domingo, 29 de agosto de 2010

“EL EQUIPO A” / “LOS MERCENARIOS”. NO PUEDES COMPRAR MI HONOR

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1. INTRODUCCIÓN

Cosas del verano, han coincidido en pantalla dos títulos protagonizados por sendos grupos de mercenarios que nos retrotraen a la década de los 80 de manera directa. Por un lado, “El Equipo A”, dirigida por Joe Carnahan (“Narc”, “Ases Calientes”), adaptación de la famosa serie de televisión, emitida entre 1983 y 1987 y protagonizada por George Peppard, Dirk Benedict, Dwight Schultz y Mr. T. Por otro, el nuevo trabajo delante y detrás de la cámara de Sylvester Stallone después del éxito de la cuarta parte de Rambo, “Los Mercenarios” (anodina traducción del título original, “The Expendables”, más acorde con la filosofía de su creador y que nos recuerda aquella clásica escena de “Rambo. Acorralado parte II” en la que el héroe se sinceraba con su partenaire, Co Bao) y para la que ha convocado a nuevas y viejas glorias del cine de acción.

2. AQUELLOS MARAVILLOSOS 80s

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Para ponernos en situación, tenemos primero que hacer un pequeño viaje en el tiempo a la Norteamérica de los años 80, marcada principalmente por la presidencia de Ronald Reagan, en la que se promulgaron los valores más conservadores de la sociedad, severas medidas económicas y la importancia del intervencionismo del país en causas extranjeras (especialmente Latinoamérica y Oriente Medio) en una lucha contra el narcotráfico, la expansión del comunismo y por el control del petrodólar.

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“El Equipo A” marcó una época en la televisión estadounidense y sus protagonistas se convirtieron en referentes de un tipo de entretenimiento que apostaba por un sentido de la acción naif y saludable, donde los malos siempre salían mal parados, los honestos eran recompensados y los buenos nunca mataban a nadie. Nuestros héroes tenían un alto sentido del honor, y si bien vendían sus servicios, sólo aceptaban aquellos trabajos en los que podían ayudar a la comunidad y azotar a indeseables, egoístas, codiciosos y estafadores que se aprovechaban de la indefensión de sus víctimas. A lo largo de cinco temporadas, la serie acuñó algunos elementos para la posteridad: aquella introducción que abría cada episodio (“En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres del ejército americano…”), la sintonía de creada por Pete Carpenter y Mike Post, la furgoneta GMC Van negra y roja de M.A., el latiguillo de Hannibal (“me encanta que los planes salgan bien”) y sus puros, las huidas imposibles de Murddock del psiquiátrico o las indispensables escenas de los jeep volando por los aires y dando una vuelta de campana.

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Por su parte, éste resultó también el periodo de reinado de los actioners, con Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger a la cabeza. La conjunción de personajes como Rocky (“Rocky III” y “Rocky IV”), Cobra y, especialmente, Rambo (el de las secuelas, no el de “Acorralado”, ése era otro), convirtieron a Stallone en el modelo representativo en el cine de la era Reagan (Schwarzenegger se beneficiaría más de la legislatura de George Bush Sr.). Sus personajes se sacrificaban por una sociedad que no les aceptaba, encarnando un concepto de la violencia, la justicia y la venganza que estaba vetado para el resto de los mortales. Lo suyo no eran las arengas ni los discursos, pero cuando hablaban sabían ser contundentes con pocas palabras. Su principal virtud era entrar en la boca del lobo, desatar el infierno y salir caminando dejando sólo fuego y destrucción a sus espaldas. Esto les convertía en unos solitarios, pero con un cierto halo romántico, ya que cada triunfo iba acompañado de un sacrificio (un compañero, el amor o una parte de su alma).

3. HERVIDERO DE TESTOSTERONA

Para estas dos actualizaciones del siglo XXI, estaba claro que uno de los puntos principales era mantenerse fieles a los personajes, más que al concepto de acción en si mismo. Es en ellos donde realmente anida el espíritu de la época.

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En “El Equipo A” se ha querido juntar un sólido grupo de actores que den nueva entidad a los personajes clásicos, sin perder de vista el toque nostálgico de las encarnaciones originales. Liam Neeson supone un inmejorable Hannibal Smith (previamente se tantearon otros nombres como Mel Gibson o Bruce Willis), con su sola presencia mantiene el liderazgo del grupo (no sólo como personaje, sino también como actor, es claramente la estrella de mayor prestigio del reparto y un referente profesional para sus compañeros) y le da al coronel un tono lúdico, pero al mismo tiempo serio. Bradley Cooper despliega todo su encanto para interpretar el papel de Fénix, así como cierto aire chulesco y provocador, aunque perdiendo por el camino el porte distinguido y diplomático de Dirk Benedict. Si Neeson es el actor de prestigio, Cooper, tras su éxito con “Resacón en Las Vegas”, pasa a ser el gancho comercial, el rostro de moda para atraer a los espectadores más jóvenes y, de paso, el enlace con el público femenino.

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La búsqueda del nuevo M.A. Barracus fue complicada. Tras barajarse nombres de raperos como Ice Cube, Common o The Game, el papel cayó en manos del profesional de lucha libre americana Quinton 'Rampage' Jackson, quien supo amoldarse físicamente al papel (cresta incluida) y reproduce la mala uva y la contundencia de Mr T., aunque de los cuatro es al que se le nota más verde en su interpretación y no cuenta con el carisma que sí poseía su antecesor. Por último, tenemos a Shalto Copley, un actor sudafricano, quien gracias a su papel en “District 9” supo imponerse a otros nombres más conocidos, como Woody Harrelson o Ryan Reynolds. Al igual que en la serie, el papel de Murdock es el más secundario del equipo, aunque también como Dwight Schultz, Copley sabe aprovechar la libertad que aporta el personaje para salirse por la tangente y eclipsar a sus compañeros cada vez que entra en pantalla. Al final de todos demuestra ser el más idóneo para interpretar su papel. Al fin y al cabo, Neeson está por encima de Hannibal, Bradley ajusta a Fénix a sus características, Rampage no llega, pero de Copley podemos afirmar sin rubor que ES Murdock.

