sábado, 30 de abril de 2011

DAVID WARK GRIFFITH: EL PADRE ORGULLOSO

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INTRODUCCIÓN

Una de las mayores críticas que se le hacen al cine moderno es su falta de originalidad; se dice que ya todo está dicho y que el futuro no contará más que con revisiones de las mismas ideas. Sin embargo, hubo un tiempo (no muy lejano, poco más de 100 años) en el que las páginas de la historia del cine estaban en blanco, nadie había escrito nada en ellas, entre otras cosas porque no se sabía qué escribir. Para algunos el cine era una atracción de barraca, para otros una nueva aberración de la ciencia. Fue en esta época cuando apareció David Wark Griffith, el hombre que inauguró los anales del nuevo arte con letras doradas. La reciente edición de Divisa, en su colección Orígenes del Cine, de dos de sus películas (“Las Dos Tormentas” y “Las Dos Huerfanas”), nos lleva a repasar la figura y la obra de este insigne cineasta.

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Sergei Eisenstein, el mayor cineasta ruso, autor de obras tan importantes como “El Acorazado Potemkin”, “Octubre” o “Alexander Nevski”, dijo acerca de Griffith: “Me gustan poco los dramas de Griffith, al menos el sentido de la dramaturgia. En él todo responde a conceptos atrasados. Es la expresión última de la aristocracia burguesa en su apogeo y cerca de su declive. Pero es Dios Padre. Griffith lo ha creado todo. No hay cineasta en el mundo que no le deba algo. Lo mejor del cine soviético ha surgido de “Intolerancia”. En cuanto a mí, se lo debo todo.” Sin embargo, Eisenstein se equivocaba. En Griffith no todo responde a conceptos atrasados. Es cierto que muchos de sus logros están ahora en desuso (por ejemplo el fundido en iris para resaltar algún detalle de la imagen), pero es precisamente el modelo que él marcó el que gobierna soberano en el uso del lenguaje cinematográfico. Ejemplo de esto lo podemos encontrar en grandes maestros como Orson Welles (quien, después de haber sido aclamado como el revolucionador del lenguaje cinematográfico por “Ciudadano Kane” en 1940, explicó que la gran mayoría de los avances a él atribuidos eran originarios de Griffith) o Martin Scorcesse (quien con el barroquismo empleado en “La Edad de la Inocencia” realizó en 1992 un homenaje al mítico cineasta).

EL HOMBRE QUE QUERÍA SER ESCRITOR

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Lewelyn Wark Griffith nació el 22 de Enero de 1875 en Kentucky. Con una educación enfocada hacia la literatura, ambicionaba convertirse en un renombrado autor teatral (llegando a escribir una obra “The Fool and the Girl”, estrenada en Washington y Baltimore en 1907 sin demasiado éxito). Dice la leyenda que la primera vez que vio una película de cine dijo: “Cualquier hombre capaz de disfrutar con una cosa así debería ser fusilado al amanecer”. Se introdujo en el mundo del teatro como actor con el nombre de Lawrence Griffith, consiguiendo una cierta reputación.

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Su entrada en el cine se produce en 1908 gracias a los estudios Biograph de Nueva York, donde entra como guionista, interviniendo también como actor en algunas películas. Su estancia en la Biograph es sin duda un período clave en el desarrollo del arte cinematográfico. La Biograph, al igual que otros estudios cinematográficos, se dedicaba a realizar películas de una bobina (10 minutos aproximadamente), que luego eran exhibidas en ferias o pequeños recintos cerrados (los llamados nickelodeon, debido a su aspecto de teatros y su módico precio, un níckel) a un público que no podía permitirse ir al teatro. La poca duración de estas películas y su bajo coste hacían posible producir un gran número de obras en un corto espacio de tiempo; tomando como pretexto la menor inspiración, el equipo improvisaba el argumento sobre la marcha. Esto es algo a lo que Griffith sacó un gran partido. Su primera película como director fue “Las Aventuras de Dorotea” en 1908, y es a partir de este momento que empieza a utilizar el nombre de David Wark Griffith por miedo a no poder volver a su trabajo como actor si aquello resultaba un fracaso.

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Marcándose un ritmo de dos películas a la semana, Griffith rodó aproximadamente 500 títulos durante los años que estuvo en la Biograph (entre 1908-1913), utilizando estas obras como un método de experimentación para ir poco a poco alejando el cine del marco teatral que lo aprisionaba. Hay que tener en cuenta que cuando Griffith entró en el mundo del cine, el lenguaje cinematográfico era increíblemente simple, no existían los planos en movimiento, ni el primer plano, la imagen de la cámara era estática y la narración lineal, igual que el argumento. Griffith supo ver que, pese a su parentesco, el cine no era teatro, y que las cámaras permitían juegos imposibles en las tablas del escenario. En base a sus propias declaraciones, se atribuye normalmente a Griffith el empleo por primera vez de recursos narrativos tales como el primer plano y el travelling, el flashback (o switchback, como él lo denominaba), el fundido en negro, el empleo del objetivo en iris, el uso de rótulos explicativos, las acciones en paralelo, el empleo de la iluminación para crear atmósferas,... Existen estudios que afirman que algunos de estos trucos ya habían sido utilizados con anterioridad, sin embargo ninguno fue capaz de igualar el mérito de Griffith, que fue integrarlos de forma efectiva en la narración de la historia.

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A medida que iba madurando su capacidad creativa, los proyectos se iban volviendo más y más ambiciosos. El entramado argumental de sus historias era cada vez más complejo, y pronto una bobina se volvió insuficiente para contener las intenciones del director. Es entonces cuando surgen los problemas con el estudio. Según los productores de la Biograph, el público no estaba preparado para soportar películas de una duración superior a la acostumbrada. Además, los nuevos proyectos excedían el coste de otras producciones. Estos problemas produjeron la marcha de Griffith; el director entendió que la libertad que había disfrutado hasta entonces para experimentar y crear había llegado a su límite justo en el momento en el que él se sentía capaz de abordar aquellos proyectos para los que tanto había estado trabajando. Su última película para la Biograph fue “Judith de Betulia” en 1913, sin duda la más importante de este período, y atrás quedaban títulos como “El Teléfono” (1909), “La Batalla” (1911), “La Matanza” (1912), “The Musketeers of Pig Alley” (1912) o “El Sombrero de Nueva York” (1912).

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Griffith no se fue con las manos vacías. Durante su estancia en la Biograph, Griffith se había ganado los favores de varios artistas, quienes lo siguieron en su paso a la nueva productora, la Reliance-Majestic Company. Entre los operadores se encontraban nombres como los del director de fotografía Billy Bitzer o el montador James Smith, excelentes profesionales sin cuya colaboración los avances de Griffith no hubieran sido posibles. La lista de actores tampoco se quedaba atrás, nombres decisivos en estos inicios de siglo mantuvieron su fidelidad al que era su maestro y, en muchos casos, su descubridor. Es especialmente en el apartado de actrices donde encontramos los nombres más universales (Lillian Gish y su hermana Dorothy, Mae Marsh, Mary Pickford,..). Entre Abril y Julio de 1914, Griffith rodó cuatro películas: “La Batalla de los Sexos”, “La Evasión”, “Dulce Hogar” (donde por primera vez participaron juntos todos sus intérpretes) y “La Conciencia Vengadora” (basada en varias obras de Edgar Alan Poe). Para estas películas dispuso de la libertad que buscaba. El presupuesto era más holgado, permitiéndole repartos más amplios, y también la duración era mayor (entre cinco y siete bobinas). Sin embargo ninguna de estas producciones tuvo demasiado éxito; tal vez la Biograph tuviera razón y el público no estuviera preparado para obras tan largas.

