tag:blogger.com,1999:blog-59893157379869292572024-02-28T23:43:41.979+00:00Adivina Quién Viene al CineManuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.comBlogger1062125tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-57213641018442111072020-06-05T20:41:00.001+01:002020-06-05T20:41:39.999+01:00“GHOSTLAND”. EL CUENTO DE LA BRUJA.<div class="separator"><p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img alt="Poster Incident In A Ghost Land Movie 70 X 45 cm: Amazon.es: Hogar" src="https://images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/71i-QQy-NLL._AC_SY741_.jpg" /></p></div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Pascal Laugier ha estado
siempre emparentado con el género de terror, a veces jugando más con el
suspense y otras con maneras mucho más explícitas. Su película “Martyrs” forma
parte del catálogo de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Torture Porn</i> de
principios de siglo, en su variante del Nuevo Extremismo Francés; mientras que
“El Internado” y “El Hombre de las Sombras” juegan más con la sugerencia. En
cualquier caso, sus historias siempre vienen acompañadas de atmósferas
enrarecidas y un juego con la percepción de la realidad. Su último trabajo
hasta la fecha es “Ghostland”, película de 2018, ganadora del Premio al Mejor
Director en la segunda edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias
Islas Calavera y que ahora está disponible en la plataforma de Movistar +.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">“Ghostland” se presenta
como un cuento de hadas macabro que recuerda a la historia de “Hansel y
Gretel”. Aquí se trata de dos hermanas, Beth y Vera, y la bruja, en lugar de
tener una casa de chocolate, tiene una furgoneta ambulante de golosinas. Las
dos hermanas se mudan con su madre a la casa de una pariente lejana fallecida,
pero nada más instalarse en su nuevo hogar, aislado del mundo, son atacados por
un hombre y una mujer que se dedican a torturar a la dos protagonistas. Laugier
añade a la historia un jugo de realidades, alternando ese momento traumático
con un aparente flashforward donde Beth ha utilizado su trauma para convertirse
en una exitosa escritora de terror, mientras que Vera vive atrapada en el
recuerdo de aquella experiencia. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Laugier construye para
la película un universo propio, más cercano a los excesos de los cuentos
populares que a un escenario realista. La casa, aislada y ruinosa, está repleta
de muñecas de todo tipo, especialmente de porcelana, muchas de ellas viejas y
rotas. La saturación de estos elementos decorativos y las sensaciones que crean
los juguetes da a la imagen una atmósfera asfixiante y ominosa. El propio
edificio se convierte en una especie de laberinto repleto de habitaciones
siniestras que, lejos de servir de aliado a las dos protagonistas, parecen
haber hecho un pacto con los invasores. La estética abandonada de la casa tiene
su equivalente con el interior de la caravana, mientras que el barroquismo de
muñecas y objetos acumulados, pervirtiendo su propósito infantil, se equipara
más a la monstruosidad de la bruja y el ogro que a esa transición de la
infancia a la adolescencia de las dos niñas. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Conocedor del carácter
amenazante del escenario, el director mueve la cámara de manera agresiva por
los pasillos, escaleras y habitaciones, incrementando la sensación
intimidatoria y de urgencia dentro de la casa. Tampoco se coarta Laugier a la
hora de llevar la violencia de la puesta en escena a una imaginería más
explícita. La carne se convierte en un componente de plasticidad demencial, no
sólo por la progresiva deformación del cuerpo de las protagonistas por las
torturas, sino también por los sanguinolentos momentos con los que el director
salpica la acción y los enfrentamientos entre víctimas y torturadores.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">El guion es
autoconsciente de su faceta de cuento de hadas oscuro y no tiene remordimientos
por alejarse de los parámetros realistas e instalarse en un contexto onírico o
surreal. La situación, la violencia, la falta de un pretexto que justifique lo
que sucede permite además que la historia se introduzca por vericuetos desligados
de un desarrollo argumental lógico o coherente. Desde el momento en que las
niñas y su madre entran en la casa, las barreras entre lo real y la alucinación
se desquebrajan, dando a la narración un propósito pesadillesco.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Todo esto hace que la
película, lejos de ofrecernos una historia ordenada y ortodoxa, se convierta en
una experiencia sensorial, donde la conjunción de imagen y sonido busca
arrastrar al espectador por un abanico de sensaciones de angustia, repulsión y
tensión. Si eso es lo que están buscando en una cinta de terror, “Ghostland”
cumple con creces. Si por el contrario, necesitan un argumento sólido y
verosímil, una historia bien armada y coherente, se han equivocado de película.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p><br />Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-51815634882519921702020-05-25T21:03:00.002+01:002020-05-25T21:03:42.508+01:00“LUCY IN THE SKY”. FLOTANDO EN EL ESPACIO.<div style="text-align: center;">
<img height="640" src="https://images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/61f3tkvUC7L._AC_SL1481_.jpg" width="432" /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">Pese al rotundo peso que la
televisión o, mejor dicho, las plataformas tienen hoy en día, el cine sigue
tentando a los creadores, que parecen no sentirse realizados hasta llevar a
cabo, al menos, su primer largometraje. A Noah Hawley, creador de series como
“Bones”, “Fargo” (por la que recibió un premio Emmy en 2014) o “Legión”, le ha
llegado el momento tras 14 años de éxitos televisivos. En este tiempo, Hawley
ha conseguido convertirse en uno de los nombres de referencia de la nueva
televisión. Su apuesta por series de perfil complejo, alejadas del tono </span><i style="font-size: 12pt;">mainstream</i><span style="font-size: 12pt;">, le ha situado en un puesto
de creador atrevido e inesperado.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">“Lucy in the Sky” se inspira en una
historia real, la de la astronauta Lucy Nowak, detenida el 7 de febrero de 2007
y acusada de intento de homicidio, tras secuestrar y agredir a otra astronauta
de la NASA por un asunto de celos. A Hawley le llamó la atención que una
persona que había estado en el espacio acabara obteniendo cierta repercusión
pública por algo tan mundano como un triángulo amoroso. Es cierto que la
película no busca ser un biopic de Nowak, aunque su Lucy Cola herede muchos
aspectos de la verdadera astronauta. Tampoco pretende el director contar una
historia de stress post traumático, aunque también está presente y es un factor
decisivo en los acontecimientos de la película. No, el enfoque de Hawley
pretende ir más allá, reflexionando sobre el shock mental que se produce en una
persona que ha sido capaz de ver más allá de las fronteras físicas que nos
rodean y determinan nuestra visión de la vida. Para ello la narración se acerca
al concepto de cuarta dimensión, desdibujando la linealidad temporal y
posicionando al espectador en la mente de la protagonista, donde pasado y
presente se va cruzando, anticipando paulatinamente su derrumbe psicológico. Hawley
experimenta no sólo con el montaje, sino también con los formatos de imagen,
que van cambiando de manera fluida a lo largo de toda la película e incluso
dentro de una misma escena, y con los movimientos de cámara, dando a la imagen
una sensación de ingravidez continua. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">La cinta arranca con la protagonista
en el espacio y la cámara girando a su alrededor en respuesta a la falta de
gravedad, pero una vez la acción se traslada a La Tierra, el cineasta mantiene
el mismo efecto. Lo que en principio se define como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rocket Lag</i>, se reconvierte en la incapacidad de Lucy de readaptarse
a la realidad cotidiana y la trivialidad de su vida familiar tras ver la
inmensidad del espacio. Lo difuso de las barreras físicas y temporales en la
narración convierte en la película casi en un viaje psicodélico por la mente de
la protagonista (de ahí que la referencia a The Beatles en el título no sea
gratuita), incentivándose a medida que su ruptura con la realidad va derivando
en un comportamiento obsesivo y psicopático. En este sentido, Hawley parece
querer dirigirse a un enfoque cercano al cine de Christopher Nolan y, más
concretamente, a títulos como “Memento”, “Origen” o “Interstellar”. El listón
le queda grande, pero se agradece el riesgo, ya que más que el interés que nos
pueda provocar la historia que cuenta, lo más atractivo de la película es la
forma en la que el director ha decidido contarla. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">En esto ayuda también especialmente
el espléndido trabajo de Natalie Portman, quien una vez más nos ofrece un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tour de forcé</i> interpretativo a través de
un personaje nada cómodo y que dificulta la empatía por parte del espectador.
Más que la recreación de las escenas en el espacio o los juegos visuales para
desdibujar la realidad, el verdadero efecto especial de la película es su
actriz, quien es, en todo momento, el centro de gravedad de la película y de la
propia planificación. A ella se suman un reparto bien equilibrado, con unos
excelentes Jon Hamm, Dan Stevens, Pearl Amanda Dickson, Zazie Beetz y Ellen
Burstyn (quien por momentos parece retomar aspectos de su papel en “Réquiem por
un Sueño”); sin embargo, todos ellos giran gravitacionalmente en torno a
Portman, siendo su personaje el que les da entidad a los de ellos y quien
completa la actuación de sus compañeros de reparto. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">“Lucy in the Sky” es una película que
se ve lastrada por una grandes ambiciones que no terminan de materializarse en
el resultado final, pero, al menos, parte de un objetivo ambicioso y no se
acobarda ante la idea de perder al espectador por lo extravagante y, también
podemos decirlo, lo pretencioso de su propuesta. El resultado final es competente
y atractivo, con aspectos sobresalientes como la interpretación de Natalie
Portman, y eso queda por encima de su principal hándicap, que es la falta de
interés de la historia en sí.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<br />Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-5453355031806233612020-05-21T17:40:00.002+01:002020-05-21T17:41:44.778+01:00“HOLLYWOOD”. JUSTICIA POÉTICA<div style="text-align: center;"><img height="640" src="http://www.casaspammer.com/wp-content/uploads/2020/04/MV5BOTcxMDljNmItOTI1NS00NjZlLThhYWUtNDM1ZWQ4YjEzOGIwXkEyXkFqcGdeQXVyMTkxNjUyNQ@@._V1_SY1000_CR006751000_AL_.jpg" width="432" /></div><div><p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt;">---Ojo, posibles spoilers--</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">En los últimos 20 años, Ryan Murphy
no sólo se ha colocado como uno de los showrunners imprescindibles de la nueva
televisión estadounidense, sino también en uno de los principales defensores de
la visibilización e intergración de la diversidad en materia de raza, género e
identidad sexual en Estados Unidos. En sus producciones uno de los temas
recurrentes o la base sobre la que construye las características de sus
personajes es precisamente dar poder a aquellos sectores generalmente
minusrepresentados o estereotipados en el cine y la televisión. Con su última
creación, “Hollywood”, vista recientemente en Netflix, va incluso un paso más
allá, no sólo dando el protagonismo a los parias de la sociedad, sino también,
en un giro tarantiniano, se atreve a reescribir la historia para hacer justicia
con aquellos sectores tradicionalmente silenciados en la Meca del Cine.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">El Hollywood de 1948 representa el
epítome de su época dorada. Las estrellas del cine eran tratados como auténticos
dioses sobre La Tierra y los propios estudios se encargaban de que su esplendor
llegara al público no sólo desde la pantalla grande, sino también a través de
la prensa, la radio o de ese pequeño invento que ya se introducía en los
hogares, la televisión. La imagen pública de los actores estaba totalmente
prefabricada, construida a medida y mediatizada para dar esta imagen de glamour
y, sobre todo, esconder los aspectos más incómodos de cara a la moral
imperante. El adulterio, la homosexualidad, el alcoholismo, la drogadicción e
incluso el asesinato eran borrados del guion y barridos bajo la alfombra. Los
nombres se cambiaban no sólo para resultar más llamativos, sino para esconder
orígenes foráneos o judíos. Los defectos físicos se corregían con tupés, alzas,
fajas, dentistas, dietistas, etc. Evidentemente, aquellos que no podían
disfrazar sus infracciones quedaban fuera de la ecuación, especialmente los
actores de otras razas cuyos físicos les delataban. Esa utopía social que
suponía Hollywood tenía un horrible reverso. Aquello que no se podía expresar
públicamente, se hacía en la oscuridad y lo que el puritanismo rechazaba,
dentro de los armarios llegaba a adquirir un comportamiento verdaderamente perverso.
En 1959 Kenneth Anger publicó “Hollywood Babilonia”, donde destapaba algunos de
los secretos sucios, de la crónica negra del Hollywood dorado. Con el paso del
tiempo se ha ido destapando gran parte de la corrupción de la Meca del Cine.
Scotty Bowers ha sido uno de los últimos en aportar un retrato de ese mundo
secreto con la publicación en 2012 de su libro “Servicio Completo. La Secreta
Vida Sexual de las Estrellas de Hollywood”, donde desvelaba una red de
prostitución principalmente masculina que él lideró desde una gasolinera y que
cubrió las necesidades privadas de muchas estrellas de ambos sexos de los años
40, 50 y 60. A esto se suma los imperativos a muchos aspirantes a actores y
actrices que tenían que aceptar las exigencias sexuales de productores,
directores y agentes para poder tener una oportunidad en los grandes estudios.
Muchos pasarían a ser estrellas (Clark Gable, Marilyn Monroe, Joan Crawford)
cuya fama ha estado acompañada por la leyenda negra de la prostitución, el
sometimiento sexual o incluso el tener que rodar películas pornográficas
privadas para satisfacer a muchos depredadores sexuales de la época. Éste es el
contexto en el que tiene lugar “Hollywood”, un retrato que, desgraciadamente,
sigue vigente, como hemos podido ver en casos recientes. Estos son, sin duda,
unos ingredientes absolutamente sórdidos y que daban pie para una serie
realmente ácida, morbosa y oscura. Sin embargo, aunque no niega nada de esto,
Murphy prefiere crear una realidad alternativa donde, como en las películas de
la época, los buenos salen triunfales y la cruda realidad queda, una vez más,
barrida bajo la alfombra, pero en esta ocasión para enaltecer a los
discriminados. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">En la serie, Murphy combina ficción y
realidad. Hay una serie de personajes, situaciones, referencias que parten de
la historia real del Hollywood de la época. El suicidio de Peg Entwistle, el 16
de septiembre de 1932, saltando desde la H del cartel de Hollywoodland en el
que se basa la película que está rodando Raymond Ainsley (Darren Criss) es un
hecho real. </span><span lang="EN-US" style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">Personajes como Rock Hudson (Jack Picking), Henry Wilson
(Jim Parsons), Anna May Wong (Michelle Krusiec) o Hattie McDaniel (Queen
Latifah), evidentemente existieron. </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">Otros como Ernie West (Dylan McDermott) son ficticios, pero
se inspiran en figuras reales, en este caso, el ya mencionado Scotty Bowers. En
este sentido, el componente cinéfilo de la serie es, obviamente, alto. El
deambular de grandes nombres del cine clásico por la pantalla (generalmente con
un retrato poco favorecedor) es también uno de los alicientes de la serie y
ayuda a contextualizar la historia, además de aportar algo de la intrahistoria
de Hollywood. Sin embargo, los principales personajes protagonistas el actor Jack
Castello (David Corenswet), el director Raymond Ainsley, las actrices Camille
Washington (Laura Harrier) y Claire Wood (Samara Weaving) o el guionista Archie
Coleman (Jeremy Pope) son enteramente ficticios, aunque en sus tramas
particulares podamos encontrar referencias a un amalgama de casos reales. La
influencia de los elementos de ficción sobre la base histórica es lo que
utiliza Murphy para hacer un viraje en los acontecimientos reales y reconducirlos
por caminos de redención y reconocimiento a toda una legión de artistas con aspiraciones
que nunca llegaron a nada, con sus sueños aplastados por las aspas de la
industria. La teoría de la serie es sencilla. ¿Qué sucedería si un conjunto de
artistas hubiese encontrado un el Hollywood de finales de los 40 el apoyo
necesario para rodar aquella película que ningún estudio hubiese producido? Es
más, ¿qué hubiese sucedido en Hollywood si una cinta creada por aquellos
talentos repudiados hubiese sido un éxito de taquilla y hubiese liderado un
cambio social en los Estados Unidos desde Hollywood hacia el resto del país? <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">El reparto de la serie es bastante
heterogéneo. Tenemos por supuesto algunos de los rostros habituales de las
producciones de Ryan Murphy, como Darren Criss (“Glee”, “American Crime Story.
Versace”), pero, sobre todo, podemos establecer una división entre los jóvenes
actores protagonistas y el elenco de secundarios veteranos. Los primeros
cumplen su función con corrección y elegancia, pero no van más allá de ahí, en
parte debido a tener que encarnar personajes cuyo discurso está por encima de
su construcción dramática. En nuestra opinión, Pope, Harrington y Criss
conectan muy bien con sus personajes, mientras que Corenswet resulta un tanto
limitado y Jack Picking nos parece un rotundo error de casting para Rock Hudson
(sumándose que, en su intento de redimir al actor clásico, han creado un
personaje que parece más bien una parodia indecorosa del verdadero Hudson). En
cualquier caso, el carisma, los registros, el glamour, la verdadera empatía la
transmiten los veteranos McDermott, Holland Taylor, Patti LuPone y un
inesperado y sorprendente Joe Mantello como el productor Dick Samuels. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">Hay dos elementos que nos llaman la
atención. El primero es la falta de revanchismo por parte de Murphy. Es cierto
que el trasfondo racista y homófobo del país es evidente desde el principio y
que la visión que da de algunos artistas como George Cukor o Vivien Leigh no es
la más favorecedora a su legado artístico. La serie no oculta cómo la
homosexualidad camuflada de las personas de poder en la industria se alimentó
del abuso de los jóvenes aspirantes a estrellas (abusos sexuales que también
provenían de los magnates heterosexuales hacia las jóvenes actrices, todo sea
dicho, pero en la serie se denuncia más el caso homosexual). El personaje de Henry
Wilson es realmente atroz, especialmente en los primeros episodios, y la forma
en que experimentamos los abusos y la falsa identidad que tuvo que asumir Rock
Hudson en la vida real es verdaderamente dolorosa. Sin embargo, pese a esto, la
serie, a medida que avanza, va convirtiendo a adversarios en aliados. No existe
una personificación de la vileza de aquel Hollywood, sino que todo forma parte
de un contexto social general y abstracto, de una sociedad con prejuicios en la
que existe el Ku klux Klan, pero sin llegar nunca a concretarse en alguna
figura específica. A Murphy no le interesa que ese racismo y esa homofobia
quede encarnada en un villano a abatir, sino que quede patente que esas lacras
vienen producidas por un contexto social y que con la educación adecuada, con
la visibilización y la reivindicación correcta, esa sociedad puede abrir los
ojos y superar los miedos y los prejuicios. El segundo componente es su tono. La
serie erradica conscientemente todo cinismo y prefiere asentarse en un tono
naíf y edulcorado, artificioso, como el de las películas de la época. Aunque el
discurso sobre la diversidad en la sociedad sea actual, aunque se traten temas
y se muestren escenas de contenido sexual en aquel momento tabú por la censura
del Código Hays, los personajes hablan y se comportan como en una película del
Hollywood clásico, los decorados, el vestuario, los peinados corresponden a esa
estética estilizada, impoluta del cine de los años 40 y 50. En ese sentido, hay
un componente metalingüístico, no sólo en lo que se refiere a que somos
testigos de cómo funcionaban los estudios y se rodaban las películas en ese
periodo, sino también porque la propia serie canibaliza la esencia de aquella
forma embellecedora de retratar la realidad. Estos dos aspectos definitorios de
la serie pueden suponer, sin embargo, su principal traba. En primer lugar
porque el mundo de hoy y los espectadores actuales ya no tienen aquella
inocencia, sino que la sociedad se ha vuelto cínica y recelosa, por lo que los
acontecimientos de la serie y la forma en que evolucionan y se solventan los
conflictos pueden resultar inverosímiles y pueriles para un público actual.
