viernes, 31 de enero de 2014

ESTRENOS DEL 31 DE ENERO

Después del impasse de la semana pasada, las carteleras de los cines vuelven a convocar títulos en la carrera hacia los Oscars. La principal candidata a estos premios se las tendrá que ver con el reboot cinematográfico del héroe literario creado por Tom Clancy, mientras que el efecto nostalgia del cómo se fraguó “Mary Poppins” añade también algo de caché académico a los estrenos. Todo esto mientras la nueva película de un mito como Roman Polanski se estrena prácticamente de tapadillo, con tan sólo 32 copias en distribución.

La Venus de las pieles

El cine de Roman Polanski siempre se ha caracterizado por un gusto por los ambientes enrarecidos, el sexo malsano, el humor absurdo y la crítica social más devastadora. Para su último trabajo, el cineasta polaco se basa en el texto de David Ives que a su vez tomaba como punto de referencia la novela “La Venus de las Pieles”, obra de corte erótico escrita en 1870 por Leopold von Sacher-Masoch, y que sirvió de detonante para que a partir del nombre de este escritor austriaco se formara la palabra “sadomasoquismo”.

La acción tiene lugar en un teatro parisino un director teatral pretende escenificar la obra de Masoch. Después de un duro día de audiciones para el papel del nuevo proyecto, Thomas se lamenta al teléfono por el poco empeño e interés que han mostrado los candidatos que se han presentado. Nadie tiene el nivel necesario para asumir el liderazgo del reparto y Thomas se está preparando para salir cuando aparece Vanda, un torbellino de energía desenfrenada y descarada. Vanda tiene todo lo que odia Thomas. Es vulgar, sin cerebro y no se detendrá ante nada hasta conseguir el papel. Thomas le da una oportunidad para mostrar su talento y Vanda le sorprende con una increíble metamorfosis. Provista de accesorios y disfraces, entiende a la perfección el personaje y ha memorizado cada línea del guion. Mientras la prueba se alarga, la intensidad entre ellos se incrementa y la atracción se convierte en una obsesión para el joven.

Fiel a sus orígenes teatrales, la película cuenta con dos únicos personajes, interpretados para la ocasión por Emmanuelle Seigner (esposa en la vida real del director y vista en películas suyas como “Frenético”, “Lunas de Hiel” o “La Novena Puerta”) y Mathieu Amalric (actor de gran calado en el cine francés, recordado por papeles en títulos como "La Escafandra y la Mariposa", "007 Quantum of Solace" o "Munich").

20 Años no importan

Resulta curioso el giro que ha dado la carrera del director David Moreau, quien tras debutar en 2003 con la comedia “Back to Saint-Tropez”, consiguió cierta relevancia gracias a su cinta de terror “Ellos” de 2006. Ésta le posibilitó dar el salto a Estados Unidos, donde se responsabilizó del remake de “The Eye”, contando con Jessica Alba de protagonista. El fracaso de esta nueva versión dejó en stand-by lo que parecía una carrera prometedora. Ahora el cineasta regresa al terreno del humor con su nuevo trabajo, “20 Años no Importan”, comedia romántica protagonizada por Virginie Efira y Pierre Niney.

Alice Lantins tiene 38 años. Es guapa, ambiciosa y da muestras de una profesionalidad impecable, hasta el punto de olvidar su vida privada. En definitiva, lo tiene todo para convertirse en la nueva redactora jefe de la revista Rebelle, todo excepto su imagen de mujer cohibida. Pero cuando el joven y encantador Balthazar, de apenas 20 años, se cruce en el camino de Alice, la imagen que sus compañeros tienen de ella va a cambiar de forma inexplicable. Al darse cuenta de que posee la clave de su ascenso, Alice fingirá un romance improbable.

 

Jack Ryan Operación Sombra

Tom Clancy creó el personaje de Jack Ryan allá por 1984 con la novela “La Caza del Octubre Rojo” y protagonizando un total de 15 novelas, la última de ellas, “Threat Vector”, publicada en 2012. En cines, el personaje ha sido interpretado por Alec Baldwin (“La Caza del Octubre Rojo”), Harrison Ford (“Juego de Patriotas”, “Peligro Inminente”) y Ben Affleck (“Pánico Nuclear”), siendo ya ésta última un intento por rejuvenecer al personajes a partir de la novela original “La Suma de Todos los Miedos”. Tras el fracaso comercial de esta última, Paramount decidió que había que ir un paso más allá y prescindir de los textos de Clancy, los cuales el estudio veía como deudores de la época de la Guerra Fría, e intentar remodelar al personaje de acuerdo a los patrones del cine moderno (con Jason Bourne como punta de lanza). El resultado de esta operación es “Jack Ryan. Operación Sombra”, de cuyo éxito depende toda una nueva franquicia de aventuras originales, desprendidas ya de la sombra de su creador, fallecido el pasado mes de octubre a la edad de 66 años.

Chris Pine (el nuevo Capitán Kirk de “Star Trek”) es el encargado de interpretar al renacido Jack Ryan, veterano de guerra que lleva una doble vida como ejecutivo de Wall Street y agente analista de la CIA. Reclutado por su habilidad para interpretar datos globales, en esta primera entrega nuestro héroe debe desenmascarar un complot meticulosamente planeado para hundir la economía norteamericana y sembrar el caos en todo el mundo. Atrapado entre el negociador oficial Harper, su novia en la sombra Cathy y un inquietante oligarca ruso, Jack tiene que enfrentarse a una nueva realidad en la que no puede fiarse de nadie, y en la que el destino de millones de personas depende de que descubra la verdad.

Al igual que en las anteriores versiones del personaje, Paramount ha contado con un importante conjunto de actores para acompañar a su estrella protagonista, destacando la presencia de Kevin Costner, Keira Knightley y Kenneth Branagh, encargándose además este último de dirigir la película.

Al encuentro de Mr. Banks

Cuando las hijas de Walt Disney le pidieron que hiciera una película de su libro favorito, "Mary Poppins" de P.L. Travers, Walt les hizo una promesa. No sabía entonces que iba a tardar nada menos que 20 años en cumplirla. En su empeño por obtener los derechos, Walt Disney se enfrentó a una escritora cascarrabias e inflexible que no tenía la más mínima intención de que la maquinaria de Hollywood estropeara a su adorada niñera mágica. Pero los libros dejaron de venderse y el dinero empezó a escasear. Así que Travers tuvo que aceptar de mala gana viajar a Los Ángeles y escuchar los planes de Disney para adaptar su obra.

