiencias en cine, fue contratada por Carl Theodor Dreyer para protagonizar su película “La Pasión de Juana de Arco”. La interpretación de Falconetti resultó magistral, sobre todo a la hora de mostrar el sufrimiento del personaje. Desgraciadamente, gran parte de esas expresiones de dolor no eran fingidas. El rodaje de la película supuso un verdadero tormento para la actriz, especialmente debido a los abusos a los que fue sometida por el director. Con “La Pasión de Juana de Arco”, Falconetti pasó a la posteridad, pero supuso también su despedida, ya que tras esta experiencia no quiso volver a trabajar en ninguna otra película.

LOUISE BROOKS

LOUISE BROOKS

La carrera de Louise Brooks también fue peculiar. Nacida en Estados Unidos, inició su carrera en Hollywood en 1925, saltando inmediatamente al estrellato y convirtiéndose en un referente de la moda, especialmente por su peinado, largamente imitado por las mujeres de la época. Como otros artistas, se rebeló contra la llegada del sonido, desechando hacer un remake sonoro de uno de sus mayores éxitos y aceptando en su lugar viajar a Alemania para rodar tres películas a las órdenes del reputado director Georg Pabst. La primera de ellas, “La Caja de Pandora”, convirtió a Brooks en un icono sexual, imagen que fue reforzada por los otros dos títulos de la trilogía, “Tres Páginas de un Diario” y “Crisis”. A su regreso a Estados Unidos, Brooks se encontró con que lejos de celebrar su éxito en el extranjero, los estudios habían decidido despreciarla, relegándola a películas de bajo presupuesto. En 1938 se retiró del cine, estableciéndose en Nueva York, donde trabajó para los almacenes Saks de la Quinta Avenida y, más tarde, como acompañante de hombres ricos.

VIRGINIA CHERRILL

Virginia Cherrill

Además de su talento para la comedia y el drama y su habilidad para conectar con el público, Charles Chaplin se caracterizaba también por su buen ojo para las actrices. Varias son las intérpretes que llegaron al estrellato gracias al apoyo de este artista. Una de ellas fue Virginia Cherrill. Nacida en una granja en el pueblo de Illinois, se trasladó a Hollywood a finales de los años 20 y allí conoció a Chaplin cuando él se sentó cerca de ella en un camerino. Chaplin estaba buscando en ese momento a la actriz ideal para interpretar a la vendedora de flores de “Luces de la Ciudad” y encontró en la dulce belleza de Merrill a su candidata perfecta. La relación de Chaplin y Merrill no fue especialmente amistosa y en un momento del rodaje el cineasta estuvo a punto de despedirla y sustituirla por Georgina Hale, con quien ya había trabajado en “La Quimera del Oro”. Pese a estas diferencias, Merrill logró convertirse en una imagen icónica del cine gracias a esta película y durante un tiempo gozó de bastante popularidad en el cine, hasta que se retiró en 1936.

PAULETTE GODDARD

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Muy diferente fue la relación de Chaplin con Paulette Goddard, con quien no sólo trabajó en dos de sus películas más importantes, “Tiempos Modernos” y “El Gran Dictador”, sino que llegaron a casarse en 1936, convirtiéndose en la tercera esposa del artista. Goddard llegó al mundo del espectáculo como modelo, aunque pronto se pasó a la interpretación. Curiosamente sus primeras películas se engloban ya dentro del periodo del sonoro, pero se convirtió en una de las últimas musas del cine mudo de Hollywood al protagonizar “Tiempos Modernos”. Goddard participó en destacadas películas sonoras, como “Mujeres” de George Cuckor, el musical “Al Fin Solos”, junto a Fred Astaire, o las cintas de aventuras “Piratas del Mar Caribe” y “Los Inconquistables”, ambas de Cecil B. DeMille, sin embargo, ninguna tuvo un impacto en su carrera como sus dos títulos junto a Chaplin. Ese plano final de “Tiempos Modernos” con la actriz cogida del brazo de Chaplin mientras se van caminando sin un rumbo fijo dio por cerrada la presencia del vagabundo en la gran pantalla y con ello el final definitivo del periodo del cine mudo.

Modern Times

sábado, 24 de diciembre de 2011

“¡QUÉ BELLO ES VIVIR!”. CUENTO DE NAVIDAD.