Desgraciadamente, el conocimiento que tenemos hoy en día de la historia de
Hollywood, la colección de personas que fueron rechazadas sin piedad por el
color de su piel, por su orientación sexual, por su clase social; la crónica
negra real de esa época, con violaciones, suicidios, asesinatos que quedaron
silenciados, todo esto hace que el mensaje luminoso y optimista de Ryan Murphy
pierda solidez. Dicho de manera sencilla, todo es demasiado bonito para ser
cierto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;">En cualquier caso, vale la pena
adentrarse en esta realidad alternativa y dejarnos llevar por una forma de ver
el mundo que dejó de existir hace 60 años. El Hollywood dorado prometía
evasión, liberarnos de nuestros problemas, al menos mientras nos hipnotizara la
pantalla. Nos elevaba de la cruda realidad y nos hacía creer (o nos dejábamos
engañar) de que un mundo mejor era posible y estaba a nuestro alcance. Ese es
el espíritu que quiere recuperar “Hollywood”, y con sus defectos y sus
virtudes, hay que decir que pocas producciones hoy en día se atreven a eso.<span> </span></span></p></div>Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-69844503333266020952020-05-19T21:54:00.001+01:002020-05-19T21:59:56.668+01:00“EL MISTERIO DEL DRAGÓN”. CINE TRONADO.<div style="text-align: center;">
<img alt="Viy (2014) - IMDb" height="400" src="https://m.media-amazon.com/images/M/MV5BMTgyNzkwMTk0MV5BMl5BanBnXkFtZTgwODg4MTU0NTE@._V1_.jpg" width="283" /><img alt="Journey to China: The Mystery of Iron Mask (2019) - Filmaffinity" height="400" src="https://pics.filmaffinity.com/Journey_to_China_The_Mystery_of_Iron_Mask-980888125-large.jpg" width="285" /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Después de dirigir dos thrillers ambientados en el mundo de la droga, el director ruso especializado en videoclips Oleg Stepchenko tuvo la oportunidad de rodar su primera gran producción en 2013, con “Viy”, también conocida como “Forbidden Kingdom” o "Forbidden Empire" y que en España recibió el título de “Transilvania. El Imperio Prohibido”. Tomando como punto de partida un relato de Nikolái Gógol, “El Viyi”, la cinta se presentaba como un pastiche entre humor, terror y aventuras, ambientado en la Rusia cosaca del siglo XVIII, con una historia que combinaba ciencia y superstición. La película seguía las aventuras del cartógrafo británico Jonathan Green (Jason Flemyng), quien, en un intento de demostrar su valía y ganarse el respeto del padre de la mujer de la que está enamorado, recorre Europa para realizar un mapa detallado del continente. Accidentalmente llega a un pequeño pueblo ruso marcado por la presencia de una bruja, El Viyi. Aparte de la presencia de Flemyng, la cinta contó con la participación, pequeña y poco afortunada, de Charles Dance como atractivo para el mercado internacional, aunque el grueso de su reparto estaba formado por actores rusos. Con un llamativo diseño de producción, un tono desprejuiciado que, al menos, nos permite tomarnos a guasa sus secuencias más delirantes y un abuso de los efectos digitales, no sólo a nivel de creación de criaturas fantásticas, sino sobre todo a la hora de ofrecer planos y movimientos de cámara recargados e imposibles, la cinta consigue sus mejores momentos en las escasas partes en las que mantiene cierta fidelidad con el texto de Gógol. Todo lo que concierne al supuesto protagonista y su viaje por Rusia carece de entidad y degrada las posibilidades del relato, aunque también es cierto que tampoco es que las partes más afortunadas de la película sean especialmente loables. </div>
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Acompañada por problemas de producción que se tradujeron a su vez en una pobre distribución internacional, a Stepchenko al menos la experiencia le sirvió como carta de presentación para poder levantar una segunda parte. Desde un principio, la idea era hacer una trilogía, sin embargo, los vericuetos de la coproducción hicieron que la secuela se apartara notablemente de la primera entrega. Si “Transilvania. El Imperio Prohibido” contaba con producción de Rusia, Ucrania y la República Checa, “El Misterio del Dragón” se ha producido entre Rusia, China y Estados Unidos. En esta ocasión, las aventuras de nuestro cartógrafo Jonathan Green le llevan hasta China, donde se encontrará con la leyenda del Rey de los Dragones, protector del pueblo chino, pero abducido por una bruja que lo utiliza para sus propios intereses. A esto se une una trama paralela con Pedro I de Rusia reconvertido en un pirata al rescate del cartógrafo junto con la mujer de éste y un grupo de cosacos. Lo cierto es que esta película nunca hubiese visto la luz sin el dinero chino y la entrada de Jackie Chan en la producción. Es por esto que más que una secuela de “Transilvania, El Imperio Prohibido” se convierte en una cinta de artes marciales y mitología equiparable a muchas que nos llegan desde China. La parte dedicada a Jonathan Green es aquí prácticamente testimonial y la película sólo levanta cabeza cuando la segunda unidad puramente china toma el control. Se aprecia un contraste rotundo entre las partes rodadas por Stepchenko, que mantienen ese componente excesivo e infantil de la primera parte, y las rodadas por el Jackie Chan Stunt Team, con dirección de acción de He Jun. Mientras que lo primero es abigarrado y atropellado, lo segundo gana en esteticismo y plasticidad. </div>
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Como en la anterior, aquí tenemos reparto internacional que actúa como reclamo para el público. Aparte del regreso de Flemyng, una nueva aparición testimonial de Charles Dance o la vista y no vista aparición de Rutger Hauer (afortunadamente, hay otros títulos del actor que se estrenarán de manera póstuma, por lo que no quedará esto como su última aparición en pantalla), lo verdaderamente llamativo es el reencuentro en pantalla de Jackie Chan con Arnold Schwarzenegger tras “La Vuelta al Mundo en 80 Días” en 2004. Ninguno de los dos astros aporta nada significativo a la trama, su enfrentamiento está resuelto a base de dobles y el espectador, si acaso, podrá sacar algún chascarrillo medio decente del cara a cara de los dos titanes del cine de acción; sin embargo, no se puede negar que son el único gancho para conseguir atraer público a este desvarío. Sin el apoyo, aunque fuera demasiado libre, del texto de Gógol, aquí el argumento no tiene pies ni cabeza. La película avanza como si no hubiese nadie al volante y si en algún momento puede resultar divertida es por el auténtico dislate que supone un guion repleto de sinsentidos y absurdos (como por ejemplo que británicos, rusos y chinos hablen todos el mismo idioma). </div>
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Ante una tronada así, no queda más remedio que dejarse llevar por la corriente e intentar quedarse con los aspectos más positivos, que básicamente son las secuencias de acción en el poblado chino. El resto, en esencia, es un insulto a la inteligencia del espectador. </div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-72887769751356597102020-05-11T16:52:00.001+01:002020-05-11T16:52:42.188+01:00“CÓDIGO 8”. ¿QUIÉN VIGILA A LOS VIGILANTES?<div style="text-align: center;">
<img alt="Code 8 (2019) - IMDb" height="640" src="https://m.media-amazon.com/images/M/MV5BNmQ2NWMyZDgtNWQ5My00ZmQwLWE0MTQtN2ZiNjY2ODc0Y2YxXkEyXkFqcGdeQXVyMTkxNjUyNQ@@._V1_.jpg" width="431" /></div>
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A finales de los años 70, el sector del cómic de superhéroes estadounidense inicia un periodo de revisión y relectura de su ideario y de sus personajes más emblemáticos. Guionistas como John Byrne, Chris Claremont, Alan Moore, Frank Miller, Grant Morrison, entre otros, ayudan a conformar lo que se ha dado a llamar la Edad Moderna de los Cómics, que alcanzaría a mediados de los 80 su etapa más oscura. En estos años se produce un proceso de maduración de las tramas, al mismo tiempo que las historias se impregnan de un tono desencantado, violento y decadente. La figura del superhéroe empieza a ser cuestionada, así como la sociedad que los crea. Personajes coloridos y alegres décadas anteriores pasan a adoptar actitudes antiheroicas y hasta fascistoides, más cercanas a Harry el Sucio o al Paul Kersey de “El Justiciero de la Ciudad”. La etapa de Miller en “Daredevil” o su “El Regreso del Señor de la Noche”, Alan Moore con “Watchmen” o “La Broma Asesina” o Morrison con “Arkham Asylum”, por mencionar algunas obras, muestran la cara marcada de la moneda. Lo que era una rebelión contra un modelo establecido se convierte en el nuevo patrón imperante, hasta el punto de que las editoriales se vieron obligadas a separar las publicaciones juveniles e infantiles de esta nueva línea más provocadora y de contenidos adultos. </div>
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A día de hoy, con la proliferación de las adaptaciones de superhéroes al cine y la televisión, nos encontramos con un itinerario inverso. De películas que surgen de esa visión oscura y pesimista hemos ido evolucionando hacia películas más coloristas, con más humor y dirigidos a un público familiar, donde las propuestas adultas como “Logan” o “Joker” son la excepción. Las plataformas streaming se han ido posicionando también en ambos bandos. Frente al Arrowverso de CW (“Arrow”, “The Flash”, “Supergirl”, “Leyends of Tomorrow”) con su tono más juvenil, tenemos otras propuestas como “Daredevil” (claramente Milleriana), “Doom Patrol” o “The Umbrella Academy”. En algunos casos, nos encontramos casos híbridos, como este “Código 8”. </div>
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Basado en su cortometraje homónimo, los debutantes Jeff Chan y Chris Pare han tenido gracias a Netflix la posibilidad de reconvertir su carta de presentación en un primer largometraje, donde podemos encontrar ese tono distópico de los cómics de mediados de los 80 y parte de los 90. La cinta nos presenta una sociedad futura, donde las personas que nacen con habilidades especiales son discriminadas y obligadas a no emplear sus poderes, convirtiéndolas en el nuevo escalafón más bajo de la estructura social. Teniendo que elegir entre la pobreza o la criminalidad, muchos de los posibles superhéroes en algún universo alternativo acaban aquí convertidos en marginados, con nulas posibilidades de subir en el escalafón social. Chan y Pare aprovechan esta historia para aportar pinceladas de crítica social a los Estados Unidos de la era Trump y la forma en que a nivel social y sanitario se le ha dado la espalda a la población más desfavorecida del país. En este contexto, los autores de la cinta desarrollan un thriller de acción y ciencia ficción, donde el control de la población a través de drones y unas fuerzas del orden de perfil fascista resulta cercano a la Nueva Detroit de “Robocop” o el Megacity Uno de “Juez Dredd” y donde los bajos fondos se dedican a traficar con una droga, “psyke”, diseñada para personas con habilidades especiales. </div>
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Hasta aquí todo bien, el punto de partida es prometedor y el diseño de producción y los efectos especiales de la cinta, aunque modestos, cumplen su función y resultan atractivos. Desgraciadamente, la falta de experiencia tras la cámara de Chan se hace notar, con una puesta en escena bastante anodina y funcional. Pese al argumento del que parte y la introducción de algún apunte de violencia más explícita, el tono de la cinta resulta más amable y superficial de lo que nos hubiese gustado encontrar y el hecho de que sus dos protagonistas principales, Robbie Amell y Stephen Amell (primos en la vida real), provengan del “Arrowverso” de CW no ayuda a liberar al conjunto de esa referencia más simplista y juvenil. </div>
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Como producto de consumo rápido que tan a menudo está ofreciendo Netflix, llamado a captar audiencias mientras el algoritmo le dé posición en la pantalla de inicio de la plataforma, y dirigido a un público juvenil o comiquero sin prejuicios, “Código 8” es un producto aceptable y entretenido, sin mayor ambición que explotar de manera trivial una historia con posibilidades, apoyándose en los ecos a un estilo de novelas gráficas y cine de fantasía a los que toma como punto de inspiración, pero con los que finalmente no termina de comulgar. </div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-48938498743400784512020-05-05T21:06:00.000+01:002020-05-05T21:06:15.252+01:00“TYLER RAKE”. ACCIÓN EN PRIMERA PERSONA <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img alt="Crítica de Tyler Rake (Extraction)': el niño y la Bestia| Noche de ..." height="640" src="https://estaticos3.nochedecine.com/wp-content/uploads/2020/03/nt_20_Tyler-Rake-interior.jpg" width="432" /></div>
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Al mismo tiempo que estrenaban en salas “Capitán América. El Soldado de Invierno”, los hermanos Russo publicaban una novela gráfica co-guionizada con Ande Parks e ilustrada por Fernando León González. Lo cierto es la edición en papel pasó un t anto desapercibida, pero ahora Netflix nos presenta la adaptación cinematográfica, producida también por los Russo y guionizada por uno de ellos, Joe Russo. Convertida en el nuevo plato estrella de la plataforma streaming, la cinta cuenta también con Chris Hemsworth en el papel principal, repitiendo por lo tanto con los Russo, tras las dos últimas entregas de “Los Vengadores”. </div>
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Para la dirección se ha contado con Sam Hargrave, de escasa trayectoria tras la cámara, pero extensa labor en los apartados de escenas de riesgos, tanto como doble de acción como coordinador de este tipo de escenas. En este sentido, su elección es perfectamente coherente con el producto que nos presenta Netflix, ya que se trata de un thriller de acción continua y frenética, con escaso espacio para el desarrollo dramático o cualquier otro componente narrativo que no sea tiros, explosiones y combate mano a mano. En este sentido podemos decir que la labor de Hargrave es eficaz y contudente. Las secuencias de acción están rodadas con nervio, situando al espectador en medio del combate y consiguiendo que sienta en las tripas el fervor de la batalla. El realizador apuesta por una acción física, tangible, de sudor y donde se masca la tierra. Hay, por supuesto, profusión de efectos digitales, pero estos pretenden en todo momento pasar lo más desapercibidos posible, incrementando la sensación de realismo de la acción. Ejemplo de esto es el comentado plano secuencia, trucado para empalmar los cortes de tal manera que simulen continuidad y corrigiendo de manera digital aquellos elementos imposibles de llevar a cabo físicamente durante el rodaje. </div>
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Más endeble se vuelve la película cuando intenta dar un trasfondo emocional a los personajes. El tema de la paternidad fallida, los efectos de la violencia en la vida familiar de los personajes masculinos, a penas sirve para que el espectador pueda empatizar con los personajes y sienta un mínimo de interés por su bienestar. Si la novela gráfica original estaba ambientada en Latinoamérica y el objeto de la extracción era Eva, la hija de un narcotraficante en Ciudad del Este, Paraguay, secuestrada por el principal competidor de su padre, aquí se ha cambiado la localización por la caótica y masificada ciudad de Dhaka, en Bangladés, mientras que el secuestrado pasa a ser un chico de 14 años llamado Ovi (Rudhraksh Jaiswal). Si en las viñetas, se creaba una relación sentimental entre secuestrada y rescatador, aquí el nexo va a ser paterno-filial (evitando, de paso, ese componente sexual entre el mercenario y una menor de edad), arrastrando el protagonista un trauma por la pérdida de su hijo, mientras que el chico se siente abandonado por un padre que nunca le ha valorado ni mostrado cariño. A esto se suma la presencia de Saju (Randeep Hooda), tío del niño y cuya familia se ve amenazada por su propio hermano si su sobrino no regresa sano y salvo a casa. Existe otro vínculo creado en la cinta entre el villano, Amir Asif (Priyanshu Painyuli), y un joven y ambicioso chico de la calle, Farhad (Suraj Rikame), que se gana el respeto del traficante por su valentía y arrogancia. Desgraciadamente, frente al despliegue de las escenas de acción, todo este trasfondo argumental quedan más en el plano anecdótico, meras pinceladas sin desarrollar, que como un auténtico componente dramático, motor de la trama.</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
Al final, la película engancha y entretiene por su ritmo y el rugir de su acción. Quien busque algo más que una réplica de algún shoot’em’up moderno para consolas, está errando el tiro. </div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-89087959277760170292020-04-27T21:02:00.000+01:002020-04-28T07:04:48.784+01:00“BODIES AT REST”. RENNY HARLIN, QUIÉN TE HA VISTO Y QUIÉN TE VE.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img height="273" src="https://rockandfilms.es/wp-content/uploads/2020/04/EF3R6UeWwAARGtd.jpg" width="640" /></div>
<br />
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Olvidado por la industria de Hollywood, el cineasta Renny Harlin, otrora rey del mambo en el cine de acción, hace años que decidió dar el salto a otras cinematografías para probar fortuna. En los últimos años el cineasta ha encontrado refugio en el cine Chino y con participación de Hong Kong, debutando en oriente en 2016 con “Atrapa a un Ladrón” (coproducción entre China, Hong Kong y Estados Unidos), que nada tiene que ver con la película de Alfred Hitchcock, sino que se trata de una vehículo para Jackie Chan y Johnny Knoxville (otro cuya carrera parece necesitar de nuevos aires). Después, con producción china exclusivamente, llegó el xianxia (historias de fantasía y artes marciales chinas influenciadas por la mitología china, el taoísmo o el budismo) “Legend of the Ancient Sword”, y ahora ha probado fortuna con “Bodies at Rest” (aunando de nuevo una producción entre China y Hong Kong), un actioner protagonizado por Nick Cheung, Richie Jen, Zi Yang y que está disponible a través de la plataforma Netflix.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Finés de nacimiento, Harlin consiguió llamar la atención
gracias a la película “Presidio”, una cinta de terror de serie B de 1987, donde
encontrábamos a un jovencito Viggo Mortensen. Esta cinta le abrió las puertas
para “Pesadilla en Elm Street 4: El Amo del Sueño”, donde demostró que era un
realizador solvente e imaginativo, capaz de sacar adelante todo tipo de
encargos. En 1990 tuvo un traspiés con “Las Aventuras de Ford Fairlane”, pero
la película pasó rápidamente a convertirse en un título de culto y el fracaso
económico vino a quedar compensado con su éxito ese mismo año al frente de “La
Jungla 2 (Alerta Roja)”. Tres años más tarde tocaría techo con “Máximo Riesgo”,
una cinta a máximo lucimiento de Sylvester Stallone, pero que contaba con un
espléndido John Lithgow robando todas las escenas al protagonista. Harlin aprovechó
su experiencia como alpinista para crear una cinta vertiginosa y emocionante.