“Al Encuentro de Mr. Banks” se encarga concretamente de narrarnos esas dos semanas de 1961, donde Walt Disney tuvo que utilizar todos los recursos a su alcance para convencer a Travers. Pertrechado con los guiones gráficos más imaginativos y las alegres canciones de los hermanos Sherman, Walt lanza un ataque total contra P.L. Travers, pero la obstinada escritora no cede ni un ápice. Walt empieza a perder la esperanza, ya que Travers se muestra cada vez más inflexible. Y los planes de adquirir los derechos empiezan a desvanecerse. Pero Walt comprende que debe indagar en su propia infancia para descubrir la verdad sobre los fantasmas que obsesionan a la escritora. Juntos consiguen liberar a Mary Poppins de sus ataduras para hacer una de las películas más entrañables de la historia del cine.

Nominada a los Globos de Oro en el apartado de Mejor Actriz principal y a los Oscars en el de Mejor Partitura Original para Thomas Newman, “Al Encuentro de Mr. Banks” se apoya sobre todo en el carisma de sus dos actores protagonistas, Emma Thompson y Tom Hanks, que deben abordar el reto de encarnar a sus no menos míticos personajes. Les acompañan, entre otros, Colin Farrell, Paul Giamatti y Jason Schwartzman. La dirección corre a cargo de John Lee Hancock, guionista que alcanzó importancia por sus trabajos para Clint Eastwood (“Un Mundo Perfecto”, “Medianoche en el Jardín del Bien y del Mal”) y que como director ha sido responsable de “El Álamo” o “The Blind Side. Un Sueño Imposible”.

La gran estafa americana

Acompañado siempre por la polémica y su carácter combativo, David o. Russell ha sabido también postularse como un nombre destacado dentro del panorama hollywoodiense. Títulos como “Flirteando con el Desastre”, “Tres Reyes”, “Extrañas Coincidencias” o, más recientemente, “The Fighter” y “El Lado Bueno de las Cosas” le ha otorgado un puesto de honor en la industria, por regla general avalado por la Academia de Hollywood. Este año, su nuevo trabajo, “La Gran Estafa Americana”, parte como la principal candidata a los Oscars con 10 candidaturas. Un agasajo que llega después de ganar tres (mejor película de comedia o musical, mejor actriz de comedia y mejor actriz de reparto) de las siete nominaciones que tenía a los Globos de Oro. Además el cineasta se reúne con los protagonistas de sus dos trabajos anteriores (Christian Bale, Jennifer Lawrence, Amy Adams, Bradley Cooper, incluso un no acreditado Robert De Niro en un pequeño papel), a los que se suman nuevos rostros como Jeremy Renner, Jack Huston, Michael Peña o Louis C.K..

La cinta cuenta la historia de un estafador brillante, Irving Rosenfeld, que junto a su astuta y seductora compañera, Sydney Prosser, se ve obligado a trabajar para un tempestuoso agente del FBI, Richie DiMaso. DiMaso les arrastra al mundo de la política y la mafia de Nueva Jersey, que es tan peligroso como atractivo, para tender una trampa a Carmine Polito, un apasionado y volátil político de Nueva Jersey. La impredecible mujer de Irving, Rosalyn, podría ser la que tire de la manta, haciendo que todo se desmorone.

martes, 28 de enero de 2014

“41” / “AEROPLANOS”. ENTREVISTA A JOSÉ LUIS DE MADARIAGA

José Luis de Madariaga

José Luis de Madariaga lleva un ritmo de trabajo infatigable. Sólo en los últimos meses ha participado en varios cortometrajes, ha rodado películas a nivel nacional e internacional, ha hecho teatro, ha cantado en la zarzuela, ha hecho publicidad y, además, ha sacado tiempo para dirigir un cortometraje. Precisamente, el pasado fin de semana en el teatro Círculo de la Amistad XII de Enero tuvo lugar la representación de la obra “Aeroplanos” del dramaturgo argentino Carlos Gorostiza, protagonizada por Madariaga junto al también actor Juancho Aguiar. El excelente texto original, adaptado para la ocasión al público local variando algunas referencias y localismos, dio pie a redescubrir sobre el escenario el espléndido talento de estos dos veteranos intérpretes, quienes al mismo tiempo consiguieron trasmitir con su trabajo esa complicidad e intimidad que comparten sus personajes en la historia. Con motivo de esta presentación hemos querido aprovechar para colgar esta entrevista que tuvimos ocasión de realizar recientemente a José Luis de Madariaga y donde además de darnos algunas claves de “Aeroplanos” y el porqué de esta representación, también nos habló largo y tendido de uno de sus últimos proyectos, en este caso no como actor, sino como director del cortometraje “41”.

Por nuestra parte queremos dar las gracias también al fotógrafo Jaime Chinarro (www.jaimechinarro.carbonmade.com) por permitirnos ilustrar este texto con las fotografías que realizó para el making of del cortometraje.

AEROPLANOS 2 

¿Cómo nace este interés por escenificar “Aeroplanos” de Carlos Gorostiza?

“Tres son las razones que me han impulsado a meterme en esta obra de teatro. Una que me gusta el teatro. La segunda es que hace mucho tiempo que nadie me llamaba para hacer teatro. Entonces he tenido que llamarme a mí mismo. Y la tercera es que me apetecía mucho hacer una función con Juancho Aguiar. Los dos hicimos un cortometraje dirigido por Carlos Dóniz, ambos como protagonistas únicos y que está ahora en proceso de postproducción, y hubo un feeling muy bueno entre los dos y me apetecía hacer algo más con él. Busqué una obra de dos personajes de nuestra edad (aunque son un poquito mayores, no mucho, pero hacemos de más viejos de lo que somos). Queríamos que nos lo dirigiera alguien y en quien pensamos primero fue en Juanjo Parrilla, con el que habíamos trabajado bastantes veces en el Círculo de la Amistad y nos gustaba su enfoque. Tuvimos la suerte de que nos dijo que sí. El objetivo es hacer funciones. Nada más. Pasarlo bien, hacer una cosa bonita, entrañable y donde el trabajo principal es interpretativo (son dos actores, dos actos, y estamos en el escenario la hora y media que dura la obra).”

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Ahora mismo tienes en postproducción “41”, un cortometraje donde cambias tu posición delante de la cámara por la de director. ¿Cuál es el origen de este proyecto?

“El guion lleva escrito cerca de 10 años, y estaba escrito para rodarlo en Madrid utilizando el Metro, como gran referente. Se detuvo por dos razones. La primera que mi hijo se fue a vivir a África, lleva allí ya nueve años, y yo me vine a vivir a Tenerife, por lo que eso del metro quedó aparcado. Hace más o menos seis o siete meses me dio por releerlo y me planteé hacerlo en Tenerife, utilizando el tranvía. Eso requería unas adaptaciones de guion, evidentemente, para acercarlo a las peculiaridades del tranvía y de su entorno, las estaciones son distintas, no hay pasillos. Es decir, hay una serie de cosas del metro que había que transformarlas al tranvía y su entorno. A mí me gustaba la idea del corto y me apetecía que se hiciera, no dirigirlo, en absoluto, pero a lo largo que llevo trabajando en cortos en Tenerife, he ido observando que los directores de cortometrajes muchos de los cuales, para mi gusto son muy buenos, en los que yo confiaría mucho y que me encanta cómo trabajan, pero todos tienen una características, que es que no les gusta dirigir algo que no es de ellos. Yo ya lo probé con otro cortometraje, también de mi hijo, corto que me parece incluso muy superior el guion a éste que acabo de hacer, y me encontré con que elegantemente o más directamente, no estaban por la labor de hacerlo. No porque no les gustara el guion, que les encantaba, sino porque no era de ellos. Me di cuenta de que aquí a los directores les gusta dirigir lo suyo. Entonces para no poner a ninguno en un compromiso y como lo quería hacer, busqué a un director que no iba a decir que no, que era yo.

