viernes, 30 de enero de 2015

ESTRENOS DEL 30 DE ENERO

Nuevamente, nos encontramos con un fin de semana sin un claro vencedor en la taquilla. La acumulación de títulos obliga a una recaudación repartida, sin que ninguna de las películas supere el millón de euros de recaudación. De los estrenos del pasado fin de semana, el único en entrar en el ranking ha sido “Into the Woods” que ha quedado en segunda posición con 729.225 €. Después habría que ir hasta el puesto décimo segundo para encontrar “Autómata”, que tuvo que contentarse con 174.179 €, “La Conspiración del Silencio” en el 14 con 127.837 € y “No Llores, Vuela” con 96.185 €. La cinta más taquillera del pasado fin de semana fue “La Teoría del Todo”, que en su segundo fin de semana recaudó 752.536 €, mientras que la vencedora anterior, “V3nganza” ha bajado a tercera posición con 634.210 @. Brad Pitt y su tanque de “Corazones de Acero” desciende a cuarta con 493.359 €, mientras que “Birdman” aguanta el tirón de los Oscars en quinto puesto con 485.972 €. Las dos cintas veteranos de la cartelera son “Dios Mío, Pero Qué te Hemos Hecho”, que se mantiene en sexta posición con unos 479.064 €, sumando ya en sus seis semanas un total de 7.160.278 €, y “Big Hero 6”, que también tras seis semanas en cartelera y en décima posición, este fin de semana ha conseguido 316.808 € y un total de 8.493.682 €. Esta semana el abanico de estrenos viene variado y profuso, seis títulos llegan a las carteleras y sólo uno de ellos con opciones de Oscars. El resto combina comedia española, ciencia ficción, musical y suspense.
Las ovejas no pierden el tren
En la década de los 90 se produjo el llamado Boom del cine español. Una nueva generación de directores entró con fuerza en la industria nacional y promovieron un itinerario hacia un tipo de cine más cercano al público general. En plena efervescencia de nombres como Alejandro Amenábar, Álex de la Iglesia, Juanma Bajo Ulloa o Julio Médem, el género de la comedia recayó en manos de dos cineastas que redefinieron las claves del género. Uno de ellos no era precisamente un novato. Cuando Emilio Martínez Lázaro dirigió en 1992 “Amo tu Cama Rica” ya era un director con una amplia trayectoria. Sin embargo, el éxito de esta cinta motivó la irrupción de un tipo de comedia cosmopolita y juvenil. Este nuevo estilo encontró otro importante apoyo en la figura de Álvaro Fernández Armero, quien con su cortometraje “El Columpio” y su opera prima “Todo Es Mentira” ofreció un prometedor debut. Las carreras de ambos cineastas han sido un tanto irregular desde entonces. Martínez Lázaro tuvo otro importante impulso con el éxito de “El Otro Lado de la Cama” y el año pasado recuperó tirón comercial con “Ocho Apellidos Vascos”. Mientras, Fernández Armero se mantuvo en el género con “Brujas” o “Nada en la Nevera”, para después dar el salto al terror con “El Arte de Morir”. En los últimos años ha estado protegido por el mundo de la televisión con series como “Doctor Mateo” o “Con el Culo al Aire”. Precisamente el éxito de ésta última parece influir en su regreso a la gran pantalla con “Las Ovejas no Pierden el Tren”, donde presenta una comedia coral, protagonista por un reparto de nombres importantes del nuevo cine español: Raúl Arévalo, Inma Cuesta, Alberto San Juan, Candela Peña, Jorge Bosch, Irene Escolar, Kiti Mánver o la canaria Ruth Armas.
Luisa y Alberto se han visto abocados a irse a vivir al campo, pero la idílica vida rural enseguida empezará a mostrar su cara menos amable. A pesar de que la pareja no atraviesa por sus mejores momentos, Luisa está obsesionada con tener un segundo hijo, aunque el precio sea el sexo más apático imaginable. Quien ni se plantea pisar el campo es Juan, el hermano de Alberto, quien con 45 años y periodista en horas bajas, sale con Natalia, una joven entusiasta de 25 años en la que ve una tabla de salvación, aunque no haya previsto las locuras propias de su edad. Por su parte la hermana de Luisa, Sara, está acostumbrada a canalizar su ansiedad a través de los hombres, con quienes no acaba de encajar, hasta que aparece Paco, un periodista deportivo que parece incluso dispuesto a llevarla al altar. O eso cree ella...

Capitán Harlock
El Capitán Harlock es un personaje clave del manga y el anime japonés. Creado en 1977 por Leiji Matsumoto, pronto obtuvo un importante éxito con sus aventuras en papel. Un año más tarde dio el salto a la animación de la mano del mítico director Rintaro. Objeto de una importante cambio de estética y adaptado a las características de la animación digital, este personaje ha sido recuperado ahora por la productora Marza Animation Planet (especializada en el terreno de los videojuegos, donde han trabajado con personajes como Mario o Sony), con dirección de Shinji Arakami (“Appleseed: The Beginning”, “Halo Legends” o “Starship Troopers: Invasion”) y supervisada por el propio Leiji Matsumoto.
Es el año 2977 y 500 mil millones de humanos anhelan regresar al planeta Tierra que todavía consideran su hogar. El Capitán Harlock busca un dominio intergaláctico absoluto mientras lucha contra la corrupta Coalición Gaia, que gobierna la raza humana en todos los confines del espacio. Con el fin de vengarse de aquellos que le han hecho daño a él y a la humanidad, el misterioso pirata espacial vaga por el universo en su nave de combate, la Arcadia, atacando las naves enemigas. El líder de la flota de Gaia, Ezra, envía a su hermano menor, Logan, para que se infiltre en la Arcadia y asesine a Harlock, pero Logan no tarda en descubrir que las cosas no son siempre lo que parecen y las leyendas nacen por alguna razón.