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En el caso de “Los Mercenarios” no partimos de personajes conocidos por el público con anterioridad, pero sí de un patrón perfectamente identificable. El líder del grupo, Barney Ross, al igual que John Rambo, es un guerrero idealista desencantado con su país, convirtiéndose así en un desterrado, alguien que, ante la pérdida de valores que le rodea, lucha por dinero hasta que encuentre una causa con la que poder redimirse y recuperar su honor. Después de un periodo de pérdida de popularidad y proyectos poco rentables, Stallone sabe que el éxito de “Rocky Balboa” y “John Rambo” le ha otorgado un último balón de oxígeno a su carrera, echando toda la carne en el asador en las escenas de acción, dispuesto a emplear estos últimos cartuchos para cerrar su filmografía con un broche final que esté al mismo nivel que su etapa de mayor esplendor.

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Evidentemente, aquí Ross es el protagonista principal de la historia, sin embargo, Stallone ha querido rodearse de un grupo de artistas de diferentes categorías (no todos actores, sino también expertos en lucha libre americana o artes marciales mixtas) para dar forma a su grupo de indómitos mercenarios. El segundo de a bordo del grupo es el experto en cuchillos Lee Christmas (aquí tenemos otro elemento clave de este tipo de cine de acción, nombres sencillos, llamativos y retentivos, de forma que, ante la falta de un mayor desarrollo psicológico del personaje, rápidamente lo podamos identificar por un apelativo o unos rasgos físicos determinados), al que da vida Jason Statham, quien también aproxima su personaje a las características de uno de los personajes clave de su filmografía , el Frank Martin de “Transporter” (en ambos casos tenemos a un exmilitar, quien bajo su apariencia de bruto, esconde un hondo sentido de la disciplina, la lealtad y, una vez más, el honor). Dentro de este interés de Stallone por reunir a la vieja y la nueva guardia, Statham viene a representar uno de los más asentados nuevos valores del cine de acción. Cierto que no cuenta con el caché que sí tuvieron en su momento los principales actioners de los 80, pero al trabajar a tres bandas entre Hollywood, Francia y Gran Bretaña, ha sabido hacerse un hueco en diferentes cinematografías y, por extensión, en diferentes sectores geográficos de espectadores.

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Le sigue de cerca Jet Li, experto en artes marciales, una de las principales estrellas del cine chino y que, curiosamente, ha compartido pantalla con Statham en más de una ocasión (“El único”, “El Asesino”). La participación de Li en la cinta es posiblemente la más discutible, no por el actor en sí, sino por lo desaprovechado que está. Su personaje recibe el poco lucido nombre de Ying Yang y casi desde el principio pasa a ocupar el puesto de alivio cómico en la cinta (siempre se está quejando, pidiendo más dinero y sus compañeros se meten con él por su baja estatura). Tiene pocos momentos de lucimiento en pantalla y en ellos no se aprovecha todo su potencial a pesar de contar para sí con la colaboración del experto coreógrafo Corey Yuen. La conclusión que sacamos es que para Stallone la rapidez, agilidad y flexibilidad de Li no se pueden comparar con la pétrea corpulencia de sus compañeros de reparto.

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El grupo se cierra con los actores Randy Couture y Terry Crews, el primero famoso campeón de los campeonatos de artes marciales mixtas y el segundo, un antiguo jugador de fútbol americano, ambos reconvertidos ahora en actores en cintas de acción y comedias donde explotan sus características físicas. Sus personajes quedan relegados principalmente para los momentos de acción (con algún momento cómico aislado para que el público pueda empatizar con ellos). Pese a ello, Stallone se las apaña para que (sobre todo en el clímax final) jueguen un papel crucial en la acción y los espectadores se preocupen por su supervivencia.

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Aparte del quinteto protagonista, Sylvester Stallone ha convocado en la película a algunos de sus viejos amigos. De ellos, el que cuenta con más relevancia en la historia es Dolph Lungren, actor sueco que se diera a conocer precisamente con su papel de Iván Drako en “Rocky IV”, gozando de cierta fama en la segunda mitad de los 80, para caer a las ligas del cine de acción de serie B en los 90. En “Los Mercenarios” recupera su vieja contienda con Stallone, interpretando a un antiguo integrante del grupo, receloso por haber sido dejado de lado. Recuperado gracias a su papel en “El Luchador”, Mickey Rourke interpreta un estrafalario personaje, antiguo compañero de Barney Ross y encargado de asignar nuevas misiones al equipo. Rourke aceptó el papel en gratitud a Stallone, quien le dio trabajo cuando estaba completamente arruinado. Su participación no es demasiado extensa, pero la personalidad del actor le da una mayor dimensión (de hecho, da la impresión de que improvisa muchos de sus diálogos los sobre la marcha), compartiendo algunas entrañables escenas con el protagonista.

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Por último tenemos el momento “Planet Hollywood”, donde por primera vez se reúnen en pantalla los tres grandes nombres de los 80: Sylvester Stallone, Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger. Es cierto que se trata de una escena absurda, completamente gratuita y que se basa más en los chistes privados que se intercambian las tres estrellas que en una verdadera necesidad argumental, sin embargo, es sin duda uno de los momentos cumbre de la película, dirigida únicamente para obtener la complicidad de la audiencia y regalarles una escena para la posteridad.

4. PLAN A, PLAN B

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No lo neguemos. Realmente en este tipo de películas el argumento muchas veces es lo de menos, una mera excusa para el desarrollo de la acción. En el caso de “El Equipo A” podemos decir también que las historias de la serie original tampoco eran especialmente elaboradas y, por regla general, se basaba en una fórmula repetida hasta la saciedad, simplemente cambiando los participantes y la excusa argumental básica (de hecho parte del encanto para el espectador suponía el carácter previsible del guión de acuerdo a esa fórmula ya conocida). Para la adaptación cinematográfica se ha empleado la estrategia de la precuela, dando a conocer los orígenes del equipo, cómo se conocieron y cómo fueron traicionados, convirtiéndose en unos proscritos. De esta manera se “explican” algunas características de los personajes (como la fobia de M.A. a los aviones y su tirria a Murdock) o se “justifican” elementos heredados de la serie (como que un grupo de soldados mercenarios nunca mate a nadie o, en el caso de la película, intenten producir las más mínimas bajas posibles).