No es mi vocación, dirigir, lo mío es actuar. A mí me gusta estar delante de la cámara y no detrás. Así que lo enfoco, simplemente, como un remedio a poder rodar este corto. Lo he hecho con la experiencia que me dan los 46 cortos que he rodado aquí, porque yo no me limito a hacer mi papel, sino que siempre me estoy fijando en el trabajo de los demás y de esa manera aprendes. Otra cosa es que lo que has aprendido seas capaz de traducirlo en cine, eso ya lo veremos, pero si es cierto que hay muchas cosas que he cogido de otros cortometrajistas y que han hecho que me atreviera. Ya te digo que ha sido simplemente una solución para poder hacer el corto.”

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¿Qué nos puedes comentar de la trayectoria como guionista de tu hijo, Rodrigo de Madariaga?

“Rodrigo tiene una profesión distinta a la de guionista. Es licenciado en ciencias del mar, trabaja como cooperante ya desde hace siete año en África, pero tiene una vocación tremenda por escribir guiones, cuentos, relatos. Ha escrito ahora un cuento bastante largo titulado “Un Día en el Metro” (tiene una obsesión con los metros, por lo visto, mi hijo), que está precioso, a mí me encanta. Yo se lo he ofrecido al Metro, para que lo pueda ofrecer por capítulos entre sus usuarios. Estuvo una época en Argentina y allí hizo un curso de guiones con guionistas argentinos para ver sobre todo los elementos técnicos. También hizo un curso sobre realización cinematográfica. Le gusta mucho el cine y sobre todo los guiones. No se atreve a dirigir, sino que lo que a él le gusta es escribir. Escribe con mucha imaginación, historias muy bonitas, muy sentidas. Yo ya hice dos cortometrajes con guiones escritos por él hace algunos años. Eran sus primeras cosas y yo quise rodarlas y los hice aquí. Uno se llamaba “El Precio de la Devoción” y el otro “Palos de Ciego”. Luego ha hecho cosas más bonitas. Tiene uno llamado “La Muchacha en la Ventana”, pendiente de realizar, que me encanta y a la gente a la que se lo he enseñado (directores, realizadores de aquí) le ha gustado muchísimo. Luego alguien me ha confesado “No es mi estilo, porque es un estilo muy romántico” y no de tiros, ni cuchilladas. Y me parece bien, yo eso lo entiendo perfectamente. Con lo cual me temo que acabaré dirigiéndolo yo, aunque estoy intentado evitarlo. Todo lo que ha escrito lo tengo yo. No está en ningún otro lado. No es que él se haya puesto a escribir para mandarlo, para hacer algo, no. Todo me lo pasa a mí para ver si yo puedo hacer algo con eso. Está escribiendo una obra de teatro para mí también.”

¿Qué nos puedes adelantar del argumento del cortometraje?

“El argumento es el encuentro casual entre una mujer y un hombre, que están interpretados por Elena Feria y Javier Martos. Esa relación, como es un corto, evoluciona muy rápidamente y tiene un final que pretendemos que sea inesperado. Otra cosa es que lo sea. Yo no sé si he sabido esconder el final o no, porque muchas veces decimos que tiene un final inesperado y, cuando vemos el corto, en la primera escena ya sabemos el final. Tiene un aspecto muy singular en el enfoque y creo que hemos conseguido algo diferente.”

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¿Cómo fue reunir al equipo para hacer el cortometraje? Imagino que con tu trayectoria, siempre colaborando con los demás, nadie diría que no a trabajar en un corto tuyo.

“Bueno, eso tampoco es así. La gente analiza también el guion, lo que tiene que hacer, sus personajes. Aquí por ejemplo, el personaje femenino tenía un problema. Digamos que yo soy más del estilo de cine francés que del estilo del cine americano, es decir, no me gusta tapar lo que no se debe tapar y no me gusta exhibir lo que no se debe exhibir. Ese personaje femenino tenía una escena más subida de tono y aquí las actrices para eso son menos proclives. Me encontré con la sorpresa de que tres de las actrices en las que yo confiaba mucho, las tres me dijeron que sí, así que tuve que seleccionar entre las tres. Respecto al equipo, es muy pequeño, formado por gente como Kiko Castro en fotografía, mi mujer, Maita Taboada, como ayudante de producción y dirección, Marcos Toledo en sonido, un chico muy valioso, un gran profesional y una persona maravillosa. Necesitábamos unos 30 figurantes, lo publiqué en Facebook, y me contestaron 200. Lo tuve que limitar a los 30 que necesitábamos pero participaron todos de una forma maravillosa, con un entusiasmo, con unas ganas de colaborar fantásticas, a pesar de los pesares (en cosas que no te voy a revelar, porque revelaría cosas del corto antes de tiempo) pero podrás ver cómo la gente estuvo entusiasmada a pesar de ello. Tuvimos por lo tanto, un equipo técnico muy pequeño, muy familiar, y eso sí, voy a tener la suerte también de que la música me la va a hacer un músico estupendo (a mi modo de ver) y una gran persona, Raúl Capote. No me ha dicho que no a nada nadie. Desde el Tranvía, que nos cedió un tranvía, vacío, y que estuvo circulando por la línea 2 para que pudiéramos hacerlo todo, con paradas de nueve minutos en la estación para que también pudiéramos rodar allí; Titsa que nos dejó grabar en el intercambiador; la discoteca ébano que está al lado del Auditorio, también nos dejó grabar allí; y la colaboración de gente que me prestaron elementos como la grúa, todos desinteresadamente. Afortunadamente todavía hay gente que te ayuda mucho, pero todo ha sido así, cosas de amigos, todo muy pequeño, no hubo un despliegue de gente. Ahora vamos a ver qué tal.”

¿Cómo te has visto tras la cámara?