Project Almanac
A parte de su carrera como director, Michael Bay ha desarrollado una extensa trayectoria como productor, especialmente en películas destinadas al público juvenil. Su última aventura en este campo ha sido “Project Almanac”, cinta que combina elementos de ciencia ficción, comedia juvenil y thriller. El director de la cinta ha sido Dean Israelite (primo de Jonathan Liebesman, autor de títulos como “Ira de Titanes” o “Ninja Turtles”), quien tras varios trabajos en el terreno del cortometraje debut así en el terreno del largo. Protagonizada por Sofia Black-D'Elia, Jonny Weston, Amy Landecker, Gary Weeks y Gary Grubbs, la cinta ha sido causa de polémica tras su estreno en Estados Unidos, al desvelarse que las imágenes del vídeo de un accidente de avión que ven los personajes en un portátil pertenecen realmente a el caso real de un B-52 que se estrelló en 1994, falleciendo cuatro oficiales de las fuerzas aéreas. Tras conocer esto, Michael Bay ha pedido disculpas y ha anunciado que esas imágenes se van a quitar de la película.
Un descubrimiento sorprendente lleva a un grupo de amigos a construir una máquina del tiempo ¡que funciona! Lo mantienen en secreto y comienzan a viajar al pasado experimentando ligeros cambios que van alterando, poco a poco, el curso de su futuro. Cada viaje aumenta la aventura pero también el riesgo y lo que ponen en juego. Al intentar adaptar el mundo a ellos mismos, crean efectos a escala mundial que acaban por afectarles directamente. Al final, se enfrentan a una carrera contra el pasado y el futuro para corregir sus errores y poner su vida de nuevo en orden.

Alma Salvaje
“Alma Salvaje” es una de esas películas producidas pensadas para estrenarse en el periodo de premios previa a los Oscars. Dirigida por Jean-Marc Vallée (autor de una de las cintas ganadores del año pasado en la entrega de premios de la Academia de Hollywood, “Dallas Buyers Club”) y con guion de Nick Hornby (escritor británico autor de las novelas originales de “Un Niño Grande” o “Alta Fidelidad”), a partir de la autobiografía de Cheryl Strayed "Wild: From Lost to Found on the Pacific Crest Trail", la cinta está protagonizada por Reese Witherspoon y Laura Dern, consiguiendo ambas sendas nominaciones de los Oscars en las categorías de Mejor Actriz Principal y de Reparto, respectivamente. Curiosamente, Witherspoon rechazó protagonizar “Big Eyes” de Tim Burton para poder participar en esta cinta, alcanzando así esa candidatura que la Academia ha negado a Amy Adams.
Después de años de un comportamiento irresponsable, una adicción a la heroína y la destrucción de su matrimonio, Strayed toma una decisión precipitada. Obsesionada por los recuerdos de su madre, Bobbi, y carente de toda experiencia, emprende –totalmente sola– una caminata de más de mil millas por el Sendero de las Cimas del Pacífico. “Alma Salvaje” revela con enorme fuerza sus terrores y sus placeres a medida que sigue adelante en una odisea que la enloquece, la fortalece y acaba curándola.

annie
La huerfanita Annie fue creada por Harold Gray en 1924, protagonizando una popular tira cómica diaria en el en el periódico neoyorquino Daily News. Su éxito se transformó después en un programa radiofónico en 1930, tuvo sus primeras adaptaciones al cine en 1932 y 1938, para en 1977 protagonizar un popular musical compuesto por Charles Strouse y Martin Charnin. El musical fue llevado a la gran pantalla por primera vez en 1982, de la mano del director John Huston (quien no logró aquí uno de sus títulos más alabados, precisamente). 33 años más tarde llega a las salas de cine una nueva versión, con versiones modernizadas de las canciones y con sus personajes principales interpretados por dos actores de raza negra, Quvenzhané Wallis (con la voz en España de María Parrado, ganadora del concurso "La Voz Kids") y Jamie Foxx. Esto último viene motivado por el interés inicial de su productor Will Smith en convertir esta película en un vehículo estelar para su hija Willow, quien finalmente prefirió no participar, dejando el terreno libre a la joven actriz descubierta en “Bestias del Sur Salvaje”. Con un reparto compuesto además por Rose Byrne (“La Boda de mi Mejor Amiga”), Cameron Diaz (“Sex Tape. Algo Pasa en la Nube”), Adewale Akinnuoye-Agbaje (“Pompeya”) o Bobby Cannavale (“Blue Jasmine”) y en el que el único cantante profesional es Jamie Foxx (“Django Desencadenado”), la cinta está dirigida por Will Gluck, cineasta tampoco especialmente ducho en el género musical hasta ahora, y cuya trayectoria ha estado más definida por comedias como “Rumores y Mentiras” o “Con Derecho a Roce”.
Una niña huérfana, Quvenzhane Wallis, fue dada en adopción por sus padres cuando era un bebé, con la promesa de que volverían a por ella algún día. Sin embargo la suya ha sido una vida muy dura desde entonces con su madre adoptiva la señorita Hannigan, pero todo cambia cuando es acogida por el candidato a la alcaldía de Nueva York, Will Stacks, en la que parece una clara maniobra de campaña.

Blackhat
Michael Mann es uno de esos directores que se prodigan poco, pero que cada obra suya supone todo un acontecimiento. Formado en el terreno televisivo, donde fue el creador de la mítica “Corrupción en Miami”, su filmografía cuenta con títulos fundamentales del cine moderno, como “El Último Mohicano”, “Heat”, “El Dilema” o “Collateral”. Después de las frías recepciones de su versión cinematográfica de “Corrupción en Miami” o su biopic de Dilinger en “Enemigo Públicos”, el cineasta regresa de nuevo a terreno conocido con “Blackhat. Amenaza en la Red”, un thriller tecnológico que supone su primer trabajo rodado íntegramente en digital. Rodada entre California, Indonesia y China, la cinta responde a la seca puesta en escena marca de la casa y cuenta como principal protagonista con Chris Hemsworth, en un rol muy diferente al papel de Thor que le ha dado la fama.
En el mundo global de la ciberdelincuencia, “Blackhat – Amenaza en la Red” sigue a un convicto liberado y a sus compañeros estadounidenses y chinos, que van tras la pista de una red de ciberdelincuentes de alto nivel desde Los Ángeles a Yakarta, pasando por Hong Kong. En el mundo global de la ciberdelincuencia, Nicholas Hathaway es un pirata informático al que sacan de la cárcel federal para, junto a sus socios estadounidenses y chinos, intentar identificar y encontrar a una peligrosa red mundial de ciberdelincuentes. A medida que Hathaway se acerca al objetivo, su interés es cada vez más personal.