TRASPASANDO LAS FRONTERAS DEL CINE

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El 8 de Febrero de 1915, Griffith dio a luz al cine moderno estrenando “The Clansman”, más tarde retitulada como “El Nacimiento de una Nación”. Basada en la obra de Thomas Dixon, “The Clansman”, “El Nacimiento de una Nación” cubre un amplio espectro de la historia de los Estados Unidos, desde el inicio de la Guerra de Secesión hasta la reconstrucción del Sur, a través de la vida de dos familias, una del norte, la otra sureña. Nos encontramos ante una de las primeras superproducciones y una de las primeras películas épicas (influenciada por el “Quo Vadis” de Guazzoni que acababa de llegar a Norteamérica). Con esta película, Griffith consigue fijar las convenciones narrativas del cine, todos aquellos hallazgos dispersos que podíamos apreciar en su etapa en la Biograph se aúnan en una sola obra, alternando magníficos cuadros épicos con íntimas secuencias de potente sensibilidad. Es aquí donde Griffith consigue transformar la técnica en poesía y la imagen en sentimiento.

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La película tuvo grandes problemas debido a su contenido, ya que la segunda mitad de la obra aborda la creación del Ku Klux Klan (the clansman, el hombre del clan, del título original), atribuyendo un valor heroico y justificador a las acciones de este grupo. Se ha querido justificar el mensaje de la cinta atribuyendo los prejuicios que en ella se expresan al libro de Thomas Dixon y no a Griffith, sin embargo, su contenido no deja de ser por eso reaccionario y tremendamente racista. El dilema está en si una cinta tan moralmente reprobable puede ser al mismo tiempo un clásico imperecedero del cine. Lo cierto es que está tan impecablemente realizada que, por momentos, consigue hacer olvidar los ideales del espectador en favor de la epicidad de la historia. El uso de personajes estereotipados (desde los educados y honorables blancos sureños hasta el bestialismo brutal del libidinoso hombre negro, pasando por la corrupción de los yankees) se ve reforzado por la enorme capacidad simbólica de la fotografía y la excelente interpretación de los actores (a destacar, como siempre, la dulce inocencia de Lillian Gish), y el mensaje racista se subordina a la heroicidad del clímax final. Sea como fuere, lo que sí es cierto es que “El Nacimiento de una Nación” es una de las películas más importantes de la historia del cine y un elemento fundamental en el desarrollo de esta forma artística y como tal debemos verla para apreciar su verdadero valor.

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El éxito de “El Nacimiento de una Nación” rompió con todas las reticencias anteriores acerca de los límites del nuevo arte, Griffith se asoció con Thomas H. Ince y Mack Sennet y bajo el sello conjunto de Triangle empezó la elaboración de su siguiente película, “Intolerancia”. Con “Intolerancia” su ambición se desata y decide superar él mismo su anterior prodigio. Su nuevo proyecto ya no se restringiría a un sólo capítulo de la historia de una nación, sino que profundizaría en la “Lucha del Amor a través de los Tiempos” (siendo éste su título original) contra la intolerancia. Para ello Griffith contó con cuatro episodios que se desarrollaban en diferentes etapas de la civilización: la caída de Babilonia, la crucifixión de Cristo, la masacre de los Hugonotes en el día de San Bartolomé y la Norteamérica de principios del siglo XX. “Intolerancia” es la obra cumbre de su creador; sin embargo, tras su estreno no fue recibida como se merecía debido a su naturaleza, demasiado radical incluso para los tiempos actuales.

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Las cuatro historias se desarrollan paralelamente, saltando de una a otra constantemente a un ritmo cada vez más rápido. Esto hacía que a los ojos del espectador de la época (para el que dos acciones alternativas ya era toda una innovación) la película se convirtiera en un laberinto gigantesco que, para colmo de males, se alargaba hasta lo indecible (la primera versión duraba alrededor de ocho horas, que luego fueron reducidas a tres horas y cuarenta minutos, aunque en la actualidad sólo se conserva una versión de apenas dos horas y media). La ambición llevó a Griffith a realizar la película más monumental de la historia del cine y como tal el mayor fracaso económico de su carrera. Las dimensiones de la película son gigantescas en todos los sentidos, no únicamente en cuanto a la complejidad del montaje y su larga duración, sino también en lo que se refiere a decorados, número de actores, lirismo,...

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Para mostrar la antigua Babilonia mandó construir unos decorados de 70 metros de altura y 1.600 metros de profundidad, lujosamente adornados (precisamente, ya en nuestros días los hermanos Taviani rodaron una película, “Buenos Días, Babilonia”, en la que se reproducía el proceso de elaboración de los decorados de “Intolerancia”), y para el ataque a la ciudad se utilizaron 16.000 extras, consiguiendo un efecto de vertiginoso asombro en el espectador (y es que ni siquiera películas más actuales como “Cleopatra” han conseguido superar la espectacularidad de esa colosal construcción que es la Babilonia de Griffith). Si ya en “El Nacimiento de una Nación” conseguía proporcionar a la imagen de un gran simbolismo (un primer plano del rostro de Lillian Gish con un puño cerrado a su lado en señal de amenaza, el pájaro enjaulado,...), con “Intolerancia” Griffith hace que sea la historia la que se subordine a la imagen, potenciando su valor expresivo como pocas películas de la época muda en Hollywood.

DE LA ÉPICA A LA INTIMIDAD. DECLIVE

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Tras el fracaso de “Intolerancia”, Griffith se vio obligado a aceptar la realización de una película de propaganda anti-germánica, “Corazones del Mundo” (1917). Habiéndose disuelto la Triangle, y tras trabajar al servicio de la Paramount y la First National, Griffith fundó junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y Charlie Chaplin la United Artists con la intención de proteger y promover los intereses de los artistas frente a los financieros. Durante este período realizó sus dos últimas obras maestras, “Lirios Rotos” (1919) (también conocida como “La Culpa Ajena”) y “Las Dos Tormentas” (1920). “Lirios Rotos” es una obra intimista, alejada de la exuberancia de los anteriores títulos, que alcanza un extraordinario grado de trágica emotividad (la mera imagen de la sonrisa rota de Lillian Gish es suficiente para hacernos comprender la capacidad de esta gran actriz y el alma poética que movía a Griffith). La película nos cuenta la historia de un amor interracial entre una joven de los bajos fondos londinenses, maltratada por su padre, y un tímido inmigrante chino que sufre el desprecio de una cultura que le es ajena.

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“Las Dos Tormentas” es la última película en la que el saberhacer de Griffith alcanza cuotas de maestría, especialmente en esa secuencia final en la que la protagonista (nuevamente Lillian Gish) está al borde del suicidio y es rescatada por el héroe. Aquí todos los elementos que convirtieron a Griffith en leyenda se aúnan en un magnífico clímax final. El suspense, la destreza en la narración, la magnífica interpretación de los actores y la habilidad del director a la hora de potenciar la lírica de las imágenes convierten a esta película en una obra antológica.

las dos hermanas sally la hija del circo

Después de 1921, sin embargo, la capacidad creativa de Griffith decae, iniciando una caída imparable que acabaría con la hasta entonces exitosa vida de este genio creador, llevándolo a morir en la miseria. Para muchos, tras trece años de continuo desarrollo, el cine dio la espalda a su progenitor, negándole el más mínimo reconocimiento. Lo cierto es que el espíritu artístico que encontrábamos en todas sus obras no volvió a repetirse en ninguna de sus películas posteriores. Ni “Las Dos Hermanas” (1921), ni “Sally, la Hija del Circo” (1925), ni ningún otro de los títulos que siguió rodando durante diez años consiguió recuperar el vigor lírico anterior, cayendo con demasiada frecuencia en el melodrama sensiblero. El golpe final a la carrera de Griffith lo asestó el cine sonoro. Aunque recibió el Oscar al mejor director por su primera película sonora, “Abraham Lincoln” (1930), la segunda y última, “The Struggle” (1931), fue un total fracaso, y ninguna de las dos consiguió reflejar la grandeza que llegó a ostentar y que posteriormente le ha sido reconocida. En sus últimos 17 años de vida vio como la industria que él había creado le rechazaba y como el público le olvidaba. Murió el 28 de Julio de 1948.