“Me he visto bien por dos razones. Primero porque he trabajado con la libertad de que no estoy buscando hacer el corto de mi vida, conseguir un Goya, no. Me he propuesto hacer un guion que me gustaba. Eso te hace trabajar con la tranquilidad de que voy a hacerlo lo mejor posible, pero asumiendo que mi “lo mejor posible” nunca es lo mejor. He querido cuidar cada cosita mucho, pero con el objetivo de que saliera bonito y que pudiera gustar. Eso te hace trabajar más a gusto. Además he tenido la suerte de que justamente coincidió que durante el rodaje mi hijo tuvo que venir a España y entonces lo he tenido conmigo durante el rodaje aquí en Tenerife. Me ha servido mucho el aporte suyo como guionista y hemos trabajado muy al alimón los dos. Yo tengo que decir que aunque aparezca yo como director sería más justo decir co-dirigido por los dos Madariagas, porque me ayudó muchísimo, me vino muy bien su presencia aquí.”

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Has contado con la colaboración de Kiko Castro, cineasta con el que has mantenido una larga relación profesional. ¿Cómo fue el cambio de roles en este proyecto?

“Con Kiko Castro tengo bastante buen feeling, nos entendemos bien. Kiko es una persona que no tiene envidias, no tiene celos a que se le diga “no, así no, lo quiero así”. El hace una cosa y me dice “mira, mira, esto así” y yo le digo “no, yo lo quiero más lento”. Si lo quieres más lento o más rápido, te lo hace contento y feliz. No es de esos directores de fotografía que se enfadan cuando no coincides con su forma de ver las cosas. De eso hay muchos, lo he visto. Él te dice “ah, bueno, pues me gusta así más lento como has dicho tú”. Trabajas muy bien con esa actitud. Yo por lo menos. Para mí era muy importante, porque es una tranquilidad que exista ese buen feeling entre los dos. Conmigo lo mismo. Yo aceptaba las ideas de Kiko cuando me parecían buenas, evidentemente, pero me parecía importante que existiera esa comunicación entre los dos siempre mirando lo que fuera mejor para la película y no para nuestro ego. Si veíamos que quedaba mejor no me importaba si la idea era de Kiko o del portero. Todos hemos actuado de esa forma y creo que eso ha sido muy bueno para el resultado final.”

En lo referente a la dirección de actores, ¿cómo te has visto al estar al otro lado de la barrera?

“Bueno, a mí la dirección de actores me gusta, sin embargo, por las características de esta película mi actitud hacia los actores ha sido muy diferente a la que he tenido siempre. Aquí lo principal era la interpretación vocal, es lo que me interesaba. Ellos han respondido muy bien a todo. Se han entregado, han hecho lo que hiciera falta para que las escenas salieran bien. Las escenas más comprometidas las han hecho con entusiasmo y con unas ganas y una libertad total. Entre los dos, Elena y Javier, ha habido muy buen feeling, algo muy importante. Para mí ha sido muy fácil trabajar con ellos. Yo tengo una aparición, que no es una interpretación, en el corto. Es el único personaje que aparece aparte de ellos dos. No me lo puse yo. Estaba en el guion, lo que pasa es que yo me obligué a hacerlo yo. Me refiero, aunque creo que mi hijo lo escribió pensando en mí, no es algo que incorporara yo como director.”

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¿Cómo va la postproducción de la película?

“El montaje lo estamos haciendo juntos Kiko y yo. Mi hijo llorando en Mozambique porque le gustaría estar y no puede. Para el montaje hay que buscar a alguien que tenga tiempo para meterle y además comprometerle, y sin poder pagar, a mí me cuesta mucho. Son trabajos muy duros, muy arduos, pero luego no se reconoce. Yo trabajo muchas veces gratis, pero luego tengo el reconocimiento de todo el que me ve, me sirve de currículum, me sirve de mucho. Me muestro mucho. Un montador es una figura muy oscura a pesar de la grandísima importancia que tiene en la película. Entonces, si no le puedes ofrecer fama, no le puedes ofrecer dinero, pues a mí me cuesta mucho comprometer así a la gente, qué quieres que te diga. No sabes la vergüenza que pasé a atreverme a llamar a Raúl para que me hiciera la música. Me atreví al final porque me apetecía mucho tener la música de él. De la misma manera que hay otros músicos también que me encantan, y que no me atrevo a pedírselo, porque me da vergüenza.

Mi objetivo con el montaje es mantener esos particularismos que hemos comentado en cuanto a interpretación y puesta en escena. Se trata de un corto más de rodaje que de montaje. Aunque nunca hay que dejar de reconocer la importancia del montaje para que respete eso. Por ejemplo, prácticamente no hay efectos especiales. Los únicos que hay son para mejorar algo. Si hay un sonido del tranvía lo metemos en postproducción, no en sonido directo, pero no se trata de un efecto especial. Es simplemente una mejora aparte para que suene mejor. Pero en el montaje no hay nada que tengamos que crear, simplemente dar ritmo a la película, darle una continuidad, pero no hay incorporación de efectos o de cosas que le den una relevancia especial.”

“41” tiene previsto su estreno para el próximo mes de abril o mayo.

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viernes, 24 de enero de 2014

ESTRENOS DEL 24 DE ENERO

Esta semana las carteleras dan un descanso a la carrera hacia los Oscars y nos ofrecen títulos, en su mayor parte, de corte más comercial. Contamos con dos producciones españolas, al mismo tiempo que nos llega el remake de una película de culto y la primera visita que nos hará el héroe mitológico Hércules este año. Cerramos los estrenos con el cierre del díptico sexual de Lars Von Trier.

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Realizador de larga trayectoria televisiva, Santiago Tabernero ha sido una figura clave del programa “Versión Española” presentado por Cayetana Guillén Cuervo o más recientemente “Torres y Reyes”, con Mara Torres y Joaquín Reyes. Ha sido guionista de títulos como “Desvío al Paraíso”, “Taxi” o “Asfalto” y debutó en la dirección cinematográfica en 2005 con “Vida y Color”. Ahora se alía con el actor Eduardo Noriega para juntos escribir la adaptación de “Presentimientos”, novela de Clara Sánchez. En ella, encontramos a una joven pareja de clase media, Julia y Félix, cuya relación atraviesa un momento delicado. La idea de irse unos días de vacaciones a la playa puede ser la oportunidad que necesitan para recomponer su relación y volverse a enamorar. Al llegar a la urbanización donde pasarán las vacaciones discuten y Julia sale con el coche. Es de noche, el violento estruendo de un accidente le hace parar en el arcén y salir a averiguar qué ha pasado. Para su sorpresa no ve nada extraño. Al volver al coche descubre que le han robado el bolso con la documentación, el dinero y el móvil. Por si fuera poco, no encuentra el camino a la urbanización, se ha perdido. Comienza así el angustioso peregrinar de Julia y Félix buscándose mutuamente en un paisaje desconocido para ambos, que dejará al descubierto importantes secretos del corazón y les empujará a tomar decisiones extraordinarias para recuperar su amor. Eduardo Noriega se reserva el papel principal, contando como co-protagonista con Marta Etura. Además encontramos la presencia de secundarios destacados como Alfonso Bassave, Jack Taylor o Silvia Tortosa.