Su relación sentimental con Geena Davis se tradujo en dos superproducciones:
“La Isla de las Cabezas Cortadas” y “Memoria Letal”, sin que ninguna de las dos
diera los réditos esperados en taquilla. Hollywood aún le dio un par de
oportunidades más, como “Deep Blue Sea”, pero la carrera de Harlin había
entrado ya en barrena. Su última oportunidad fue cuando convenció a la Warner
para que le dejara volver a rodar “El Exorcista. El Comienzo”, después de que
el estudio no quedara convencido con lo rodado por Paul Schrader. Tras otro
tropiezo económico y crítico, Harlin pasó a quedar atrapado en las producciones
de serie B, con las que ha ido sumando proyectos de escasa relevancia en los
últimos años y cayendo, como hemos dicho, en la emigración para conseguir
proyectos ya fuera de Estados Unidos.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“Bodies at Rest” se presenta como un refrito de “La Jungla
de Cristal” con algunos ingredientes de “La Habitación del Pánico”, por lo que
contar con el director de “La Jungla 2” era, a priori, un punto a favor de la
producción. Desgraciadamente, el resultado queda muy, muy alejado de cualquiera
de estas referencias. No podemos quejarnos del trabajo de los actores
protagonistas, que sin ofrecer una gran interpretación, sí se nota que dan todo
lo que pueden por aportar intensidad y verosimilitud a unos personajes
bochornosos. Harlin, por su lado, hace lo que cualquier director debutante
haría ante un proyecto de escaso calado y presupuesto, pero que con un buen
empaque puede llamar la atención. Esto es, mueve continuamente la cámara para
dar sensación de dinamismo, apuesta por un montaje rápido y sin dejar espacio
al espectador para respirar, y convierte a la película en una huída hacia
delante con la confianza de que nadie se pare a pensar en el desarrollo de la
trama. Desgraciadamente, había más talento en el joven Renny Harlin que empleó
esos recursos en “Presidio” en 1987, que en el Renny Harlin de 2020, que parece
ya apático y desencantado con su profesión. El guion de David Lesser, guionista
cuyo currículum está formado básicamente por su<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>trabajo en las series “¿Quién es el Jefe?”, “Entrenador” y “Sabrina,
Unas Bruja Adolescente”, es puro material de derribo, plagiando sin vergüenza
alguna situaciones de clásicos del género, pero bañado todo con una
construcción absurda, carente de verosimilitud alguna, con giros forzados para
alargar un argumento de 15 minutos en una película de hora y media. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Nada, repito, nada, ni siquiera la nostalgia por la
filmografía de un cineasta que antaño nos ofreció buenas películas, justifica
el visionado de esta película. Háganse un favor y bórrenla de su
plataforma.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-76089664859902068962020-04-20T21:29:00.000+01:002020-04-20T21:29:01.072+01:00“FREUD”. VIENA MALSANA<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
<img height="360" src="https://serieophile.fr/wp-content/uploads/2020/03/Freud-saison-2-Netflix-1280x720.jpg" width="640" /></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Atención amantes del psicoanálisis y
de las series de corte histórico, pese a su título, “Freud” no es un biopic del
médico neurólogo austriaco, y si bien cabe darle una lectura a la serie de
acuerdo a sus teorías (de hecho, cada capítulo lleva por título algún concepto
definido por el famoso intelectual), lo cierto es que la producción deambula
por territorios muy distintos y más cercanos al fantástico y a la cultura de lo
grotesco. Quedan avisados porque éste quizás pueda ser el mayor obstáculo a la
hora de sumergirse en la trama. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Distribuida a través de la plataforma
de Netflix, esta producción austríaco alemana cuenta con un importante respaldo
de producción, que no sólo se emplea en una cuidada recreación de la época,
sino en toda la puesta en escena emprendida por Marvin Kren y que construye una
atmósfera asfixiante y desagradable en esa Viena de 1886. El Sigmund Freud que
aquí se presenta es un joven aspirante a médico de 30 años, procedente de una
familia judía ortodoxa y exigente, y al que aún le queda una década para
revolucionar la medicina con la publicación de sus libros “Estudios sobre la
Histeria” (1895) y, sobre<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>todo, “La
interpretación de los sueños” (1899), pero que ya está experimentando con la
hipnosis y empezando a desarrollar sus teorías sobre el subconsciente. Este
joven Sigmund Freud se verá de manera accidental inmerso en la investigación de
una serie de crímenes truculentos y aparentemente inconexos y que le lleva a
establecer una peculiar relación con un policía y antiguo militar llamado
Alfred Kiss y la joven médium húngara Fleur Salomé. Verdaderamente, el uso de
Sigmund Freud como personaje principal no es más que un reclamo y una forma de
encuadrar la historia en un contexto determinado identificable por el espectador;
sin embargo, la historia funcionaría igual de bien con un personaje
completamente ficticio. Encontramos también una trama histórica, vinculada a
los enfrentamientos entre Austria y Hungría, además de beber de cierta
mitología húngara que aporta el componente fantástico a la serie. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">La serie se ajusta al formato de
otros títulos precedentes, como la adaptación de “El Alienista” (también en
Netflix) o “Penny Dreadful”, en cuanto a la recreación gótica de la ciudad, su
gusto por los ambientes sórdidos, el componente malsano de los crímenes, e
incluso el carácter grotesco de muchos personajes. Este elemento se va
incrementando a medida que avanza la serie, adentrándose en terrenos
desproporcionados y exagerados. La curva de locura de la trama se descarrila a
partir del cuarto episodio y mantiene la sensibilidad del espectador a prueba
hasta el último episodio, donde retoma en cierta medida el tono de los primeros
episodios para cerrar la historia. Pese a que es la zona más delicada de la
producción, la que traspasa los límites de aceptación del espectador con
situaciones absurdas e interpretaciones histriónicas, está claro que es a ese
punto a donde pretendía dirigirse y que, más que el tono más contenido de los
primeros episodios, lo que atraía a Kren de la historia era ese cruce lynchiano
y kubrickiano que suponen los episodios 5, 6 y 7.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">A nivel interpretativo, la serie
cuenta con actores que equilibran bien esa dualidad entre contención e
histrionismo que define a la serie, como el trío protagonista, formado por Robert
Finster, Georg Friedrich y, la verdadera estrella de la función, Ella Rumpf. A
esta lista podemos sumar otros intérpretes como una espléndida Anja Kling como Sophia
von Szápáry, Christoph F. Krutzler como Poschacher (el noble Sancho Panza de
Kiss) o Stefan Konarske como el repulsivo Príncipe Rudolf. Desgraciadamente, en
una propuesta tan excesiva como éste, también hay otros actores que fallan a la
hora de tocar el tono adecuado. Philipp Hochmair como Viktor von Szápáry se
pasa claramente de frenada, mientras que Brigitte Kren (el ama de llaves de
Freud, Lenore) tiene que encarnar a un personaje mal desarrollado, sin
demasiado contexto y que protagoniza algunas de las situaciones más absurdas y
prescindibles de la serie.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">“Freud” es una serie desproporcionada
e irregular que juega con la percepción previa del espectador al presentar a un
personaje histórico en un contexto puramente ficticio y que se sale de los
patrones en los que le tenemos englobado. Los altibajos de tono resultan
desconcertantes y sus momentos más estridentes e histriónicos pueden coger
desprevenido al espectador casual. A pesar de todo esto, o precisamente por
ello, la serie evita caer en el conformismo y la reiteración, resultando una
propuesta inesperada, sorprendente e inclasificable.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<br />Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-68066154316240861942020-04-13T17:54:00.002+01:002020-04-13T17:55:59.474+01:00“NIGHTMARE CINEMA”. CÓCTEL MACABRO.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="Standard" style="line-height: 200%; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
<img alt="Horror Anthology Nightmare Cinema to Play in Two Canadian Cities ..." height="362" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9eidOY8RmaAhIph9hGvVxyUTpK56a3zqHTOz5B0GS4Ajg4t6aDIBO1IXl4NHXFTx0D3d5qY1CFZgLdfBfHMNsQW4soEBwE6r7ypukTypRe80e5FvpZnKkkOtZZjK5WYiSgk9oNes4fGZs/s640/Nightmare-Cinema-Sell-Sheet-Alejandro-Brugues.png" width="640" /></div>
<br />
<br />
<div class="Standard" style="line-height: 200%; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">Al igual que sucede con las antologías de relatos, hay un placer especial en las películas episódicas. Es cierto que, por naturaleza, cada espectador suele conectar mejor con algunos bloques que con otros, pero ahí radica también parte del disfrute, en poder ver pequeñas historias de diferentes características y dejarse llevar por la variedad de temas y enfoques. Mick Garris, como productor y como director, es plenamente consciente de esto y un maestro a la hora de crear este tipo de cócteles macabros, donde poder conjugar las sensibilidades y peculiaridades creativas de directores de diferente índole. “Masters of Horrors” fue un ejemplo de esto y “Nightmare Cinema” amplia esta visión, al menos en un sentido geográfico. Si la primera suponía la oportunidad de dar libertad a algunos de los nombres de referencia del género fantástico en Estados Unidos (la mayoría ya alejados de la primera línea de la industria), la segunda nace también con la idea de seguir abriendo fronteras a culturas diferentes, de ahí la incorporación de un argentino y un japonés al equipo.</span><br />
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">Precisamente, el primero de los segmentos, “The Thing in the Woods”, viene firmado por Alejandro Brugués, quien al igual que ya hiciera con “Juan de los Muertos”, ofrece aquí una mirada cariñosa y respetuosa, aunque también cargada de parodia a diferentes subgéneros fantásticos, especialmente el slasher de los 80. Sangrienta, divertida, con un ritmo rápido y una acumulación espléndida de giros inesperados, supone un arranque sorprendente y lúdico para la película.</span><br />
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">La segunda historia pertenece a Joe Dante, quien, manteniendo el tono usado en “Masters of Horrors”, carga su segmento, “Mirari”, de lectura social. Si en “Masters of Horrors”, reflexionó acerca de la Guerra de Irak y la violencia contra las mujeres, aquí pone su punto de mira en los abusos de la cirugía estética y la presión social especialmente hacia las mujeres sobre su apariencia física. Dante ofrece una sátira elegante, aunque no carente de algún que otro arrebato truculento.</span><br />
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">Ryûhei Kitamura toma el control en el tercer episodio con una mezcla explosiva: religión, posesiones demoníacas, sexo, asesinato e infancia. “Mashit” juega con el tabú de manera gradual, colocando a lo largo de su metraje imágenes provocadoras y desafiantes que desembocan en una orgía de sangre. Al contrario que con Dante, aquí la intención no es tanto escenificar un discurso social, sino directamente atacar (con éxito) a la mentalidad más conservadora de la audiencia.</span><br />
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">“This Way to Egress” es la propuesta que hace David Slade y supone una ruptura con respecto a los segmentos anteriores en cuanto a que se presenta en blanco y negro, pero además, frente a las propuestas más propiamente de género, aquí se opta por una puesta en escena más artística, y también más seria y agresiva que las anteriores, donde el humor equilibraba la violencia explícita. En nuestra opinión, éste es el segmento más logrado de toda la antología, no sólo en cuanto a realización en sí, sino también por su capacidad de extrapolar la acción, no a un espacio físico, sino a la perturbada mente de la protagonista.</span><br />
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">El capítulo de cierre pertenece al anfitrión. Mick Garris se encarga a dirigir “Dead”, regreso a los patrones de género puro y duro, con una historia de fantasmas con ecos a “El Sexto Sentido”, rodada de manera elegante y segura por el veterano director. Las referencias al mundo de la música le da esa exquisitez al relato, que contrasta con las representaciones sobrenaturales, todas de corte violento y visualmente sórdidas.</span><br />
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">Mención aparte tiene todo el apartado del Proyeccionista que sirve de hilo conector de los cinco cortos. Dirigida esta parte también por Mick Garris, supone lo más endeble de la propuesta. Más allá de la curiosidad de ver a Mickey Rourke en el papel, esa paulatina reunión de los diferentes protagonistas de las historias y la resolución final carecen de la originalidad y la destreza del resto de los segmentos. En el fondo parece lo que es, un elemento forzado para intentar dar una cohesión a los diferentes episodios que conforman la película. </span><br />
<span style="font-family: calibri, sans-serif;">“Nightmare Cinema” se convierte así en un menú de cinco platos, todos elaborados con la experiencia de cineastas conocedores del terreno en el que se mueven, y que, libres de cortapisas propias de producciones de mayor presupuesto, aquí sí pueden explayar su imaginería visceral y humor irreverente. La película apuesta por el terror adulto, con amplio uso del gore y rompiendo diferentes tabúes de nuestra cultura occidental como rara vez se puede ver hoy en día en los circuitos comerciales. Esperemos que la propuesta tenga buena recepción y tenga continuidad, recogiendo definitivamente el testigo dejado por “Masters of Horrors”.</span><br />
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-41170765326617909712020-04-06T19:34:00.000+01:002020-04-06T20:16:34.245+01:00“HOGAR”. LOS EXTRAÑOS SON LOS OTROS.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img height="640" src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod.s3.amazonaws.com/images/hogar-cartel-1583396855.jpg" width="431" /></div>
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Los Hermanos Pastor debutaron en 2009 con “Infectados” (qué título más adecuado para estos tiempos), una producción estadounidense con un prometedor Chris Pine, aún lejos de ponerse el uniforme del Capitán Kirk. Las expectativas causadas por este título y su siguiente película, “Los Últimos Días”, hacían presagiar una prolífica carrera a estos dos cineastas. Desgraciadamente, desde entonces, y con la salvedad de “Eternal”, donde sólo ejercían de guionistas, su filmografía posterior ha pasado sin pena, ni gloria hasta la llegada de “Hogar”, esta producción para Netflix que nos devuelve a los hermanos en plena forma. Comparada por algunos con “Parásitos”, por esa idea del protagonista infiltrándose en la vida de otra familia, a nosotros nos recuerda a otro título bastante más anterior, “De Repente, Un Extraño” (1990), un thriller dirigido por John Schlesinger en el que una joven pareja ve cómo su vida se ve demolida por un misterioso personaje que les alquila una habitación y, sin motivo aparente, les hace la vida imposible. Aquí los Hermanos Pastor nos cambian la perspectiva, y acompañamos a un personaje en su elaborado plan. </div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
En un principio, podemos comprender la posición del personaje principal. Tras conquistar el éxito, se ve arrastrado al desprecio, por estar en paro, por tener ya cierta edad, por haber triunfado en un momento en el que las nuevas estrellas del mercado aún estaban en primaria. Hay un discurso agrio en la película acerca de la forma en que los ritmos vitales en nuestra sociedad se han acelerado y cada vez más pronto se les cierra las puertas a personas aún con capacidad de trabajar y de aportar nuevas ideas. También nos habla del carácter depredador que el mercado instala en la sociedad, donde, como dice el protagonista, las cosas se hacen “sin pedir permiso y sin pedir disculpas”. La humanidad, los defectos físicos, la capacidad de recomponerte ante un fracaso, de curar heridas o de reconocer los fallos son la sangre que atrae a los tiburones. Sólo la perfección, o la apariencia de ella, es digna de respeto.</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
Javier Gutiérrez protagoniza este largometraje adquiriendo un rol absoluto, incluso en los momentos en los que comparte escena con Mario Casas o los dos roles femeninos (interpretados por Ruth Díaz y Bruna Cusí), a los que se les echa en falta más desarrollo y presencia (especialmente en el caso de la primera). En este sentido, la excelente interpretación del actor es el centro de gravedad de una cinta cargada de tensión, con giros que van sorprendiendo a cada paso y donde el espectador se pregunta en todo momento si será capaz de cumplir su propósito o si realmente queremos que lo consiga. La dicotomía entre los recelos morales y la empatía que (ante nuestro horror) nos causa el protagonista convierte a “Hogar” en una cinta incómoda de ver, no tanto por lo que sucede, sino por lo que esperamos con interés mórbido que pase. Por otro lado, tenemos algunas tramas secundarias que dispersan la línea principal y que tampoco acaban de tener un gran desarrollo, quedando como episodios puntuales. Es verdad que pueden ser efectistas y ayudan a marcar la evolución psicológica del personaje, pero esto se podía haber integrado perfectamente en la trama principal sin necesidad de divagaciones (por ejemplo, todo lo concerniente al jardinero). </div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
La puesta en escena de los Pastor es elegante, estilizada, fría y calculadora (tal y como es su protagonista). En este sentido, los cineastas prefieres apostar por un ritmo pausado e ir desenredando poco a poco la trama, a dejarse llevar por un montaje frenético, en el que se confunda efectismo con contundencia. La fotografía de Pau Castejón se encarga de marcar las diferentes capas sociales por las que nos arrastra la historia, usando colores fríos, pero elegantes para ilustrar el éxito, y los colores cálidos, pero apagados, sucios, para definir el fracaso, la pobreza.</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
Como regreso de los Hermanos Pastor al formato de largometraje, “Hogar” invita al aplauso y la celebración. Esperemos que el éxito que está teniendo en la plataforma ayude a agilizar nuevos proyectos de los cineastas y que no tengamos que esperar siete años para ver su siguiente película. </div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-30040616897667665512020-04-01T19:49:00.002+01:002020-04-01T19:49:46.416+01:00“SONRISAS Y LÁGRIMAS”. COLINAS ETERNAS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
<img height="484" src="https://api.time.com/wp-content/uploads/2015/03/som.jpeg" width="640" /></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hay dos personajes que nos vienen a la mente cuando
recordamos la carrera de Julie Andrews en el cine, uno es Mary Poppins, el otro
es Maria, la joven novicia reconvertida en institutriz de los siete hijos del
Barón Von Trapp. Con esto no queremos decir que no haya otros roles importantes
en su larga trayectoria (ahí está “Victor o Victoria” para atestiguarlo), pero
está claro que debutar en la gran pantalla con estos dos iconos es difícil de
superar. Hoy 1 de abril se cumplen 55 años del estreno en Estados Unidos de “Sonrisas
y Lágrimas” y no se nos ocurre mejor ocasión para dejarnos llevar por las
fabulosas canciones de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II que este periodo
de confinamiento por el COVID19.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El origen de la historia lo tenemos en la experiencia real
de la familia Von Trapp. Maria efectivamente fue la institutriz de los hijos
del Barón, viudo desde hacía unos años. Georg Ludwig von Trapp era un
importante militar retirado, contrario a la anexión de Austria a la Alemania del
Nacional Socialismo hitleriano tras el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Anschluss</i>.
Debido a esto, lograron huir del país, exiliándose en Italia y posteriormente
en Estados Unidos. La historia de amor entre Maria y Georg, la trayectoria
artística de toda la familia más tarde conocida como The Trapp Family Singers y
su éxodo justo antes de que Hitler cerrara las fronteras de Austria se
popularizaron con las memorias de la Baronesa publicadas en 1949. En 1959, esta
historia fue adaptada por primera vez al cine en “La Familia Trapp”, una
producción alemana dirigida por Wolfgang Liebeneiner (y que llegó a tener una
secuela), al mismo tiempo que los populares Richard Rodgers y Oscar Hammerstein
II estrenaban en los escenarios el musical “The Sound of Music”.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Estos dos compositores habían iniciado su colaboración en
1943, encadenando un éxito tras otro. Su primer musical conjunto fue “Oklahoma”
de 1943, por el que recibieron un premio Pulitzer especial. Después llegaron,
entre otros, “Carousel” (1945), “Allegro” (1947), “South Pacific” (1949) y “El
Rey y Yo” (1951). “The Sound of Music” fue su última colaboración debido a que Hammerstein
falleció por cáncer de estómago nueve meses después de su estreno en Broadway. La
primera representación estuvo protagonizada por Mary Martin como Maria y
Theodore Bikel como el Capitán Georg von Trapp. En esta versión ya se
encontraban las principales canciones que luego darían el salto al cine. La
obra fue tan popular que llegó a contabilizar 1443 funciones, alzándose también
con seis premios Tony en 1960.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Entre la popularidad de la familia Trapp en Estados Unidos y
el éxito del musical, era cuestión de tiempo que éste llegara al cine. En un
principio, los principales estudios en pujar por los derechos fueron Universal
y 20th Century Fox, resultando ganadora ésta última. William Wyler y Billy
Wilder fueron los primeros directores a los que se les ofreció la película,
rechazándola ambos en última instancia, aunque Wyler estuvo un tiempo adherido
al proyecto. La Fox pasó entonces a tantear a Robert Wise, quien tenía aún
reciente el éxito de “West Side Story” y para el que la posibilidad de volver a
trabajar con Saul Chaplin, Ernest Lehman y Boris Leven resultó irresistible. Por
su parte, Richard Rodgers compuso dos temas nuevos expresamente para la
película, "Something Good" y "I Have Confidence”, reemplazando
el primero al tema de amor original "An Ordinary Couple".<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Robert Wise es una figura legendaria del cine. Su carrera
comenzó como montador en “Ciudadano Kane” y “El Cuarto Mandamiento”, debutando
como director en 1944 con “La Venganza de la Mujer Pantera” (secuela de la
película del clásico de Jacques Tourneur, “La Mujer Pantera”). En sus 56 años
de carrera como director demostró ser un cineasta todo terreno, capaz de
afrontar con éxito todo tipo de proyectos, ya fuera un western, una cinta de
terror, de ciencia ficción, un musical o un alegato contra la pena de muerte.