lunes, 26 de enero de 2015

PREMIOS FEROZ 2015

premiosferoz

Si Los Goya equivalen a los Oscars del cine español, hacía falta en nuestro país los correspondientes a los Globos de Oro, y con ese fin fueron creados el año pasado los Premios Feroz, otorgados por la Asociación de Informadores de Cine de España (AICE).En este sentido, estos jóvenes galardones no ocultan su herencia de su homólogos estadounidense y la gala vistió también características similares. Se buscó ante todo una entrega de premios desenfadada y mordaz, capaz de criticar con humor la situación del cine nacional, sin olvidar el fin mayor que es difundir lo mejor de la producción española del pasado año. La que partía como película favorita por número de candidaturas, “La Isla Mínima”, consiguió alzarse como la gran ganadora de la noche, materializando cinco de sus diez nominaciones (mejor drama, mejor director para Alberto Rodríguez, mejor actor protagonista para Javier Gutiérrez, mejor música original para Javier de la Rosa y mejor trailer). Le ha seguido de cerca una de las propuestas más arriesgada del 2014, “Magical Girl”, que cerró la noche con 4 estatuillas (mejor guión para Carlos Vermut, mejor actriz protagonista para Bárbara Lennie, mejor actor de reparto para José Sacristán y mejor cartel). Por otro lado, los críticos no se han dejado encandilar por el éxito de “Ocho Apellidos Vascos” (que no ha conseguido ninguno de los premios a los que optaba), entregando el Feroz a mejor comedia a Paco León y su “Carmina y Amén”. Finalmente, el premio a mejor actriz de reparto fue para Iztiar Aizpuru “Loreak”. Otras perdedoras de la noche fueron “10.000 Km” (seis candidaturas), “El Niño” (tres candidaturas) o “Hermosa Juventud” (tres candidaturas) que se fueron de vacío. El Premio Feroz de Honor de este año ha sido para el cineasta Carlos Saura.

premios feroz 2015

PALMARÉS COMPLETO DE LA SEGUNDA EDICIÓN DE LOS PREMIOS FEROZ

Mejor película dramática

“La isla mínima”, de Alberto Rodríguez

Mejor comedia

“Carmina y amén”, de Paco León

Mejor dirección

Alberto Rodríguez por “La isla mínima”

L’Oréal Professionnel Mejor actriz protagonista

Bárbara Lennie por “Magical Girl”

Mejor actor protagonista

Javier Gutiérrez por “La isla mínima”

Mejor actriz de reparto

Itziar Aizpuru por “Loreak”

Mejor actor de reparto

José Sacristán por “Magical Girl”

Mejor guion

Carlos Vermut por “Magical Girl”

Mejor música original

Julio de la Rosa por “La isla mínima”

Mejor tráiler

Trailer de “La isla mínima”

Mejor cartel

Cartel 1 de “Magical Girl”

viernes, 23 de enero de 2015

“TODO POR DINERO”. FILM ROSE.

todo por dinero 1

Realizar un cortometraje, especialmente en las condiciones económicas (o la ausencia de ellas) en las que se producen la mayor parte de los trabajos audiovisuales de este formato en nuestro país, es siempre un gran esfuerzo personal y artístico. Por ello, es fantástico encontrar la sala llena el día del estreno y un público entregado que participa de la función. Debido a esto, antes de pasar a la crítica de “Todo por Dinero”, queremos felicitar al equipo de J.A. Producciones por haber conseguido un éxito multitudinario ayer jueves, 22 de enero, en TEA Tenerife Espacio de las Artes. Ese fue el resultado de una amplia campaña de promoción, original y ambiciosa que demuestra el entusiasmo y cariño con el que se ha empaquetado este corto.

todo por dinero

“Todo por Dinero” es el cuarto cortometraje dirigido por José Agustín Hernández tras “Venganza Oculta”, “Inmersos” y “Satisfacción” y su segundo acercamiento al género de la comedia y hay que decir que se trata de su trabajo más logrado hasta la fecha. La historia nos presenta a Bencomo, un hombre que ha sido víctima de un accidente, perdiendo la memoria, al mismo tiempo que gana una considerable suma de dinero. A partir de ahí, todas las personas que hay a su alrededor, seres despreciables y egoístas, buscarán la forma de convencerle de que son lo más importante en su vida para poder hacerse con su dinero. Una trama que a rasgos generales parece sacada de la serie negra clásica, pero que con el tono de comedia desatada del cortometraje podemos calificar más bien de film rose. todo por dinero 2

A nivel de producción hay que reconocerle al equipo una excelente labor para paliar la ausencia de presupuesto, involucrando a empresas que aportaran si no dinero, sí aquellos elementos que necesitaban para contar la historia. De esta manera, sin contar con dinero para costear el cortometraje, sí han conseguido que, con sus limitaciones, la cinta luzca más lujosa de lo que realmente ha sido, destacando apartados como el vestuario, muy cuidado para dar una impresión inmediata al espectador de cada personaje que puebla el argumento. El cortometraje cuenta con un extenso reparto muy bien afinado y escogido para cada rol, a destacar la presencia del siempre eficaz José Luis de Madariaga, a quien en esta ocasión le toca el arduo trabajo de poner la cara seria ante el histerismo general del resto de compañeros, y el duelo humorístico a tres bandas creado por Sofía Privitera, Diego Lupiañez y Aaron Gómez. “Todo por Dinero” es una comedia desfasada y frívola, inocente en sus planteamientos, aunque con varios latiguillos mordaces guardados en la recamara. A estas características se suman todos los personajes, a cada cual más estrafalario. Desde la folclórica Camila (Sofía Privitera) hasta el kinky del Pana (Aaron Gómez), pasando por la pija Priscila (María Abreu), la caribeña Fabiola (Silvia Romero) o el oportunista Nauzet (Diego Lupiañez), todos los personajes se apuntan a una carrera continua de frases rápidas y punzantes en la mejor tradición de la screwball clásica. A estos ingredientes hay que añadir una puesta en escena ágil y juguetona por parte de José Agustín Hernández, quien deja que sean los personajes y el ritmo de los diálogos lo que marque el tempo del corto, abogando por los planos largos para dejar mayor libertad de movimientos a los actores.

todo por dinero 4

Con este abanico de coloridos personajes y el excelente trabajo que hacen los actores con ellos, el pero que le podemos poner al cortometraje es lo efímero de su argumento. Con ese material nos hubiese gustado un guion más trabajado, que sacara mayor partido de los personajes y a las situaciones que la historia puede dar pie. Compuesto por cinco secuencias extensas, el desarrollo del argumento se produce de manera un tanto esquemática y precipitada, resolviéndose el conflicto con suma celeridad, cuando aún historia y personajes daban juego para más situaciones estrambóticas, o al menos para dilatar más las ya establecidas. A nivel musical se opta por una selección de temas preexistentes, destacando el uso del tema clásico de Edvard Griev En el Salón del Rey de la Montaña, aquí aprovechado para dar un crescendo continuo a la secuencia. Al tratarse de una comedia desenfadada, el uso tan marcado de la música ayuda a subrayar el tono humorístico del conjunto, aunque a nuestro gusto, se acaba abusando demasiado de esta herramienta.