MINSCAPE

El cineasta Jamue Collet Serra ha conseguido asentarse en la industria de Hollywood como director de títulos comerciales como “La Huérfana” o “Sin Identidad” y ha aprovechado esta posición para impulsar el debut en el largometraje del cortometrajista Jorge Dorado con “Mindscape”. Aquí el protagonista es un detective con la habilidad de entrar en las memorias de las personas, al que se le encarga investigar el caso de una adolescente brillante y problemática para determinar si se trata de la víctima de un trauma o una sociópata. Rodada en inglés, la cinta ha contado con la presenciad de actores internacionales como Mark Strong, Brian Cox, Taissa Farmiga, quedando como representante latino el actor argentino Alberto Ammann en un papel secundario. La película ha entrado en la carrera hacia los Goya, obteniendo una candidatura a Mejor Dirección Novel para Jorge Dorado.

OLDBOY

En 2003 el cineasta coreano Park Chan-wook convertía su adaptación del manga creado por Garon Tsuchiya en el segundo episodio de su Trilogía de la Venganza. “Oldboy” se convirtió en una cinta de culto inmediato y aupó a su director como uno de los principales representantes del nuevo cine coreano que estaba pujando fuerte en el mercado internacional. Tras pasar por varias manos (inicialmente fue un proyecto impulsado por Will Smith con Steven Spielberg tras la cámara), ahora nos llega el remake americano de esta cinta, para la que se ha contado con el cineasta Spike Lee (cada vez más alejado de su discurso cinematográfico reivindicativo en favor de un cine de encargo y comercial). La cinta cuenta la historia de un ejecutivo de una agencia de publicidad al que secuestran y retienen durante 20 años en la más completa soledad sin que nunca sepa a qué se debe su reclusión. Cuando por fin le liberan inesperadamente, se lanza a una obsesiva búsqueda para descubrir quién ideó el extraño y retorcido castigo al que fue sometido. Pero no tarda en descubrir que sigue atrapado en una complicada y malévola conspiración. Durante su búsqueda, tiene una malograda relación con una joven trabajadora social y acaba conociendo a un hombre esquivo que dice tener la llave de su salvación. La cinta está protagonizada por Josh Brolin en el papel que inmortalizó Choi Min-sik, y cuenta también con la presencia de Elizabeth Olsen, Samuel L. Jackson y Sharlto Copley.

HERCULES

Después de que 2012 fuera el año de Blancanieves con hasta tres versiones cinematográficas del personaje, 2014 va a convertirse en el año de Hércules, con dos títulos acerca del héroe mitológico programados. El primero, “Hércules. El Oigen de la Leyenda” nos llega este fin de semana, con una estética dirigida al público juvenil, donde el principal gancho comercial es la presencia de Kellan Lutz (el Emmet Cullen de “La Saga Crepúsculo”). La cinta está dirigida por Renny Harlin, cineasta muy alejado de su época de gloria con “La Jungla 2” o “Máximo Riesgo”. Además, en el reparto encontramos a Gaia Weiss y al especialista en Artes Marciales Mixtas, Scott Adkins. En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo, la reina Alcmena dirige sus súplicas hacia los dioses y fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses y los hombres. Ajeno a su verdadera identidad, Hércules sufre el desprecio del rey Anfitrión, quien favorece siempre a su hijo legítimo Ificles. El joven Hércules se enamora de la bella Hebe, aunque su historia de amor queda truncada cuando Anfitrión, padre de Hércules, proclama que será Ificles quien contraerá matrimonio con la princesa. Hércules intenta huir con su amada, pero es capturado por la guardia del rey Anfitrión, quien le envía a la guerra. Tras burlar a la muerte, Hércules se embarca con el guerrero Sotiris en una misión para liberar al reino de la tiranía de Anfitrión, recuperar a su amada de las garras de su hermano y ocupar su lugar en el panteón de los héroes griegos.

NYMPHOMANIAC 2

Llega finalmente esta semana también la segunda entrega del díptico sobre el sexo de Lars von Trier, “Nymphomaniac, Parte 2”. Concebida como una única película, el extenso metraje de esta historia obligó al director a dividirla en dos partes para favorecer la distribución comercial, al mismo tiempo que se extrajeron algunos de los planos más explícitos. En esta segunda entrega, el personaje de Joe seguirá contando sus experiencias al viejo Seligman. Superadas la historia de su iniciación sexual y su obsesión por el personaje de Jerome. Ahora toca indagar en su madurez y en la profundización del personaje en vertientes sexuales cada vez más agresivas. Junto a Charlotte Gainsbourg y Stellan Skarsgard encontramos otros rostros conocidos como Jamie Bell, Connie Nielsen, Udo Kier o Willem Dafoe.

miércoles, 22 de enero de 2014

EL CINE DE JAIME FALERO. “EL CLAN” / “PROJECT 12. THE BUNKER”.