Entre sus títulos más importantes se encuentran “Nadie Puede Vencerme” (1949), “Ultimátum
a la Tierra” (1951), “Marcado por el Odio” (1956), “¡Quiero Vivir!” (1958), “La
Casa Encantada” (1963), “El Yang Tse en Llamas” (1966), “La Amenaza de
Andrómeda” (1971) o “Star Trek: La Película” (1979), además, de por supuesto, “West
Side Story” y “Sonrisas y Lágrimas”. Wise se caracterizó por ser un director
elegante, capaz de aportar profundidad e intimidad a historias de corte épico y
grandilocuente, además de por ser un excelente director de actores.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El primer reto de la película fue encontrar a la Maria
adecuada. Hacía falta una actriz que dominara la parte interpretativa, pero
también con la suficiente solvencia musical como para afrontar los exigentes
números musicales. Julie Andrews contaba con una excelente reputación en los
escenarios. Sus interpretaciones en “Camelot” o “My Fair Lady” la habían
lanzado al estrellato; sin embargo era aún una desconocida en el cine. Esa había
sido precisamente la razón por la que fue sustituida por Audrey Hepburn en la
adaptación cinematográfica de “My Fair Lady”. En aquel momento, Andrews acababa
de rodar “Mary Poppins”, pero el impacto que iba a tener esa película aún
estaba por descubrir. La propia artista tenía reticencias con respecto al papel
de Maria, porque no quería quedar encasillada en el rol de institutriz.
Afortunadamente, las dudas por ambas partes quedaron disipadas y la actriz fue
la escogida para el papel.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El papel del Capitán fue para Christopher Plummer, quien
daba la planta de galán, aparte de ser un actor con una trayectoria más
asentada en teatro, cine y televisión. De temperamento cínico, el edulcoramiento
de la historia no era de su gusto; aún así, se preparó a fondo para los números
musicales. La relación entre los dos actores no fue la más cordial,
especialmente por parte de Plummer que encontraba irritante la sensiblería con
la que Andrews abordaba su papel. A esto se sumó el hecho de que, pese a sus
esfuerzos, finalmente su voz fue doblada en postproducción, como su
interpretación con la guitarra en “Edelweiss”. “Sonrisas y Lágrimas” tuvo un
efecto positivo en su carrera, lanzándole a la fama, pero esa fama y que, pese
a lo extenso de su carrera, aún hoy en día se le siga reconociendo principalmente
por esta película son aspectos que siempre han enfurecido al actor. Al menos,
tras el fin del rodaje, logró romper sus reticencias hacia Julie Andrews y
acabaron siendo grandes amigos. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Es cierto, tal y como criticaba Christopher Plummer, que “Sonrisas
y Lágrimas”, sobre todo desde una perspectiva actual, es una película
edulcorada, hasta cursi, repleta de números e interpretaciones cargadas de ingenuidad
e idealismo. La interpretación de los niños puede resultar repelente y Julie
Andrews desprende demasiado candor. Sin embargo, Robert Wise era perro viejo y
sabía lo que hacía. Toda esa luminosidad (obra de la maravillosa fotografía de Ted
D. McCord) no es gratuita sino que actúa de contraste con la paulatina entrada
en la acción de la sombra del nazismo y la necesidad de la familia de abandonar
su casa y su país natal. La historia habla de una época perdida, en la que
todavía se podía ser inocente y honorable, algo que moriría con la Segunda Guerra
Mundial. En este sentido, ese número fundamental de “Edelweiss” no es otra cosa
que un canto a ese tiempo perdido y que, al igual que su casa, los
protagonistas ya no podrán recuperar.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La puesta en escena de Wise es esplendorosa y potente,
empezando por ese primer número musical con el que arranca y en el que vemos al
personaje de María cantándole a las montañas. Cada canción está rodada de
manera única y especial, dándole un gran protagonismo a la parte musical, pero,
como también sucedía en “West Side Story”, sin restarle valor a la parte
dramática. Pese a su distanciamiento tras la cámara, delante de ella, Andrews y
Plummer desprenden química y construyen gran parte de la película gracias a su
interpretación. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Candidata a diez Oscars, ganadora de cinco, incluyendo mejor
película y mejor director, 55 años después de su estreno la película y las
canciones siguen manteniendo su poder de fascinación y de entusiasmo,
trasladándonos a ese lugar idílico, impermeable al cinismo y la crueldad del
mundo. ¿No es eso lo mejor que una película nos puede ofrecer hoy?</div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-48605069218802627052020-03-30T20:26:00.000+01:002020-03-30T20:28:46.947+01:00“KINGDOM”. HONOR Y SANGRE<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img alt="kingdom temporada 2" height="260" src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod.s3.amazonaws.com/images/kingdom-temporada-2-1582538401.jpg?resize=480:*" width="640" /></div>
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<div style="text-align: justify;">
Ahora que la ficción surcoreana está de moda y ha entrado por fin en el punto de mira del consumo generalista es el momento de no dejar que el interés decaiga y seguir apostando por esta cinematografía que tiene tanto que ofrecer. “Parásitos” no ha sido un caso aislado, sino el fruto de muchos años de trabajo y de apuesta por crear una industria capaz de crear productos internacionalmente exportables, atractivos y que sorprendan. Recomendar ficción surcoreana ya no es cosa de snobs, sino que se integra en las principales alternativas de consumo que tenemos en nuestras manos.</div>
<div style="text-align: justify;">
“Kingdom” es la primera serie surcoreana producida directamente por Netflix y fue una de las sorpresas del año pasado. Ambientada durante la dinastía Joseon en Corea (aproximadamente finales del siglo XIV, principios del XV), la serie combina una trama de pugna por el poder entre el príncipe heredero (Ji-Hoon Ju) y el líder del clan Cho y primer ministro del rey, Cho Hak Joo (Seung-ryong Ryu), quien pretende hacerse con el trono, con un apartado de terror, a medida que una plaga se extiende por la región y provoca un apocalipsis zombi. La primera temporada supuso una presentación de estas dos tramas y una huida hacía delante a medida que el protagonista, el príncipe Lee Chang, se iba cruzando con las hordas de infectados e intentaba ayudar a la población de la zona. En la segunda temporada, descubrimos más cosas sobre la plaga, pero toma mayor protagonismo el “juego de tronos”.</div>
<div style="text-align: justify;">
Basada en la serie de webcomic “The Kingdom of the Gods”, escrita por Kim Eun-hee (también autora de los guiones de la serie) y dibujada por Yang Kyung-il, los capítulos vienen firmados por Seong-hun Kim (los 7 primeros episodios) y In-je Park (los 5 restantes), dos cineastas de cortas trayectoria, pero a los que los resultados de esta serie sin duda les albergarán un mejor posicionamiento dentro de la industria de su país y a nivel internacional. Ambos directores le dan a la serie un empaque espectacular, con extraordinarias escenas de batalla o de persecución por la horda. No se escatima la violencia en pantalla, con altos niveles de violencia y gore, lo que sin duda hará las delicias a los amantes del género. El empaque general es lujoso, con un excelente uso de las localizaciones, que hacen también que el visionado de la serie nos ayude a descubrir parajes espectaculares, sin que la belleza paisajística edulcore la dureza de la propuesta. El diseño de producción es excepcional, no sólo en la espléndida labor de caracterización de los personajes o el diseño de vestuario (los lujosos trajes de la realeza, la forma en que cada estrato social está definido por su atuendo), sino también lo correspondiente al trabajo de maquillaje para preparar a las numerosas hordas de infectados que atacan a los protagonistas.</div>
<div style="text-align: justify;">
A nivel de guion, se establecen diferentes líneas argumentales que van confluyendo poco a poco, y si bien a priori puede despistar un poco al espectador situar quién es quién, lo cierto es que a medida que van uniendo las tramas, el desarrollo va resultando más sencillo y orgánico. Resulta apasionante ver de qué manera la sociedad feudal coreana estaba jerarquizada y cómo con la llegada de la plaga muchos intentan seguir adheridos a sus privilegios, sin darse cuenta de que la enfermedad lo ha cambiado todo (una lección que podemos extrapolar a nuestra situación actual). A lo largo de los 12 episodios que ya están disponibles, nos encontramos con giros de guion sorprendentes, algunos de una crudeza atroz, aunque delimitando siempre una clara diferenciación entre héroes y villanos. Si la honorabilidad del príncipe Lee Chang es incorruptible, también es irrefrenable la vileza del clan Cho, dispuestos a llevar hasta las últimas consecuencias su sed de poder. En medio de este enfrentamiento encontramos personajes carismáticos y atractivos, como la doctora Seo Bi (Doona Bae) o el aguerrido Young Shin (Kim Sungkyu), pero particularmente destacamos el guarda real Moo Young (Sang-ho Kim) y el magistrado Cho Beom Pal (Suk-ho Jun), los dos personajes más entrañables, con mayor dimensión psicológica y desarrollo de la serie.</div>
<div style="text-align: justify;">
Con estas dos primeras temporadas, “Kingdom” se aposenta como una de las series fantásticas del momento y un acercamiento refrescante a la temática zombi. A la espera de ver por dónde evoluciona la historia en la tercera temporada, lo cierto es que estas dos primeras pueden ser vistas casi como un cierre en sí mismas, con un resultado apasionante y una cuidada factura.</div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-64104014262015922232020-03-24T20:00:00.002+00:002020-03-24T20:00:56.711+00:00“SPENSER CONFIDENTIAL”. VIEJA ESCUELA<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
<img alt="La imagen puede contener: 2 personas, personas sentadas y texto" height="349" src="https://scontent-mad1-1.xx.fbcdn.net/v/t1.0-9/s960x960/88434879_10158165129791532_7824604362251960320_o.jpg?_nc_cat=102&_nc_sid=dd9801&_nc_ohc=yf3zGM_F9y0AX9Stovz&_nc_ht=scontent-mad1-1.xx&_nc_tp=7&oh=9683eb84952eed8e57b711c6c8fbdbe8&oe=5E9E3C04" width="640" /></div>
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<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;">
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<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
Desde que coincidieran en 2013 con “El último Superviviente”, Mark Wahlberg y Peter Berg han hecho buenas migas y ya han hecho juntos un total de cinco películas juntos. “Spenser Confidential” es la última hasta la fecha y ha entrado directamente en la programación de NETFLIX. Resulta llamativo que ambos hayan querido resucitar al personaje literario creado por Robert B. Parker en 1973 y que ya inspiró una serie de televisión protagonizada por Robert Urich en la segunda mitad de la década de los 80.</div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
Viendo la película, da la impresión de estar ante dos productos distintos, dependiendo de si la escena está pensada para el lucimiento de Mark Wahlberg o para el desarrollo de la historia, con resultados distintos dependiendo del caso. En el primer grupo podemos meter aquellos momentos en los que Wahlberg se mantiene en su zona de confort de personajes agresivos y de moral íntegra, aunque eso en ocasiones pueda llevarle al otro lado de la ley o incluso a quitarse la camisa y mostrar torso por “exigencias” del guion. El actor cumple y poco más, pasando de registros serios a paródicos sin demasiado filtro. En contraste con esto tenemos la presencia de secundarios como Winston Duke, Alan Arkin, Iliza Shlesinger o Bokeem Woodbine y los personajes que interpretan, que si bien se mueven en el terreno del arquetipo, sí nos resultan bastante mejor construidos que el héroe.</div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
En el otro grupo, por lo tanto, tenemos todo aquellos que se desarrolla alrededor del protagonista. Bebiendo de la tradición hardcore del policiaco, la cinta cuenta con una narración seca y contundente por parte de Peter Berg y un interesante conjunto de personajes secundarios. Es ahí cuando nos damos cuenta de que no se trata de la típica comedia de acción a la que nos tiene acostumbrado el actor. El director se aleja de aquella época en la que imitaba a Michael Bay (¿recuerdan “Battleship” o aún están intentaod olvidarla?). “Spenser Confidential” no recurre a los montajes atropellados y la sucesión de explosiones y efectos visuales, si no que se ajusta a aquel actioner que cineastas como Walter Hill definieron en la década de los 80 (aunque el modelo siga siendo aún muy superior a este discípulo). En esto juega un papel fundamental un guion en el que recuperamos al escritor Brian Helgeland (“L.A. Confidential”, “Mystic River”), quien se desenvuelve con soltura en los ambientes criminales y le da a la historia el tono adecuado. Frente a algún que otro chiste simplón para lucimiento de Wahlberg, la cinta se caracteriza más por un humor cínico y afilado, y por una escenificación de la violencia sin cortapisas, con incluso alguna concesión al gore. </div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
Como película “Spenser Confidential” mantiene el tipo y resulta entretenida, sobre todo por su carácter anacrónico y lo inesperado de la propuesta. Si la apuesta funciona y Berg y Wahlberg deciden seguir apostando por el personaje, esperamos que lo hagan para afinar asperezas y cumplir las ambiciones marcadas aquí, aunque mucho tememos que acabarán reforzando la parte más endeble y simplona de la película, que es, al fin y al cabo, su estrella. </div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-43594162373180774102020-03-23T19:00:00.000+00:002020-03-23T19:24:39.041+00:00“PRETTY WOMAN”. CENICIENTA NO MUERDE EL POLVO.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img alt="Imagen relacionada" height="457" src="https://filmdb.showcasecinemas.co.uk/FilmImages/45/3/49779/Quad%20Poster.png" width="640" /></div>
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<span style="text-align: justify;">La Cenicienta de Hollywood cumple 30 años. El 23 de marzo de 1990 se estrenaba en Estados Unidos “Pretty Woman”, una comedia romántica protagonizada por Richard Gere y Julia Roberts (como si no lo supieran ya) y dirigida por Garry Marshall. A España tardó meses en llegar, el 10 de octubre, y lo hizo ya con una estela de gran éxito de taquilla. Con un presupuesto de 14 millones de dólares, logró una recaudación mundial de más de 463 millones, sin contar con lo recaudado con las ediciones domésticas o sus múltiples pases en televisión (por poner un ejemplo, la comedia de moda un año antes fue “Cuando Harry Encontró a Sally”, que costó 16 millones y recaudó 93 millones). A día de hoy sigue siendo una película tremendamente popular y un éxito de audiencia cada vez que se programa en un canal de televisión. Richard Gere y Julia Roberts sólo han rodado hasta la fecha dos películas juntos y la segunda fue un desastre. A pesar de esto, su química en “Pretty Woman” les ha colocado dentro del catálogo más exquisito de grandes parejas cinematográficas. </span><br />
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La comparativa con “Cuando Harry Encontró a Sally” no es gratuita. Ambas películas fueron las responsables de la moda de la comedia romántica de la década de los 90, y sus protagonistas femeninas se convirtieron en las actrices mejores pagadas de Hollywood gracias a estos papeles, uniéndoseles más tarde otros rostros a la saga como Sandra Bullock (quien, curiosidades de la vida, fue uno de los nombres barajados para interpretar a Vivian Ward). Julia Roberts llegó a la película siendo casi una desconocida, a pesar de contar ya con una candidatura a los Oscars por “Magnolias de Acero” (la única conseguida por una película que contaba con actrices de renombre, oscarizadas y oscarizables, como Sally Field, Shirley MacLaine u Olympia Dukakis). Roberts no se llevó el Oscar en la ceremonia que se celebró el 26 de marzo de 1990 (ganó Brenda Fricker por “Mi Pie Izquierdo”), pero en aquel momento los primeros datos de recaudación de “Pretty Woman” compensaban de sobra la desilusión.</div>
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Richard Gere, por otro lado, era el rostro conocido de la película. Galán en su juventud gracias a papeles como “Oficial y Caballero” y con predilección por los roles provocadores como “American Gigolo” o “Sin Aliento”, su carrera había perdido fuelle tras apostar por trabajos, como “Días de Cielo” y “Cotton Club”, con los que pretendía liberarse de su imagen de sex symbol y demostrar que era un actor con diferentes registros. Cuando le ofrecieron “Pretty Woman” llevaba dos años sin rodar una película y si bien la anterior, “Asuntos Sucios”, había funcionado bien y había reactivado su imagen de galán con un lado turbio, lo cierto es que seguía necesitando un gran taquillazo que lanzara de nuevo su posición en Hollywood. Aún así, estuvo a punto de rechazar el papel, pese a que desde su primera prueba juntos, él y Julia Roberts irradiaban esa química que toda gran película romántica necesita. Fue una nota de la actriz rogándole que aceptara el papel lo que le hizo decidirse.</div>
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El guion venía firmado por J.F. Lawton, cuyo único libreto anterior había dirigido él mismo y tenía el título de “Las Mujeres Caníbales de la Selva del Aguacate” (sic). Posteriormente sería el autor de los guiones de “Alerta Máxima”, “Reacción en Cadena” o la adaptación del videojuego “DOA: Dead or Alive”, tres productos muy alejados de la película que le situó en el mapa de Hollywood y que, a buen seguro, a día de hoy le sigue dando buenos dividendos. La primera versión de “Pretty Woman” (en aquel momento titulada “3.000”) era un tanto distinta de la que vimos en la pantalla. La situación de los personajes era más cruda y la crítica a la sociedad neoliberal estadounidense más feroz. En ella, por ejemplo, Vivian, además de prostituta, era cocainómana, al igual que su amiga Kit, quien fallecía víctima de las drogas al final de la película. </div>