todo por dinero 3

En conjunto, “Todo por Dinero” es un cortometraje agradecido por el espectador. Es divertido, dinámico, ágil con los diálogos y perfectamente ejecutado por sus actores; sin embargo, al final, en parte debido a estas bondades, que hacen que uno quiera indagar más en los personajes, a nosotros como espectadores nos ha sabido a poco.

todo por dinero 5

ESTRENOS DEL 23 DE ENERO

Divide y vencerás, reza el refrán. El pasado fin de semana el ex agente especial Bryan Mills, contra pronóstico, logró imponerse a sus adversarios en la taquilla al repartirse el grueso de espectadores por la amplia oferta de la cartelera. Pese a que la temporada de premios parecía favorecer a los estrenos candidatos a los Oscars, “V3nganza” consiguió por pequeño margen recaudar 952.224 € (10.000 menos que lo que recaudó “Venganza: Conexión Estambul” cuando se estrenó en octubre de 2012). De los títulos que llegaban al amparo de las nominaciones a los Oscars, sólo “La Teoría del Todo” logró entrar en el ranking de taquilla, con 872.473 €. “Siempre Alice” (141.344 €) se quedó en decimocuarta posición, mientras que “Whiplash” (98.798 €) se quedó la decimoséptima. Evidentemente, el número de copias en distribución también cuenta (300 para “V3nganza”, 217 para “La Teoría del Todo”, 85 para “Whiplash” y “Siempre Alice”, 71). Brad Pitt y “Corazones de Acero” desciende a tercer lugar con 809.227 € y a cuarta posición “Birdman o La Inesperada Virtud de la Ignorancia” con 670.304 €, mientras que “Dios Mío, ¿Pero qué te Hemos Hecho?” se mantiene entre las más vistas con 582.159 €. De los estrenos de la semana pasada, aparte de “V3nganza” y “La Teoría del Todo”, el único que consigue entrar entre las 10 más taquilleras ha sido la cinta de terror “Babadook”. Tras el empacho de películas candidatas a los Oscars de la semana pasada, para este fin de semana contamos sólo con una, y no perteneciente a las categorías principales, “Into the Wood”, el resto de los estrenos nos ofrece un variado abanico que va desde un documental sobre educación en el tercer mundo, los disturbios en las calles de Belfast en 1971, una cercamiento poético a la relación traumática entre una madre y un hijo, y la ciencia ficción con producción nacional.
NO LLORES, VUELA
Con sus dos primeras películas, “Madeinusa” y “La Teta Asustada” (nominada al Oscar como Mejor Película de Habla no Inglesa y ganadora del Oso de Oro en Berlín), la directora Claudia Llosa destacó por su discurso comprometido con la realidad social de su país, Perú. Para su tercer largometraje ha optado por una mirada más universal, contado con producción de España, Francia y Estados Unidos, lo que ha redundado en un reparto internacional, aunque manteniendo su impronta poética y reflexiva. Con un reparto encabezado por Jennifer Connelly, Cillian Murphy, Mélanie Laurent y Oona Chaplin, y rodada en localizaciones reales de Manitoba, Canadá, la cineasta nos presenta una historia sobre el perdón y el poder curativo del arte y la naturaleza. Cinta inaugural del pasado Festival de Cine de Málaga, el estreno en nuestro país previsto para finales de 2014 fue retrasado por presiones de los distribuidores internacionales, con el fin de que la cinta llegué a las carteleras de todo el mundo de manera simultánea.
A través de una madre y un hijo nos sumergimos en el pasado, marcado por un accidente que les separa. Ella se convertirá en una famosa artista y sanadora, él, en un peculiar cetrero que vive marcado por las huellas de una doble ausencia. En el presente, una joven periodista propiciará un encuentro entre ambos que nos hará cuestionarnos el sentido de la vida y del arte, para plantearnos la posibilidad de asumir una vida plena a pesar de las incertezas.
 
Autómata
Con su segunda película, el director Gabe Ibáñez sigue manteniendo su compromiso con el género fantástico dentro del panorama cinematográfico de nuestro país. Ya en 2009 “Hierro” suponía una apuesta distinta dentro del tipo de cine que se suele producir en España, y con “Autómata” reincide en esa visión del género con finalidad discursiva y especulativa (con clásicos como “Blade Runner” o “Mad Max” como referentes directos). Aunque modesta en sus presupuestos, la película no se hubiese podido realizar son la participación en su doble faceta de actor y productor de Antonio Banderas, quien tras leer el guion quiso impulsar el proyecto, aprovechando sus contactos dentro de la industria para hacerla posible. Eso justifica la presencia en roles secundarios de Melanie Griffith (en el momento de rodar la película aún pareja del actor) y Javier Bardem (quien presta su voz a uno de los robots de la película). Rodada en inglés e ideada para el mercado internacional (de ahí también la presencia de actores como Dylan McDermott), la cinta ha sacado fuerzas de flaqueza de su exiguo presupuesto y ante la imposibilidad de recrear los robots por infografía, se apostó por el uso de animatrónicos que a la postre han servido para apoyar el discurso apocalíptico de la historia.
La Tierra. Un futuro próximo. Jacq Vaucan, agente de seguros de la corporación cibernética ROC, está a punto de ser padre. Ante el incierto futuro al que se enfrenta la Humanidad, la responsabilidad de traer una nueva vida al mundo le ahoga. En medio de este conflicto existencial, Vaucan investiga una serie de extraños casos que involucran a Autómatas que han trasgredido sus protocolos de seguridad. Lo que en principio parece un expediente rutinario, arrastrará a Vaucan a ser testigo de acontecimientos determinantes para el futuro de la Humanidad.
 