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Si bien se procura que cada uno de los personajes tenga su propia subtrama dentro del guión, de manera que el protagonismo se distribuya lo más equitativamente posible, un dato curioso es que la acción está centrada principalmente en la figura de Fénix (en cierta forma es debido a él que M.A. y Murdock se unen al equipo, es él quien mantiene la relación amor-odio con el personaje de Jessica Biel y, en última instancia es él quien idea el plan final, en detrimento del estratega del grupo, Hannibal). Aquí evidentemente, más que una cuestión de guión podemos apreciar una decisión de los productores para sacar más provecho del actor de mayor gancho comercial del reparto.

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En el caso de “Los Mercenarios” podemos ver una trama deliberadamente anacrónica. No es sólo que los personajes respondan a patrones propios de hace 25 años, es que esa idea de enviar un pequeño grupo de soldados a una república bananera a especificar, gobernada por un general con ínfulas de dictador, para devolver la libertad a un reducido grupo de lugareños, honrados, pero indefensos ante los abusos de la autoridad es, como indicábamos antes, pura propaganda intervencionista Reagan (aunque, desde un punto de vista puramente cinematográfico, también podemos encontrar concomitancias con “Los Siete Samuráis”/“Los Siete Magníficos”).

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Por otro lado, se vuelve a repetir el patrón romántico/platónico de las películas de Stallone. Al igual que hiciera Rambo en su última aventura con la hermosa misionaria interpretada por Julie Benz, Barney Cross arriesgará su vida para salvar a la rebelde hija del general (quien, a su vez, es una mujer de armas tomar que se gana el respecto del viejo soldado, como sucediera con Co Bao en “Rambo. Acorralado Parte II”). Parte de esa misma filosofía amorosa del cine de Stallone es apreciable también en la relación de Christmas (distante, reservado, pero protector) con Lacy (Charisma Carpenter).

5. VILLANOS DE OPERETA

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Se suele decir que una película de acción es tan buena como lo sea su villano. Si esto es así, “El Equipo A” no tiene nada que hacer. Es cierto que tenemos dos villanos diferentes (por un lado, Lynch [Patrick Wilson], el corrupto agente de la CIA, y por otro, Pike [Brian Bloom, quien también hace su debut como guionista] y sus hombres, soldados violentos y avariciosos), sin embargo, su presencia en la película es meramente testimonial, ya que toda la acción se centra tanto en los cuatro protagonistas y éstos atraen tanto la atención del espectador, que la película prácticamente funciona sola con ellos, sirviendo los villanos de mera excusa para establecer el conflicto que genere la acción. El guión procura dar algunos giros, ofrecer alguna sorpresa al espectador, sin embargo, por un lado estos nudos de trama son demasiado evidentes, y por otro, al espectador le dan lo mismo, ya que en el mejor de los casos está demasiado entretenido viendo a sus héroes en pantalla como para importarles el devenir de la trama (en el peor de los casos, hace ya tiempo que están mirando la hora en el reloj).

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En el caso de “Los Mercenarios” la situación mejora ligeramente. Sus villanos son extremadamente estereotipados pero se les aporta una cierta presencia a través de su indumentaria y la labor de los actores, de manera que no resultan tan insulsos y carentes de personalidad como los de “El Equipo A”. Sin duda, Eric Roberts, como el ex agente de la CIA James Munroe, no es ese gran actor menospreciado de su generación a recuperar que proclamaba Mikey Rourke cuando le entregaron el Globo de Oro por “El Luchador”, pero gracias a su participación en las dos cintas de Batman de Christopher Nolan y a esta colaboración en “Los Mercenarios”, bien puede gozar de un pequeño revival en su alicaída carrera.

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En la película tiene presencia y su mirada resulta amenazadora. Por su parte David Zayas da una cierta dualidad y humanidad a su personaje en lo referente a su relación con su hija, nada especialmente relevante, pero sí lo suficiente como para no quedar en una mera caricatura. Junto a Roberts encontramos a otro nombre surgido del campo de la lucha libre americana, Steve Austin, quien interpreta al secuaz Paine, una mole aparentemente indestructible y que representa el complemento violento del más cerebral Munroe. Su momento de lucimiento llega en la parte final, donde primero tiene un enfrentamiento con Sylvester Stallone y, a continuación, se las ve con Randy Couture.

6. “ME ENCANTA QUE LOS PLANES SALGAN BIEN”

Y llegamos al apartado realmente relevante en este tipo de películas, la plasmación de la acción en pantalla. A este respecto podemos apreciar dos tendencias divergentes en las cintas que aquí nos ocupan.

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Sin caer en casos extremos como los presentados por McG en las dos películas de “Los Ángeles de Charlie”, “El Equipo A” prefiere optar por un tipo de escenas de acción de corte rocambolesco y exagerado, solicitando del espectador un alto grado de suspensión de incredulidad. En su puesta en escena, Joe Carnahan busca más la pirotecnia visual que atenerse a unos parámetros realistas. De hecho esa apuesta por la exageración y el querer rizar el rizo forma parte del tono cómico y casi guiñolesco de la película, alcanzando sus mayores cotas en la muy comentada secuencia del tanque volador. Este momento es toda una declaración de intenciones por parte del director. Aquellos espectadores que entren en el juego y acepten estas reglas donde las leyes de la física y la gravedad brillan en su ausencia podrán disfrutar mejor de estas nuevas aventuras del Equipo A, dejándose llevar por la comicidad y la despreocupación con la que se trabajan las escenas de acción.

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En esto juega un papel fundamental los efectos especiales, especialmente el uso de la tecnología infográfica, que permite dar una plasticidad y una maleabilidad a los componentes físicos de la acción que la adentran en el terreno del cartoon. A esto hay que sumar también un montaje acelerado y entrecortado (siguiendo la moda actual promovida por realizadores como Michael Bay), donde lo fundamental pasa a ser el ritmo de las secuencias, de manera que el público se ve inmerso de un campo de batalla, sin dejarle demasiado tiempo para reflexionar, sino simplemente dejarse arrastrar por la acción.