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viernes, 29 de abril de 2011

ESTRENOS (29 DE ABRIL)

AÑO BISIESTO

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Director: Michael Rowe

Guión: Michael Rowe, Lucia Carreras

Reparto: Mónica del Carmen, Gustavo Sánchez Parra, Armando Hernández, Marco Zapata

Laura tiene 25 años. Es periodista, está soltera y vive en un apartamento en México D.F. Después de una larga serie de aventuras amorosas sin futuro, conoce a Arturo. La primera vez que hacen el amor, los gestos de Arturo la conmueven profundamente. Entonces comienza una relación intensa, apasionada y sexual en la que se mezclan el placer, el dolor y el amor. Pasan los días, que Laura tacha uno a uno en un calendario, y el pasado de la mujer vuelve a surgir, acosando a Arturo.

BEBÉS

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Director: Thomas Balmès

Guión: Thomas Balmès

Bebés nos propone compartir un desafío excitante. Seguir muy de cerca a 4 bebés en 4 países muy diferentes entre sí – desde su nacimiento a sus primeros pasos. Los niños son: Ponijao, quien vive con su familia cerca de Opuwo, Namibia; Bayarjargal, quien reside con su familia en Mongolia, cerca de Bayanchandmani; Mari, quien vive con su familia en Tokio, Japón; y Hattie, que reside con su familia en los Estados Unidos, en San Francisco. Redefiniendo el concepto del documental, Bebés captura en la película las etapas más tempranas del viaje de la humanidad que son absolutamente únicas y universales a nosotros todos. Bebés nos va a hacer vivir una experiencia visual y sensorial inédita. Un viaje único que nos revelará nuestras emociones más primarias.

EL VIAJE DE JANE

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Director: Lorenz Knauer

Guión: Lorenz Knauer

Reparto: Jane Goodall, Angelina Jolie, Pierce Brosnan, Hugo Van Lawick

Hace casi 25 años, la Dra. Jane Goodall, una prestigiosa primatóloga y naturalista que tiene ahora 76 años, renunció a su carrera científica para dedicar su tiempo y sus energías a una misión: salvar nuestro planeta. Mientras esta carismática mujer nos muestra su vida, podemos verla en África con sus queridos chimpancés. También en sus viajes alrededor del mundo dedicados a divulgar un mensaje de esperanza para las generaciones futuras. Desde hace más de 20 años, viaja 300 días al año alrededor del globo llevando palabras de esperanza a las generaciones futuras, dando conferencias, escribiendo libros y a también a través de su organización para jóvenes “Roots & Shoots” (Raíces y Retoños), que actúa en más de 100 países de todo el mundo. Desde su ciudad natal de Bournemouth, Inglaterra, viajamos con ella al Parque Nacional de Gombe a orillas del lago Tanganica, en Tanzania, su segundo hogar. Aquí es donde hace casi medio siglo empezó sus revolucionarias investigaciones, y donde regresa cada año para disfrutar de la compañía de los chimpancés que le han hecho mundialmente famosa. La acompañamos en su viaje a través de varios continentes para conocer su apasionante pasado.

EL VUELO DEL TREN

el vuelo del tren

Director: Paco Torres

Guión: Paco Torres

Reparto: Patricia García Méndez, Miriam García, Juan Motilla, Julio Jordán, Juan Martín, Viviane Araújo, María Alfonsa Rosso, Yailene Sierra, Carla Antonelli, Marián Araújo, Alba Gárate, Amancio Cebrero

Cuando le comunican a Blanca, una madre soltera, que su hija ha recaído en la leucemia y tiene que volver al hospital para seguir un tratamiento intensivo de curación, ella se da cuenta que debe entregarse en cuerpo y alma a su hija, para apoyarla en la lucha contra la enfermedad. Una lucha, que llevará a madre e hija a un acercamiento compartido, donde Blanca descubre la forma de ayudar a su hija aprendiendo de los pequeños detalles, de la gente que sufre en la calle, averiguando que las cosas son lo que uno quiere que sean, convirtiendo la fragilidad en fuerza, y la adversidad y el dolor en esperanza.

FAST & FURIOUS 5

fast 5

Director: Justin Lin

Guión: Chris Morgan

Reparto: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson, Elsa Pataky, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Ludacris, Gal Gadot, Sung Kang, Matt Schulze, Ludacris, Joaquim de Almeida, Michael Irby, Alimi Ballard, Geoff Meed, TJ Hassan

Desde que Brian (Paul Walker) y Mia Toretto (Jordana Brewster) sacaron a Dom (Vin Diesel) de la cárcel, han debido cruzar muchas fronteras para evitar a la policía. Atrapados en Río de Janeiro, no les queda más remedio que correr una vez más si quieren salir libres. Los insólitos aliados empiezan a buscar a los mejores corredores, pero saben que la única posibilidad que tienen de salir del juego de una vez por todas, es enfrentarse al empresario corrupto que quiere verles muertos. Pero otros también les siguen la pista. Los fugitivos Dominic Toretto (Vin Diesel) y Brian O'Conner (Paul Walker) son perseguidos por implacables agentes de la ley.

LA MARCA DEL ÁNGEL

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Director: Safy Nebbou

Guión: Safy Nebbou, Cyril Gomez-Mathieu

Reparto: Catherine Frot, Sandrine Bonnaire, Arthur Vaughan-Whitehead, Héloise Cunin, Wladimir Yordanoff, Antoine Chappey, Michel Aumont

Elsa, una mujer de mediana edad recién separada y a cargo de su único hijo, Thomas, acude a recoger a éste a una fiesta de cumpleaños organizada en la casa de un amigo de la escuela. Entre todos los niños que juegan por la casa, Elsa repara en una niña de siete años cuya existencia la atormentará a partir de ese momento, cambiando la vida de su familia y la de los padres de la misteriosa niña para siempre.

NO TENGAS MIEDO

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Director: Montxo Armendáriz

Guión: Montxo Armendáriz, María Laura Gargarella

Reparto: Michelle Jenner, Lluis Homar, Belén Rueda, Nuria Gago, Rubén Ochandiano, Cristina Plazas, Javier Pereira, Irantzu Erro, Ainhoa Quintana, Irene Cervantes, Maider Salas

Silvia (Michelle Jenner) es una joven marcada por una oscura infancia. Con apenas 25 años decide rehacer su vida y enfrentarse a las personas, sentimientos y emociones que la mantienen ligada al pasado. Y en su lucha contra la adversidad, contra sí misma, irá aprendiendo a controlar sus miedos y a convertirse en una mujer adulta, dueña de sus actos.

THE COMPANY MEN

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Director: John Wells

Guión: John Wells

Reparto: Ben Affleck, Kevin Costner, Tommy Lee Jones, Chris Cooper, Maria Bello, Craig T. Nelson, Rosemarie DeWitt, John Doman

Bobby Walker (Ben Affleck) vive el sueño americano: tiene un gran trabajo, una hermosa familia, un deslumbrante Porsche en el garaje. Cuando la política de reducción de personal lo deja a él y a sus compañeros Phil Woodward (Chris Cooper) y Gene McClary (Tommy Lee Jones) sin trabajo, los tres hombres se ven obligados a redefinir sus vidas como hombres, como maridos y como padres de familia. Bobby pronto se encuentra en la situación de tener que soportar sesiones de coaching, un trabajo como constructor de viviendas en la empresa de su cuñado (Kevin Costner) donde no utiliza sus habilidades ejecutivas y tal vez, el darse cuenta de que la vida es más que perseguir el próximo y el mejor negocio.

THOR

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Director: Kenneth Branagh

Guión: Mark Protosevich, Ashley Miller, Zak Stentz, Don Payne

Reparto: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, Rene Russo, Stellan Skarsgard, Jaimie Alexander, Kat Dennings, Ray Stevenson, Josh Dallas, Tadanobu Asano, Idris Elba, Clark Gregg, Colm Feore

La épica aventura de Thor abarca todo el universo Marvel: desde el día de hoy en la tierra hasta el reino de Asgard. El Imponente Thor es un poderoso pero arrogante guerrero cuyas temerarias acciones reinician una antigua guerra. Como castigo, Thor es arrojado a la tierra y obligado a vivir como un humano más. Una vez allí, cuando el villano más peligroso del mundo envía a las fuerzas más oscuras para invadirla, Thor aprende qué conlleva ser un verdadero héroe.