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La Navidad está repleta de iconos, imágenes, historias que nos enfatizan el lado humano y emotivo de estas fechas. Cuando en 1843, Charles Dickens escribió “Cuento de Navidad” poco podía imaginarse el alto alcance que llegaría a tener su obra, convirtiendo a un viejo huraño y usurero en el mayor representante de una festividad donde se nos alienta a ser generosos y amables. El escritor victoriano no buscaba hacer un canto a la Navidad, sino denunciar las injusticias sociales que existían en aquella sociedad, promoviendo un mensaje de benevolencia y justicia hacia los más necesitados, especialmente hacia los niños víctimas de malos tratos, mendicidad y abusos laborales (un tema recurrente en su obra y que llevó a su máximo exponente con “Oliver Twist”). En 1943, justo tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Frank Capra quiso ofrecer a los espectadores una historia marcada por la esperanza y la recompensa por una vida de sacrificio y honestidad que devolviera cierta ilusión a la desengañada sociedad estadounidense. La excusa la encontró en “The Greatest Gift”, un relato corto de Philip Van Doren Stern que pasó a convertirse en la base para “¡Qué Bello Es Vivir!”. Sin embargo, al igual que Dickens, Capra no pretendía hacer una historia sobre la Navidad, sino reconocer el mérito de aquellos ciudadanos medios con vidas grises y cotidianas, quienes con su labor diaria y su compromiso con su comunidad habían ayudado a sacar el país adelante, por encima de los grandes empresarios, los políticos o los héroes de guerra. Este vínculo entre Dickens y Capra no es baladí, ya que argumentalmente podemos encontrar un efecto especular, donde la villanía de Ebenezer Scrooge encuentra su reflejo en la bondad de George Bailey, llegando ambos a un momento de inflexión existencial motivado por las decisiones y los sacrificios que han hecho en su vida. Si Scrooge recibe la visita de tres fantasmas que van a hacerle reflexionar sobre el egoísmo con el que ha conducido su vida, Bailey será aconsejado por Clarence, un Ángel de la Guarda pendiente aún de ganarse sus alas, sobre todo el bien que ha hecho a la gente de su entorno y lo desastroso que sería el mundo que él conoce de no haber intercedido de manera generosa en la vida de los demás.
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“¡Qué Bello Es Vivir!” marcó también el regreso de Capra al cine de ficción después de haber estado realizando documentales de propaganda sobre la guerra, junto con otros cineastas como John Ford. Durante la década de los 30, Capra había sido uno de los directores más celebrados, gracias a sus historias sobre gente corriente que se rebelaba contra las injusticias sociales (“El Secreto de Vivir”, “Caballero sin Espada”, “Juan Nadie”). En estas películas defendía el poder de la voluntad y la bondad del individuo sobre la avaricia y la corrupción del poder establecido, promoviendo un ideal moral basado en la unión familiar y la honradez en el trabajo. Sin embargo, el tono ingenuo y vitalista de estas obras chocaba frontalmente con el cinismo de una sociedad amargada por los efectos de una crisis económica (el Crack del 29) y la contienda bélica en Europa que habían hecho fracasar los sueños de utopías sociales de principios de siglo. Pese a todo, Capra se enfrascó en su producción más ambiciosa, financiada a través de su recién fundada compañía, Liberty Films, contando con el apoyo de estrellas como James Stewart (en su primer papel tras la contienda y uno de los más importantes de su carrera) o construyendo extensos decorados que recreaban el pueblo de Bedford Falls.
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El apartado interpretativo resultó decisivo para la película. Nadie mejor que James Stewart podía representar la sencillez, la honestidad y la ingenuidad del americano medio, consiguiendo dar total credibilidad a la impoluta bondad de George Bailey. Además el actor tenía que afrontar el reto de interpretar al personaje en diferentes momentos cruciales de su vida, desde la adolescencia hasta la madurez, marcando en su actuación las muescas que la vida va depositando en el cuerpo y el espíritu del protagonista, los sacrificios que debe hacer por su familia y su comunidad y los sueños que se van quedando por el camino. Bailey no es un héroe al uso. No es un idealista que esté dispuesto a convertirse en el líder de su comunidad para luchar contra las injusticias, tampoco es un mártir dispuesto a sacrificar su vida a favor de los demás. Sin embargo, su carácter justo y generoso le colocan en esa situación de manera paulatina y accidentada, por mucho que él intente rebelarse