Jaime-Falero
Copyright Domingo de Luis
A pesar de su corta filmografía, el cineasta Jaime Falero ya ha definido el tipo de proyecto en el que le gusta trabajar. Sus primeros cortometrajes, “El Último Negocio” de 2004 y “Dinero Negro” en 2006 lo situaron en ese marco de thriller postmoderno, con una puesta en escena deudora de directores como Quentin Tarantino o Guy Ritchie. En este sentido, las aspiraciones del joven cineasta siempre han sido altas, optando por un cine de corte comercial, en el que la presencia de ciertos actores de renombre sirva de atractivo para atraer al público (así ha sido con la presencia de Pepe Sancho, Beatriz Rico o Maribel Verdú en sus primeros trabajos, o ya en su última película nombres de peso internacional como Eric Roberts o James Cosmo). Su apuesta es también por producciones financiadas a través de inversores privados, con la promesa de la recuperación económica como pivote para la siguiente película. Otro elemento clave en todos sus trabajos hasta la fecha ha sido priorizar localizaciones de Tenerife para sus rodajes, defendiendo la posición de la isla como espacio geográfico polivalente ideal como plató cinematográfico, así como un equipo técnico y artístico local donde podemos encontrar grandes profesionales que han entrado a formar parte del equipo habitual del cineasta.
CLAN 07
"El Clan", copyright Film! Canary Islands
Tras su experiencia en el mundo del cortometraje y con el excelente documental “Al Margen de la Ley” a sus espaldas, Falero dio paso a su primer largometraje de ficción con “El Clan” (vista únicamente en un pase especial que tuvo lugar el pasado 15 de noviembre en la sala Artistic Metropol de Madrid). Producida por Film! Canary Islands y con un guion escrito a cuatro manos entre el director y el guionista Pedro J. Mérida, la cinta,ambientada a mediados de la década de los años 40 del siglo XX, nos narra la historia de un grupo de amigos, liderados por el limpiabotas Ricardo, que sobreviven en un ámbito de discreta ilegalidad, entre pequeños robos y estafas, y cuya suerte podría cambiar tras un arriesgado encargo, abriéndoles las puertas de la fortuna. El cuarteto protagonista es presentado de manera individualizada y contundente en todo el bloque de introducción de la película, dibujando los rasgos generales de todos ellos y sus características básicas, conformando así un conjunto de personajes complementarios entre sí donde cada uno asume funciones particulares a la hora de llevar a cabo sus pillajes. Así, Ricardo (Francisco Vera) es el líder del grupo y quien lleva la iniciativa, Antonio (Borja Elgea) es el galán, Amador (Octavi Pujades) es la fuerza bruta y Marcelo (Domingo de Luis) es el cerebro. El segundo acto de la cinta, el más extenso, se concentra en establecer el mundo en el que se desenvuelven estos personajes, sus conflictos particulares y, con pequeñas pinceladas, enriquecer el perfil psicológico de los protagonistas. A priori puede parecer un apartado que dilata la llegada de la acción, pero finalmente se revela como una parte fundamental de la película, necesaria para dar peso dramático al tercer bloque de la historia. En este tramo final, la cinta da una vuelta de tuerca a la trama, dirigiendo los eventos por un itinerario diferente en cuanto a tono y narración con respecto a los dos primeros tercios de película. Es aquí donde Falero da salida a su virtuosismo visual, componiendo una lujosa set piece caracterizada por el sentido de amenaza y violencia descarnada que transforma a esta historia de picaresca en una rotunda trama de honor, lealtad, traición y fatalidad que pone en juicio de valores la faceta más oscura del ser humano.
CLAN 04
"El Clan", copyright Film! Canary Islands
Aparte del cuarteto protagonista, cada cual exprimiendo las posibilidades de sus personajes, en la cinta destaca, a nivel interpretativo, el toque mefistofélico de un excelente Carlos Lasarte y la fiereza de un soberbio Pepe Sancho en el que fuera su último papel cinematográfico. La ambientación en los años 40 está muy lograda, jugando un papel fundamental también la cuidada fotografía de Santiago Torres, quedando como única (pequeña) pega que determinados elementos de atrezzo resultan demasiado impolutos para una historia tan sucia y realista. La planificación de Jaime Falero encuentra su mejor sintaxis en las manos del editor Vasni Ramos, quien provee a cada bloque de la película con el ritmo adecuado, aportando una estética de narrativa contemporánea a esta historia de corte clásico. Finalmente destacar también el excelente trabajo de Diego Navarro, capaz de integrar diferentes estilos y tonalidades a la película con una partitura que va del componente melódico clásico a ejercicios de composición postmodernos, compaginando además elementos de jazz dentro del sinfonismo imperante. La música, maravillosamente interpretada por la Orquesta Sinfónica de Tenerife bajo la batuta del compositor, refuerza la psicología de los personajes, al mismo tiempo que subraya de manera contundente secuencias complejas como la cacería del clímax final. “El Clan” se convierte así en una ejemplo modélico de cómo con una historia sencilla, pero bien construida, apoyada en un conjunto bien escogido de actores y el talento de un equipo bien afinado, puede superar las limitaciones presupuestarias para ofrecer una película de factura impecable.
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Conflictos legales entre el director y la productora han mantenido a “El Clan” cautiva, sin exposición pública salvo la ya mencionada proyección en Madrid el pasado 5 de noviembre. Mientras tanto, Falero inició la producción de su segundo largometraje de ficción, “Project 12. The Bunker”, financiado gracias a la ayuda de un conjunto de empresarios de las islas y desarrollado junto a Joaquín Sánchez, actor protagonista y aquí también productor de la cinta. Las limitaciones presupuestarias nuevamente obligaron a llevar a cabo una producción vertiginosa, con apenas un mes de rodaje y escasos tres meses para postproducción. Pese a presentar un argumento muy diferente, no son pocos los elementos que enlazan este segundo trabajo con “El Clan”. Aquí se nos narra una historia contemporánea, de corte de thriller, con elementos de acción y espionaje, que, de nuevo, en el tercer acto transmutan, en esta ocasión, en una trama de ciencia ficción. Los protagonistas son un grupo de mercenarios que han recibido el encargo de localizar a un antiguo oficial de la KGB encargado en su momento de desarrollar un proyecto secreto. Falero abre la película de manera poderosa con una intensa presentación de personajes que hace presuponer un metraje repleto de acción. La estructura de presentación individual de cada uno de los protagonistas, junto con el uso de la rotulación para identificarles, hace eco del primer bloque de “El Clan”, pero con un envoltorio de thriller que evoca referencias como “Misión Imposible” o la saga de Jason Bourne. Aquí vamos ya identificando las relaciones entre ellos, las lealtades y las rencillas, así como la identificación del villano de la trama. Joaquín Sánchez interpreta a Tabel, el líder del grupo, un hombre acostumbrado a una vida de violencia que ha marcado una relación distante con quienes le rodean, pero que ha conseguido mantener una cierta integridad moral basada en un estricto código de honor. Timothy Gibbs da vida a Bruno, su segundo de abordo, un hombre preciso y meticuloso, cargado de ambición y despiadado, capaz de desatar un infierno él solo. Irina (Natasha Alam) es el componente femenino del grupo, quien emplea su belleza como arma de infiltración, dividida entre el código de honor de Tabel y la ambición de Bruno. El cuarto componente del grupo es Alan (Tony Corbillo), el personaje menos definido del cuarteto, hasta el punto de que en el tercio final de la película prácticamente desaparece de la acción.
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Falero juega con las localizaciones de la isla para ambientar la historia en diferentes partes del mundo y lo consigue con cierta pericia (aunque nos cueste identificarlas como tales a los que nos hemos criado en esas localizaciones), sin embargo, en su afán por homenajear al cine de acción de los 80, también se cae en algunos de sus principales defectos. Pasado el explosivo inicio y con los personajes ya sobre la mesa, la película fracasa a la hora de establecer el desarrollo de la historia. Y es que el principal talón de Aquiles de “Project 12. The Buker” es un guion mal construido, incapaz de dar coherencia y peso narrativo a la historia, convirtiéndose en una consecución de secuencias que pretenden dar un empaque comercial y hollywoodiense al conjunto, pero que acaban siendo confusas e inconexas. La falta de un contenido dramático torpedea también el desarrollo psicológico de los personajes, que salvo el caso específico del personaje de James Cosmo (quien ofrece la mejor interpretación de la película), no pasan de un perfil bidimensional y esquemático. A partir de ahí es responsabilidad de los actores poder dar entidad a sus papeles, labor en la que destacan Joaquín Sánchez y Timothy Gibbs, quienes resultan plenamente convincentes en sus roles de héroes graníticos, así como a la hora de desarrollar las secuencias y coreografías de acción. Más irregular resulta el trabajo de Natasha Alam, mientas que Eric Roberts, con su bronceado de rayos UVA y sus dientes blanqueados, a penas transmite sensación de personaje, sino más bien de estar viendo al actor interpretándose a sí mismo en pantalla. Llegados al tercer acto de la película, cuando los personajes por fin llegan al búnker, al espectador le quedan dos opciones, o tirar la toalla o aceptar la naturaleza desproporcionada de la película y, por lo tanto, sus flaquezas e incongruencias. Nuestra recomendación es optar por la segunda alternativa, ya que con el giro hacia el género fantástico del último tercio el nivel de psicotronía se incrementa de manera aún más notable. La contención que pudiera tener la planificación de Falero en el segundo arco, se transmuta aquí en una espiral de acción desquiciada e inverosímil, pero entretenida si hacemos uso de la suspensión de incredulidad.
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Podemos decir que “Project 12. The Bunker” ha sido víctima de su propia naturaleza de cine de guerrilla con aspiraciones de superproducción. Aparte de las inconsistencias de guion, la producción se evidencia precipitada, filmada con prisas y con una postproducción atropellada para llegar a la fecha de estreno, al mismo tiempo que intenta cubrir los agujeros del rodaje. Afortunadamente, la película también cuenta con excelentes profesionales que ayudan a sacar a flote la historia. Ese es el caso de la excelente labor de fotografía de Juanmi Márquez, especialmente en todo el tramo que se desarrolla dentro del búnker, donde la iluminación ayuda a generar la sensación de claustrofobia en el espectador, al mismo tiempo que saca el máxima partido a las localizaciones. Lo mismo podemos decir del montaje de Vasni Ramos o los efectos digitales de Carlos Xerach, que logran salvar los muebles allí donde parecía que la partida estaba perdida, dando a la cinta un ritmo y una prestancia más opulenta de lo que cabría esperar de su presupuesto. Una vez más el apartado musical, responsabilidad en esta ocasión del músico Iván Palomares, juega una importante responsabilidad en el corte final de la película, aunque en un sentido muy distinto al que ofreciera Diego Navarro en “El Clan”. Aquí se prescinde de la complejidad, la experimentación y el clasicismo melódico de la anterior, en favor de una partitura más sencilla y directa, apoyada sobre todo en los sintetizadores y la electrónica, y que juega a replicar el modelo de los años 80, especialmente el minimalismo de John Carpenter o los componentes poperos de la serie B. Así, la música consigue dar con la identidad que necesita la película, y que con otra composición más elaborada hubiese subrayado de manera más evidente las carencias de la producción.
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Esperamos que, en breve, estas dos producciones puedan tener salida en el mercado nacional e internacional y sirvan de carta de presentación al excelente nivel de profesionales del sector audiovisual con que cuenta Canarias. Jamie Falero, por de pronto, ya ha avanzado que se encuentra desarrollando nuevos proyectos, ya dentro del ámbito de la industria de Hollywood. Esperamos que ese afán y esa ambición prospere con proyectos que saquen partido a su habilidad visual, pero también que ésta quede refrendada con un libreto más sólido que el de su último trabajo, y que el cineasta cuente con márgenes de producción más amplios para poder afinar mejor el resultado final.
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Copyright Domingo de Luis