TOKIO BLUES

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Director: Tran Anh Hung

Guión: Tran Anh Hung basado en la novela de Haruki Murakami

Reparto: Rinko Kikuchi, Kenichi Matsuyama, Kiko Mizuhara, Tetsuji Tamayama, Reika Kirishima, Kengo Kora, Eriko Hatsune

Cuando Toru Watanabe (Kenichi Matsuyama) escucha casualmente el Norwegian Wood de Los Beatles, la melancolía y la nostalgia le hacen retroceder a su pasado como estudiante en el Tokio de finales de los 60. Toru recuerda a la inestable y misteriosa Naoko (Rinko Kikuchi), la novia de su mejor amigo de la adolescencia, y el suicidio de éste, suceso que le distanció de Naoko durante un año hasta que se reencuentran en la universidad. Allí inician entonces una relación íntima que, sin embargo, se resiente por la frágil salud mental de Naoko a la que internan en un centro. Al poco tiempo, Toru se enamora de Midori (Kiko Mizuhara), una joven activa y resuelta. Indeciso, sumido en dudas y temores, experimenta entonces el deslumbramiento y el desengaño allá donde todo parece cobrar sentido: el sexo, el amor y la muerte.

VAMOS A HACER DINERO

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Director: Erwin Wagenhofer

Guión: Erwin Wagenhofer

“Vamos a Hacer Dinero” le sigue la pista a nuestro dinero en su viaje por el sistema financiero global. Wagenhofer se asoma por detrás del colorido telón de fondo de los bancos y las compañías de seguros. ¿Qué tiene que ver nuestro fondo de pensiones con el estallido de la burbuja inmobiliaria en España? No hace falta que compremos una casa en España para estar involucrados en el problema. En el momento en que abrimos una cuenta bancaria ya formamos parte del sistema financiero global, lo queramos o no: el banco inyecta nuestra cuenta en el circuito global del dinero. Es muy probable que el banco o los fondos de pensiones entreguen nuestro dinero a los especuladores. Nosotros, los clientes, no tenemos ni idea de dónde vive nuestro deudor o qué hace para pagar nuestros intereses. A la mayoría ni siquiera nos interesa, porque nos gusta escuchar la llamada de los bancos: “Ponga su dinero a rendir”. Pero el dinero no rinde, no trabaja. Sólo las personas, los animales o las máquinas trabajan. El neoliberalismo descontrolado por el que se rige el primer mundo esclaviza al resto del planeta y perpetúa las desigualdades económicas y sociales, haciendo invencibles a las entidades bancarias. Las grandes corporaciones, auspiciadas por éstas, disponen legítimamente del poder de decidir el futuro de miles de trabadores erigiéndose como los auténticos árbitros de la sociedad por encima de la gestión de los estados. “Vamos a Hacer Dinero” es un esclarecedor retrato del estado de la economía mundial cuyo visionado nos hace más conscientes de nuestra realidad como ciudadanos.

jueves, 28 de abril de 2011

ESTRENOS EN DVD Y BLU RAY (25 AL 28 DE ABRIL)

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BABE, EL CERDITO VALIENTE (BLU RAY)

Babe el Cerdito Valiente es una historia ya eterna sobre un cochinillo huérfano. Con una inquebrantable voluntad y un modo único de expresarse, superará todos los pronósticos y se convertirá en un "cerdo del destino". La maravillosa aventura de Babe comienza en el corral del Granjero Hoggett. Al cuidado de Fly, el perro ovejero, Babe se imagina que él es también un perro ovejero... ¡y así se comporta! Pero en una granja donde tienen lugar las travesuras más descabelladas y viven los personajes más disparatados, tendrás que creer lo más increíble: el educado y encantador cerdito va a participar en el Campeonato Nacional de Perros Ovejeros.

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BABE 2: EL CERDITO EN LA CIUDAD (DVD Y BLU RAY)

Los tres mosqueteros Babe, Ferdey y Mrs. Hoggett inician su viaje hacia el corazón de la gran ciudad donde encontrarán increíbles obstáculos, enemigos que se convertirán en amigos, dinero para salvar la granja y combinarán los dos mundos en uno único. Una vez más el enorme y firme corazón de Babe conseguirá hacer increíbles milagros.

el último bailarin de mao

EL ÚLTIMO BAILARÍN DE MAO (DVD Y BLU RAY)

Basada en una historia real, la película cuenta la vida de Li Cunxin, rescatado a los once años de un pequeño pueblo de China por delegados culturales y enviado a Pekín. Allí comienza un increíble viaje vital que le llevará a pasar años de entrenamiento brutal para convertirse en uno de los mejores bailarines del mundo, aclamado como un héroe de la China comunista y, más tarde, despreciado por traidor.

Contenido Extra:

Tráiler. Bailar en tiempos revueltos (entrevista a Li Cunxin) (10 min). Cómo se hizo (19 min). Escenas eliminadas (21 min).

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EXTRAÑA ILUSIÓN (DVD)

El joven Paul padece cada noche un extraño y recurrente sueño en el que se entremezcla la imagen de su madre enamorándose de un hombre peligroso con la fantasmagórica visión de la muerte de su padre en accidente de coche. Con la ayuda de un amigo psiquiatra, Paul irá desentrañando el oculto significado de su pesadilla nocturna, solo para descubrir el terrible secreto que se esconde tras la muerte real de su padre. Lo que en principio había sido tomado como desafortunado accidente se torna en terrible y trágico crimen.

Contenido Extra:

Película: “Moon Over Harlem” (1939) de Edgar G. Ulmer. Presentación de la película a cargo de Bertrand Tavernier (2010). Libreto exclusivo con un texto de Christian Aguilera.

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GHOST IN THE SHELL 2: INNOCENCE (COMBO BLU-RAY + DVD)

Año 2032. La sociedad se encuentra totalmente computerizada y la línea que separa a los humanos de las máquinas se ha difuminado hasta hacerse prácticamente indistinguible. Tras la desaparición de la Mayor Motoko Kusanagi, Batou, detective cyborg de la Sección 9 de Seguridad Pública, investiga una serie de homicidios cometidos por prototipos de androides diseñados para el sexo. Lo que comienza como la búsqueda de un asesino acaba convirtiéndose en la lucha desesperada de un hombre por aferrarse a lo que le queda de la humanidad. Lo único que conserva el cibernetizado Batou de su humanidad es el cerebro y el recuerdo de una mujer. De algún modo, está seguro de que ella continúa viva en algún lugar de la inmensidad de la Red...

Contenido Extra:

Audiomentarios del Director y Animador Jefe: Los secretos y significados del mundo de Innocence. Making of Innocence: Descubre las secuencias más memorables de la película y su presentación en el festival de Cannes. Face to Face: Entrevista con Mamoru Oshii.

harry brown

HARRY BROWN (DVD)

En un suburbio inglés sumido en el caos, donde las drogas son moneda de cambio y las armas reinan en las calles, Harry Brown, un ex marine retirado, malgasta sus últimos años jugando al ajedrez con su amigo Leonard en un mugriento pub. Pero cuando éste es salvajemente asesinado por una banda, Harry saldrá de su letargo para dar rienda suelta a su personal día de furia.