y huir de Bedford Falls. El mensaje de Capra se articula en contra del capitalismo feroz que estaba arruinando a los más necesitados, mientras que los acaudalados seguían acumulando riqueza y poder. Estos últimos quedaban personificados en la figura del pérfido Sr. Potter, un anciano avaricioso, dueño del banco y de la mayor parte de las propiedades del pueblo, cuyo único obstáculo para alcanzar el dominio absoluto del pueblo es precisamente George Bailey, un pequeño David que se resiste a desfallecer con su humilde empresa de construcciones y prestamos a la comunidad. Este Sr. Potter, inevitablemente inspirado en Ebenezer Scrooge, estaba interpretado ni más ni menos que por Lionel Barrymore, excelso actor de la escena y el cine, quien con su magna presencia consigue hacer verdaderamente despreciable al personaje, siendo aún hoy reconocido como uno de los villanos más infames y aborrecibles del cine.
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El principal apoyo de George es su familia, especialmente su esposa, Mary, quien también se mantiene infatigable ante los duros reveses que la vida va colocando en el camino a nuestro protagonista. Este papel está interpretado con encanto y sobriedad por Donna Reed, actriz de escasa trayectoria anterior pero que ya había despuntado en títulos como “El Retrato de Dorian Gray” y “No Eran Imprescindibles”. Reed no fue la primera opción de Capra (el papel de Mary había sido rechazado por actrices del peso de Olivia de Havilland, Jean Arthur o Ginger Rogers), sin embargo, la elección final demostró ser la idónea. La actriz aportó una belleza sencilla, candorosa y cotidiana a su personaje, pero también una inesperada fuerza y entereza que en manos de alguna de las estrellas antes mencionadas se hubiesen dado por supuesto, pero que al venir de un rostro menos conocido por el público permitía a Mary tener una entidad propia, no contaminada por el recuerdo de papeles anteriores. Junto a Mary, encontramos al resto de la familia de George, por los que él siempre está velando y sufriendo, desde su madre (Beulah Bondi), su hermano pequeño Harry (Todd Karns), su despistado Tío Billy (un sensacional Thomas Mitchell) o sus hijos, entre los que destaca la pequeña Zuzu (Karolyn Grimes). A estos hay que sumar todo un variado plantel de personajes secundarios, como el candoroso Clarence (Henry Travers), la pareja cómica formada por Ernie y Bert (extraordinarios Frank Faylen y War Bond), el amor platónico de George, la exuberante Violet (Gloria Grahame) o el Señor Gower (H. B. Warner).
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Pese a todas sus bondades, “¡Qué Bello Es Vivir!” fue un sonado fracaso cuando se estrenó en 1946, provocando la bancarrota de Liberty Films y sentenciando el futuro de la carrera de Frank Capra. Sin embargo, como si de una película del cineasta se tratara, 28 años después el universo decidió equilibrar la balanza y recompensar a la película por su fracaso inicial. En 1948 Liberty Films y su pequeño archivo de películas pasó a ser propiedad de Paramount, quien a su vez, en 1955, vendió los derechos de la película a National Telefilm Associates (posteriormente reconvertida en Republic Pictures), sin embargo, en 1974, por un error administrativo, los derechos de “¡Qué Bello Es Vivir!” no fueron renovados por Republic, pasando a ser de dominio público. Esto permitió que la película pudiera ser emitida por televisión de manera gratuita, convirtiéndose en un título recurrente cada año por Navidad. De manera milagrosa, la cinta pasó a convertirse en un clásico aplaudido y venerado por el público estadounidense, que a base de verla por televisión se había dejado conquistar por su mensaje vitalista y esperanzador. No fue hasta 1993 que Republic pudo recuperar los derechos de la obra, pero incluso a partir de entonces, ha seguido siendo una película inexcusable cada Navidad.
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“¡Qué Bello Es Vivir!” es una película que va directa al corazón del espectador (hay que tener una piedra por corazón para no dejarse emocionar con esta historia y su mítico final, por el enternecedor trabajo de todos los actores y la enfática puesta en escena de Frank Capra) y a pesar de los 65 años que han pasado desde su estreno podemos afirmar que su mensaje y espíritu alentador está hoy más vigente que nunca. En un presente donde la crisis vuelve a cebarse en los más pobres, donde el poder de los bancos deja sin casa a los más desfavorecidos, donde se nos insta a apretarnos el cinturón y sacrificar nuestros sueños y aspiraciones en favor de la comunidad, en este presente, todos necesitamos ser más que nunca George Bailey.