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Por su parte, Stallone, fiel a la filosofía de su película, prefiere un enfoque de la acción más propio de los años 80. Su preocupación no va enfocada tanto hacia la plasticidad visual de la secuencia, sino a la fisicidad pura y dura de los personajes. Como ya hiciera en su título anterior, “John Rambo”, su punto de partida es ofrecer un espectáculo violento en toda su autenticidad, partiendo de la realización física de las escenas de riesgo por parte de los propios actores (el casting estuvo ideado para que los actores, incluso los más secundarios, resultaran verosímiles en estas escenas y el propio Stallone ha comentado que ésta ha sido la película que más le ha exigido físicamente de toda su carrera), evitando durante gran parte del metraje los trucajes digitales y cuidado detalles como que, dependiendo del calibre del arma utilizada, el efecto de los disparos van desde producir una pequeña herida hasta literalmente reventar el cuerpo del enemigo (aunque si caer tanto en la línea abiertamente gore de “John Rambo”).

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Esto no quita para que ese realismo no se dramatice y exagere, de la misma manera que la curva de violencia de las escenas ofrece un sentido ascendente a lo largo de la película, para cerrar con un clímax atronador, donde ya la verosimilitud abandona la función para ceder el testigo a un verdadero despliegue de caos y destrucción. Esta concepción anacrónica de la acción, sin embargo, se acoge a un montaje más moderno (de nuevo ese uso de una edición basada en planos cortos y rápidos, cuya función principal es dar ritmo a la acción aunque ello pueda suponer una pérdida de detalle e incluso cierta confusión en las imágenes). En cualquier caso, sin llegar a casos modélicos como el ofrecido en la trilogía de Jason Bourne, el montaje cumple su cometido y da a la cinta un ritmo más cercano a las nuevas generaciones de espectadores. Donde realmente podemos apreciar que Stallone es un cineasta de tiempos pretéritos es en la introducción de efectos digitales. Si bien la acción física luce espléndida en la cinta, la introducción de los elementos infográficos resulta muy deficiente, especialmente en el clímax final, donde el CGI y las trasparencias digitales resultan muy pobres y evidentes.

7. STARS AND STRIPES FOREVER

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Regresamos de nuevo a los modelos de los que parten ambas películas para referirnos al apartado musical. Las cinco temporadas de la serie original de “El Equipo A” contaban con música compuesta por Pete Carpenter y Mike Post, veteranos artistas televisivos, responsables también de “El Gran Héroe Americano”, “Magnum”, “Canción Triste de Hill Street” o “La Ley de los Angeles” (estas dos últimas con Post en solitario). De su trabajo destacaba principalmente la sintonía principal, el tema de “El Equipo A”, en el que de manera sencilla pero pegadiza se reflejaba a la perfección la filosofía el show: entretenimiento ligero, con acción y comedia. Para el resto de la música, el estilo de Carpenter y Post optaba más por componentes de rock’n’roll, mezclados con el uso de sintetizadores (que ya en esa época empezaban a sustituir a la orquesta como opción económica para la música de televisión).

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El responsable de la partitura para la versión cinematográfica es un viejo veterano también de la década de los 80, Alan Silvestri (“Regreso al Futuro”, “Depredador”, “El Regreso de la Momia”, “G.I. Joe”), quien, dado que se trata de una precuela de las aventuras del grupo, opta por prescindir del tema principal de la serie (sólo lo podemos escuchar de manera breve en la introducción de la película y ya plenamente desarrollado en la parte final). Su partitura opta más por ofrecer un gran despliegue orquestal, acompañado también por algo de música electrónica, suponiendo un nuevo ejemplo de la capacidad de este músico para las grandes masas orquestales en lo que a música de acción se refiere. No existe ningún tema retentivo que identifiquemos con los personajes (salvo esos guiños que hemos comentado a la sintonía original), predominando un estilo de composición frenética y con cierto aire marcial a través de la percusión y el uso de las trompetas. Desgraciadamente, si bien la música acompaña y enfatiza muy bien la acción, también se trata de una partitura reiterativa y carente de inspiración.

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En la carrera de Sylvester Stallone hay dos compositores que han ayudado a cimentar la fama del actor. El primero fue Bill Conti, autor de la partitura de “Rocky” y la mayor parte de sus secuelas (además de otros títulos protagonizados por el actor, como “La Cocina del Infierno”, “F.I.S.T.”, “Evasión o Victoria”, “Encerrado” o “El Protector”). El segundo fue Jerry Goldsmith, quien definió la música del cine de acción de los 80 con sus extraordinarias composiciones para las tres primeras aventuras de Rambo. El fallecimiento de Goldsmith en 2004 impidió un reencuentro de los dos artistas en “John Rambo”, recayendo la responsabilidad de continuar con el legado en manos de Brian Tyler, un joven compositor, discípulo de Goldsmith (precisamente obtuvo su primera oportunidad en una superproducción de Hollywood reemplazándole cuando la partitura del maestro para “Timeline” fue rechazada). En “John Rambo”, Tyler hizo un esfuerzo mimético por recuperar el estilo de Goldsmith, aunque careciendo de la personalidad de aquel, sin embargo, Stallone debió de quedado contento, ya que le volvería a convocar para “Los Mercenarios”.

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En esta segunda colaboración, Tyler se ha mantenido en los mismos parámetros, realizando una partitura frenética, sustentada en el desarrollo melódico de los momentos de acción y un gran peso orquestal, con ecos del propio Goldsmtih (de hecho, en varias ocasiones podemos oír guiños a la música de Rambo). Otro referente identificable en esta partitura es el trabajo realizado por John Powell para la trilogía de Jason Bourne, seguramente por influencia de la música temporal empleada por Stallone durante la postproducción de la película antes de la integración de la partitura definitiva.

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Una vez más Tyler intenta disimular la falta de personalidad de su música con una composición atronadora y de ritmo imparable (los únicos momentos de descanso de la acción están destinados a los temas de amor, el destinado a Sandra, de ineludibles toques latinos, y el de Lacy, una balada rock, con guitarra eléctrica solista, para mantener el toque macarra del personaje de Lee Christmas incluso en sus escenas románticas). A favor de Tyler hay que decir que, si bien su trabajo no tendrá mayor trascendencia, si resulta muy efectiva con las imágenes y más lograda que su pastiche para “John Rambo”, por no mencionar la línea de partituras meramente alimenticias, de usar y tirar, que dominan su filmografía (“Aliens vs. Predator – Requiem”, “La Conspiración del Pánico”, "Dragonball Evolution", “Un Ciudadano Ejemplar”).