Contenido Extra:

Escenas eliminadas y extendidas. Trailer. Galería fotográfica. Ficha artística y técnica.

im still here

I'M STILL HERE (DVD)

Polémico documental (o mejor dicho, aparente falso documental) que sigue la transformación de Joaquin Phoenix de actor a cantante de hip-hop. Tras "Two Lovers", el actor declaró estar cansado de actuar, que abandonaba el mundo de la interpretación, y que en el futuro se dedicaría en exclusiva a su faceta de cantante. En sus escasas apariciones en los medios, un casi irreconocible Phoenix mostraba, además, un comportamiento cada vez más extraño y poco sociable, y siempre su cuñado y gran amigo Casey Affleck solía estar cerca con una cámara para rodar lo que pasaba. Dada la naturaleza de algunas imágenes, que incluyen desnudos frontales masculinos, consumo de drogas y Phoenix teniendo sexo oral, todo parecía ser real.

las dos tormentas

LAS DOS TORMENTAS (DVD)

Tras los épicos rodajes de El nacimiento de una nación e Intolerancia, D.W. Grffith logró reponer su economía y su popularidad regresando a los melodramas folletinescos a los que se había dedicado desde 1908 a 1915. Las Dos Tormentas, basada en una popular obra teatral de Lottie Blair Parker, cumplía con creces los requisitos y desde su estreno en 1897 había superado las 4.000 representaciones y se había filmado en dos ocasiones. El film de Grffith lo volvió a confirmar como el gran maestro capaz de extraer una obra maestra de aquella materia prima.

Contenido Extra:

El poder del hielo.D.W. Griffith. Galería. Filmografías. Fichas.

las dos huérfanas

LAS DOS HUÉRFANAS (DVD)

D.W. Griffith volvió a repetir el éxito de Las Dos Tormentas con Las Dos Huérfanas, una melodramática obra teatral de probado éxito popular que había sido filmada anteriormente en dos ocasiones y de la que se filmó otra versión en Alemania al mismo tiempo que Griffith preparaba la suya. Pero trascendiendo a la mera anécdota folletinesca introdujo elementos de “Historia de dos ciudades” de Charles Dickens y de la “Historia de la Revolución Francesa” de Thomas Carlyle, libro que hizo leer a los principales actores y técnicos del film.

Contenido Extra:

Dos en la guillotina. D.W. Griffith. Galería. Filmografías. Fichas.

los ojos de julia

LOS OJOS DE JULIA (DVD)

Julia regresa a Bellevue con su marido para visitar a su hermana, casi ciega por una enfermedad degenerativa de la que intentó operarse sin éxito. Al llegar descubren que se ha suicidado. Julia no sólo debe afrontar la pérdida de su hermana, sino también la pérdida de toda esperanza para detener su inminente ceguera, pues ella sufre la misma enfermedad y parece compartir su mismo destino.

Contenido Extra:

Cómo se hizo Los Ojos de Julia.

los viajes de gulliver

LOS VIAJES DE GULLIVER (COMBO BLU-RAY + DVD)

Jack Black se pone en el papel de Lemuel Gulliver, un humilde encargado del correo de un periódico de Nueva York. Después de hacerse, mediante engaños, con la misión de escribir acerca del Triángulo de las Bermudas, Lemuel realiza el viaje y allí se ve transportado a una tierra no explorada, Lilliput. En este fantástico nuevo mundo, Gulliver, por fin, se convierte en una persona realmente importante, tanto en tamaño como en su ego, especialmente después de que comience a contar grandes historias, adjudicarse los mayores inventos de su mundo y colocarse en el centro de los sucesos más históricos.

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SIEMPRE A MI LADO (DVD)

Charlie St. Cloud (Zac Efron) es un joven perdido en su pasado. Acosado por una tragedia familiar que le ata a su hogar en un pequeño pueblo costero, ha abandonado todos sus sueños. Pero cuando su antigua compañera de instituto Tess (Amanda Crew) regresa inesperadamente, Charlie se abre a la posibilidad de un nuevo amor. Ahora que Charlie se encuentra en la encrucijada de mantener la promesa que hizo a su hermano o seguir los impulsos de su corazón, ¿tendrá la valentía de dar de lado a su pasado e ir en busca de Tess antes de que sea demasiado tarde?

Contenido Extra:

Escenas inéditas. Sobre el terreno con Zac Efron. Zac Efron, protagonista. El mundo intermedio. Comentarios del director Burr Steers.

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UN NIÑO GRANDE (BLU-RAY)

Will (Grant) es un inútil... ah, y también es egoísta y superficial, pero es al mismo tiempo un tipo guapo y millonario, despreocupado e irresistible, de 38 años, soltero forzoso y no tiene hijos. Un Audi Coupe y el peinado son suficientes preocupaciones en su vida, así que se dedica a lo que todo buen londinense se dedicaría si tuviera los medios: comprar CDs y ropa de diseñador, y seducir a mujeres hermosas. ¿Su trabajo? ¿Qué quiere decir esa palabra?... Una canción de su padre, grabada por todos, desde Elvis hasta Los Teleñecos, le tiene con dinero como para no trabajar ningún día de su vida, así que con las regalías todo lo que tiene que hacer es cultivar el (difícil y traumático) arte de evitar las responsabilidades.

lunes, 25 de abril de 2011

ENTREVISTA A CÁNDIDO PÉREZ DE ARMAS. “La dirección de actores es lo que más disfruto”

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En varias ocasiones hemos tenido la oportunidad de hablar en este blog de la cinta “La Guía del Silencio”, una película rodada en la isla de Tenerife, sin apoyos económicos, pero hecha con cariño e ilusión por un equipo de gente entregada a la historia que se quería contar. El estreno oficial de la película tuvo lugar el 21 de diciembre de 2010 y con este motivo tuvimos en aquel momento la ocasión de entrevistar a su director, Cándido Pérez de Armas en el programa de Radio Aguere La Luna de Méliès.

Desde entonces la película ha seguido un excelente recorrido, con posibilidades de entrar en el mercado americano (será presentada en el American Film Market que se celebrará en Los Angeles) y fue uno de los títulos seleccionados por el Festival Internacional de Cine de Las Palmas en su sección Foro Canario, donde se alzó con el Premio Monopol a la mejor película de ficción.

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Mañana martes, 26 de abril, se ofrecerá un nuevo pase de la cinta en Tenerife en el Instituto de Estudios Hispánicos de Canarias en el Puerto de la Cruz a partir de las 20h, una nueva oportunidad para que aquellos que aún no la hayan podido ver o que quieran repetir la experiencia. Además ese mismo día a partir de las 17h en el Centro de Estudios Profesionales AluCine, el actor Javier Almeda, protagonista de la película, realizará su primera MasterClass en Canarias. Este actor, con más de un centenar de proyectos en su haber, mostrará las claves para aprender a vivir siendo actor.

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Pueden escuchar el programa completo, acceder a otros podcasts y más información del programa “La Luna de Méliès” en:

http://www.radioaguere.com/index.php?option=com_content&view=category&layout=blog&id=32&Itemid=87

domingo, 24 de abril de 2011

NOVELAS DE CINE. CUANDO EL LIBRO ES LA ESTRELLA

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INTRODUCCIÓN

La adaptación de una novela al cine nunca es fácil. Por mucho esfuerzo que se ponga en ella, siempre existirá un grupo de espectadores que comparará la adaptación con el original y esbozarán la consabida frase: “el libro era mejor”. Más complicado aún es cuando esa novela es además un fenómeno editorial, con multitud de fans que están dispuestos a sacar las uñas si ven que sus personajes son atacados o simplemente modificados por la industria del cine. Sin embargo, para los productores, el poder contar con una historia que ya cuenta con una clientela cautiva que va a ir seguro a ver la película aunque sólo sea para criticarla es un atractivo aditivo para la campaña de publicidad.