Adivina Quién Viene al Cine les desea una Feliz Navidad

viernes, 23 de diciembre de 2011

VISIONES DEL FUTURO

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Nos encontramos ya en tiempo de descuento hacia el final de año, y es hora no sólo de recapitular, sino también de poner la mirada hacia el futuro y ver qué nos espera en el 2012. Conscientes de esto, los estudios de Hollywood han querido esta semana regalarnos los avances de algunas de las películas que más darán de que hablar el próximo año. Dos secuelas y dos precuelas marcan la pauta de lo desvelado, saldando algunas dudas, pero presentando nuevas incógnitas.

El primero de los trailers en salir a la luz esta semana ha sido el de “El Caballero Oscuro. La Leyenda Renace”, es decir, la tercera entrega de Batman, nuevamente dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Christian Bale. Lo cierto es que de esta película hemos podido ver quizás demasiado entre videos del rodaje que se han filtrado, un teaser previo y la presentación la semana pasada (acompañando el estreno de “Misión Imposible. Protocolo Fantasma”) del prólogo de seis minutos de la película. A pesar de esto la expectación sigue siendo enorme, ya que, no por nada, se trata de la continuación de “El Caballero Oscuro”, una de las películas más aplaudidas y taquilleras de los últimos años y la conclusión de la trilogía que dio comienzo en 2005 con “Batman Begins”. Este nuevo trailer se caracteriza por una paradójica ausencia del héroe durante la mayor parte de su metraje, enfatizando la figura del nuevo villano, Bane (interpretado por Tom Hardy), y sobre todo el ambiente turbulento que va a acosar Gotham en esta nueva aventura. Sin duda, Nolan dejó el listón muy alto con la anterior película y su gran reto será no decepcionar a los fans que están esperando un fin de fiesta verdaderamente apoteósico.

Menos expectativas debe afrontar el segundo de los títulos que han estrenado trailer esta semana, “Ira de Titanes”, secuela de “Furia de Titanes”, pero no por ello lo va a tener más fácil. Las desastrosas críticas que recibió la primera película van a poner difícil que esta segunda entrega vuelva a contar con la confianza del público. “Furia de Titanes” no sólo resultó una ignominiosa nueva versión del clásico de Ray Harryhausen, sino que en plena eclosión del sistema estereoscópico, pasó a convertirse en la película que peor empleaba este formato (en gran parte debido a una desastrosa y apresurada conversión de 2D a 3D). Ahora Warner Bros debe superar la desgana de su público y ofrecer un guión mucho más sólido y un muy cuidado uso de las tres dimensiones si quiere que esta franquicia pueda continuar en el futuro y siga sacando réditos de las aventuras de Perseo y compañía. Para ello ha cedido la silla del director al realizador Jonathan Liebesman, quien recientemente se apuntó un buen tanto, en lo que a taquilla se refiere, con su película “Invasión a la Tierra”. De momento el trailer apunta buenas maneras. Las imágenes son espectaculares y promete acción sin freno. Para los que vivimos en Canarias, la cinta vuelve a contar con el interés añadido de que esta segunda parte ha contado con un mayor número de localizaciones en Tenerife con respecto a la anterior, por lo que muchos paisajes nos resultarán familiares (eso sí, bajo muchas capas de efectos digitales).

Otro de los estrenos esperados para el 2012 es “El Hobbit”, el regreso de Peter Jackson al universo de J.R.R. Tolkien con una historia que se sitúa cronológicamente antes del inicio de “El Señor de los Anillos”. Esta película ha tenido que sufrir serios avatares que han retrasado su producción y han provocado un cambio de realizador, ya que el director inicialmente previsto era Guillermo del Toro, con Jackson en labores de producción. Finalmente el cineasta mexicano tuvo que renunciar a la película al ver que el tiempo pasaba y la producción no terminaba de ponerse en marcha. Jackson debe afrontar por su parte varios desafíos: Mantener el listón dejado con su famosa trilogía, afrontar una historia mucho más ligera y menos épica que la anterior, salvaguardar una coherencia estilística con lo ya visto para que esta nueva entrega no desentone y dejar las bases listas para una segunda parte, rodada simultáneamente para favorecer su estreno un año más tarde y que en esta ocasión no contará con la base literaria de Tolkien, sino que se tratará de un guión original que servirá de puente entre los narrado en “El Hobbit” y los acontecimientos de “El Señor de los Anillos”. Difícil es presagiar el resultado de esta empresa, pero la presentación de este trailer nos incita a ser muy optimistas al respecto. El avance sabe recoger las mismas sensaciones que dejó el cierre de la trilogía anterior y nos devuelve a algunos de los personajes (y actores) más queridos como si no hubiese pasado una década desde que aparecieron por primera vez en pantalla.