viernes, 17 de enero de 2014

ESTRENOS DEL 17 DE ENERO

Como no podía ser de otra manera, la misma semana en la que se han entregado los Globos de Oro y se han anunciado las candidaturas a los Oscars, nos llegan dos títulos participantes de estas carreras de premios. De esta manera, poco a poco van estrenando en las carteleras los títulos nominados de este año y así, en breves semanas seguirán incorporándose títulos como “La Gran Estafa Americana”, “Nebraska”, “Philomena” o “Her”. Desgraciadamente, como suele ser habitual no todos los títulos se estrenarán en nuestras pantallas antes del 2 de marzo, como es el caso de “Dallas Buyers Club”, cuyo estreno está previsto para el 14 de marzo.

MANDELA

Basada en la autobiografía de Nelson Mandela, “Mandela. Del Mito al Hombre” es uno de esos títulos pensados para seducir a la Academia de Hollywood, pero que no terminan de completar su itinerario. El periodo histórico que trata, la transformación física de su actor protagonista, e incluso la fatídica coincidencia del estreno de la cinta con el fallecimiento del mandatario sudafricano eran elementos a su favor para obtener más candidaturas, sin embargo, la pobre carrera comercial de la cinta y las fría recepción crítica parecen haber pesado en su contra. De cara a los Globos de Oro obtuvo tres candidaturas (mejor actor, partitura original y canción) obteniendo sólo una de ellas (al tema “Ordinary Love” compuesto por Bono). En los Oscars sólo compite en el apartado de Mejor Canción (donde parte como favorita), sorprendiendo la ausencia de Idris Elba.

Dirigida por Justin Chadwick (“Las Hermanas Bolena”), con guion de William Nicholson (“Tierras de Penumbra”, “Gladiator”, “Los Miserables”), esta cinta recorre la excepcional vida del personaje, desde sus primeros años como niño pastor en el campo en Transkei hasta su investidura como el primer presidente democrático de Sudáfrica. Idris Elba se convierte en el principal adalid de esta película que, pese a todo, ha supuesto un espaldarazo a la carrera de este actor, cuya fama hasta ahora se debe más al terreno televisivo (gracias a series como “The Wire” o “Luther”). Le acompaña en el papel de Winnie Mandela Naomie Harris, actriz que se dio a conocer gracias a su papel de Calipso en la segunda y tercera entrega de “Piratas del Caribe” y a la que recientemente hemos visto en “Skyfall”.

EL LOBO DE WALL STREET

Cualquier estreno de una nueva película de Martin Scorsese es ya de por si un acontecimiento, si a esto le sumamos una nueva colaboración con Leonardo DiCaprio (la quinta tras “Gangs of New York”, “El Aviador”, “Infiltrados” y “Shutter Island”), y un guion escrito por Terence Winter (prestigioso creador de “Los Soprano” y “Boardwalk Empire”, esta última en alianza también con Scorsese), a partir de la autobiografía de Jordan Belfort, el resultado no puede ser más seductor. Basada en hechos reales, la cinta nos narra la historia del corredor de bolsa neoyorquino Jordan Belfort. Empezando por el sueño americano, hasta llegar a la codicia corporativa a finales de los ochenta, Belfort pasa de las acciones especulativas y la honradez, al lanzamiento indiscriminado de empresas en Bolsa y la corrupción. Su enorme éxito y fortuna cuando tenía poco más de veinte años como fundador de la agencia bursátil Belfort le valió el mote de El Lobo de Wall Street. Dinero. Poder. Mujeres. Drogas. Las tentaciones abundaban y el temor a la ley era irrelevante. Jordan y su manada de lobos consideraban que la discreción era una cualidad anticuada; nunca se conformaban con lo que tenían.