TÍTULOS DE REFERENCIA

Lo que el viento se llevó libro Lo que el viento se llevó

Uno de los ejemplos clásicos de esto es “Lo que el Viento se Llevó”. El éxito de la novela de Margaret Mitchell era descomunal en aquella época y su traslación al cine no era más que una cuestión de tiempo. Uno de los principales problemas era poder encontrar a los actores idóneos a la hora de adaptar esa novela. Aquellos que ya la habían leído tenían una imagen en sus cabezas de qué apariencia debían tener y había que luchar contra eso. Era necesario encontrar a actores tan carismáticos que hicieran que, a partir de entonces, ya el público no pudiera separar su imagen de la del personaje. Sin lugar a dudas el casting más duros fue para elegir a la protagonista, Escarlata O’Hara. 1400 actrices fueron entrevistadas para ello, entre las que se encontraban grandes estrellas como Tallulah Bankhead, Bette Davis, Joan Crawford, Katharine Hepburn, Olivia de Havilland, Carole Lombard, o Barbara Stanwyck. Al final cayó en manos de Vivien Leigh. El resultado ha sido una adaptación atemporal, que ha superado (e incrementado) el éxito de la novela, convirtiéndose en una de las películas de referencia de la historia del cine.

Dune libro Dune

Dando un salto en el tiempo, otra novela que partía con el handicap de la fascinación que la novela había generado entre los lectores era “Dune”. La considerable extensión del libro y su naturaleza eran otros apartados a tener en cuenta. Esta obra de Frank Herbert era considerada como inadaptable y lo cierto es que, a pesar del esfuerzo de su director, del presupuesto invertido y de lo acertado del tratamiento que se le dio a la novela, la película dirigida por David Lynch es considerada como un intento fallido. El principal escollo fue un exceso de voz en off, necesaria para explicar algunos acontecimientos sin tener que mostrarlos en pantalla, pero que a la larga saturaba al espectador. A pesar de todo, la película cuenta con varios momentos destacados, una dirección muy trabajada y un épico diseño de producción.

El Color Púrpura libro El Color Púrpura

Algunas novelas parten también no sólo del éxito comercial y del fenómeno de culto que se haya podido generar a su alrededor, sino también del valor social que pueda tener la novela. “El Color Púrpura” de Alice Walter es un hito dentro de la literatura afroamericana, y un referente importante en lo relacionado con la divulgación de la identidad y la cultura de este grupo racial y social. Es por esto que cuando un director tan apartado del material original, como Steven Spielberg adquirió los derechos para llevar la novela al cine, toda la comunidad montó en cólera ante lo que les parecía un atropello racista y mercantilista. Hay que tener en cuenta que por aquel entonces Spielberg era conocido principalmente por ser el Rey Midas de Hollywood, con una filmografía basada en cintas de explotación comercial, como “Tiburón”, “En Busca del Arca Perdida” o “E.T. El Extraterrestre”. Afortunadamente, el director supo adaptarse a las necesidades de la historia, consiguiendo apaciguar las críticas tras el estreno de la película, aunque hay quien sigue viendo racista que no se hubiese contratado a un director afroamericano para dirigir esta adaptación.

El Nombre de la Rosa libro El Nombre de la Rosa

“El Nombre de la Rosa” también partía con el referente de ser no sólo un fenómeno editorial, sino también una obra de referencia, masivamente leída por millones de personas, que habían quedado cautivadas por su complejidad. Para su adaptación a la pantalla grande fue necesario simplificar mucho su contenido, centrándose el guión principalmente en la trama detectivesca, y dejando todo lo referente a la descripción de la época y las diferencias sociales al campo del diseño de producción. Además se partía con el rechazo del autor de la novela a que fuera Sean Connery el protagonista de la película. En este caso, el encasillamiento del actor en el papel de James Bond jugó en contra suya, pero gracias al apoyo del director se pudo mantener en el papel, demostrando a Humberto Eco que era el actor perfecto para representar a su Guillermo de Baskerville.

La Insoportable Levedad del Ser libro La Insoportable Levedad del Ser

“La Insoportable Levedad del Ser” también partía de la complejidad de adaptar a imágenes la prosa filosófica de Milán Kundera. Para ello se contó con la dirección de Phillip Kauffman, realizador americano con fama de intelectual gracias a títulos como “La Invasión de los Ultracuerpos” o “Elegidos para la Gloria”, además de un guión escrito por el escritor Jean Claude Carrière. Delante de la cámara, se situó a actores de prestigio internacional como Daniel Day Lewis o Juliette Binoche. La película fue un gran éxito y su visión de la sexualidad y la política de la Checoslovaquia previa a la invasión soviética de 1968 obtuvo una espléndida recepción por parte del público.

El Almuerzo Desnudo libro El Almuerzo Desnudo

Otra novela con fama de inadaptable era “El Almuerzo Desnudo” de William Burroughs, que fue llevada al cine por el director David Cronenberg en 1991. Representante de la generación Beat, Burroughs no había tejido una historia tradicional, sino una amalgama de referencias que daban como resultado una trama discontinua basada en las experiencias del autor con las drogas. Cronenberg renunció a realizar una adaptación literal de la novela y lo que hizo fue fusionarla con otros elementos de la vida y la obra de Burroughs, adaptándolos a su visión cinematográfica. La película es una obra compleja, cargada de referencias sexuales y literarias, que no fue muy bien recibida en su momento, suponiendo uno de los títulos menos reseñados de la filmografía del director canadiense.

El Diario de Bridget Jones libro El Diario de Bridget Jones

Como hemos podido ver, en ocasiones el problema de la adaptación no lo supone tanto la novela en sí, sino la defensa de personajes que se han convertido en iconos de nuestra sociedad. Como es el caso de la obra de Helen Fielding “El Diario de Bridget Jones”, cuyo éxito radica principalmente en la forma en que supo conectar con el público femenino, que se veía identificado con su personaje protagonista. Los recelos aparecieron cuando se anunció que la protagonista de la película iba a ser René Zellwegger, una atractiva y delgada actriz hollywoodiense, en lugar de alguna rolliza actriz británica. Sin embargo la actriz supo amoldarse al papel. Para ello siguió un régimen de comidas que le ayudara a engordar (basado principalmente en la ingesta de Donuts), y contó con el asesoramiento de un experto en dicción que le indicó cómo hablar con acento británico. Llegado el día del estreno, la elección acabó siendo aceptada por el público, hasta el punto de que llegado el momento de adaptar la segunda novela no se planteó ninguna otra opción para encarnar al personaje.

entrevista con el vampiro libro Entrevista con el Vampiro

Otra película que también tuvo que enfrentarse a un problema de casting, en este caso con la autora de la novela, fue “Entrevista con el Vampiro”. Cuando Anne Rice escribió la novela en 1973, imaginó a sus protagonistas principales, los vampiros Louis y Lestat, con los rostros de Tom Berenger y Rutger Hauer y montó en cólera cuando vio que los elegidos eran Brad Pitt y Tom Cruise. Es cierto que, en un principio, la elección de Cruise resultó chocante a todo el mundo, pero también es verdad que las elecciones de Rice resultaban un tanto ridículas para cuando se adaptó la novela en 1994, ya que los actores estaban demasiado envejecidos para estos papeles, además de no tener el tirón comercial de antaño. Al final, como suele ocurrir en estos casos, la escritora se desdijo de las críticas una vez hubo visto la película, donde quedó claro el esfuerzo de Tom Cruise por hacer un cambio de imagen.

ADAPTACIONES PARA EL NUEVO SIGLO

Resulta curioso que en una sociedad que cada vez parece prescindir más de la cultura de la lectura, siga siendo la literatura una de las principales fuentes de inspiración del Séptimo Arte, y que determinados libros, auténticos fenómenos editoriales se conviertan en el objeto del deseo de los productores de Hollywood para poder llevar a los espectadores al cine. En lo que llevamos de siglo XXI es ya innumerable la cantidad de películas basadas en novelas que se han realizado e incluso hemos podido encontrar un incremento en lo que se refiere a películas inspiradas en populares novelas o sagas literarias dirigidas al público infantil y juvenil.