Finalmente, ayer jueves se hacía público el primer trailer de “Prometheus”, un desafiante proyecto que no sólo se atreve a presentarnos una precuela de un clásico de la ciencia ficción de la categoría de “Alien, el Octavo Pasajero”, sino que además se arriesga a recuperar al director que lo originó todo, un cineasta que actualmente no se encuentra en la etapa más floja de su carrera, pero al que desde hace muchos años se le ha considerado incapaz de recuperar la cuotas de maestría de sus primeras tres películas. Si “Prometheus” falla, será la confirmación de que Scott ya no es el que era; si logra su objetivo podemos estar ante una de las películas más importantes de lo que llevamos de siglo XXI. Sin duda el desafío es realmente complicado. Hay que decir que el trailer favorece claramente la balanza hacia lo segundo. Con una sucesión frenética de planos cortos, deja al espectador atornillado a la silla y le obliga a volver a visionar una y otra vez este breve montaje en un intento de escudriñar entre las sugerentes imágenes lo que nos ofrecerá la película. Sin embargo, también hay que reconocer que el apartado visual es la especialidad de Ridley Scott. Habrá que esperar si todo esa consecución de hipnóticas imágenes va acompañada de un guión que haga justicia a su referente.

ESTRENOS 23 DE DICIEMBRE

Para este fin de semana de navidad, las carteleras nos tienen deparada una nueva hornada de películas que se disponen a atraer el público a las salas comerciales. Como es de esperar por estas fechas se impone el cine infantil y familiar, además de otras películas ideadas para estas festividades, sin embargo, siempre queda hueco para otras propuestas. Recuerden que en Nochebuena cierran los cines, pero una buena película puede ayudar a la digestión del día 25. ¡Feliz Navidad!

EL REY LEÓN 3D

el rey leon

Director: Roger Allers, Rob Minkoff

Guión: Irene Mecchi, Jonathan Roberts, Linda Woolverton

Reparto: (Voces en versión original) Matthew Broderick, Niketa Calame, Jim Cummings, James Earl Jones, Nathan Lane, Ernie Sabella, Jeremy Irons, Robert Guillaume, Rowan Atkinson, Moira Kelly, Whoopi Goldberg, Zoe Leader, Cheech Marin, Madge Sinclair, Jonathan Taylor Thomas

La Factoría Disney no ha preparado nueva película para estas navidades, pero sí ha convertido uno de sus mayores éxitos comerciales y uno de sus verdaderos últimos clásicos al sistema estereoscópico para apuntarse a la moda actual del cine. Desde el pasado miércoles tenemos la oportunidad de volver a ver “El Rey León” en pantalla grande, dispuesto a arrebatarles el ranking de recaudación a hijos de Papa Noél, ardillas cantarinas, pingüinos bailarines y gatos con botas.

Este clásico de Disney cuenta las aventuras de Simba, el adorable cachorro de león que "está deseando ser rey". Pero su envidioso Tío Scar tiene otros planes ya que quiere ascender al trono a toda costa y fuerza a Simba a exiliarse del reino. Solo y a la deriva, Simba no tarde en unirse a las andanzas de un divertidísimo suricato llamado Timón y de Pumba, un cariñoso jabalí. Simba adopta el estilo de vida relajado de “Hakuna Matata” y olvida sus responsabilidades hasta que comprende cuál es su destino y regresa a las Tierras del Orgullo para recuperar el lugar que le corresponde en el “Círculo de la Vida”.