Nominada a cinco estatuillas (mejor película, director, guion adaptado, actor principal y actor secundario para Jonah Hill), la cinta llega a la cartelera también tras obtener el Globo de Oro a mejor actor principal de comedia o musical para Leonardo DiCaprio. Retrato del exceso, la cinta cuenta también con un amplio reparto de actores secundarios, donde junto a DiCaprio y Jonah Hill, podemos destacar a Margot Robbie, Matthew McConaughey, Kyle Chandler, Jon Bernthal, Rob Reiner, Jon Favreau o Jean Dujardin.

viernes, 10 de enero de 2014

ESTRENOS DEL 10 DE ENERO

Finalizada la temporada navideña, mantenemos en la cartelera el periodo dedicado a las películas premiables en los próximos eventos que nos esperan, desde los Globos de Oro, los Goya (cuyas candidaturas se anunciaban esta semana) o, finalmente, los Oscars. Eso queda patente en los estrenos que nos llegan esta semana y representado especialmente en el último de ellos, “Agosto”, donde el peso actoral y el referente teatral en el que se basa son ya aspectos apetecibles de cara a las inquietudes de la Academia de Hollywood.

La Ladrona de Libros

Posiblemente el primer título que comentamos esta semana no tenga mucho margen de cara a los Oscars, pero, sin duda, entre sus ambiciones estaba formar parte de este selecto grupo. Adaptación de una popular novela de Markus Zusak, “La Ladrona de Libros” ambienta su historia durante la Alemania Nazi de la Segunda Guerra Mundial, cuenta con un director de prestigio en la pequeña pantalla (Brian Percival, realizador de varios episodios de la serie televisiva “Downton Abbey”), un grupo de actores ya respaldados por la estatuilla del Tío Oscar: Geoffrey Rush y Emily Watson, y una partitura musical ya candidata a los Globos de Oro, obra ni más ni menos que de John Williams (la primera partitura cinematográfica de este gran compositor para una película no dirigida por Steven Spielberg, desde que en 2005 participara en “Memorias de una Geisha”). La protagonista de la cinta es la joven actriz de origen canadiense Sophie Nélisse, quien destacara por su inocencia y dulzura en la película de 2011 “Profesor Lazhar”. Aquí interpreta a la pequeña Liesel quien vive de primera mano los horrores de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, mientras su familia oculta en el sótano a un refugiado judío. La vía de escape de la protagonista a esta dura realidad social es la literatura, dedicándose a robar libros y compartirlos con la gente de su entorno para que así, estos sirvan también de alivio a sus más allegados.

La Gran Revancha

En 1976 Sylvester Stallone pasó de la pobreza al estrellato al protagonizar “Rocky”, convirtiéndose éste, junto con John Rambo, en el personaje más relevante de su filmografía. Años más tarde, Robert DeNiro, dirigido por Martin Scorsese, acuñó una de sus mejores interpretaciones con “Toro Salvaje”, donde daba vida al polémico Jake LaMotta, papel por el que alcanzó su segundo (y de momento último Oscar). Ahora, 16 años después de trabajar juntos en “Copland”, estos dos astros del cine (cada cual en su terreno) vuelven a colaborar en “La Gran Revancha”, donde interpretan a Henry “Razor” Sharp y Billy “El Niño” McDonnen, dos boxeadores locales de Pittsburgh cuya pugna llamó la atención a nivel nacional. Cada uno de ellos había vencido al otro en sus buenos tiempos, pero en 1983, en la víspera de su tercer combate, Razor repentinamente anunció su retiro, negándose a explicar la razón, pero asestando un golpe de gracia a ambas carreras. Treinta años después, Dante Slate Jr., un promotor de boxeo, ve la oportunidad de ganar mucho dinero y les hace una oferta que no pueden rechazar: volver a la lona y ajustar las cuentas de una vez por todas. Dirigida por Peter Segal (colaborador habitual de Adam Sandler en títulos como “Ejecutivo Agresivo”, “50 Primeras Citas” y “El Clan de los Rompehuesos”) y con la presencia de una recuperada Kim Basinger, además de Alan Arkin o el televisivo Jon Bernthal, esta cinta está lejos de triunfar en la ceremonia de los Oscars, como sí hicieran sus referentes, pasando a integrar las candidaturas a los premios Razzies, donde compite en los apartados de peor película y peor actor para ambos, Stallone y DeNiro.

The Grandmaster

El director Wong Kar Wai siempre se ha caracterizado por demorar cada uno de sus proyectos para cuidar al máximo el resultado final. Adaptar la vida de Ip Man en “The Grandmaster” le ha llevado 10 años de su vida, ofreciendo un sentido tributo al género de artes marciales a través de la figura de uno de los grandes iconos de esta disciplina. Protagonizada por el actor fetiche de Kar Wai, Tony Leung Chiu Wai y Zhang Ziyi (quien ya demostrara habilidad con las coreografías de lucha en “Tigre y Dragón”, “Hero” o “La Casa de las Dagas Voladoras”), la cinta cuenta también con las coreografías del mítico Yuen Woo-Ping (“Matrix”). Ip Man nació en Foshan, al sur de China, en el seno de una familia acomodada. La pasión que siente por el estilo Wing Chun le lleva a menudo al Pabellón de Oro, un elegante burdel donde se reúnen los maestros de Kung Fu. El gran maestro Gong Baosen llega a Foshan invitado a una ceremonia ante su inminente retiro. Su hija, heredera de la famosa y letal técnica de las “64 manos”, le acompaña en el viaje que le llevará a conocer a Ip Man. A pesar de haber sido testigo de los horrores de la invasión japonesa de Foshan, Ip Man no se rinde ante las dificultades. Funda una escuela de Wing Tsun en Hong Kong, donde no tarda en tener discípulos fieles, Bruce Lee entre ellos. Esta cinta ha sido seleccionada por China para representar a su país en el apartado de Mejor Película de Habla no Inglesa de cara a los Oscars.

Agosto

Dirigida por John Wells (productor televisivo responsable de éxitos como “Urgencias” o “El Ala Oeste de la Casa Blanca” y que debutó como director cinematográfico en 2010 con “The Company Men”) y basada en la obra de teatro homónima de 2006 escrita por Tracy Letts, “Agosto” se presenta como una de las favoritas en lo referente a las categorías de interpretación femenina, partiendo ya con sendas candidaturas a los Globos de Oro para Meryl Streep y Julia Roberts como Mejor Actriz Principal en Comedia o Musical y Mejor Actriz de Reparto respectivamente. Además la cinta cuenta con un excelso reparto donde encontramos también rostros populares como Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Abigail Breslin, Dermot Mulroney, Chris Cooper, Sam Shepard o Margo Martindale. “Agosto” cuenta la oscura, desternillante y emotiva historia de las fuertes mujeres de la familia Weston, cuyas vidas se han separado hasta que una crisis familiar les lleva de nuevo a la casa donde crecieron donde vive la disfuncional mujer que las crió.