El Señor de los Anillos libro El Señor de los Anillos

El comienzo del nuevo siglo quedó marcado a nivel cinematográfico con el estreno en 2001 de la primera entrega de la trilogía de “El Señor de los Anillos” a cargo de Peter Jackson. Considerado uno de los hitos de la literatura fantástica, una adaptación completa de la magna obra de J.R.R. Tolkien se había convertido en el sueño de sus numerosos lectores desde que en 1978 el intento de Ralph Bakshi quedara frustrado tras el fracaso comercial de su adaptación conjunta de “La Comunidad del Anillo” y “Las Dos Torres”. Los avances en efectos especiales y la determinación de rodar las tres películas de manera conjunta, dejando un año entre el estreno de cada entrega para el desarrollo de la postproducción, hicieron posible esta trilogía, convirtiéndola en uno de los iconos de la primera década del siglo XXI.

Harry Potter libro Harry Potter

Junto con la obra de Tolkien, el otro fenómeno literario/cinematográfico representativo del cambio de centuria ha sido las adaptaciones de la saga de Harry Potter. Las siete novelas escritas por J.K. Rowling han inspirado al final ocho películas que cerrarán un ciclo este mes de julio cuando el episodio final llegue a las pantallas. Niños y adolescentes de todo el mundo han crecido leyendo las novelas y viendo las películas, convirtiendo a Harry Potter en todo un icono generacional. Además el éxito de estas películas generó la producción de múltiples adaptaciones de literatura fantástica juvenil con las que la industria del cine buscaba (casi siempre sin éxito) repetir la fórmula: “Las Crónicas de Narnia”, “Los Puentes de Terabithia”, “La Brújula Dorada”, “Los Seis Signos de la Luz”, “Eragon”.

Memorias de una Geisha libro Memorias de una Geisha

Dentro de los bestseller de literatura para adultos, la mezcla de melodrama clásico con el exotismo oriental de “Memorias de una Geisha” de Arthur Golden supo captar la atención de millones de lectores. Si bien la supuesta protagonista real de la historia quiso desacreditar la versión occidentalizada de su vida que había expuesto Golden, escribiendo otra versión, “Vida de una Geisha”, la nueva novela no tuvo la misma recepción. La versión cinematográfica de la novela de Golden estuvo fraguándose durante años, retrasándose su producción principalmente por problemas de agenda de Steven Spielberg, quien inicialmente se iba a encargar de la dirección. Finalmente el autor de “La Lista Schindler” cedió el testigo a Rob Marshall, reservándose el papel de productor. Otra polémica relacionada con esta adaptación surgió al anunciarse el reparto y desvelarse que la mayor parte de los papeles principales no iban a estar interpretados por actrices japonesas, sino chinas (Zhang Ziyi, Michelle Yeoh, Gong Li). Al final, pese a su cuidada producción y preciosista acabado, no obtuvo el éxito esperado, cercenando la carrera americana de su actriz principal.

El Código DaVinci libro El Código DaVinci

También envuelta en la polémica llegó la obra de Dan Brown, “El Código DaVinci”. Su argumento basado en una posible línea hereditaria de Jesucristo y su visión de los estamentos eclesiásticos y concretamente del Opus Dei se granjeó el veto de la Iglesia Católica, así como la mirada recelosa de ésta hacia la adaptación cinematográfica. Al final, la película dirigida por Ron Howard y protagonizada por Tom Hanks suavizó el tono de la novela pero mantuvo su éxito comercial, ayudando incluso a reimpulsar las ventas del libro, así como las de la aventura anterior de Robert Langdon, “Ángeles y Demonios”, cuya versión cinematográfica se estrenó en 2009, aunque situando la acción cronológicamente después de “El Código DaVinci”. Los derechos de la tercera entrega, “El Símbolo Perdido” han sido adquiridos para adaptación cinematográfica, pero de momento la producción se encuentra paralizada.

alatriste libro Alatriste

Como representación de fenómeno editorial en nuestro país podemos escoger la serie literaria de Arturo Pérez Reverte “Las Aventuras del Capitán Alatriste”. Compuesta por seis novelas publicadas entre 1996 y 2006, la historia abarca la vida de Diego Alatriste y Tenorio, un soldado veterano de los tercios de Flandes y espadachín que malvive en el Madrid del siglo XVII. Con estos títulos el escritor alcanzó el mayor éxito de su ya provechosa carrera literaria, al mismo tiempo que hacía rebrotar el gusto por la novela histórica entre los lectores e nuestro país. Las malas experiencias con previas adaptaciones cinematográficas de sus obras hacían de Reverte un escritor reticente a vender los derechos de las novelas, hasta que el director Agustín Díaz Yanes le sedujo con un planteamiento que abordaba en una sola película todo el arco argumental de las seis novelas. La película se convirtió en la producción española más cara hasta la fecha y contó con un reparto encabezado por Viggo Mortensen, quien se incorporó a la película avalado por su papel de Aragorn en la trilogía de “El Señor de los Anillos”. La película tuvo una recepción desigual, aplaudida por un sector de la crítica y el público, fue un éxito comercial, sin embargo, otros sectores criticaron la apuesta de Díaz Yanes de desaprovechar todo el material literario de un plumazo, con un guión atropellado y confuso, además de una puesta en escena que no sacaba partido a las posibilidades épicas de la historia.

el perfume libro El Perfume

Una novela altamente ansiada por el cine desde su publicación en 1985, pero que parecía también infilmable era “El Perfume” de Patrick Süskind. La reticencia del autor a vender los derechos de la novela, la relevancia de su prosa a la hora de hacer llegar al lector las sensaciones que experimenta el protagonista y lo bizarro de la historia que cuenta trajo de cabeza durante años a cineastas como Ridley Scott, Tim Burton, Martin Scorsese, Milos Forman o Stanley Kubrick, siendo finalmente el j0ven realizador alemán Tom Tikwer quien se llevara el gato al agua. La adaptación de “El Perfume” se convirtió en una costosa producción europea en la que el cineasta se esforzó por reflejar visualmente la dureza y la morbosidad del relato, pero también esa belleza esencial que encandila al personaje de Jean-Baptiste Grenouille. El resultado fue una excelente película, aplaudida y taquillera en Europa, pero que pasó más discretamente por Estados Unidos.

seda libro seda

Otra novela de referencia, cuyo éxito ha ido más allá del fenómeno editorial temporal para convertirse en uno de los títulos fijos en las estanterías de cualquier librería es “Seda”, de Alessandro Baricco. Publicada en 1996, está ambientada en el siglo XIX y establece de manera poética y sugerente los contrastes entre la cultura occidental y la japonesa, al mismo tiempo que narra un triángulo amoroso marcado por la distancia. A cargo de la adaptación se puso el director francocanadiense François Girard, avalado por títulos como “Sínfonía en Soledad” o “El Violín Rojo”. Girard demuestra una exquisita sensibilidad hacia el material de la novela, con una puesta en escena descriptiva y meticulosa, sostenida bajo el rostro hierático del joven actor Michael Pitt y la belleza de las actrices Keira Knightley y Sei Ashina (aunque finalmente quien realmente se lleva el gato al agua es Alfred Molina con su papel de Baldabiou). A pesar de esto, sin embargo, la película no funcionó en taquilla y no obtuvo el beneplácito de los seguidores de la novela.