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Esto cambió al caer el guion en manos de Garry Marshal, un veterano del cine y la televisión, experimentado en la comedia y que, pese a que el punto de partida de la película podía parecer un tanto sórdido (la relación entre una prostituta y un multimillonario que la contrata para pasar unos días con él), el cineasta era consciente de que, para que la película fuera un éxito, debía optar por una vía más blanca e inocente, a modo de cuento de hadas moderno. Se mantuvo el mensaje crítico con el capitalismo feroz que representan Edward Lewis y Philip Stuckey (Jason Alexander), pero se potenció la historia de amor y lujo y la amable redención de ambos personajes (ella reconvertida, a modo de “Pigmalión” en una mujer culta y sofisticada, y él en un empresario que era capaz de aportar algo a la sociedad en lugar de destruir y devorar como un animal carroñero). </div>
<div style="text-align: justify;">
Para que el cuento funcione, Marshal sabía que debía decorar la historia con grandes personajes secundarios, interpretados por actores de carisma, de ahí la presencia de veteranos como Ralph Bellamy como el empresario James Morse (en la que sería su última película antes de fallecer el 22 de noviembre de 1991) o Hector Elizondo como el director del hotel (actor fetiche de Marshall, han trabajado juntos hasta la fecha en 19 películas, además de episodios de series de tv como “Murphy Brown”). Marshall consiguió aquí su más afinado sentido del gag, consiguiendo que varias secuencias de la película se hayan convertido en antológicas, en especial, el momento de Edward y Vivian en la tienda de ropa.</div>
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Otro ingrediente irresistible de la película es su banda sonora. Si bien la partitura original de James Newton Howard (sencilla, elegante y amable) pasa bastante desapercibida, la selección de canciones funciona de maravilla con las imágenes, además de haber convertido al álbum en uno de los grandes éxitos de ventas en las tiendas de discos. Temas como “Fame 90” de David Bowie, “Real Wild Child (Wild One)” de Christopher Otcasek, “Will Woman Do” de Natalie Cole, “It Must Have Been Love” de Roxette son indisolubles de las imágenes. A esto hay que añadir las referencias clásicas. No es casual que los protagonistas vayan a la ópera a ver “La Traviata” (que cuenta la historia de amor entre una cortesana y un hombre adinerado). Por otro lado, “Las Cuatro Estaciones” de Vivaldi están también muy presentes en la película. Sin embargo, como es lógico, si hay una canción que resalta por encima de todas las demás es “Pretty Woman” de Roy Orbison. La selección de esta canción motivó el (afortunado) cambio de título y tiene un momento de lucimiento especial cuando, después de haber culminado con éxito su paseo por las tiendas de Rodeo Drive, vemos a la protagonista ya por fin convertida en ese personaje sofisticado que estaba llamada a ser.</div>
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“Pretty Woman” no pretendía ser una historia verosímil o realista. Si en algún momento lo fue, correspondía a la idea inicial de J.F. Lawton. La intención en todo momento fue crear una historia amable, divertida, elegante y que emocionara al espectador. Conseguir que el público se enamorara de unos personajes como Vivian y Edward no era sencillo, pero lo consiguieron. 30 años después, la película sigue manteniendo su encanto, su ingenio y su magia. </div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-78514028905748021592020-03-22T10:48:00.001+00:002020-03-23T19:22:49.868+00:00“EL HOYO”. TODOS SOMOS CARACOLES.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img alt="La imagen puede contener: texto" height="360" src="https://scontent-mad1-1.xx.fbcdn.net/v/t1.0-9/90521694_3122216864463920_4953958022444482560_n.jpg?_nc_cat=101&_nc_sid=8024bb&_nc_eui2=AeGPBV1MTxvhZmEOMF6OcYjrd9LgB-DA6RPFlshS3LIVbh6p_pkytAGfQA9XJv4C_GpHa83UBANQFnrQv5ezYjsTwPu_CUfkjtr86F0-IA4c5A&_nc_ohc=aR_-62iVCtgAX8nkkwD&_nc_ht=scontent-mad1-1.xx&oh=a7009c8d82f2c8764a45ec9ac4e567cf&oe=5E9F69B7" width="640" /></div>
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<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
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<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Conceptualmente, “El Hoyo” recuerda
al debut de Vincenzo Natali allá por 1997 con “Cube”. Ambos son títulos rodados
con muy bajo presupuesto, basados en la claustrofobia y la confrontación de un
conjunto de personas encerradas en un espacio reducido, y donde toda la
historia se rodó en un decorado único, pero haciéndolo pasar por distintas
habitaciones. Este segundo largometraje de Galder Gaztelu-Urrutia adopta la
apariencia de distopía futurista para convertirse en una metáfora de nuestra
sociedad actual y lo que supone la distribución de la riqueza en el mundo. Su mirada
hacia la brutalidad, el egoísmo y la zafiedad del ser humano es implacable. Su
puesta en escena es feísta, desagradable y hasta obscena, en ocasiones. Desde
luego, no es una propuesta para estómagos aprensivos. Gaztelu-Urrutia
escenifica todo tipo de procesos fisiológicos, de manera cruda y sin paños
calientes, desproveyendo y degradando el arte de la gastronomía, especialmente
a medida que se va bajando de nivel, hasta convertirlo en deshechos. Lo mismo
podemos decir de los personajes, empezando por el protagonista. Todo atisbo de
civilización y humanidad se va perdiendo, cayendo en el primitivismo y el
esperpento. No quedan mucho espacio para la esperanza y la positividad. Los
intentos de raciocinio y civilización quedan sepultados y masacrados ante una
visión esquizofrénica de los personajes. Para ello, el director deposita mucha
confianza en sus actores, quienes, pese a que la atmósfera se prestaba a caer
en la teatralidad, logran bordear esa posibilidad, al mismo tiempo que afrontan
con entereza situaciones donde deben exponerse emocional y físicamente de
formas muy poco embellecedoras. “El Hoyo” es una propuesta arriesgada que,
afortunadamente, desemboca en buen término, aunque ello suponga dejar por el
camino a un público acostumbrado a propuestas más complacientes.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<br />Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-14068704977275216532020-03-20T20:20:00.003+00:002020-03-20T20:20:52.059+00:00“RON HOPPER’S MISFORTUNE”. <div style="text-align: justify;">
<img alt="Resultado de imagen de “RON HOPPER’S MISFORTUNE”" height="360" src="https://i.ytimg.com/vi/izPI-RSozvw/maxresdefault.jpg" width="640" /></div>
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Tras “El Clan” y “Bunker: Project 12”, el director Jaime Falero ha presentado su tercer largometraje, “Ron Hopper’s Misfortune”, al igual que el anterior con reparto internacional y rodado en inglés para su distribución en el extranjero. La cinta ha esquivado el circuito comercial tradicional y se encuentra disponible a través de las plataformas Amazon Prime y Apple TV. “Ron Hopper’s Misfortune” supone un cambio con respecto a la ficción anterior de Falero. Si bien ya “Bunker. Project 12” introducía componentes fantásticos en la trama, aquí nos encontramos directamente con una película de carácter metafísico que, sin perder parte de la firma de su director, opta por una línea más intimista y filosófica, con abundantes referencias mitológicas, literarias y cinematográficas (por mencionar algunos de los ecos que nos vinieron a la cabeza durante el visionado tenemos “Drácula de Bram Stocker”, “El Séptimo Sello”, “El Corazón del Ángel”, “El Fantasma de la Ópera”, “Los Inmortales”, “La Bella y La Bestia” o “Lady Halcón”). </div>
<div style="text-align: justify;">
Protagonizada por Vinnie Jones y Alyssa Lozovskaya, la cinta nos presenta el encuentro entre dos misteriosos personajes que poco a poco irán desvelando su pasado y el vínculo que les une. Jones, que arrastra desde su época de futbolista una imagen ruda y violenta, se enfrenta aquí, hasta donde nosotros recordamos y conocemos de su filmografía, a su personaje más introspectivo, sacando Falero de él unos registros dramáticos y una presencia en pantalla inesperados. Lozovskaya, por su parte, de trayectoria más corta y desconocida por el público general, tiene en sus manos un personaje de aspecto inocente, atrapado en un mundo amenazador para ella, aunque las apariencias pueden engañar. Aunque ambos roles tienen el mismo peso de protagonismo, hay que decir que las tablas se notan, y, frente a Jones, a la joven actriz rusa le cuesta raspar más allá de la superficie de un personaje que tiene diversas capas. </div>
<div style="text-align: justify;">
La mayor parte de la película se desarrolla en el espacio de una casa, ese lugar en el que habita el misterioso “Ron Hopper”, un espacio abarrotado de elementos del pasado, en el que una capa de polvo cubre todas las reliquias. A lo largo de la película hay un continuo juego de espejos, donde el reflejo de los personajes les da un carácter espectral, al mismo tiempo de cuestionar si lo que vemos es el verdadero rostro de ambos. En este sentido, la casa se convierte en una extensión del propio protagonista, resultando igual de siniestra, pero al mismo tiempo también seductora, intrigando al personaje de Sarah de la misma manera que al espectador sobre el origen de los secretos que guarda. Precisamente, es el tiempo en el que los personajes permanecen juntos en la casa cuando la película alcanza sus mejores momentos.</div>
<div style="text-align: justify;">
Existen dos subtramas a modo de flashbacks que completan la narración. La ambientada en la Edad Media, a pesar de la modestia de medios de la película, consigue un empaque excelente, con un juego de composición y fotografía en el que identificamos ecos del cine histórico de Bergman, los giallos de Argento o el “Dracula de Bram Stocker” de Francis Ford Coppola. La segunda trama, de carga noir nos resultó más plana y un tanto precipitada, aunque la idea permanece y contiene algunas imágenes muy poderosas. Ésta y el extenso epílogo hacen que, tras una primera hora atractiva y sugerente, la cinta pierda fuelle en el tercio final. </div>
<div style="text-align: justify;">
Hasta ahora, Jaime Falero se había caracterizado como un director con un sentido visual contundente, con gusto por los planos y los movimientos de cámara expresivos y un gusto casi fetichista por los detalles de la escena. En este sentido, “Ron Hopper’s Misfortune” no se queda corta. El trasfondo metafísico de la historia da pie a componer planos de fuerte carga simbólica, ya sea por el valor metafórico de los objetos que van desfilando por la pantalla, como por la forma en la que el director juega con el valor alegórico de los personajes, prueba de ello es el partido que le saca a la pétrea figura de Vinnie Jones en pantalla. A esto ayuda especialmente también la partitura musical de carga operística de Iván Palomares. Sin embargo, sin desatender esto, el peso de la narración cae más en el diálogo. Las conversaciones del personaje de Ron Hopper con Sarah, sobre todo en la primera mitad de la película, parecen ser un discurso directo del director a su audiencia. Hay un diálogo, ya sea directo o en off, continuo a lo largo de la película, lo que contribuye al tono fabulador de la cinta.</div>
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“Ron Hopper’s Misfortune” es una apuesta arriesgada, que se balacea en el límite de lo teatral y el absurdo, consiguiendo en su mayor parte desfilar con elegancia por la cuerda floja. Sí es cierto que toda la parte concerniente al personaje de Ron Hopper y a la presencia en pantalla de Vinnie Jones sale más robustecido que en lo equivalente a Sarah y Alyssa Lozovskaya, de ahí que, precisamente, la parte final de la cinta nos resulte más endeble. En cualquier caso, nos ha parecido una cinta diferente, atrevida e interesante, que atrapa al espectador y lo mantiene atento a la pantalla durante su hora y media de duración. </div>
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<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/WYfrbyxV0ag/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/WYfrbyxV0ag?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
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<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/H3OMyBFEReE/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/H3OMyBFEReE?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-15852487055838678552020-03-17T11:03:00.000+00:002020-03-17T11:05:05.047+00:00MAX VON SYDOW. DUREZA Y FRAGILIDAD<img alt="Resultado de imagen de intacto juan carlos fresnadillo max von sydow" height="315" src="https://www.diariodevenusville.com/wp-content/uploads/2020/03/MAX-VON-SYDOW-noticia-0.jpg" width="640" /><br />
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En 1960, Max Von Sydow e Ingmar Bergman nos ofrecieron “El Manantial de la Doncella”, cinta basada en una antigua leyenda medieval sueca y en la que un señor feudal tomaba venganza de un grupo de hombres que habían violado y matado a su hija. Este argumento, que hoy en día perfectamente daría para una película protagonizada por Liam Neeson y que, desgraciadamente, deja en evidencia a una sociedad donde las violaciones en manada siguen estando a la orden del día y encabezando las principales noticias, se convirtió en el lanzamiento internacional definitivo tanto para el cineasta como para el actor sueco, quien, por designios del destino, falleció el pasado 8 de marzo mientras en diferentes partes del mundo tenían lugar manifestaciones denunciando, entre otras cosas, la violencia hacia las mujeres.</div>
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Max Von Sydow participó en un total de 11 películas dirigidas por Bergman, entre las que se encontraban también “El Séptimo Sello”, “Fresas Salvajes”, “Como en un Espejo” o “La Hora del Lobo”. Este vínculo se extendió también a la relación del actor con Bille August, discípulo de Bergman, para el que trabajó en “Pelle El Conquistador” (por la que fue candidato al Oscar) y “Las Mejores Intenciones”, está última con libreto del mentor y con la que se desquitaba la pena de no haber participado en “Fanny y Alexander” por un desacuerdo en lo económico.</div>
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Bergman buscaba personajes dañados por sus relaciones familiares y por sus creencias, en pleno momento de crisis interior y encontró en el imponente físico de Sydow la encarnación perfecta de esta fragilidad. Ese momento de ruptura ejemplificado en el señor feudal convertido al cristianismo Per Töre o el cruzado del siglo 14 Antonius Block en su partida de ajedrez con La Muerte se extendería a lo largo de una carrera donde el actor interpretó a Jesucristo (en “La Historia Más Grande Jamás Contada”), al Padre Merrin (en “El Exorcista”) o al mismísimo Diablo en “La Tienda” de acuerdo a la novela homónima de Stephen King.</div>
<div style="text-align: justify;">
Como extranjero en Hollywood, le tocó encarnar varias veces el rol del villano, algo que con su 1.93 de estatura hacía con gran rotundidad en películas que no siempre estuvieron a la altura de su talento. Fue el Emperador Ming en “Flash Gordon”, Ernst Stavro Blofeld en “Nunca Digas Nunca Jamás” o Lamar Burgess en “Minority Report”. Estos roles que contrastan con otros más cercanos y emocionales como el que le supuso su segunda candidatura a los Oscars por “Tan fuerte, tan cerca”. En su madurez sumó muchos personajes pequeños pero que se engrandecían con su carisma, como el Rey Osric en “Conan el Bárbaro” o el Doctor Kynes en “Dune”. Su presencia en Canarias por el rodaje de “Intacto” a las órdenes de Juan Carlos Fresnadillo emparentó su presencia con el mismísimo Teide.</div>
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Trabajador incansable, en sus últimos años se unió a algunas franquicias populares como “Juego de Tronos” o “Star Wars”, y falleció a la edad de 90 años dejando aún una película en postproducción, “Ecos del Pasado”. Descanse en Paz, Max Von Sydow.</div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-75082378971603275442020-03-16T13:04:00.002+00:002020-03-16T13:04:21.690+00:00LA NEGACIÓN DEL OCIO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVSX-79zZQwp4uhYWAVfTPWlK4L660ZvgLv3_fAb50aoFqzx8f59I0X3RwFNFNsVndckuJMjOgg_Xni7WdPfaEYMSHEW3W70T_7NsWA7CGVAkt0ZN8iIkwK4vgUeAUmahLAZ-mdhPp0qc/s1600/89788136_3108013922550881_406953670328975360_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="691" data-original-width="960" height="460" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVSX-79zZQwp4uhYWAVfTPWlK4L660ZvgLv3_fAb50aoFqzx8f59I0X3RwFNFNsVndckuJMjOgg_Xni7WdPfaEYMSHEW3W70T_7NsWA7CGVAkt0ZN8iIkwK4vgUeAUmahLAZ-mdhPp0qc/s640/89788136_3108013922550881_406953670328975360_o.jpg" width="640" /></a></div>
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Ya el latín dejaba clara la separación de “ocio” y “negocio”, siendo la segunda la negación del primero, con los términos etimológicos “otium” y “nec-otium”. Distinguimos nuestro tiempo libre del trabajo, pero no debemos olvidar que para muchos su “negocio” es precisamente elaborar aquellos elementos que cubren nuestro “ocio”. Ahí entra de lleno la industria cultural. Cineastas, escritores, músicos, artistas de todo tipo enriquecen nuestro espíritu y nuestro intelecto con su trabajo y, en momentos como estos, donde la responsabilidad cívica nos lleva a resguardarnos en casa y evitar el contacto social, la cultura se convierte en nuestro mejor aliado para paliar los efectos del aislamiento. </div>
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El cine, las series de televisión, la programación de entretenimiento, junto con otros campos, como la literatura o la música, se han convertido en una tabla de salvación, de ahí que muchas empresas del sector hayan desbloqueado parte de sus contenidos para que sean de acceso gratuito. De la misma manera hay artistas que, a través de internet y de las redes, están ofreciendo su talento para ayudar a los demás. La cultura y el ocio, a veces separadas, a veces de la mano, son elementos fundamentales de nuestra sociedad. No son componentes prescindibles o de lujo, sino que verterán y nos unen como sociedad. </div>
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Ante esta crisis hay muchos profesionales de múltiples sectores que están dando la cara y ejerciendo una gran labor de responsabilidad social. No olvidemos que el sector del entretenimiento está entre ellos. No sabemos cuánto se va a poder alargar esta cuarentena, pero de la misma manera que se están haciendo esfuerzos para que no falten servicios sanitarios o abastecimiento en los establecimientos de alimentación, el sector cultural, cuya actividad pública se ha paralizado totalmente por la crisis de la pandemia, sigue llegando hasta nosotros a través de plataformas y dispositivos, haciendo más ligeras las consecuencias. </div>