COPITO DE NIEVE

copito de nieve

Director: Andrés G. Schaer

Guión: Albert Val, Amèlia Mora

Reparto: Pere Ponce, Elsa Pataky, Claudia Abate, Joan Sullà, Rosa Boladeras, Felix Pons ferrer, Mercè Comes, Elsa Anka, Pau Viñals, José luis Adeserías, Josep Seguí, Anna Gras, Carlos Latre, Constantino Romero, K. Stroink, Nuria Trifol

Desde hace varios años, el cine de animación en España está luchando a pasos agigantados por establecer una industria competitiva que pueda competir a nivel nacional con las producciones extranjeras y además se pueda importar al exterior. El último ejemplo de esto lo encontramos en “Copito de Nieve”, una cinta que mezcla imagen real con animación digital para seguir las aventuras del más famoso inquilino del zoo de Barcelona. Esta cinta infantil que mezcla humor aventura y fantasía pretende también tener un apartado didáctico, que permita a los más pequeños conocer algunos de los enclaves más característicos de la Ciudad Condal.

Copito de Nieve, el único gorila blanco del mundo, llega al Zoo de Barcelona. Debido su albinismo, acapara todas las miradas de los visitantes, pero también provoca el rechazo de sus nuevos compañeros gorilas que no lo aceptan como uno de los suyos. Desesperado por integrarse, Copito irá en busca de la Bruja del Norte, para que lo convierta en un gorila normal y corriente. Durante su aventura, se enfrentará a innumerables peligros, la mayoría planeados por Luc de Sac, un gafe malvado que quiere capturar al gorila blanco porque cree que si consigue arrancarle el corazón, su mala suerte desaparecerá para siempre. Paula, la mejor amiga humana de Copito de Nieve, Leo, el amigo de Paula y Ailur, un panda rojo budista que se cree una pantera, serán los compañeros inseparables del gorila, que al final descubrirá lo especial y querido que es siendo como es.

NO TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD

no tengas miedo

Director: Troy Nixey

Guión: Guillermo del Toro, Matthew Robbins

Reparto: Katie Holmes, Guy Pearce, Bailee Madison, Jack Thompson, Alan Dale, Julia Blake, Emelia Burns, Nicholas Bell, Dylan Young, Edwina Ritchard, Garry McDonald, James Mackay, Gabriela Iturrizaga, Lisa N Edwards, Ande Orbach

En 1973, Nigel McKeand rodó “No Tengas Miedo a la Oscuridad”, un telefilm sobre criaturas sobrenaturales encerradas en el sótano llamado a convertirse en película de culto. Entre los múltiples fans de esta cinta se encontraba Guillermo de Toro, quien ahora ha aprovechado su posición en la industria de Hollywood para avalar como guionista y productor un remake protagonizado por Katie Holmes, Guy Pearce y la joven Bailee Madison. Dirige el debutante Troy Nixey.

Sally Hurst (Bailee Madison), una niña tímida y retraída, se traslada a Rhode Island para vivir con su padre Alex (Guy Pearce) y Kim, su nueva novia (Katie Holmes), en una mansión del siglo XIX que están reformando. La niña explora el enorme caserón y descubre un sótano oculto, cerrado desde la extraña desaparición del constructor de la mansión ocurrida hace un siglo. Sin querer, Sally libera a unas antiguas y diabólicas criaturas que conspiran para arrastrarla a las insondables profundidades de la misteriosa casa. Tendrá que convencer a Alex y Kim de que no se lo ha inventado... antes de que las fuerzas del mal que acechan en la oscuridad se los lleven a todos.

NOCHE DE FIN DE AÑO

noche de fin de año

Director: Garry Marshall

Guión: Katherine Fugate

Reparto: Halle Berry, Jessica Biel, Jon Bon Jovi, Abigail Breslin, Ludacris, Robert De Niro, Josh Duhamel, Zac Efron, Hector Elizondo, Katherine Heigl, Ashton Kutcher, Seth Meyes, Lea Michele, Sarah Jessica Parker, Michelle Pfeiffer, Til Schweiger, Hilary Swank, Sofia Vergara

El Día de San Valentín de 2010, el director de “Pretty Woman”, Gary Marshall, gozaba de un notable éxito con “Historias de San Valentín”, una película coral de historias paralelas que se situaban temporalmente en aquella festividad. Ahora vuelve a repetir la jugada con “Noche de Fin de Año”, secuela conceptual, aunque no repitan los actores de la anterior. Se mantiene el formato y el tono de historias sencillas y emotivas, pero cambia el emplazamiento temporal. La cinta cuenta con estrellas para todas las edades, desde un Zack Efron para el público juvenil hasta Michelle Pfeiffer y Robert DeNiro para los más veteranos.