8. CONCLUSIÓN

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Tanto “El Equipo A” como “Los Mercenarios” son claramente dos productos de temporada, ideados para aportar al espectador un entretenimiento estival repleto de acción, testosterona y explosiones y, en ese sentido, no podemos negar que dan al público aquello que les prometían, ni más, ni menos. Sin embargo, la cinta de Joe Carnahan no duda en hacer toda concesión que sea necesaria para intentar abarcar un mayor grupo de espectadores, dando como resultado una cinta sin personalidad, que, salvo en el tratamiento particular del cuarteto protagonista, en poco se diferencia de cualquier producción de acción al uso actual. Al contrario que “Los Mercenarios”, donde Stallone se arriesga a recuperar una concepción del género claramente anacrónica con la industria actual, dejando en manos del espectador la prerrogativa de dejarse llevar por su componente nostálgico y disfrutar con una cinta de acción “a la antigua usanza”.

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viernes, 27 de agosto de 2010

EL DELIRANTE MUNDO DE PETER JACKSON

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1. INTRODUCCIÓN

Se estrena también esta semana en DVD “The Lovely Bones”, última película de Peter Jackson estrenada hasta la fecha, una buena excusa para repasar la carrera de este popular cineasta. A día de hoy, y gracias especialmente al éxito de la trilogía de “El Señor de los Anillos”, Jackson es reconocido como un director que ha sabido granjearse el favor del público sin por ello renunciar a hacer un tipo de cine personal. Sin embargo, la evolución en la filmografía de este autor ha sido muy heterogénea, a pesar de que en todo momento ha permanecido dentro de los parámetros del género fantástico. Al igual que uno de sus referentes, y actualmente socio, Steven Spielberg, Peter Jackson inició su pasión por el cine no sólo viendo películas que marcaron su personalidad artística, como “King Kong” o “La Noche de los Muertos Vivientes”, sino también rodando películas amateur desde muy pronta edad con una cámara de 8mm, regalo de una amiga de sus padres. Para estos primeros cortos, el propio Jackson se encargó de desarrollar de manera artesanal sus propios efectos especiales, en ocasiones con resultados realmente notables.

2. LA CONFECCIÓN DE UN CINEASTA DE CULTO

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Tras una serie de trabajos de aprendizaje, en 1987, Jackson embarcó a amigos y vecinos para llevar a cabo su primer largometraje, una cinta que aunaba comedia, ciencia ficción y mucho gore titulada “Mal Gusto”, donde el cineasta alternaba labores de productor, actor, director, director de fotografía, guionista, montador, creador de efectos especiales y maquillaje. En la película se narraba la llegada a la tierra de un grupo de extraterrestres con la intención de convertir a los humanos en la materia prima para una nueva franquicia de comida rápida intergaláctica. Para evitar este delirante propósito, el gobierno australiano enviaba a un cuerpo de élite, especializado en misiones imposibles.

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“Mal Gusto” no podía esconder sus carencias de presupuesto o su realización casi amateur, sin embargo, el desbordante sentido del humor, sus estrambóticos movimientos de cámara y los excelentes efectos especiales convirtieron a la película en una cinta de culto instantánea. Peter Jackson pasó de ser un aspirante a director procedente de Nueva Zelanda, un lugar con escasa industria cinematográfica, a ser un cineasta capaz de codearse con otros renovadores del género de terror, como Sam Raimi o su adorado George Romero.

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El siguiente trabajo de Peter Jackson se adentraría por otros territorios, aunque sin perder su sentido del humor y su gusto por imágenes chocantes y desagradables. “El Delirante Mundo de los Peebles” nació como una parodia malsana del “Show de los Teleñecos”, de hecho podemos encontrar algunos personajes que apuntan directamente a personajes creados por Jim Henson, como la hipopótamo Heidi, que no pretende esconder en ningún momento ser un remedo de la cerdita Peggy. En la cinta asistimos a la trastienda de un programa infantil, donde los actores no dudan en prostituirse, traficar con drogas o rodar películas pornográficas sadomasoquistas como complemento salarial.

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Toda la película está realizada con marionetas o actores disfrazados de los personajes con el fin de mantener el guiño a los Teleñecos, e incluso se llegaron añadir canciones muy en la línea del popular show estadounidense. Todo esto supuso un enorme esfuerzo para Peter Jackson, quien se vio sobrepasado por el plan de producción, hasta el punto de que la parte final del montaje de la película se tuvo que realizar de manera precipitada para poder llegar a tiempo a la fecha de estreno. En esta ocasión, y a pesar del excelente resultado de “Mal Gusto”, “El Delirante Mundo de los Feebles” a penas obtuvo distribución fuera de su país, permaneciendo, por ejemplo, inédita en nuestro país hasta hace relativamente pocos años.

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La trilogía gore de Peter Jackson se cerró en 1992 con “Braindead”, película que en España recibió el surrealista título de “Tu Madre se Comió a mi Perro”. En esta ocasión Jackson hizo su apuesta personal por el cine de zombies, aunque desde una perspectiva diferente a la de George Romero. La premisa argumental de la cinta es el descubrimiento de un extraño roedor que transmite un virus a quien muerde. Esta infección empieza a extenderse por un pequeño pueblo para la desgracia del protagonista, Lionel, cuya madre es la primera en ser mordida por este animal, infectando a otros vecinos, como el párroco local o a una enfermera. Inicialmente, Lionel intenta esconder a los enfermos en su casa (premisa opuesta a la de “La Noche de los Muertos Vivientes”, donde eran los vivos los que se recluían en un edificio para protegerse del asedio de los zombies), hasta que el grupo de infectados es ya demasiado numeroso como para poder ocultar más la situación.

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Durante la mayor parte de la película nos encontramos con las pautas generales que acompañaron las anteriores películas del director, como los detalles gore, un tipo de humor grueso y negro o situaciones delirantes (por ejemplo, el cura karateca o los encuentros sexuales de éste y la enfermera una vez transformados en zombies). Sin embargo, lo realmente notable de la película llegaba en su clímax final, donde a lo largo de más de 20 minutos nos encontramos con una verdadera orgía de sangre y vísceras. Con esta cinta se cerraba no sólo una etapa en la carrera de Peter Jackson, sino también un ciclo dentro del género de terror, ya que a partir de entonces se inició el declive del cine gore que había imperado a lo largo de la década de los 80.