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Cuando esta crisis pase, la cultura, que siempre ha sido un sector débil, va a necesitar nuestro apoyo. Cuando se levante la cuarentena, no hagamos como los romanos y no le neguemos al “ocio” su “negocio”. Llenemos los espacios culturales. Devolvamos con responsabilidad social la labor prestada. </div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-30139516814607039452018-11-20T14:56:00.002+00:002018-11-20T14:56:59.606+00:00“EL CASCANUECES Y LOS CUATRO REINOS”. AÚN ES PRONTO PARA NAVIDAD.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpNFJn9hngMzcGmVPgwxLUBZYA_a3gvFeyrzsiPl2DyC9tg2_UxI-M7SpuMvI4DVNpdp47NzT-Wa1x9zCpPhYUk8RKzzzRubk50mbJXyN1zS2dUARdLZ1ZiabT_BqHPDauAnQA0mgmxqI/s1600/CASCANUECES+01.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="315" data-original-width="850" height="236" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpNFJn9hngMzcGmVPgwxLUBZYA_a3gvFeyrzsiPl2DyC9tg2_UxI-M7SpuMvI4DVNpdp47NzT-Wa1x9zCpPhYUk8RKzzzRubk50mbJXyN1zS2dUARdLZ1ZiabT_BqHPDauAnQA0mgmxqI/s640/CASCANUECES+01.png" width="640" /></a></div>
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La música y la cuentística tradicional son dos elementos clave en la obra de E.T.A. Hoffmann. Relatos como “La casa vacía”, “La Fermata”, “El Salón del rey Artús”, “El hombre de arena”, “Los maestros cantores” y, por supuesto, “El Cascanueces y el Rey de los Ratones” forman parte de nuestra tradición literaria de igual manera que las obras de Charles Perrault, Hans Christian Andersen o los Hermanos Grimm. Este valor folcórico de sus relatos le convirtió también en el inspirador de grandes clásicos de la música como la ópera de “Los cuentos de Hoffmann” de Jacques Offenbach o “El Cascanueces” de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, siendo este ballet es una de las grandes obras representativas del periodo navideño, mucho antes de Frank Capra y su “¡Qué Bello es Vivir”. Es por ello normal que para su gran apuesta navideña para este 2018, Disney haya querido recuperar este gran clásico de la literatura y la música, como ya lo ha hecho en el pasado con otros iconos de la cuentística popular. Eso sí, como era de esperar, el resultado ha sido una adaptación a su manera. </div>
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En el guion de Ashleigh Powell tenemos a Clara, tenemos al Cascanueces y tenemos al Rey de los Ratones, pero ahí acaban las similitudes con Hoffmann. Aprovechando la moda de fantasía heróica y de relatos de fantasía juvenil, y manteniendo el patrón de la versión de Tim Burton de “Alicia en el País de las Maravillas”, la película nos ofrece un relato donde impera el caracter aventurero y la construcción de un mundo fantástico y onírico. Desgraciadamente, Powell (guionista de excasa experiencia previa) no se despega de los patrones habituales y ofrece un relato bastante convencional y anodino, cargado, eso sí, de mucha lectura freudiana. </div>
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La pobreza literaria del libreto parece querer ser compensada por otros valores de la producción. Hay que decir que en su apuesta por esta adaptación la Disney no ha reparado en gastos y todo en la cinta refleja lujo y hasta ostentación. La puesta en escena de Lasse Hallström y Joe Johnston (éste último responsable de los reshots finales ante los problemas de agenda del sueco) es meticulosa, elegante y preciosista. Eso sí, resulta llamativo que, pese a tratarse de dos cineastas con tendencias tan diferentes, no se advierta en la cinta ningún contraste entre las aportaciones de uno y del otro. El caracter puramente visual de la película queda refrendado por una exquisita e imaginativa dirección artística que nos retrotrae al pictoricismo de los libros de cuentos tradicionales, al mismo tiempo que el uso de cromas digitales potencia (no sabemos si intencionada o accidentalmente) el carácter irreal de los Cuatro Reinos. </div>
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El reparto reúne a grandes nombres, aunque con resultado dispar. Sin duda, Mackenzie Foy es la gran atracción de la cinta. La actriz ilumina la película con inteligencia y candidez, mientras que tanto Helen Mirren como Morgan Freeman cumplen la cuota de veteranía aportando profesionalidad y presencia. El otro lado de la balanza lo encarnan Keira Knightley, demasiado excesiva para el papel de la Reina Dulce, y un Jayden Fowora-Knight (como Phillip, el Cascanueces) demasiado anodino, relegando al personaje supuestamente protagonista a una posición muy secundaria y totalmente olvidable. </div>
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La música es, con diferencia, el aspecto más destacado de esta producción. La confluencia de Tchaikovsky, James Newton Howard, el piano de Lang Lang y la batuta de Gustavo Dudamel, tiene, como no podía ser de otra manera, un protagonismo decisivo en la película. Eso aporta al conjunto un carácter de cinta musical, pese a la ausencia de canciones (salvo el tema interpretado por Andrea y Matteo Bocelli) y la presencia puntual de secuencias de baile, aunque eso sí, recomendamos no levantarse durante los títulos de crédito finales. </div>
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Si la Disney esperaba que esta producción fuera el evento de la temporada prenavideña, se ha equivocado de cabo a rabo. El resultado final es una cinta de presupuesto estratosférico (120 millones de dólares), con un gran despliegue visual, pero impacto modesto en la taquilla (a penas 117 millones de dólares). Aunque el conjunto sea elegante y se deje ver con agrado, ni la opulenta dirección artística, ni la labor esforzada de los dos directores logran aportar alguna secuencia memorable o mínimamente recordable por el espectador tras abandonar la sala. Eso sí, sus 100 minutos de metraje son de agradecer en esta época de duraciones hipertróficas.</div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-54161150680500266722018-11-19T14:30:00.000+00:002018-11-19T14:30:04.990+00:00“MANDY”. LOS BOSQUES DE LA NOCHE<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiiVMBeX_ptRH6dObtJ-HdQsI8GoLsXOwVXFxvdZ02g9gRvrVku2gKByFzT5nW7a-IpWHwtwrIPiABFsg-7i9BfZZsAYEPB5ytB2JWHXLItng0Hi1rOgrUaozFR37gMUW9VzAS4BGrjRo/s1600/Mandy-poster-600x450.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="600" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiiVMBeX_ptRH6dObtJ-HdQsI8GoLsXOwVXFxvdZ02g9gRvrVku2gKByFzT5nW7a-IpWHwtwrIPiABFsg-7i9BfZZsAYEPB5ytB2JWHXLItng0Hi1rOgrUaozFR37gMUW9VzAS4BGrjRo/s640/Mandy-poster-600x450.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>“¡Tigre! ¡Tigre!, ardiendo reluciente/ en los bosques de la noche, / ¿qué mano inmortal u ojo / pudo trazar tu terrible simetría? / ¿En qué lejanos abismos o cielos / ardió el fuego de tus ojos?” </i></div>
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("El Tigre", William Blake, 1794)</div>
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No sabemos si será una conexión nuestra o si durante la producción de “Mandy”, Pan Cosmatos tomó como referencia la obra de William Blake, pero lo cierto es que, por alguna razón, el visionado de la película nos evocaba una y otra vez sus grabados iluminados o poemas como “El Tigre”. Emparentada también con la imaginería onírica y surrealista y la violencia descarnada de David Lynch (especialmente “Corazón Salvaje”, no por casualidad también protagonizada por Nicolas Cage, o “Carretera Perdida”) o, más recientemente, Nicolas Winding Refn (con títulos como “Sólo Dios Perdona” o “Neon Demon”), la cinta está cargada de un misticismo que nos retrotrae a la obra del artista inglés. </div>
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Sería sencillo decir que estamos ante otra muestra del histrionismo legendario de Nicolas Cage, sin embargo, al contrario que otros trabajos suyos, aquí la delirante composición del actor está integrada en un conjunto de interpretaciones y en el marco de una historia llevados al límite e incluso podemos decir que es superado por un alucinado Linus Roache en el papel de Jeremiah Sand, el “charlesmansonesco” líder de la secta que se obsesiona con la Mandy del título (Andrea Riseborough); es más, durante la primera mitad de la película, Cage mantiene una posición bastante comedida, reservándose para la segunda mitad de película, donde ya sí despliega su exuberancia característica. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggq7hmdkjpjf9gfRe5KfVMW3HPXLIsOYnZL1Z6tJcRigdY9W76I2UxJsKoHk9THQx8Fsfxz_GvSNL6tV3H22bNDRSd5d0X_ponbtZ-MrdxBlAMSA9zF9XkPYtilbRToLb0seZ6b5gGALk/s1600/mandy+04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="349" data-original-width="620" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggq7hmdkjpjf9gfRe5KfVMW3HPXLIsOYnZL1Z6tJcRigdY9W76I2UxJsKoHk9THQx8Fsfxz_GvSNL6tV3H22bNDRSd5d0X_ponbtZ-MrdxBlAMSA9zF9XkPYtilbRToLb0seZ6b5gGALk/s640/mandy+04.jpg" width="640" /></a></div>
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En su base, “Mandy” es una historia de venganza, de un marido que emprende un camino de violencia para desagraviar la memoria de su esposa; sin embargo, Cosmatos no busca componer una cinta de género al uso, sino expandir sus ambiciones a estratos más filosóficos y artísticos. Para ello emplea referencias propias de la serie B más vulgar, con imágenes explícitas y provocadoras, con personajes alucinados y con una dirección artística que remite a aquellas películas de explotación surgidas en la década de los 80 tras el éxito de títulos como “Mad Max” y lo conjuga con unos diálogos ascéticos y crípticos y una puesta en escena esteticista y simbólica. </div>
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En un principio, la cinta parece situarnos en un espacio próximo a nuestra realidad. Red (Cage) es leñador, Mandy trabaja en una tienda, ambos viven aislados en una casa en las montañas. Sin embargo, ya desde la aparición de los moteros del infierno, los límites con la realidad poco a poco se van diluyendo y nuestros protagonistas se van adentrando en una especie de entorno alucinógeno y postapocalíptico, de espacios ásperos, rocosos y estériles. En esto juega un papel determinante la psicodélica fotografía de Benjamin Loeb, con un constante juego cromático que, junto con la búsqueda de la simetría en el encuadre, define el tono y la estética de la película. </div>
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Además del predominante valor de la imagen sobre la trama, “Mandy” se convierte también en una cinta abiertamente musical. Por un lado, se evidencia un gusto referencial del director por el heavy metal y el rock progresivo de los 70 y los 80 (por ejemplo, Mandy lleva una camiseta de Black Sabbath y los moteros del infierno parecen sacados de la portada de un disco de Iron Maiden); por otro, la omnipresente partitura de Jóhann Jóhannsson (último trabajo de este compositor islandés fallecido el pasado 9 de febrero) apuesta por sonidos estridentes y amenazadores, donde la percusión y las guitarras eléctricas tienen prioridad a la hora de generar un acompañamiento musical que proporciona a la narración también un cierto componente atávico y sobrenatural. </div>
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Todo en “Mandy” apunta a la desproporción y la psicotronía, con una petulancia ostentosa y delirante, pero consigue generar en el espectador una fascinación hipnótica, no sólo con la fuerza plástica de sus imágenes, sino por ese viaje chamánico hacia los infiernos que emprende el personaje de Nicolas Cage. No es cine para todos los gustos y estómagos, pero al menos sí es un cine que se sale de los márgenes acostumbrados.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHVEE5ArchH2E0pBa2Y22cgevESlEtq1B447u-nLEl7mNI4ANXUrhM0gOLs1r6sMQs1qYQpzmP-tbSztRcH9gp_I421PZbDYPlS1rGIpwaenX6rLqMNtbJ5fma5I3okds9UmrxYe4dKcE/s1600/mandy+05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="490" data-original-width="980" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHVEE5ArchH2E0pBa2Y22cgevESlEtq1B447u-nLEl7mNI4ANXUrhM0gOLs1r6sMQs1qYQpzmP-tbSztRcH9gp_I421PZbDYPlS1rGIpwaenX6rLqMNtbJ5fma5I3okds9UmrxYe4dKcE/s640/mandy+05.jpg" width="640" /></a></div>
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Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-48217997179921875502018-11-13T15:39:00.002+00:002018-11-13T15:39:56.198+00:00"BOHEMIAN RHAPSODY". SIEMPRE NOS QUEDARÁ LA MÚSICA.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqGJvj-IFRLC1LOMzMTbSqtQeoah7meLA5Pi0fdyoei1WykFFoU3WhzTPefP5txAd2yhmR8euwvXABHjFJC2sc8UsQNmj_OWfIBaXK5ryVnQf9EwUBWgli-mkRsOHaeS8yX5RSq_8gMIY/s1600/bohemian+rhapsody.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="166" data-original-width="303" height="350" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqGJvj-IFRLC1LOMzMTbSqtQeoah7meLA5Pi0fdyoei1WykFFoU3WhzTPefP5txAd2yhmR8euwvXABHjFJC2sc8UsQNmj_OWfIBaXK5ryVnQf9EwUBWgli-mkRsOHaeS8yX5RSq_8gMIY/s640/bohemian+rhapsody.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><b>¡OJO, CONTIENE SPOILERS!</b></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;">Queen es, sin duda, leyenda de la música del siglo XX y
la figura de Freddie Mercury, un verdadero icono del rock. Su
canciones y su historia son ampliamente conocidas por sus seguidores
y el anuncio, hace en torno a 10 años, de una película contando sus
vivencias atrajo enseguida la atención del público. Diferentes
directores y artistas pasaron por el proyecto antes de que se hiciera
realidad. Los que estuvieron más cerca de llevarlo a cabo antes de
la llegada de Bryan Singer y Rami Malek fueron Stephen Frears y Sacha
Baron Cohen. Sí, el humorista, que por aquel entonces era famoso
gracias a la película “Borat”, fue durante una temporada la
apuesta fuerte para encarnar Mercury. Finalmente, su visión del
proyecto no recibió la aprobación de Brian May y Roger Taylor,
particularmente por la forma cruda y explícita en que querían
tratar en pantalla la vida privada de Freddie Mercury. La elección
de Singer tampoco estuvo libre de polémicas. Los problemas legales
del cineasta, el miedo a que el caso de Kevin Spacey pudiera destapar
nuevas acusaciones de abuso sexual hacia el director y las continuas
ausencias del set propiciaron que el estudio le despidiera cuando aún
quedaba rodaje por delante. Su sustituto fue Dexter Fletcher, más
conocido por su faceta de actor y quien posteriormente ha pasado
también a dirigir “Rocketman”, el biopic de Elton John. </span>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA2R0bV_gE5sCmR3zGgScgjwDd5Dp6QoNxmvME7NdRB9s_CRjbwaC-ssjXwFRApH2Q1bRiX9IcrqdtlovPymyAAkbcHwrmK8HgDIGv7s77E69LgQAkJyzSIKmNrisGGiitxQ2D3DyNoN4/s1600/bohemian+rhapsody3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA2R0bV_gE5sCmR3zGgScgjwDd5Dp6QoNxmvME7NdRB9s_CRjbwaC-ssjXwFRApH2Q1bRiX9IcrqdtlovPymyAAkbcHwrmK8HgDIGv7s77E69LgQAkJyzSIKmNrisGGiitxQ2D3DyNoN4/s640/bohemian+rhapsody3.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
“<span style="font-size: small;">Bohemian Rhapsody” abarca el periodo histórico
desde que Mercury conoce a Roger Taylor y Brian May, siendo estos aún
miembros de la banda Smile, y cómo tras la partida del cantante Tim
Staffell los tres se animaron a crear Queen, hasta el triunfal éxito
obtenido con su actuación en el Live Aid de 1985. La cinta trata
también la importante relación del cantante con Mary Austin, su
salida del armario, su intento de carrera en solitario, su promiscua
vida sexual, su relación con las drogas y el descubrimiento de que
era seropositivo, todo esto acompañado por una extensísima
selección de temas musicales del grupo. El nivel de guiños y huevos
de pascua dirigidos a los <i>connoisseur</i> de la mítica de Queen y
la música rock de la época es extensísimo, aunque se echa de menos
más cameos de otros artistas de la época, especialmente David Bowie
(la ausencia de Montserrat Caballé queda justificada por ser
posterior al margen temporal que aborda la película). En este
sentido, la cinta se convierte en una montaña rusa de emociones,
pensada para arrastrar al espectador durante dos horas y veinte
minutos, sin que sienta el peso del metraje y salga de la sala con
los pelos de punta y lágrimas en los ojos. Si eres amante de la
música de Queen (¿alguien no?) resulta extremadamente difícil
mantenerte en la butaca sentado y no aplaudir al final. Pero seamos
sinceros, esto se debe más a la música que a las cualidades
cinematográficas de la película (en nuestra opinión, bastante
deficientes y espinosas). </span>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj6jhZ8lejpx5xodXcC0I-oQFxYpgLAuE8OMapbNMJuqLF62Eiqx384_JR_2nQ5P9JUv_GBwu9mzKRRqnSkbH67PNWJwkyypf8xD3KMCvy2qeyOKW5VKquP1FzS5FXNWtbFp3RIBr39OU/s1600/bohemian+rhapsody1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="350" data-original-width="590" height="378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj6jhZ8lejpx5xodXcC0I-oQFxYpgLAuE8OMapbNMJuqLF62Eiqx384_JR_2nQ5P9JUv_GBwu9mzKRRqnSkbH67PNWJwkyypf8xD3KMCvy2qeyOKW5VKquP1FzS5FXNWtbFp3RIBr39OU/s640/bohemian+rhapsody1.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;">En el apartado interpretativo destaca principalmente la
espectacular labor de Rami Malek mimetizando y dramatizando al
personaje de Freddie Mercury, pero en general no podemos poner pegas
al reparto. No sólo no hay ni una interpretación que chirríe en el
conjunto, sino que además, el parecido físico entre los actores y
sus referentes es casi sobrenatural (Gwilym Lee es casi
indistinguible del verdadero Brian May, delatándose únicamente
cuando toca la guitarra). En esto ayuda muchísimo la labor de
vestuario. La fortuna de llevar a la pantalla a un grupo como Queen
es que la documentación audiovisual es extensísima, lo que ayuda a
recrear mejor indumentarias, pero también la forma de hablar, cantar
y moverse de los personajes. El aspecto negativo aquí lo ponen las
pelucas y protésicos, que rompen la apariencia de verosimilitud de
la imagen. La dirección de Singer/Fletcher es correcta, con algunos
momentos notables y lo suficientemente enfática como para subrayar
aquellos componentes dramáticos que van a tener importancia y
prolongación en la película (por ejemplo, la relación del