Ensayo sobre la Ceguera libro Ensayo sobre la Ceguera

Algo similar sucedió con la adaptación en 2008 de la obra de José Saramago “Ensayo sobre la Ceguera”. Considerada como una de las obras más populares del escritor portugués y fuente de gran parte de su fama internacional, también fue una adaptación largamente ansiada por el cine, pero que ofrecía múltiples dificultades para dar el salto a la pantalla. Finalmente fue el director brasileño Fernando Meirelles (“Ciudad de Dios”, “El Jardinero Fiel”) quien se arriesgó con la película, retitulada “A Ciegas”, entregando los papeles principales a un heterogéneo grupo de actores encabezados por Julianne Moore, Mark Ruffalo, Gael García Bernal y Danny Glover. Guiado por la crudeza de la historia, Meirelles traduce la contundente prosa de Saramago en imágenes cada vez más desasosegantes, aunque a la postre su versión cinematográfica se quede necesariamente corta frente al amplio espectro que cubre la novela. Esto provocó que, pese a sus méritos, la película resultara en muchos casos insufrible y desagradable para aquellos que no habían leído la novela, mientras que los lectores la acusaran de insuficiente a la hora de reflejar lo experimentado entre las páginas del libro.

crepusculo libro Crepúsculo

Regresamos a un terreno más comercial y encontramos entre los grandes booms editoriales de los últimos años la saga “Crepúsculo” escrita por Stephenie Meyers. Aunque se trata de una serie literaria y cinematográfica que provoca bandos encontrados, no se puede negar su éxito comercial, sobre todo entre el público juvenil, y que con esta franquicia Hollywood por fin parece haber encontrado lo que perseguía desde el estreno de “Harry Potter y la Piedra Filosofal”, es decir, otra saga de fantasía juvenil con la que mantener al público adolescente cautivo a la pantalla durante varios años. Tal es la influencia de la creación de J.K. Rowling, que Summit Entertainment los productores de “Crepúsculo” ya han adoptado la argucia de la Warner de dividir en dos partes la última entrega literaria de la saga, para poder sacar más rendimiento económico a la producción. Si nos atenemos a los comentarios de los seguidores de la serie, hasta el momento parece que la adaptación logra su visto bueno. Más allá de discordancias con algunas partes del libro que han desaparecido en las películas o que han tenido que modificarse (algo habitual y necesario en toda adaptación), por regla general se han aplaudido las tres películas que se han estrenado hasta la fecha y se ha encumbrado a los actores protagonistas.

Millenium libro millenium

En los últimos años uno de los últimos autores en producir una conmoción en el mercado editorial ha sido Stieg Larsson y su trilogía “Millenium”, provocando no sólo un tremendo nivel de ventas de los tres libros, sino despertando también un inesperado interés internacional por la novela negra sueca. El tono adulto de las novelas, en la que se mezcla intriga, violencia y sexo, ha enganchado a lectores de todo el mundo que han devorado los voluminosos libros de manera ávida e insaciable. Antes de producirse el boom de ventas de la primera novela, los derechos fueron vendidos a Nordisk Films quien inicialmente iba a producir tres películas para televisión basadas en cada una de las novelas. Esto produjo no sólo que la productora se viera beneficiada por el fenómeno editorial en cuanto a la recepción de las películas que pasaron directamente a estrenarse en cines de todo el mundo, sino también a la proximidad del estreno de estas con respecto al éxito de las novelas. Cuando toda la industria literaria y cinematográfica aún estaban analizando el fenómeno, las tres películas estaban ya en proceso de producción, estrenándose con pocos meses de diferencia una de otra. Con un nivel de calidad decreciente de la primera a la última, la trilogía cobra como valores propios la excelente labor de sus dos actores protagonista, el eficiente Michael Niqvist y la sorprendente Naomi Rapace, verdadera estrella de la función y todo un descubrimiento interpretativo. Culminada la versión sueca, ya en Hollywood se han puesto las pilas y tras anunciar su interés por el material Quentin Tarantino, ha sido el director David Fincher quien se haya hecho con la realización de la primera entrega que tiene fecha de estreno para el 21 de diciembre de este año.

The Road libro The Road

Considerado como uno de los grandes novelistas estadounidenses contemporáneos, Cormac McCarthy no ha sido un autor especialmente adaptado al cine. El tono duro y seco de su obra o la crudeza de la violencia tal y como la plasma en la página son aspectos que no atraen en exceso a los productores de la industria del cine, temerosos de que sus historias puedan espantar a los espectadores de la sala en lugar de atraerlos. Sin embargo, tras el éxito de los Hermanos Coen con “No Es País para Viejos” y la entrega del premio Pulitzer en 2007 por su novela “The Road” hizo que se diera luz verde a la producción de esta extraordinaria novela, en la que además había convergido el aplauso crítico con el éxito editorial. El director John Hilcoat llevó a cabo una película sucia, cruda y angustiosa, con una cuidada estética post-apocalíptica (gracias en gran parte a la asombrosa dirección de fotografía del español Javier Aguirresarobe) y un desarmante trabajo interpretativo por parte de Viggo Mortensen, dando como resultado una magnífica epopeya crepuscular donde la única pega que se le podía hacer al conjunto es que ni siquiera así fue capaz de alinearse con la novela original en fiereza y contundencia.

Los Pilares de la Tierra libro los-pilares-de-la-tierra

Uno de los principales problema que se encuentra el cine ante la adaptación de una novela es la extensión. Mientras a una película se le supone unos parámetros de duración determinados, en una novela el autor se puede extender de manera más amplia y detallada en la acción, la ambientación o los personajes. Esto provoca que determinadas obras sean imposibles de llevar a la gran pantalla por una cuestión puramente de duración, ya que para hacerlo habría que dejar gran parte de la historia en el papel o dividir el argumento global en varias películas. Frente a este problema, hoy en día nos encontramos con un auge de la producción para televisión, hacia donde se están derivando muchos productos que por su naturaleza no tienen cabida en el cine. Durante años los intentos por llevar la obra capital de Ken Follett, “Los Pilares de la Tierra”, fueron infructuosos. Lo voluminoso de la novela, la extensión de su argumento que abarca a varias generaciones de personajes, con múltiples tramas entrelazándose con el paso de los años alrededor de la construcción de una catedral en el siglo XII hubiese quedado alterado en una película de duración convencional, o incluso en una producción que se acercara a las cuatro horas de metraje; sin embargo, en una producción para televisión la duración global es más maleable distribuyendo toda la trama en diferentes episodios de una miniserie con el fin de ser más fieles a la obra original. Producida por los hermanos Ridley y Tony Scott y supervisada por el propio Follett, la versión televisiva de la novela apostó por una puesta en escena cuidada y lujosa, con una minuciosa ambientación de la época y un ambicioso casting que incorporaba a actores veteranos y carismáticos, como Donald Sutherland o Ian McShane, y estrellas en auge como Matthew Macfadyen, Hayley Atwell o Eddie Redmayne. El principal propósito fue no defraudar a los fans y esto se consiguió en parte. A rasgos generales, se mantienen los mismos personajes y la puesta en escena se ajusta a las descripciones del autor, sin embargo, algunas modificaciones en el texto levantaron la indignación de los más puristas (especialmente la introducción de una relación incestuosa que no estaba en la novela). Como miniserie, “Los Pilares de la Tierra” resulta correcta y bien empacada, pero carente de personalidad o riesgo. La puesta en escena es muy comedida, temerosa de no salirse de tono para no molestar, pero también incapaz de sorprender al espectador que busque en ella algo novedoso.

CONCLUSIÓN

Bookshelves

Es un hecho que para pervivir el cine seguirá necesitando de historias que den forma a las imágenes, y salvo excepciones, es en el mundo de la literatura donde las encuentra. Si éstas además vienen acompañadas por un fenómeno editorial capaz de derivar millones de lectores directamente a las salas de cine, mejor que mejor. Muchos de ellos podrán salir decepcionados de la sala, clamando que la película no hace justicia al libro, pero no por ello dejarán de pagar su entrada en la próxima ocasión. Y es que si el cine necesita de la literatura para que lo nutra con sus historias, ésta necesita también del cine para llegar a un público más amplio, para seguir vendiendo en las librerías con nuevas ediciones maquetadas con el poster de la película en la portada, y nosotros, los lectores, seguiremos necesitando pasar por la taquilla para ver cómo alguien encarna a los personajes a los que hemos dado vida en nuestra imaginación. Tal vez todos seremos más felices el día en que seamos capaces de situar cada cosa en su contexto. Un buen libro siempre nos acompañará sea mejor o peor la adaptación. Una película no destruye o sustituye al material original, sólo es una nueva versión de la historia en otro formato. Puede ayudarnos a ver lo que hemos leído desde otra perspectiva o devolvernos algunas de las sensaciones que nos proporcionó la letra escrita. En el mejor de los casos nos enriquecemos cultural y emocionalmente; en el peor, siempre podremos optar por quedarnos con la que más nos satisfaga y prescindir de la otra.