3. LA CONFIRMACIÓN DE UN AUTOR CINEMATOGRÁFICO

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“Braindead” revalidaba el status de cineasta de culto obtenido por Jackson tras su debut con “Mal Gusto”, sin embargo, el director estaba dispuesto para alejarse de esa imagen de director excesivo y bufonesco, dirigiendo una película de tono igualmente imaginativo, pero más serio y ambicioso, “Criaturas Celestiales”.

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La cinta estaba basada en un hecho real, el asesinato por parte de dos amigas de la madre de una de ellas al enterarse de que sus progenitores estaban dispuestos a censurar una amistad que consideraban obsesiva y perjudicial para ambas. En ella, Jackson ofrecía un complejo retrato de las dos protagonistas, evitando hacer juicios de ningún tipo, pero sí profundizando en el mundo de fantasía que ambas compartían, así como su despertar sexual. 

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Con esta historia, Jackson demostró ser algo más que un director de imaginería desbordante, también dio muestras de una sensibilidad y un dominio narrativo que sorprendió tanto a sus fans anteriores como a los críticos que tanto le habían defenestrado. Por otro lado la película sirvió para dar a conocer a una joven Kate Winslet, quien gracias a este papel (y al de su siguiente película, “Sentido y Sensibilidad” de Ang Lee) pasó a convertirse en una de las actrices más prometedoras de su generación. El valor de “Criaturas Celestiales” en la carrera de Peter Jackson sigue siendo hoy en día determinante, y para muchos sigue siendo su mejor película, por encima incluso de la trilogía de “El Señor de los Anillos”.

4. ENTRE DOS AGUAS

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“Criaturas Celestiales” causó sensación en aquellos festivales donde se estrenó y disfrutó de una aplaudida trayectoria internacional, abriendo las puertas a Peter Jackson para dar el salto a Estados Unidos, donde iba a poder seguir desarrollando su carrera con mayores medios. Sin embargo, antes de abandonar Nueva Zelanda, Jackson ofrecería un último trabajo, destinado inicialmente para la televisión local, “La Verdadera Historia del Cine”, un falso documental en el que se nos relataba la carrera cinematográfica de Colin McKenzie, un supuesto pionero del cine australiano, quien había inventado el cinematógrafo antes que los hermanos Lumiere y había dotado a sus películas de sonido y color mucho antes de que estos hallazgos tecnológicos hubiesen llegado al cine internacional. McKenzie, sin embargo, había sido siempre una víctima del destino y ninguno de sus descubrimientos había obtenido repercusión, manteniéndolo en el oscurantismo.

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La película supone todo un reto en lo referente a su capacidad de mimesis de las características del cine mudo, con muestras envejecidas de los trabajos de Colin McKenzie y una selección de actores que podían haber pertenecido perfectamente a estos orígenes del séptimo arte. Además la presencia del propio Peter Jackson, del actor Sam Neil (en representación de la Academia del Cine Australiana), del productor Harvey Weinstein o del historiador del cine Leonard Martin daba un tono de falsa verosimilitud al documental, hasta el punto de que muchos espectadores llegaron a creerse la mentira.

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Si bien, como ya hemos comentado, “Criaturas Celestiales” fue la película que le dio prestigio internacional a Peter Jackson y la que le permitió dar el salto a Hollywood, lo cierto es que su primera película en Estados Unidos tenía más puntos en común con sus primeras película. “Agárrame esos Fantasmas” era una comedia con elementos de terror, en la que Michael J. Fox interpretaba a un médium que con la ayuda de tres fantasmas se dedicaba a estafar a familias haciéndoles creer que su casa estaba embrujada. La aparición de un espectro homicida lleva al personaje a tomarse más en serio sus habilidades paranormales, desvelando un viejo caso de homicidios en serie y, de paso, abriendo una herida personal.

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Al ser una cinta propia de Hollywood, con intención de llegar a un público amplio, el gusto por la casquería gore de Jackson fue reducido al mínimo. Por otro lado, el tener de productor a un cineasta como Robert Zemeckis (“Regreso al Futuro”, “¿Quién Engañó a Roger Rabbit?”) marcó no sólo la presencia de su actor protagonista, sino también el tono de la película. Sin embargo la personalidad de Jackson quedaba patente en algunas muestras de humor más grueso, así como un clímax final donde la comedia dejaba espacio al suspense.

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La película funcionó bien en taquilla y podía haber supuesto para Peter Jackson el inicio de una próspera carrera como director de productos comerciales en Hollywood, sin embargo, el cineasta estaba más interesado en utilizar su nueva posición para hacer realidad algunos de sus proyectos soñados, así como para reforzar la industria cinematográfica en Nueva Zelanda.

5. LA COMUNIDAD DEL ANILLO

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Tras rodar en Estados Unidos “Agárrame esos Fantasmas”, Peter Jackson se propuso sacar adelante un remake de una de sus películas favoritas de la infancia, “King Kong”. Originariamente presentó el proyecto a Universal Pictures, sin embargo, el estudio, al ver que la película iba a coincidir con las nuevas versiones de “Godzilla” y “Mi Gran Amigo Joe”, decidió posponer la producción.

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Este retraso llevó a Jackson a proponer otro ambicioso proyecto, la adaptación de la trilogía de J.R.R. Tolkien “El Señor de los Anillos”. Previamente, el cineasta Ralph Bakshi había hecho un intento en 1978, recopilando en una sola película las dos primeras novelas: “La Comunidad del Anillo” y “Las Dos Torres”. Su intención era recaudar suficiente dinero con esta versión como para afrontar una épica versión de “El Retorno del Rey”. Desgraciadamente la cinta no funcionó en taquilla como Bakshi esperaba y esta conclusión de la historia nunca llegó a realizarse. Desde entonces, la obra de Tolkien había recibido el apelativo de infilmable, no sólo por su longitud, sino también por lo complejo de representar en pantalla de manera fidedigna todo aquel bestiario de criaturas.