protagonista con su padre); sin embargo, en ningún momento, la
puesta en escena logra destacar más allá de su valor mimético,
cayendo bastante a menudo en el regodeo melodramático (como por
ejemplo su vergonzoso y manipulador uso del tema “Who Wants to Live
Forever” en un momento determinado de la película; un tema, por
otro lado, cuya autoría se sale del marco temporal que abarca la
película). </span>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinxA2W3lC9l1LbC7CA6_s2gDAO0TQB8IIlsD9e_Vb5SlsjhqwY_dDb5MpC13lJi61ysYCT5H-cQr-d4p5ozamxn7k4W5Csp_aLC6mk3JW1t7mKcok41L-gFMFw8nmyqjEgBaZqTg3L3PU/s1600/bohemian+rhapsody2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="278" data-original-width="600" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinxA2W3lC9l1LbC7CA6_s2gDAO0TQB8IIlsD9e_Vb5SlsjhqwY_dDb5MpC13lJi61ysYCT5H-cQr-d4p5ozamxn7k4W5Csp_aLC6mk3JW1t7mKcok41L-gFMFw8nmyqjEgBaZqTg3L3PU/s640/bohemian+rhapsody2.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;">Al igual que cualquier película histórica o basada en
hechos reales, todo biopic requiere de cierta ficcionalización de
personajes y situaciones. La vida real no sigue una estructura
clásica de guion cinematográfico, de ahí que algunas cosas deban
alterarse o perfilarse para ajustarse a las necesidades del relato
cinematográfico. Hasta ahí, todo correcto y asumido. Pero, ¿qué
sucede cuando los autores de una película deciden reinterpretar la
historia para amoldarla a su discurso? A los conocedores de la
cronología de Queen le chirriará el desorden temporal en la
introducción de las canciones. Algunas de manera arbitraria, otras
para intentar dar una relación dramática entre un acontecimiento y
la temática de la letra. El guion de Anthony McCarten (con
participación en el desarrollo del argumento de Peter Morgan) busca
crear un arco argumental de superación personal, éxito, caída en
desgracia y redención con el que darle al espectador un patrón
dramático que pueda identificar y que le suponga emocionante y
excitante, aunque, por otro lado, la cinta ignora por completo al
resto de la banda. La información que recibimos de Brian May, Roger
Taylor y John Deacon es totalmente anecdótica y subordinada por
completo a la estela de Mercury. </span>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGxxUVgFeD-VfspoFJVI2y5VtCY2r1kxWHjmfnN5TFNd6Z9AWEfoHHnRpdADY2T3WapxhjYd1mapXJWioP9PzNAT0QmsCd0OWhw8Al9_qQ0UBYrMjGH5K6gWccQf0Z7bcPdxxxW_o2ZWg/s1600/bohemian+rhapsody4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGxxUVgFeD-VfspoFJVI2y5VtCY2r1kxWHjmfnN5TFNd6Z9AWEfoHHnRpdADY2T3WapxhjYd1mapXJWioP9PzNAT0QmsCd0OWhw8Al9_qQ0UBYrMjGH5K6gWccQf0Z7bcPdxxxW_o2ZWg/s640/bohemian+rhapsody4.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
El primer problema de esto es la manera en la que se
tergiversa la historia real para meter con calzador los clichés
dramáticos con los que emocionar al espectador. Por ejemplo, Queen
no se disolvió por el interés de Mercury de emprender una carrera
en solitario, simplemente se tomaron un tiempo para poder desarrollar
todos proyectos en solitario (Roger Taylor sacó dos discos en
solitario, en 1981 y 1984, y Brian May hizo también sus pinitos por
su cuenta con Star Fleet Project en 1983); por otro lado, se anticipa
el diagnóstico de la enfermedad a 1985, para hacerlo coincidir con
la reunión del grupo y el éxito del Live Aid, añadiendo un empuje
emocional a todo el clímax final, cuando en realidad, Mercury no
supo de su enfermedad hasta 1987. Cerrar la trama en este concierto
es también un recurso forzado, máxime cuando a la banda aún le
quedaban por publicar otros tres álbumes tan importantes como “A
Kind of Magic” (1986), “The Miracle” (1989) e “Innuendo”
(1991). Precisamente toda la elaboración de este último disco, con
un Freddie Mercury al borde de sus fuerzas y dispuesto a despedirse
por todo lo alto, suponía un clímax dramático extraordinario y que
queda aquí totalmente ignorado. En su lugar, se ha preferido hacer
una reproducción prácticamente íntegra de su participación en el
concierto del Live Aid, sin duda, la mejor parte de toda la película
y un cierre espectacular, pero, una vez más, gracias al peso de la
música, no por sus valores cinematográficos (desafortunado ese efecto pantalla que genera el croma con las imágenes desde el escenario del estadio y el público.).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNT3yimFW9DsFn0nYDXcWfdH5n_RrT0u7dEHwiQnQOe26Kf1-XxLKWTdCkwxAUR2fBidutckLqX9O88Qt0898gqoruhU9Q9vh5tA6b5j0qu7ccrd4pjdgfLS0dOG8s5uhS43bxJu80oAs/s1600/bohemian+rhapsody5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="284" data-original-width="600" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNT3yimFW9DsFn0nYDXcWfdH5n_RrT0u7dEHwiQnQOe26Kf1-XxLKWTdCkwxAUR2fBidutckLqX9O88Qt0898gqoruhU9Q9vh5tA6b5j0qu7ccrd4pjdgfLS0dOG8s5uhS43bxJu80oAs/s640/bohemian+rhapsody5.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;">Como decíamos antes, la alteración de los hechos
reales, la cronología o el disfraz de algunas situaciones es terreno
común y asumido de los biopics, pero, en nuestra opinión, aquí
esto provoca lecturas más espinosas y desafortunadas. En primer
lugar, la cinta da muchísimo valor a la relación entre Mercury y
Mary Austin (justificado, ella fue sin duda una figura fundamental en
su vida y hasta ahora esto no se había reivindicado lo suficiente) y
al mismo tiempo se pasa muy de puntillas por sus relaciones
homosexuales, tocando de manera colateral sus famosas orgías o su
consumo de drogas y más de manera implícita que explícita. El
regreso a la familia (Queen, la reconciliación con su padre y el
regreso de Mary a su vida) junto con el inicio de una relación
estable (homosexual, pero estable) con Jim Hutton abre las puertas a
la redención del personaje. Al mismo tiempo, anticipar el
diagnóstico de la enfermedad le da a la cinta un carácter moralista
conservador, devolviendo al SIDA a ese peligroso puesto que creíamos
ya superado de castigo divino a los homosexuales por su pecaminosa
forma de vida (sorprende que este mensaje forme parte de una película
de Bryan Singer).</span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPH3gUdsJhn55YvMZckR8F23P_LtPREGL3cO59XDKF2_ZaF75aTy018UviRnMS97gA5OarktgCjkRfLNWBVHVgY6MPGtr4LAJGizjiY-3SaywzcwMk9HZsmmv_TJ3HRLKoLN8vLVLkfbU/s1600/bohemian+rhapsody6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPH3gUdsJhn55YvMZckR8F23P_LtPREGL3cO59XDKF2_ZaF75aTy018UviRnMS97gA5OarktgCjkRfLNWBVHVgY6MPGtr4LAJGizjiY-3SaywzcwMk9HZsmmv_TJ3HRLKoLN8vLVLkfbU/s640/bohemian+rhapsody6.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;">Encontramos en la película también un peligroso
carácter revanchista. En algunos casos, a modo de puya sarcástica,
como en el caso de Tim Staffell (quien llevado por su ambición dejó
en la estacada a May y Taylor y que posteriormente no llegó a nada
frente al éxito de Queen) o Ray Foster (personaje ficticio en el que
se resumen todos esos ejecutivos que no creyeron en la banda en sus
orígenes, eso sí, con un espléndido Mike Myers haciendo un guiño
maravilloso a su película “Wayne's World”), pero en el caso de
Paul Prenter (quien falleció en 1991, por lo que no puede defenderse
de la imagen que da la película de él), los guionistas encuentran
al villano perfecto para la película: es él quien saca a Mercury de
Queen y quien le introduce en un mundo sórdido de orgías, drogas y
prostitución. No vamos a convertirnos aquí en defensores de
Prenter, quien además, jugó un rol muy vengativo al sacar a la luz
la vida privada del cantante; sin embargo, en la película se
convierte en el cabeza de turco para poder exculpar a Mercury del
estilo de vida que llevó entre finales de los 70 y el primer lustro
de los 80. Éste pasa así de ser protagonista de la película a un
elemento pasivo que se deja llevar por un pérfido maestro de
marionetas que le enfrenta con todos los pilares positivos de su vida
y, por ende, responsable último de que contraiga el SIDA.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgve9BFO9kWTB4sew2fblvn6uoGNSNvMgTplGo_DTiDhMyZ_GBeT5v4YqFw6Fs7i6efgZZQi-UKrvCU5Og3aavWItjP9mA5MhgWUiIv3S6Adxd0q7S8nWFQBRhJrzPs0LLuMhOE_HL7P7I/s1600/bohemian+rhapsody7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgve9BFO9kWTB4sew2fblvn6uoGNSNvMgTplGo_DTiDhMyZ_GBeT5v4YqFw6Fs7i6efgZZQi-UKrvCU5Og3aavWItjP9mA5MhgWUiIv3S6Adxd0q7S8nWFQBRhJrzPs0LLuMhOE_HL7P7I/s640/bohemian+rhapsody7.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
“<span style="font-size: small;">Bohemian Rhapsody” es una película muy disfrutable
si lo que queremos es conmemorar la música de Queen. Tiene también otros
valores muy positivos, como la interpretación de Rami Malek, y como
viaje emotivo lleva al espectador allí a donde quiere, pero las
herramientas que emplea para ello no nos parecen honestas y, en
nuestra opinión, queda lejos de ser la película que esperábamos
sobre la banda de rock o sobre Freddie Mercury. Afortunadamente,
siempre nos quedará la música.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyhXBbFaXmiqj9g1u32EFiUY20JpBCKe4aKkhAmc8xlocTVAoEupH3gdEHl5C09pURDtG637yCNnVBgiU2uRVwc1ciEEceCy2K4jHuIBkTsnl8oDqqkbxwdUAzkeTrrtvZ3U22UESeqfA/s1600/bohemian+rhapsody8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyhXBbFaXmiqj9g1u32EFiUY20JpBCKe4aKkhAmc8xlocTVAoEupH3gdEHl5C09pURDtG637yCNnVBgiU2uRVwc1ciEEceCy2K4jHuIBkTsnl8oDqqkbxwdUAzkeTrrtvZ3U22UESeqfA/s640/bohemian+rhapsody8.jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" lang="" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-7081309110547059082018-11-08T13:22:00.001+00:002018-11-08T13:26:03.719+00:00“LA NOCHE DE HALLOWEEN”. MÁSCARA Y CUCHILLO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYK7uVbhUkEf7mfnaYpO_t_VaH3pOpYxantsPa_cxh99obE74V7blcEvCxEYMaZDfI_NWamiYGiazYIz2tQhBGzps9hw0VloJuD8bZzM-bINVa-wN_lfQ_PaHVaW-Lb4KPsaQiSDOff1o/s1600/Halloween-2018-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="814" data-original-width="1600" height="324" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYK7uVbhUkEf7mfnaYpO_t_VaH3pOpYxantsPa_cxh99obE74V7blcEvCxEYMaZDfI_NWamiYGiazYIz2tQhBGzps9hw0VloJuD8bZzM-bINVa-wN_lfQ_PaHVaW-Lb4KPsaQiSDOff1o/s640/Halloween-2018-1.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 200%; margin-bottom: 0cm;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="_GoBack"></a>
<span style="font-size: small;">Cuando John Carpenter estrenó “La Noche de Halloween”
en 1978, ya conocíamos a Norman Bates y a Leatherface, sin embargo,
la creación de Michael Myers supuso el nacimiento oficial del
slasher estadounidense. La cinta estableció las características
básicas que luego definirían títulos como “Viernes 13”,
“Pesadilla en Elm Street” o “Scream”: El asesino enmascarado,
adolescentes iniciándose en el sexo, el uso de armas blancas (con
simbología freudiana) y el eterno regreso del criminal. A excepción
de la estimable “Sanguinario” (primera secuela, todavía con
Carpenter vinculado a la franquicia), las ansias de explotar al
personaje dio como resultado un conjunto de continuaciones a cada
cual más nefasta que la anterior. Para celebrar el 30 aniversario de
la película, Rob Zombie llevó a cabo su propia reinterpretación de
la cinta original, sin embargo, el fracaso comercial de su
(espléndida) secuela frenó esta nueva reencarnación de Michael
Myers. Ahora, con motivo del 40 aniversario, la productora Blumhouse
se embarcó en un proyecto nostálgico y revisionista. De nuevo con
Carpenter (en calidad de productor y compositor) y recuperando a
Jamie Lee Curtis como Laurie (y a Nick Castle como La Forma). Hasta
ahora vinculado principalmente con la comedia, David Gordon Green se
ha encargado de escribir (junto con otro cómico, Danny McBride) y
dirigir esta secuela/reinicio que elimina de un plumazo todas las
secuelas de la saga y toma únicamente en consideración los
acontecimientos de la primera entrega. El resultado es una cinta
plenamente respetuosa con la original, a la que llega incluso a
replicar con algunos guiños de homenaje, con un tono crudo y nada
complaciente, y un enfrentamiento ¿decisivo? entre asesino y víctima
que juega a invertir los roles del gato y el ratón. La partitura de
John Carpenter, ayudado por su hijo Cody y Daniel Davies devuelve
esencia sonora a la película y la fotografía de Michael Simmonds
remite al trabajo de Dean Cundey en la primera entrega y
“Sanguinario”. La única transgresión de está en la una puesta
en escena, donde Green prescinde del maravilloso uso del panorámico
de Carpenter por una narrativa más actual, con cámara en mano y
montaje picado. Aun así, ofrece algunos momentos muy inspirados,
como la secuencia de la gasolinera, el primer crimen de Michael tras
llegar a Haddonfield y todo el clímax final, verdaderamente
emocionante. Los buenos resultados en taquilla y la máxima del
género de que el asesino siempre regresa de la tumba auguran más
noches de Halloween en el futuro. De momento, esta resurrección ha
resultado satisfactoria. Habrá que ver que nos depara el futuro. </span>
</div>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEir4eGN71P-eJd0HDkw2_bZ_qm_SDapvdzlHM7X8J8muvvYRTQQE9be2HDYd7slxnX-j8JpPL1lSp7XxVBcuKz5JrujR-8kazxBGsquvu8fWt-dyaGI4_uSTHRL-vg2nzMTNQk0e4MXUgk/s1600/Halloween-2018-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1280" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEir4eGN71P-eJd0HDkw2_bZ_qm_SDapvdzlHM7X8J8muvvYRTQQE9be2HDYd7slxnX-j8JpPL1lSp7XxVBcuKz5JrujR-8kazxBGsquvu8fWt-dyaGI4_uSTHRL-vg2nzMTNQk0e4MXUgk/s640/Halloween-2018-2.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-47291243895234008772018-10-25T21:50:00.000+01:002018-10-26T06:55:46.360+01:00“LA CUEVA DE LAS MUJERES”. EL MAL.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0_i8CgXr6EWfspinjJbgbPuGXDqW10-8sqjou5FyodxJJnoUzTIoJFlpqx7i3J_aZ7ZfL51jt0Bwdwot9IVM12I5bXwerP31P90gs8coJQ34YqFkLoII83djsgoOwNlgO-MJq1FHMH5Q/s1600/la+cueva+de+las+brujas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="782" data-original-width="960" height="520" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0_i8CgXr6EWfspinjJbgbPuGXDqW10-8sqjou5FyodxJJnoUzTIoJFlpqx7i3J_aZ7ZfL51jt0Bwdwot9IVM12I5bXwerP31P90gs8coJQ34YqFkLoII83djsgoOwNlgO-MJq1FHMH5Q/s640/la+cueva+de+las+brujas.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-family: "calibri";">A lo largo de la historia de la
humanidad, la palabra “bruja” (o cualquiera de sus análogas) ha traído consigo
connotaciones negativas. La superstición, el miedo a lo sobrenatural, al otro,
a la conexión íntima con la naturaleza, a un sentido de la sexualidad liberado
de los corsés patriarcales, a afrontar aspectos de nuestra naturaleza vetados
por la religión o la sociedad llevaron a nuestros ancestros a construir una
imagen de un determinado tipo de mujer como peligrosa, malvada, perversa, satánica,
tentadora. Al igual que ha sucedido con otro concepto más moderno, pero
emparentado, como es la Femme Fatale, el desarrollo de las teorías feministas
ha ayudado a dar la vuelta a la tortilla, cogiendo este concepto de origen
patriarcal y reinterpretándolo en clave de liberación de la mujer.<o:p></o:p></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-family: "calibri";">Desde su plataforma del Proyecto
Bentejuí, la obra de Armando Ravelo ha querido adentrarse en terrenos reivindicativos
ya sea del patrimonio aborigen prehispánico del archipiélago canario, como de la
figura de la mujer en nuestra sociedad. En la filmografía de este cineasta
hemos encontrado un afán historicista (aunque no necesariamente defendiendo la
versión oficial de la historia, pero sí apoyándose en profusa documentación),
así como una preferencia por dar la voz principal a los personajes femeninos,
mujeres de carácter fuerte, rebeldes, cuya propia personalidad le genera una
confrontación social. Para su nuevo cortometraje, “La Cueva de las Mujeres”,
Ravelo ha querido dar un salto en el tiempo, situándonos no en la Canarias
prehispánica, sino en plena dictadura franquista, sin embargo, pese a ello,
algunos de los principales elementos definitorios de su cine anterior
permanecen aquí presentes.</span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHRIOYl-J1nsH6RYEdesbCHKWZRoe-vh_ph5Kvrpbc4pk_fzi91_8BKkIktYos7Vsb-7ZCleInfZMB2yZ5MtUzM0rkjEsh9OvVPkfo79LaI-iYebGleeqQRwNbhtUViAA4YkC08THVcVM/s1600/la+cueva+de+las+brujas3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="639" data-original-width="960" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHRIOYl-J1nsH6RYEdesbCHKWZRoe-vh_ph5Kvrpbc4pk_fzi91_8BKkIktYos7Vsb-7ZCleInfZMB2yZ5MtUzM0rkjEsh9OvVPkfo79LaI-iYebGleeqQRwNbhtUViAA4YkC08THVcVM/s640/la+cueva+de+las+brujas3.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-family: "calibri";">Como en sus obras anteriores, Ravelo
se ha preocupado en dotar a la película (dentro de la modestía de medios
disponibles) de una dirección de arte que refleje la época en la que tiene
lugar la historia. Si en títulos como “Ansite” o “Mah”, se hizo un esfuerzo por
emplear un acercamiento a la lengua aborigen; aquí, se hace una notable labor
lingüística para que los diálogos respeten la idiosincrasia léxica y fonética
del habla canaria. La tradición, más aún, la defensa de una tradición prohibida
por una figura colonizadora y jerarquizadora (los españoles frente a los
canarios, el hombre frente a la mujer, la sociedad moderna frente al legado
ancestral), juega aquí un rol fundamental. La vinculación atávica de la mujer
con la naturaleza, ese mundo esotérico de curanderas, rezadoras, que viene de
antiguo y se ha traspasado generación tras generación, oculto a plena luz, se
convierte aquí en una herramienta anticolonial, distinguidora de los verdaderos
herederos de la cultura aborigen de aquellos con raíces peninsulares y cuyo
propósito es erradicar toda muestra de cultura o folclore isleño. Que este
legado sea conservado principalmente por mujeres supone una doble transgresión.
El personaje de Sagrario, casada con un guardia civil, debe afrontar una doble
discriminación y desprecio como mujer y canaria por parte de su marido. El
maltrato físico y psicológico al que se ve sometida y el modo en que éste es disculpado
y aceptado por la sociedad añade otra capa de denuncia al cortometraje.<o:p></o:p></span></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-family: "calibri";">Estos elementos temáticos y pedagógicos
dentro de la película no están reñidos con un trabajo narrativo moderno y
atractivo para el público. La cinta abre con un prólogo luminoso, donde el
espectador respira y se deja llevar por un atractivo componente paisajístico.