INTO THE WOODS
Pese a los esfuerzos realizados los últimos años por Hollywood, el musical sigue siendo un género que carece de la popularidad de épocas pasadas. Eso se puede apreciar en la carrera del director de nuestro último estreno, “Into the Woods”, Rob Marshall, quien ha sido capaz de ofrecer lo mejor con “Chicago”, para luego resbalar con la fallida adaptación de “Nine”. Tras su salto al blockbuster puro y duro con “Piratas del Caribe. En Mareas Misteriosas”, regresa a sus orígenes con esta versión del musical creado por Stephen Sondheim (“Golfus de Roma”, “Sweeney Todd”) donde encontramos un “mash up” de los más populares cuentos de hadas. La popularidad de Sondheim y su obra han permitido que la película atrajera a algunos de los nombres con más solera del cine actual (Johnny Depp, Anna Kendrick, Chris Pine, Jake Gyllenhaal, Emily Blunt, Meryl Streep) y la postularan como uno de los títulos fuertes en la carrera a los Oscars (algo que finalmente no terminó de cuajar, obteniendo únicamente tres candidaturas, mejor actriz de reparto, mejor diseño de producción y mejor vestuario).
“Into the Woods” es una versión moderna de los entrañables cuentos de hadas de los Hermanos Grimm que entrelaza las tramas de algunas historias seleccionadas y explora las consecuencias de los deseos y las inquietudes de los personajes. Este musical humorístico y conmovedor sigue los cuentos clásicos de Cenicienta, Caperucita Roja, Jack y las judías mágicas y Rapunzel. Todos ellos se combinan en una historia original que protagonizan un panadero y su esposa, su deseo de formar una familia y su interacción con la bruja que les ha echado una maldición.


viernes, 16 de enero de 2015

ESTRENOS DEL 16 DE ENERO

Cambio de temporada, cambio de tendencias en la cartelera cinematográfica. Una vez finalizada la campaña navideña, los títulos de corte familiar comienzan su despedida de los primeros puestos de la taquilla para dejar hueco a las nuevas incorporaciones pensadas para competir en la temporada de premios. Si bien la cinta más taquillera del pasado fin de semana no tiene opción a la carrera de los Oscars, “Corazones de Acero” (1.405.230 €), sí hay que destacar como el efecto llamada de los Globos de Oro y el anticipo de las nominaciones a los Oscars de esta semana han colocado en segunda posición a “Birdman (o la Inesperada Virtud de la Ignorancia)” (666.101 €). Parece llamativa la diferencia de recaudación entre una y otra y sin embargo, ambas han tenido un comportamiento en taquilla similar, con una media de 3.000 euros de media por copia. La cuestión es que mientras una contaba con 321 copias en circulación, la otra lo hacía con 197. La que mantiene el tipo es la francesa “Dios Mío, pero ¿Qué te Hemos Hecho?”, que si bien no repite en nuestro país la misma recaudación que en su país de origen, sí demuestra haber cuajado muy bien entre el público español, recogiendo en su cuarto fin de semana 657.507 €. “El Hobbit. La Batalla de los Cinco Ejércitos” pasa del primer puesto al cuarto, recogiendo 631.559 €, mientras que “Paddington” evidencia lo tardío de su estreno, quedando en quinta posición con tan sólo 579.960 € en su primer fin de semana (835.043 € si contamos desde que se estrenara el 6 de enero). Este fin de semana, si bien encontramos algunos estrenos de corte puramente comercial, como es el caso de la tercera entrega de “Venganza”, el grueso de los estrenos llega con perfil de nominaciones. Una vez más la entrega de los Globos de Oro y el anuncio de las nominaciones a los Oscars sirve de excusa para dejar cabida a estos títulos en las carteleras.
Babadook
La producción anual de cine de terror es masiva. Muchos son los títulos que se producen a lo largo del año, de todo tipo de niveles de producción, aunque en los últimos años han imperado las cintas de bajo presupuesto. La mayor parte de ellas se dedica a reproducir patrones genéricos sin mayor ambición que atraer a una audiencia mayoritariamente juvenil. De entre todos estos títulos pocos son los que destacan por una ambición más artística. “Babadook” es uno de ellos. Argumentalmente conservadora (un monstruo que amenaza los sueños de un niño), la sensibilidad de su directora, la debutante Jennifer Kent, y el horror poético de su puesta en escena han hecho que se haya convertido en uno de las películas de terror más aplaudidas del pasado año. Protagonizada por Essie Davis y Noah Wiseman la cinta llega este fin de semana a nuestro país tras 36 nominaciones y 27 premios en festivales y galardones de todo el mundo, incluyendo el premio especial del jurado y el premio a mejor actriz en el pasado festival de Sitges.
Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia continúa perdida intentando educar a Samuel, su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado "The Babadook" aparece en su casa, Samuel se muestra convencido de que el Babadook es la criatura sobre la que ha estado soñando. Cuando sus alucinaciones entran en una espiral fuera de control, se vuelve impredecible y violento. Amelia, muy asustada por el comportamiento de su hijo, se ve forzada a medicarle. Pero cuando comienza a vislumbrar una presencia siniestra a su alrededor, Amelia poco a poco se da cuenta de que aquello sobre lo que Samuel la ha estado advirtiendo puede ser real...
 
V3nganza
Bryan Mills ha logrado hacerse un hueco en la selecta lista de héroes de acción gracias, especialmente, a la poderosa presencia en escena de su intérprete Liam Neeson. El estreno de “Venganza” en 2008 fue toda una sorpresa y un gran e inesperado éxito comercial, revitalizado de paso la carrera del actor e impulsando las producciones de género de la productora de Luc Besson, EuropaCorp. Muchos de los títulos producidos por la compañía a posteriori han buscado reproducir la fórmula aunque sin tanta fortuna. Ahora la saga de este ex-agente especial llega a su fin con una tercera entrega dispuesta a recuperar el espíritu original después de una segunda parte que enfrió un poco los ánimos de los fans de Bryan Mills. Protagonizada de nuevo por Neeson, con Olivier Megaton en la dirección y, por supuesto con guion de Luc Besson y Robert Mark Kamen, la cinta recupera a rostros clásicos como Maggie Grace y, de manera puntual, Famke Janssen, además de ofrecer golosas incorporaciones como Forest Whitaker.
Liam Neeson regresa como. La reconciliación del ex-agente especial Bryan Mills con su ex mujer se ha visto inesperadamente truncada tras el brutal asesinato de ésta. Consumido por la ira y acusado de la muerte de su ex mujer, Mills se ve obligado a huir de la implacable persecución de la CIA, el FBI y la policía. Una vez más, deberá usar sus “habilidades especiales” para hacer justicia, dar caza a los verdaderos asesinos y proteger lo único que le queda en la vida: su hija.
 