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Desde un principio, Peter Jackson evitó caer en el error de Bakshi, optando por rodar una película por cada novela de la trilogía y, al mismo tiempo, planificando una preproducción y un rodaje conjunto de las tres obras, para así asegurarse la compleción de toda la historia del anillo. Conocedor de lo exigentes que iban a ser las múltiples generaciones de fans de Tolkien con respecto a la película, Jackson mimó cada detalle, desde el reparto hasta el diseño de producción. Su compañía de efectos especiales, Weta Limited, se puso manos a la obra para poder desarrollar una de las más ambiciosas producciones hasta la fecha en lo que a efectos especiales se refería. Además, con el fin de ayudar a desarrollar la industria cinematográfica de Nueva Zelanda, el cineasta desplazó a su país natal toda la producción de la trilogía, algo que, a posteriori, ha servido de impagable promoción turística para aquellas localizaciones donde se rodaron las películas.

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“El Señor de los Anillos. La Comunidad del Anillo” se estrenó mundialmente el 19 de diciembre de 2001, coincidiendo con la presentación de otra ambiciosa adaptación literaria, la de “Harry Potter y la Piedra Filosofal”, creándose entre ambas producciones una carrera por ver cuál de las dos se hacía con el podio de la taquilla. La primera respuesta de los fans de la novela de Tolkien fue absolutamente positiva. Jackson había logrado reflejar todo el universo de la Tierra Media y mantenerse fiel a la letra del escritor, salvo por algunos cambios mínimos, creando al mismo tiempo una película deslumbrante y épica para aquellos que no conocían el referente literario. Además, para los más puristas, Jackson prometió una edición extendida donde se incorporaron aquellos elementos que, por cuestión de metraje, habían tenido que quedar fuera.

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Dado que la preproducción y el rodaje de las tres películas habían sido conjunto, para “Las Dos Torres Jackson” contó con todo un año de postproducción, para cuidar hasta el más mínimo detalle, especialmente en lo referente a los efectos especiales, ya que en esta segunda entrega debía enfrentarse a uno de los mayores retos de la adaptación: la presentación de Gollum, un personaje creado íntegramente por ordenador y que debía interactuar como un actor más con los intérpretes de carne y hueso. Para ello, Jackson utilizó como referente real al actor Andy Serkis, quien a su vez dio voz al personaje digital. Otro gran reto fue la batalla del Abismo de Helm, un combate descomunal entre el ejército de los hombres y las hordas de orcos donde nuevamente había que hacer un esfuerzo sin precedente en el campo de los efectos especiales.

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Aunque el resultado en taquilla volvió a ser una vez más extraordinario, la reacción del público y la crítica no fue tan unánime, escuchándose algunas voces un tanto disconformes con el resultado. Lo cierto es que esta segunda película muestra algunas deficiencias. De cara a los fans ya aquí el director empieza a tomarse libertades con respecto al texto de Tolkien, amplificadas con un montaje comercial insuficiente (la película gana muchísimo en su versión extendida, editada posteriormente en DVD), y si bien la presencia de Gollum supuso una revolución para los espectadores, la compaginación de imágenes digitales y reales durante la batalla no acababa de ser tan perfecta como se requería, no por impericia de los programadores de Weta, sino por lo extremadamente demandante de la postproducción.

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El 17 de diciembre de 2003 llegaba a las pantallas la conclusión de esta épica producción con “El Retorno del Rey”. Durante tres años seguidos, Peter Jackson había logrado que toda la industria del cine y el público estuvieran pendientes de su trabajo, logrando además para la Warner Bros un éxito económico aplaudido y envidiado por todos los demás estudios de Hollywood. La Academia premió la titánica labor del cineasta con 11 Oscars, equiparando a “El Retorno del Rey” con “Ben Hur” y “Titanic” como las cintas más premiadas en la historia de estos galardones.

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Se entendía que esta recompensa se debía más por el conjunto de su trabajo que por los méritos de este tercer episodio, ya que precisamente era “El Retorno del Rey” la que ofrecía algunos de los puntos más negativos de la trilogía (entre otros, un dilatado epílogo que extendía la historia de manera excesiva una vez destruido el anillo del poder y derrotado el ejército de Sauron). En cualquier caso, el nivel de esta última entrega seguía siendo alto, dando una nueva muestra del dominio narrativo de su autor, sobre todo a la hora de encontrar el equilibrio entre las diferentes tramas en las que se ha diseminado el argumento.

6. LA VIDA DESPUÉS DEL ANILLO

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Encumbrado a la gloria, Peter Jackson podía ahora escoger el proyecto que quisiera y el cineasta, ni corto ni perezoso, reflotó inmediatamente su remake de “King Kong”. Para esta nueva película, el cineasta repitió los mismos recursos que sirvieron de plataforma para el éxito de “El Señor de los Anillos”: una cuidada producción, una inteligente promoción de la cinta a través de internet, con el uso de diarios de rodaje y, por supuesto, grandes efectos especiales. Sin embargo, el “King Kong” original estaba lejos de tener la complejidad y la espectacularidad de “El Señor de los Anillos”. Esto llevó a Jackson a querer engordar todo lo posible la historia original.

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Si en la película de 1933 el gran gorila luchaba con un Tiranosaurios Rex, aquí debía hacerlo con tres; si en aquella la Isla Calavera era una tierra perdida en el tiempo, con indígenas y criaturas antediluvianas, aquí nos encontramos con un verdadero parque jurásico, con estampidas de dinosaurios, todo hasta completar una duración de poco más de tres horas en su versión cinematográfica. En esta ocasión la respuesta del público no fue tan homogénea como en “El Señor de los Anillos”, encontrando opiniones más encontradas, desde los que vieron en la película una gran cinta de aventuras y fantasía, hasta los que se aburrieron soberanamente con sus vacíos excesos y su extenso metraje.