Afortunadamente, después de esto, Ravelo deposita la cámara a ras del suelo (no
lo decimos por este cineasta, pero ¡cómo han vulgarizado los drones el uso de
planos cenitales o aéreos!). A partir de ahí, la puesta en escena cambia y de
los grandes planos generales pasamos a un uso claustrofóbico y asfixiante de
los planos cortos. La luz desaparece y se imponen las escenas nocturnas. La
narrativa de Ravelo se vuelve inquietante y siniestra. El director juega con
los patrones del cine de terror y el suspense para generar una atmósfera
angustiosa. Crea una imaginería turbadora e intrigante, aunque en todo momento
el componente sobrenatural queda en un segundo plano y sin llegar a tomar forma
evidente. Si bien, como decíamos antes, hay un valor pedagógico e historicista,
no es la intención del director convertir el corto en un catálogo de rituales
ancestrales, sino que juega también con la sugerencia y la elipsis. En “La
Cueva de las Mujeres”, el mal no surge de cuestiones mágicas o demoníacas, sino
que el discurso de Ravelo apunta más a un retrato humano.</span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-X6pjM9iyG3ZGr2mw1RMacgaebiWqk49LFi4j02hPRGrjWAQrLDAsZJQp473hV9Er07TA5ZAnjpZ2Akh4XmpQKAo12GTl_Sw4N8skfjmehmRujz-zmePAEygeyhAvkBlq-Fu8Mmju04Q/s1600/la+cueva+de+las+brujas1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="479" data-original-width="720" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-X6pjM9iyG3ZGr2mw1RMacgaebiWqk49LFi4j02hPRGrjWAQrLDAsZJQp473hV9Er07TA5ZAnjpZ2Akh4XmpQKAo12GTl_Sw4N8skfjmehmRujz-zmePAEygeyhAvkBlq-Fu8Mmju04Q/s640/la+cueva+de+las+brujas1.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-family: "calibri";">En esto último juega un papel determinante
el trabajo de los actores. Después de “La Tribu de las Siete Islas”, el anterior trabajo de Armando Ravelo y su primer largometraje, Sigrid Ojel vuelve a defender a un
personaje enfrentado con la sociedad, alguien de una personalidad poderosa que,
por su propia naturaleza, es identificado como una amenaza al status quo,
escondiendo su propio carácter para no desatar la violencia. Ojel cuenta con
una espléndida presencia en pantalla y con una poderosa mirada que viste la condición
rebelde de su personaje e hipnotiza al espectador. Romina Vives como Doña
Brígida o Paula Garó como Catalina, aportan también un excelente valor
interpretativo (en el caso de la primera, apoyado además por un cuidado trabajo de
caracterización que da al personaje una inquietante presencia en pantalla). Si bien, como decíamos antes, el cineasta no ahonda en los rituales, el peso que da a su presencia como guardianas de la tradición y el componente misterioso que las acompaña ayuda a crear un retrato vivo y complejo. Por el contrario, sí encontramos un perfil más maníqueo en lo que se refiere al bando colonialista y franquista de los personajes. Elena, la señora de clase alta interpretada por Amanda Fuentes, nos parece un personaje desdibujado. Su participación en la historia es puntual (aunque desencadenante) y le falta continuidad. Sirve para provocar el discurso que diferencia la brujería de la península con la de Canarias, pero carece del retrato más honesto que sí hace Ravelo de las otras mujeres. A esto no ayuda tampoco la labor de Fuentes, que resulta <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">impostada
y empalagosa. Lo mismo podemos decir de</span>l
papel de Toni Báez. Su rol como marido y representante
de la autoridad del pueblo se decanta por un retrato más bidimensional, maníqueo y romo. Mientras que los personajes de las brujas cuentan con más aristas y trasfondo, el personaje de Miguel parece más un villano de opereta. Es cierto de que hablamos de un cortometraje que por su duración se sitúa en el límete de lo actualmente aceptado dentro de este formato, pero, en nuestra opinión, un mayor desarrollo de este personaje hubiese redundado en un crecimiento de los roles femeninos. Sin
embargo, afortunadamente, aquí el actor sabe defender muy bien su papel y equilibra la balanza, supliendo las carencias con las que contaba en personaje sobre el papel. En lo referente al resto del reparto masculino (Alejandro Rod y Abián de la Cruz) nos resulta menos
atractivo, en parte por contar con roles también poco desarrollados, y en parte por
no ser capaces los actores de aportar la verosimilitud necesaria con sus interpretaciones. <o:p></o:p></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 200%;"><span style="font-family: "calibri";">Pese a estas últimas consideración, “La
Cueva de las Mujeres” resulta un trabajo consecuente y notable por parte de
Armando Ravelo, quien logra aquí distanciarse de sus títulos anteriores sin
perder su identidad y manteniendo una coherencia temática y estilística
encomiable. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI9YInbjcJbr6CFfYiI0tb64dtDeB9EKa3kZsjqC8I8gz0iNXosFQGCe051LIesYdIcLd1NfMz_SWG8xqRmARx83fRXgrBWTE0x8nYaAzjfd7CRv7g09nJstKNiyh65zfEam98VF0RgaE/s1600/la+cueva+de+las+brujas2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="639" data-original-width="960" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI9YInbjcJbr6CFfYiI0tb64dtDeB9EKa3kZsjqC8I8gz0iNXosFQGCe051LIesYdIcLd1NfMz_SWG8xqRmARx83fRXgrBWTE0x8nYaAzjfd7CRv7g09nJstKNiyh65zfEam98VF0RgaE/s640/la+cueva+de+las+brujas2.jpg" width="640" /></a></div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-9891426190130964662017-12-28T17:01:00.000+00:002017-12-28T17:01:53.898+00:00BIENVENIDO, MR. DISNEY<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyXepXTpqEeyqNWjta3r61q-GY_n4PRgiKWiT_bdenM4JM8hIUq9izIhe_ohYa34j_8Y_7t5ZRUHBJfG1XQ0hBoBPIEPde1YvI7tyldsRXLuYRAvlu6zF08jPVoYhP3qDZuDoGCyNtZrY/s1600/1496421095375l.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyXepXTpqEeyqNWjta3r61q-GY_n4PRgiKWiT_bdenM4JM8hIUq9izIhe_ohYa34j_8Y_7t5ZRUHBJfG1XQ0hBoBPIEPde1YvI7tyldsRXLuYRAvlu6zF08jPVoYhP3qDZuDoGCyNtZrY/s640/1496421095375l.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">Tenía que suceder. Tras el
crecimiento desproporcionado de The Walt Disney Company con la adquisición de
Marvel, Lucasfilm y 21st Century Fox, la multinacional del entretenimiento ha
encontrado su siguiente objetivo en su plan para aglutinar el mayor emporio del
entretenimiento mundial. Según anuncio conjunto entre la compañía y el Gobierno
de Canarias, a partir de ahora la industria audiovisual del archipiélago pasará
a ser una nueva filial del Tío Walt. En los proyectos de la empresa está
convertir el Loro Parque en un nuevo parque de Disneyland y la playa de Las
Canteras en el nuevo emplazamiento del Disney Beach Club Resort. Las islas se
beneficiarán de todo un nuevo plan de producción cinematográfico, donde la
Disney tiene previsto aprovechar la cantera de artistas del archipiélago para
dar nueva vida a sus producciones internacionales con el talento canario. De
cara a dar la correcta promoción a todos sus nuevos proyectos, Disney ha
adquirido también la revista Alisios, nombrado como jefe de comunicación para
su delegación canaria a Attua Alegre Páiz. A partir de ahora, Alisios actuará
como BOD (Boletín Oficial de Disney).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPz5JOKQNlfT3U6u7bNYopWjMUnOOI8Bt0PF8rUqyPReTLsChsG9v7ErWfgNPeN-jxweB5nY4FwpGBkFq78wKicQbfZWxZtavtx5Rw5uW3-0lFg5RcXpspuROnVW2Fp_omXPSUGW7ml8s/s1600/redemption0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1318" data-original-width="1600" height="526" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPz5JOKQNlfT3U6u7bNYopWjMUnOOI8Bt0PF8rUqyPReTLsChsG9v7ErWfgNPeN-jxweB5nY4FwpGBkFq78wKicQbfZWxZtavtx5Rw5uW3-0lFg5RcXpspuROnVW2Fp_omXPSUGW7ml8s/s640/redemption0.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 200%;">Con la nueva adquisición, los
personajes del cine canario pasarán ahora a formar parte también del universo
Disney, por lo que ya se han iniciado los pasos para incorporar a la nueva
entrega de Los Vengadores al protagonista de “Redemption”. Juan José Ramallo
unirá fuerzas con los actores Robert Downey Jr, Chris Evans, Chris Hemsworth o
Scarlett Johansson y ya se está planificando una precuela con los orígenes del
personaje. Vasni Ramos, que iba a dirigir esta nueva entrega, ha sido sustituido
por Ron Howard después de que el éxito de “Apocalypsis Vodoo” motivara a Disney
a dar luz verde a un nuevo franquiciado de los detectives Paul Kersey y White
Chocolate, que a partir de ahora estará protagonizada por Tom Cruise y Leonardo
DiCaprio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOotzm1CLfP6RGuYO5aNaXar0osZ3094mtsg5HcGZXZ_wdo2PgDaWuzZQcfVqvP91g5JGQPBY-2K__9c1_3wLm6RsyVrZ16bOCgiIXi3pqvpZcEQu29l7orwLa5zZA9Uk-bLlTF03S4qQ/s1600/12805656_969520469798802_3419324708353953562_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="960" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOotzm1CLfP6RGuYO5aNaXar0osZ3094mtsg5HcGZXZ_wdo2PgDaWuzZQcfVqvP91g5JGQPBY-2K__9c1_3wLm6RsyVrZ16bOCgiIXi3pqvpZcEQu29l7orwLa5zZA9Uk-bLlTF03S4qQ/s640/12805656_969520469798802_3419324708353953562_n.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">Tras las reacciones a la última
entrega de “Star Wars” y con los problemas que está dando el spin of de Han
Solo, Lucasfilm ha pasado a entregar el desarrollo de la franquicia a Fuerza
Imperial de Tenerife, sin duda mucho más veteranos y conocedores del
funcionamiento del universo galáctico que J.J. Abrams,</span><span style="font-size: 12pt;"> </span><span style="font-size: 12pt;">Ryan Johnson o Gareth Edwards. Se aprovechará
la variedad de localizaciones que aportan las islas para recrear en ellas los
diferentes planetas y civilizaciones que conforman la saga. Masplomas será
Tatooine, La Esperanza Dagobah, Las Palmas Coruscant, Timafaya Mustafar y la
Plaza de Toros de Santa Cruz será el nuevo emplazamiento del circo de Geonosis.
El presidente de Fuerza Imperial de Tenerife, Rafael Rodríguez, ha comentado
que su plan es empezar por ahí y poco a poco ir apropiándose también de la
franquicia de Marvel. La partitura musical de esta nueva andadura de “Star Wars”
correrá a cargo de Diego Navarro y se grabará en el Auditorio de Tenerife con
la OST. Navarro no se siente en absoluto abrumado ante la responsabilidad de
sustituir a John Williams. “La partitura la empecé a componer hace más de 30
años, cuando iba de camino al Colegio Alemán. La tengo ya toda planificada en
mi cabeza”.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3kx5YVMfg2LwAjFSOllHDM7mkO3lR-0ZQLV8rfjno7L-nMTeDH-qgme9Z2rbINWRpVZS96lFcSq4qzNLB0l-spkmDOiEjeh7pBou9mLlPWzF-rGViW-dKSP0mqB0ZKgDAnkjljU8Bg7c/s1600/10359540_10152545215832245_275274244471819729_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="477" data-original-width="720" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3kx5YVMfg2LwAjFSOllHDM7mkO3lR-0ZQLV8rfjno7L-nMTeDH-qgme9Z2rbINWRpVZS96lFcSq4qzNLB0l-spkmDOiEjeh7pBou9mLlPWzF-rGViW-dKSP0mqB0ZKgDAnkjljU8Bg7c/s640/10359540_10152545215832245_275274244471819729_n.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">La fantasía épica tendrá también
cabida en el nuevo catálogo de producción. Dispuestos a quitarse la espina
clavada después de que la franquicia de “Las Crónicas de Narnia” quedara
interrumpida, la factoría Disney ha decidido apostar por un proyecto original
de temática fantástica, “Ánima” de Cándido Pérez de Armas. Tras comprobar los
valores del universo creado con “Minaa”, el estudio pondrá todo su esfuerzo
para que la visión del cineasta quede reflejada de manera colosal y épica.
Anatael Pérez será el responsable de la dirección artística de la película y
tienen libertad absoluta para utilizar cualquier personaje del catálogo Disney.
“Es como dirigir mi película Lego en imagen real”, ha dicho Pérez de Armas.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjSzA6rL13QiH8zD5latgCxNzf503Br0lkSItKSJg5N2Ua3JmgBuAMVHupbNQWI3IBZnnQguA3H0iQUfkrma6ABRgjyF16XJOTs67vtP3k2C0Q_8b6Xe60YazK5mqesEr4USZV_un90WI/s1600/tranv%25C3%25ADa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="745" data-original-width="1100" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjSzA6rL13QiH8zD5latgCxNzf503Br0lkSItKSJg5N2Ua3JmgBuAMVHupbNQWI3IBZnnQguA3H0iQUfkrma6ABRgjyF16XJOTs67vtP3k2C0Q_8b6Xe60YazK5mqesEr4USZV_un90WI/s640/tranv%25C3%25ADa.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">El cine de acción tendrá también su
representación con un proyecto a través del cual Disney</span><span style="font-size: 12pt;"> </span><span style="font-size: 12pt;">pretende, además, recuperar su tradición de
películas con vehículos parlantes. Así “Tranvía en Blanco” nos presenta una
variante de la película “Speed”, en la que, durante la celebración de La Noche
en Blanco, un terrorista (al que dará vida Tana González) coloca una bomba en
el Tranvía amenazando con hacerla explosionar si el vehículo reduce su
velocidad. Alicia Rodríguez le pondrá la voz al tranvía, mientras que Darío López
será el heroico conductor. Rodríguez comentó que el proyecto es todo un reto y
que nunca pensó que se contaría con ella para un proyecto tan original. Entre
los dos se generará además una relación romántica imposible. El director
inicialmente previsto era Víctor González Outon, pero cuando éste anunció que
quería introducir una secuencia de mecafilia entre los dos protagonistas, los
directivos de la Disney dieron marcha atrás y han asignado el proyecto a los
hermanos Russo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIn60jY4RLzNF7w_nm_kDp9_xks2ZJddpu7wKeigCmYevgQnObLuOLIFXiFsPmw7Suo1ecS4EQlh5UBBL0Tpibz07MKtP9bRcqO_ID3F4MAVhoZm3RAdnvVuyryN9Je1cVrUIDk61hYic/s1600/mambo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="360" data-original-width="447" height="514" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIn60jY4RLzNF7w_nm_kDp9_xks2ZJddpu7wKeigCmYevgQnObLuOLIFXiFsPmw7Suo1ecS4EQlh5UBBL0Tpibz07MKtP9bRcqO_ID3F4MAVhoZm3RAdnvVuyryN9Je1cVrUIDk61hYic/s640/mambo.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">El Canal Disney se nutrirá también de
producciones canarias. Concretamente, la webserie “Mambo” tendrá continuidad
dentro de la plataforma televisiva de la compañía, aunque con ligeros cambios.
David Sáinz y Aarón Gómez seguirán siendo sus protagonistas, en los roles de
los primos Mambo que buscan triunfar en el mundo de la música, pero ahora el
enfoque será más cercano a otros títulos del canal, como “iCarly”. De hecho,
para esta nueva etapa, en lugar de cameos de youtubers o influencers españoles,
se contará con la participación de estrellas juveniles como Zendaya, Peyton
List, Cameron Boyce o Isaak Presley. Además se está pensando en versiones
animadas de los personajes para que hagan cameos musicales en “La Casa de
Mickey Mouse”, “PJ Masks” o “Las Aventuras de Ladybug”.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9B9K9pD9m7xkm16paHzPzgh5rD5n0TyTaOkoukK8H2BVa7REkYKWcgEQaNAQPAVZsCJeOY_BCiCQDVXIJX8-86_5uzkb4DGefW9RqLAmD92iTyEe6Xr5cd5E21XV-6iyYk4myNAghATc/s1600/image.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="636" data-original-width="450" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9B9K9pD9m7xkm16paHzPzgh5rD5n0TyTaOkoukK8H2BVa7REkYKWcgEQaNAQPAVZsCJeOY_BCiCQDVXIJX8-86_5uzkb4DGefW9RqLAmD92iTyEe6Xr5cd5E21XV-6iyYk4myNAghATc/s400/image.jpeg" width="282" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">La asociación SAVE ha aprov</span><a href="https://www.blogger.com/null" name="_GoBack" style="font-size: 12pt;"></a><span style="font-size: 12pt;">echado también para firmar un acuerdo con Disney para
desplazar toda la producción animada del estudio a Canarias. El primer proyecto
de animación que se va a desarrollar íntegramente en las islas será una versión
animada de “La Tribu de las 7 Islas” de Armando Ravelo. Tras el éxito de “Coco”,
Disney-Pixar quiere seguir la estela de películas que traten elementos
folclóricos y la propuesta de Ravelo sobre las figuras mitológicas aborígenes
les aporta el componente de aventuras, humor y tradición que estaban buscando. </span><span style="font-size: 12pt;"> </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdq6PIyHwH-OMqI1AOd5iwQ0NKn-gK_6h2sZncia371BBPKRe912i_IWqstQ_o75i1Ai7yph1uSBfbS4DLG5_OcQwG_mm1nXa035Arp-hpdznL__7mPW65zDeqzeDQ4MAi0ArFPlclJDg/s1600/pinocho.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="827" data-original-width="1005" height="526" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdq6PIyHwH-OMqI1AOd5iwQ0NKn-gK_6h2sZncia371BBPKRe912i_IWqstQ_o75i1Ai7yph1uSBfbS4DLG5_OcQwG_mm1nXa035Arp-hpdznL__7mPW65zDeqzeDQ4MAi0ArFPlclJDg/s640/pinocho.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">Tras “El Libro de la Selva”, “La
Bella y La Bestia” o la inminente “El Rey León”, Disney busca continuar con sus
adaptaciones de sus clásicos animados a imagen real también en la nueva
delegación canaria. El siguiente personaje en pasar a imagen real será Pinocho
y el director escogido para este proyecto ha sido Daniel León Lacave, quien ya
ha anunciado que el título será “El Muñeco Roto”. La nueva versión tendrá una
mirada de denuncia social, donde el joven Pinocho es un niño de madera obligado
a trabajar primero para el empresario circense Strómboli y luego explotado como
mano de obra en La Isla de los Juegos. Víctor León será Pinocho, Lamberto
Guerra interpretará a Geppetto, Borja Texeira a Strómboli y Penélope Acín al
Hada Azul. Jonay Armas será el encargado de preparar la nueva versión de la
canción “When You Wish Upon a Star”.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGCnZO74Btpj6NcEzV8x1-hEzJasrgtk98SrbSeUEwHBB7XFPh-tDWCGhEk9APvGAprP6e5zAo8FE3aL3WCKlESBisIx8znuqsNMk7TG6yd5MGMm7Rb3LSVwZEjv8r-mppDEBC8NQlv3U/s1600/Buzz_Lightyear_woody.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1280" height="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGCnZO74Btpj6NcEzV8x1-hEzJasrgtk98SrbSeUEwHBB7XFPh-tDWCGhEk9APvGAprP6e5zAo8FE3aL3WCKlESBisIx8znuqsNMk7TG6yd5MGMm7Rb3LSVwZEjv8r-mppDEBC8NQlv3U/s640/Buzz_Lightyear_woody.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">También está en proyecto una nueva
versión de “Toy Story”, para la que se ha anunciado a la pareja formada por Álex
Medina y Basilio Hernández para los papeles de Woody y Buzz Lightyear. Al
parecer este anuncio no ha sentado muy bien a los futuros actores y es probable
que acaben renunciando al proyecto. Según Basilio Hernández, desde que se hizo
pública la noticia sus vidas han sido un infierno, con multitud de personas haciendo
cola en las puertas de sus casas día y noche esperando para sacarse fotos con
ellos. </span><span style="font-size: 12pt;"> </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCmlHIpMdRPqABwja8WlD9Z_cb1ONLoGH0DQwtScNlg-zjU-QhXD-abu1vYS1FLgvwJ6rFJ0sxS354D9EOWu0UhG3-4tr2EJe-23-Imxzy5lr8mG4HtKXqhh3mD-TJ3pLhv3sDtUHwf3E/s1600/23622423_1755313177874205_3390508177291089223_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="960" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCmlHIpMdRPqABwja8WlD9Z_cb1ONLoGH0DQwtScNlg-zjU-QhXD-abu1vYS1FLgvwJ6rFJ0sxS354D9EOWu0UhG3-4tr2EJe-23-Imxzy5lr8mG4HtKXqhh3mD-TJ3pLhv3sDtUHwf3E/s640/23622423_1755313177874205_3390508177291089223_n.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">A estas alturas y con todos estos
proyectos en marcha, sólo hay una cosa que preocupa a la compañía y son las
críticas de Norberto Trujillo en su “Faquer Reviews”. Dispuestos a desacreditar
su imagen, crearon un programa adverso al que denominaron “Norber Reviews”. La
finalidad era dar malas críticas de los trabajos de Trujillo como actor. Para
su desgracia, el proyecto fue puesto en marcha en plena temporada de festivales
cine express y acabaron desbordados ante tanto cortometraje, por lo que la
plataforma tuvo que ser clausurada antes de iniciar su campaña. </span><span style="font-size: 12pt;"> </span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt;">¡FELIZ DÍA DE LOS SANTOS INOCENTES A TODOS! </span></div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5989315737986929257.post-5766937393370443072017-11-18T10:15:00.002+00:002017-11-18T10:15:32.542+00:00ENTREVISTA AL DIRECTOR VÍCTOR MATELLANO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1lJ00FH57bkbXIaRydIqMHFZ1YiEoMeQLAubWfUveQmy9Ee9sbImgBy7i2xDJoi-0i5Fvm163P7Nbm3zjGGaIBxn3Bi_5oKGQ6HuvLxOZYeHSloCBdU_ELTCwY3LwJMlpa8hRqvOhMRg/s1600/Victor-Matellano-por-Alberto-Rivas-02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="855" data-original-width="600" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1lJ00FH57bkbXIaRydIqMHFZ1YiEoMeQLAubWfUveQmy9Ee9sbImgBy7i2xDJoi-0i5Fvm163P7Nbm3zjGGaIBxn3Bi_5oKGQ6HuvLxOZYeHSloCBdU_ELTCwY3LwJMlpa8hRqvOhMRg/s400/Victor-Matellano-por-Alberto-Rivas-02.jpg" width="280" /></a></div>
<div align="center">
</div>
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</div>
Manuel E. Díaz Nodahttp://www.blogger.com/profile/00499631584005142586noreply@blogger.com0