Celebración de amor, esperanza, perdón, segundas oportunidades y nuevos comienzos, a través de las historias entrelazadas de parejas y personas solteras, contadas con el telón de fondo de la emoción y lo que Nueva York promete en la noche más deslumbrante del año.

EL TOPO

el topo

Director: Tomas Alfredson

Guión: Bridget O'Connor, Peter Straughan

Reparto: Tom Hardy, Gary Oldman, Colin Firth, Mark Strong, Ciarán Hinds, Benedict Cumberbatch, Stephen Graham, Amanda Fairbank-Hynes, Simon McBurney, Laura Carmichael

“El Topo” se presenta como una de las películas del año. Basada en el best-seller homónimo de John Le Carré, dirigida por Tomas Alfredson (quien da el salto a Estados Unidos tras el éxito de “Déjame Entrar”) y protagonizada por Gary Oldman, Tom Hardy (ambos también próximamente en “El Caballero Oscuro. La Leyenda Renace”), Colin Firth, Mark Strong, Ciarán Hinds, esta cinta supone un regreso al género de espionaje que tuvo su momento de gloria en los años 60 y 70. La película nos llega ahora con esperanza de formar parte de los títulos que encabecen la carrera hacia los Oscars en enero de 2012.

Años 70. El fracaso de una misión espacial en Hungría desencadena un cambio en la cúpula de mando de los servicios británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Cuando Smiley ya se ha hecho a la idea del retiro, le encargan una misión especial. Hay sospechas de que un “topo” está infiltrado entre las altas instancias del Servicio y sólo alguien de fuera puede descubrirlo. Con ayuda de otros retirados y de algún agente fiel, irá recabando información y encajando las piezas que le lleven al traidor. Por el camino encontrará historias de traición, ambición y mentiras.

IMMORTALS

immortals

Director: Tarsem Singh

Guión: Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides, Leslie Dixon

Reparto: Henry Cavill, Stephen Dorff, Luke Evans, Kellan Lutz, Joseph Morgan, Freida Pinto, John Hurt, Isabel Lucas, Mickey Rourke

Tarsem Singh es un director peculiar, con un estilo visual muy potente que ha servido de carta de presentación a títulos como la irregular “La Celda” o la estupenda “The Fall. El Sueño de Alejandría”. Ahora se apunta a la tendencia de recuperar la mitología clásica desde una perspectiva postmoderna, siguiendo la estela de títulos como “300” o, en menor medida, “Furia de Titanes”. Para ello el cineasta se apoya en actores como Henry Cavill (el nuevo Superman a las órdenes de Zack Snyder, curiosamente el director de “300”) o Mickey Rourke (dispuesto a no volver a dejar pasar la oportunidad que supuso para su carrera el éxito de “El Luchador”). Además, la cinta cuenta con un importante apartado de efectos visuales generados por ordenador, que sirven de paleta de colores para el virtuosismo plástico de Tarsem Singh.

Eones después de que los dioses vencieran a los titanes, un nuevo peligro maléfico amenaza la tierra. Enloquecido por el poder, el rey Hiperión (Mickey Rourke) ha declarado la guerra a los hombres. Después de reunir a un ejército sediento de sangre formado por soldados que él mismo mandó desfigurar, Hiperión quema Grecia a su paso mientras busca un arma de poder inimaginable, el legendario arco Epiro, hecho por Ares en el Olimpo. El hombre que posea este arco podrá liberar a los titanes, que llevan encerrados detrás de los muros del monte Tártaro desde el principio de los tiempos y claman por vengarse. En manos del rey, el arco significaría la destrucción de la raza humana y la aniquilación de los dioses. Pero la ley prohíbe que los dioses se entrometan en los conflictos de los hombres. Nada pueden hacer para detener a Hiparión, hasta que un campesino llamado Teseo (Henry Cavill) les devuelve la esperanza. Zeus encomienda en secreto una misión a Teseo, la de salvar a su pueblo de Hiperión y sus hordas. Después de reunir a un grupo entre el que se encuentra la visionaria sacerdotisa Fedra (Freida Pinto) y el astuto esclavo Stavros (Stephen Dorff), el héroe deberá encabezar la rebelión si no quiere ver su patria destruida y la desaparición de los dioses.