Siempre Alice
La pareja de directores y guionista formada por Richard Glatzer, Wash Westmoreland se dio a conocer en 2001 con la cinta independiente “The Fuffler”, sobre el mundo de la industria del porno gay. Volvieron a repetir éxito con “Quinceañera” donde ofrecían un discurso acerca del embarazo adolescente. El año pasado se acercaron a la vida del siempre polémico Errol Flynn con “La Última Aventura de Robin Hood”, protagonizada por el siempre notable Kevin Kline. Sin embargo, en esta carrera ascendente, ha sido su último trabajo, “Siempre Alice”, el que les ha granjeado mayor reconocimiento, gracias especialmente a la interpretación de su actriz protagonista, Julianne Moore, Globo de Oro a la mejor actriz de drama y firme candidata al Oscar a mejor actriz principal. Acompañan a Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth y Shane McRae.
Basada en la novela de Lisa Genova, la cinta nos presenta a la doctora Alice Howland, una conocida profesora de neurología de la Universidad de Columbia. Felizmente casada y madre de tres hijos, no da mucha importancia a los pequeños lapsus mentales que padece cada vez con más frecuencia, hasta que debe comenzar a luchar para seguir siendo Alice.
 
Whiplash
El mundo de la música se ha convertido en el centro de las historias de Damien Chazelle. Guionista de la española “Grand Piano”, debutó en la dirección en 2009 con “Guy and Madeline on a Park Bench”. Ahora nos presenta 2009 “Whiplash”, cinta más personal, inspirada lejanamente en su propia experiencia en el conservatorio y que ha sido recibida como uno de los títulos clave del 2014 en Estados Unidos. Con 5 candidaturas a los Oscars, la película tiene todas las papeletas para llevarse la estatuilla a mejor actor de reparto para J.K. Simmons, quien a su vez aceptó participar en 2013 en el cortometraje rodado por Chapelle como presentación de este proyecto con el fin de alcanzar la financiación para rodarlo. El papel principal también vuelve a correr a cargo de Miles Teller, conocido hasta ahora por comedias como “Project X” y “Noche de Marcha” y al que próximamente lo veremos en el papel de Reed Richards en la nueva versión de “Los Cuatro Fantásticos”.
Andrew Neiman es un joven y ambicioso baterista de jazz, absolutamente enfocado en alcanzar la cima dentro del elitista conservatorio de música de la Costa Este en el que recibe su formación. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza, ansía convertirse en uno de los grandes. Terence Fletcher, un instructor bien conocido tanto por su talento como por sus aterradores métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del conservatorio. Fletcher descubre a Andrew y el baterista aspirante es seleccionado para formar parte del conjunto musical que dirige, cambiando para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección rápidamente se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor continúa empujándolo hasta el umbral de sus habilidades… y de su salud mental.
 
La teoría del todo
El periodo previo a los Oscars es también fecha de proliferación de biopics. Género que tiende a recibir buena aceptación por parte de los académicos, especialmente en las áreas de interpretación, los estudios intentan siempre tener algún título acerca de alguna personalidad interesante a estrenar a finales de año. En 2014 los que mejor han cuajado de cara a los Oscars han sido “The Imitation Game. Descifrando Enigma” (ya en nuestras carteleras) y “La Teoría del Todo”, el primero acerca del matemático Alan Turing y el segundo sobre el cosmólogo Stephen Hawking, ambos marcados por elementos personales que les marcaron más allá de los profesional. El primero su homosexualidad, el segundo por ser víctima de la esclerosis lateral amiotrófica. Con el protagonismo de Eddie Redmayne, quien abarca con su trabajo 20 años en la vida de Hawking, la cinta dirigida por James Marsh (ganador del Oscar en 2009 por el documental “Man on Wire”) se alzó frente a su competidora en los Globos de Oro, logrando los premios a mejor actor de drama y mejor partitura original y pretende repetir hazaña el próximo 22 de febrero en la gala de los premios de la Academia de Hollywood (donde compite en un total de 5 candidaturas, incluyendo también mejor película, mejor guion adaptado y mejor actriz para Felicity Jones).
“La Teoría del Todo” es la historia de Stephen Hawking, la mente más brillante y el físico de mayor renombre de la época actual, y de Jane Wilde, la estudiante de Arte de la que se enamoró mientras estudiaban en Cambridge en los años sesenta. Se esperaba muy poco de Stephen Hawking, un inteligente alumno de Cosmología que carecía de voluntad y al que diagnosticaron una enfermedad mortal a los 21 años, por lo que solo le quedaban dos años de vida. Pero el amor que sintió por Jane Wilde, otra alumna de Cambridge, le dio la fuerza suficiente para convertirse en el sucesor de Einstein, casarse con ella y tener tres hijos. Durante el matrimonio, a medida que Stephen se derrumbaba físicamente, su fama académica alcanzaba cimas inesperadas, dando pie a errores que pusieron a prueba su relación y alteraron dramáticamente la vida de ambos.