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Un tanto afectado por esta desigual recepción, Jackson puso su mirada en un proyecto menos ambicioso, al menos en lo referente a despliegue de efectos especiales, la adaptación de la novela de Alice Sebold, “Desde mi Cielo”, un texto difícil de trasladar al cine y con el que el director quiso dejar patente que seguía siendo igual de eficaz con las historias intimistas que con la épica desbordante de Tolkien. Sin embargo, este proyecto le costó al cineasta mucho más tiempo de gestación del que tenía pensado. Después de finalizar el rodaje, la película atravesó un largo y polémico proceso de postproducción, principalmente por el empeño de Jackson de dar con la visualización perfecta de ese limbo extraterrenal en el que habita la protagonista de la historia. Finalmente, el resultado fue un tanto irregular. Los primeros cuarenta minutos de la cinta son modélicos y recuperan al Peter Jackson de “Criaturas Celestiales”, elegante e inteligente en la puesta en escena que requería la historia, alcanzando su mejor expresión en la contundente secuencia del asesinato de la protagonista.

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Desgraciadamente, a partir de aquí, la película empezaba a descarrilar. Esa representación del cielo estaba muy lejos de estar a la altura de aquel fantástico universo imaginario de las protagonistas de “Criaturas Celestiales”. Incluso teniendo en cuenta que refleja la imaginación de una niña de 14 años, el resultado es de una cursilería peligrosa, y para colmo de males, los efectos especiales que tantos quebraderos de cabeza dieron durante la postproducción, parecen impropios de quien revolucionó la industria cinematográfica con la creación de Golum y todo el bestiario de la Tierra Media. Al mismo tiempo, la parte realmente importante de la historia, ese microcosmos emocional que genera la muerte de Suzie, resulta desganado.

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Personajes aparentemente relevantes, como la abuela, la madre, Ray (el chico del que se enamora la protagonista), o Ruth (otra chica con la que Suzie establece una conexión tras su asesinato) aparecen y desaparecen de la función sin demasiada explicación y sin aprovechar el potencial que éstos tenían para la historia. Sólo el padre y la hermana, Lindsey, tienen cierto desarrollo y esto se debe principalmente a que cumplirán una función determinante en la resolución del relato. Mención aparte se merecen los dos verdaderos protagonistas de la película, Suzie y George Harvey, víctima y verdugo. La actriz Saoirse Ronan está impecable a la hora de reflejar la inocencia y le desparpajo juvenil de Suzie, mientras que Stanley Tucci vuelve a demostrar que es uno de los mejores actores secundarios con los que cuenta el cine norteamericano, ofreciendo un perfecto retrato de este asesino en serie, de apariencia ridícula y, al mismo tiempo, aterradora.

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“The Lovely Bones”, por lo tanto, resultó una película con buenas intenciones, pero fallida en última instancia, donde Peter Jackson se mostraba limitado a la hora de profundizar en los sentimientos íntimos de sus personajes, prestando quizás excesiva atención a determinados elementos estéticos y desatendiendo aquello que realmente debía implicar emocionalmente al espectador con la historia. La película tuvo una carrera comercial irregular, siendo ignorada en el apartado de premios, donde el autor esperaba contar con un mayor respaldo, obteniendo únicamente una nominación a los Oscars (Stanley Tucci como Mejor Actor de Reparto).

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Durante el proceso de producción de esta película Jackson desarrolló también una notable labor como productor, sirviendo de padrino al joven realizador Neil Blomkampf con la cinta de ciencia ficción “District 9”. Inicialmente, Blomkampf iba a encargarse de adaptar el famoso videojuego “Halo”, sin embargo, ante las dudas de los ejecutivos del estudio, el proyecto quedó postergado, ofreciéndole Jackson la posibilidad de reconvertir su corto de 2005 “Alive in Joburg” en un largometraje. El éxito de “District 9” (considerada una de las películas más destacadas del 2009) sirvió de plataforma de lanzamiento para la carrera de este joven realizador, así como para el actor Sharlto Copley, quien inmediatamente se encontró protagonizando superproducciones de Hollywood como “El Equipo A”.

7. FUTUROS PROYECTOS

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En la actualidad Peter Jackson se encuentra trabajando en varios proyectos de larga concepción, dos de ellos especialmente ambiciosos. Por un lado se ha aliado con Steven Spielberg para llevar a las pantallas las aventuras del héroe del cómic galo, Tintín, en una serie de películas de animación digital para las que se está empleando el mismo sistema creado por James Cameron para “Avatar”. La primera de estas aventuras, “El Secreto del Unicornio”, tiene previsto llegar a las pantallas a finales del año 2011. Steven Spielberg ya se ha encargado de dirigir el rodaje con los actores, que ahora están siendo digitalizados en los estudios WETA, bajo la supervisión de Jackson. De la acogida que tenga esta primera entrega dependerá la continuidad de la trilogía que ambos artistas tienen planificada.

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El segundo proyecto es la adaptación de “El Hobbit”, novela de J.R.R. Tolkien que narra las aventuras de Bilbo Bolsón antes de los acontecimientos que se narraron en “El Señor de los Anillos”. Aquí, el director director inicialmente asignado era Guillermo del Toro, quien recientemente se vio forzado a abandonar la producción debido a los problemas económicos de la Metro Goldwyn Mayer. A fecha actual, Jackson se mantiene como productor de las dos películas que se quieren rodar de manera simultánea sobre esta historia y las principales negociaciones giran en torno a la posibilidad de que sea el mismo quien se siente en la silla del director. De cuajar esta propuesta (algo que Jackson no quiere confirmara hasta que no se haya solucionado la situación del estudio), la producción tendrá que ampliarse al menos cinco años más (la primera película tenía previsto su estreno para 2012), ya que previamente el director parece querer abordar una nueva versión de la batalla de Gallipoli desde el punto de vista de los ejércitos de Australia y Nueva Zelanda, así como us postergado remake de la cinta de 1955 “The Dam Busters”.

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8. CONCLUSIÓN

Si bien el éxito extraordinario de la trilogía de “El Señor de los Anillos” ya ha deparado a Peter Jackson un lugar en la historia del cine, el director se encuentra ahora ante un mayor reto, seguir desarrollando una carrera que no desmerezca sus mayores triunfos. De momento, sus últimas obras han resultado un tanto decepcionantes, sin embargo, su ambición y talento ya han conseguido llevarlo desde sus recónditos inicios en Nueva Zelanda hasta lo más alto de la industria hollywoodiense, y se trata de un cineasta aún muy joven como para dar por cumplido su desarrollo artístico.

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