jueves, 15 de enero de 2015

NOMINACIONES A LOS OSCARS 2015

Oscars-2015-Nominations
Y tras la entrega de los Globos de Oro y el anuncio de las candidaturas de los Premios Razzies, como es tradición, nos han llegado hoy las candidaturas a los Oscars, presentadas por los directores Alfonso Cuarón, J.J. Abrams y el actor Chris Pine y la presidenta de la Academia Cheryl Boone Isaacs. Como cada año, el listado de candidatos se centra especialmente en los títulos estrenados en Estados Unidos en los últimos meses del año, aunque en esta ocasión dos de las películas favoritas llevaban ya más tiempo en cartelera. “El Gran Hotel Budapest” (con 9 nominaciones, incluyendo mejor película, director o guion original) y “Boyhood” (con seis, entre ellas mejor película, director, actor de reparto y actriz de reparto) se estrenaron en Estados Unidos en marzo y julio respectivamente. La tercera en discordia por los principales premios es “Birdman o la Inesperada Virtud de la Ignorancia”, que empata con la cinta de Wes Anderson en 9 candidaturas (mejor película, director, actor principal, actor secundario, guion original, entre otras). Otros títulos destacados son “The Imitation Game. Descifrando Enigma” (8, incluyendo mejor película, director, actor protagonista, actriz secundaria y guion adaptado), “El Francotirador” (6, mejor película, actor principal, guion adaptado), “Whiplash” (5, mejor película, actor secundario, guion adaptado) y “La Teoría del Todo” (5, mejor película, actor principal, actriz principal).
nominations
Tal y como están las previsiones, se espera que la estatuilla a mejor película vaya para “Boyhood” o “Birdman”, aunque no hay que cerrar posibilidades a que “El Gran Hotel Budapest” dé la campanada. En el apartado de dirección, el galardón también parece reñido entre Richard Linklater y Alejandro González Iñarritu. Los principales candidatos en las categorías de interpretación son Michael Keaton y Eddie Redmaine en la categoría de mejor actor principal por “Birdman” y “La Teoría del Todo”, con Benedict Cumberbatch en la reserva dispuesto a dar la sorpresa con “The Imitation Game”; mientras que Julianne Moore, Patricia Arquette y J.K. Simmons se postulan casi como ganadores incuestionables para los apartados de mejor actriz principal, actriz de reparto y actor de reparto por “Siempre Alice”, “Boyhood” y “Whiplash” (aunque la nominación sorpresa de Marion Cotillard por “Dos Días, Una Noche” puede suponer una inesperada adversaria para Moore). Nos alegramos por la presencia de “Relatos Salvajes” en la categoría de película extranjera en representación de Argentina, por lo que supone de participación española en la producción, aunque parece que la favorita en este apartado es la polaca “Ida”, siempre y cuando la rusa “Leviathan” no le levante el premio como ya hiciera en los Globos de Oro.
2015_Noms
Dentro de las nominaciones sorprenden algunas ausencias, así como candidaturas carentes de peso. Particularmente nos sorprende la nominación de Morten Tyldum por “The Imitation Game”, con un trabajo funcional, pero no especialmente inspirado, teniendo en cuenta la ausencia de Clint Eastwood. También echamos en falta una mayor presencia de títulos como “Interstellar” o “Perdida”, que han sido ampliamente ignoradas por la Academia. Nolan al menos cuenta con varias candidaturas en los apartados técnicos (donde es de esperar que triunfe), mientras que Fincher se tiene que contentar con la mención a Rosemund Pike como actriz principal, cuando aspectos como la fotografía o el montaje de “Perdida” están entre lo mejor del 2014. También resulta llamativa la poca representación de “Puro Vicio” (mejor guion adaptado, mejor vestuario), no sólo por ser una película de Paul Thomas Anderson, cineasta del gusto de los académicos tras títulos como “Magnolia”, “Pozos de Ambición” o “The Master”, sino también por ser la primera adaptación al cine de una obra de un escritor tan prestigioso como Thomas Pynchon. Siguiendo con olvidos notables, "Nightcrawler", una de las cintas más aclamadas en Estados Unidos en 2014 obtiene únicamente una mención a mejor guion original, cuando bien merecía, al menos, una candidatura para Jake Gyllenhaal como mejor actor principal. Las grandes superproducciones del año (“El Amanecer del Planeta de los Simios”, “Guardianes de la Galaxia”, “Capitán América. El Soldado de Invierno”, “X Men. Días de Futuro Pasado” o “El Hobbit. La Batalla de los Cinco Ejércitos”) han quedado relegadas al apartado de efectos especiales visuales, cuando daban juego para otros candidaturas como las dos de sonido o el diseño de producción. Sólo “Guardianes de la Galaxia” ha conseguido sumar una candidatura más en el apartado de maquillaje. También nos extraña la ausencia de “La Lego Película” en la categoría de mejor película de animación, pese a tratarse de uno de los títulos animados más frescos y originales del pasado año, y la de “Cómo Entrenar a tu Dragón 2” en la de partitura original, por mencionar algunos olvidos. En el otro lado de la balanza, sorprende encontrarnos una película como “Selma” como candidata a mejor película. Si bien aún no hemos podido ver, por lo que no podemos evaluar, no opta a otros apartados de prestigio como dirección, interpretación, guion o fotografía, dando la impresión de que esta nominación se ha otorgado únicamente para contentar al lobby afroamericano en Hollywood. De la misma manera, las tres candidaturas a “Invencible” de Angelina Jolie (fotografía, sonido y edición de sonido) parecen también candidaturas de consolación a una cinta que aspiró a estar en las principales categorías, pero se quedó por el camino.
Ahora habrá que esperar al próximo 22 de febrero para conocer a los ganadores de esta octogésimo séptima edición, que tendrá lugar en el Dolby Theatre de Los Angeles y estará conducida por Neil Patrick Harris.
2015-oscar-nominees
CANDIDATURAS
PELÍCULA
"Boyhood"
"Birdman"
"The Imitation Game"
"El francotirador (American Sniper)"
"El gran hotel Budapest"
"La teoría del todo (The Theory of Everything)
"Selma"
"Whiplash"
DIRECTOR
Wes Anderson, "El gran hotel Budapest"
Alejandro González Iñárritu, "Birdman"
Richard Linklater, "Boyhood"
Bennett Miller, "Foxcatcher"
Morten Tyldym, "The Imitation Game"
ACTOR PRINCIPAL
Steve Carell, "Foxcatcher"
Bradley Cooper, "El francotirador"
Benedict Cumberbatch, "The Imitation Game"
Michael Keaton, "Birdman"
Eddie Redmayne, "La teoría del todo"
ACTRIZ PRINCIPAL
Marion Cotillard, "Dos días, una noche"
Felicity Jones, "La teoría del todo"
Julianne Moore, "Siempre Alice"
Rosamund Pike, "Perdida"
Reese Withersppon, "Alma salvaje"
ACTOR DE REPARTO
Robert Duvall, "El juez"
Ethan Hawke, "Boyhood"
Edward Norton, "Birdman"
Mark Ruffalo, "Foxcatcher"
J.K. Simmons, "Whiplash"
ACTRIZ DE REPARTO
Patricia Arquette, "Boyhood"
Laura Dern, "Alma salvaje"
Keira Knightley, "The Imitation Game"
Emma Stone, "Birdman"
Meryl Streep, "Into the Woods"
GUIÓN ORIGINAL
"Boyhood"
"Birdman"
"Foxcatcher"
"El gran hotel Budapest"
"Nightcrawler"
GUIÓN ADAPTADO
"The Imitation Game"
"El francotirador"
"Puro vicio"
"La teoría del todo"
"Whiplash"
PELÍCULA DE ANIMACIÓN
"Big Hero 6"
"Los Boxtrolls"
"Cómo entrenar a tu dragón 2"
"El cuento de la princesa Kaguya"
"Song of the Sea"
MONTAJE
"Boyhood"
"The Imitation Game"
"El francotirador"
"El gran hotel Budapest"
"Whiplash"
DISEÑO DE PRODUCCIÓN
"The Imitation Game"
"Interstellar"
"Into the Woods"
"El gran hotel Budapest"
"Mr. Turner"
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
"Birdman"
"El gran hotel Budapest"
"Invencible (Unbroken)"
"Ida"
"Mr. Turner"
DISEÑO DE VESTUARIO
"Into the Woods"
"El gran hotel Budapest"
"Maléfica"
"Mr. Turner"
"Puro vicio"
MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA
"Foxcatcher"
"El gran hotel Budapest"
"Guardianes de la Galaxia"
BANDA SONORA ORIGINAL
"The Imitation Game"
"El gran hotel Budapest"
"Interstellar"
"La teoría del todo"
"Mr. Turner"
CANCIÓN ORIGINAL
Everything is awesome "La Lego película"
Glory "Selma"
Grateful "Beyond the Lights"
I'm not gonna miss you "Glenn Campbell: It'll be me"
Lost Stars "Begin Again"
EFECTOS VISUALES
"El amanecer del planeta de los simios"
"Capitán América: El soldado de invierno"
"Guardianes de la Galaxia"
"Interstellar"
"X-Men: Días del futuro pasado"
EDICIÓN DE SONIDO
"Birdman"
"El francotirador"
"El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos"
"Interstellar"
"Invencible" (Unbroken)
SONIDO
"Birdman"
"El francotirador"
"Interstellar"
"Invencible" (Unbroken)
"Whiplash"
PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
"Ida" (Polonia)
"Leviathan" (Rusia)
"Relatos salvajes" (Argentina)
"Tangerines" (Estonia)
"Timbuktú" (Mauritania)
PELÍCULA DOCUMENTAL
"Citizenfour"
"Finding Vivian Maier"
"Last Days on Vietnam"
"La sal de la tierra"
"Virunga"
CORTO DOCUMENTAL
"Crisis Hotline: Veterans Press 1"
"Our Course"
"The Reaper"
"White Earth"
"Joanna"
CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
"Aya"
"Boogaloo and Graham"
"The Phone Call"
"Butter Lamp"
"Parvaneh"
CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
"The Bigger Picture"
"Feast"
"Me and my Moulton"
"A Single Life"
"The Dam Keeper"
OSCAR HONORÍFICO
El director Hayao Miyazaki, la actriz Maureen O’Hara y el actor y guionista Jean-Claude Carrière recibieron el pasado 8 de noviembre el Oscar honorífico de este año 2015. Por su parte, el músico y compositor Harry Belafonte recibió el premio humanitario Jean Hersholt.
life achievement awards

miércoles, 14 de enero de 2015

NOMINACIONES A LOS PREMIOS RAZZIES

Razzies-2015
Como cada año, un día antes del anuncio de las candidaturas a los Oscars, nos llegan las nominaciones a los Premios Razzie. Fieles a su espíritu, estos galardones de mofa se han querido cebar este año en algunas de las superproducciones más estruendosas del pasado año. Así, “Transformers. La Era de la Extinción” se alza como favorita al acaparar siete menciones. Le siguen de cerca “Hercules. El Origen de la Leyenda” (votada por nosotros como lo peor del 2014) y “Saving Christmas” ambas empatadas con 6 candidaturas, y “Ninja Turtles” con 5. Años atrás, Kirk Cameron era toda una sensación en televisión gracias a su papel de Michael Seaver en “Los Problemas Crecen”. Su personaje de adolescente rebelde le granjearon las portadas de todas las revistas juveniles, así como las carpetas de millones de adolescentes. Años después, reconvertido en evangelista cristiano, se ha ganado la antipatía de muchos gracias a sus comentarios ultraconservadores. Ahora, los razzies han sido espléndidos con su regreso a la gran pantalla con “Saving Christmas”. Tampoco parecen tenerle mucho cariño los organizadores a Cameron Díaz, quien aparece mencionada en las tres película que protagonizó el pasado año, “Sex Tape. Algo Pasa en la Nube”, “No Hay Dos sin Tres” y “Annie”. Adam Sandler mantiene su puesto anual con “Juntos y Revueltos”, mientras que el estreno de “Tammy” sirve para introducir en estas aciagas candidaturas a una actriz como Susan Sarandon, generalmente partícipe de otro tipo de galardones. Particularmente echamos de menos otros títulos, y una mayor presencia de pestiños como “Pompeya”, que únicamente escribe candidatura para Kiefer Sutherland, obviando a otros más merecedores de mención como el director, Paul W.S. Anderson o sus protagonistas, Kit Harington y Emily Browning. Como elemento novedoso destaca una candidatura positiva, el razzie redentor, a estrellas nominadas años atrás en varias ocasiones y que a fecha de hoy han sido redimidas por la crítica gracias a sus últimos trabajos. Inauguran esta categoría Ben Affleck, Jennifer Aniston, Mike Myers, Keanu Reeves y Kristen Stewart.
razzies
PEOR PELÍCULA
Kirk Cameron’s Saving Christmas
Left Behind
Hércules: El origen de la leyenda
Ninja Turtles
Transformers: La era de la extinción
PEOR DIRECTOR
Michael Bay por Transformers: La era de la extinción
Darren Doane por Kirk Cameron’s Saving Christmas
Renny Harlin por Hércules: El origen de la leyenda
Jonathan Liebesman por Ninja Turtles
Seth MacFarlane por Mil maneras de morder el polvo
PEOR ACTRIZ
Drew Barrymore por Juntos y revueltos
Cameron Diaz por No hay dos sin tres y Sex Tape: Algo pasa en la nube
Melissa McCarthy por Tammy
Charlize Theron por Mil maneras de morder el polvo
Gaia Weiss por Hércules: El origen de la leyenda
PEOR ACTOR
Nicolas Cage por Left Behind
Kirk Cameron por Kirk Cameron’s Saving Christmas
Kellan Lutz por Hércules: El origen de la leyenda
Seth MacFarlane por Mil maneras de morder el polvo
Adam Sandler por Juntos y revueltos
PEOR ACTRIZ DE REPARTO
Cameron Diaz por Annie
Megan Fox por Ninja Turtles
Nicola Peltz por Transformers: La era de la extinción
Brigitte Ridenour por Kirk Cameron’s Saving Christmas
Susan Sarandon por Tammy
PEOR ACTOR DE REPARTO
Mel Gibson por Los mercenarios 3
Kelsey Grammer por Los mercenarios 3, Legends of Oz, Think Like a Man Too y Transformers: La era de la extinción
Shaquille O’Neal por Juntos y revueltos
Arnold Schwarzenegger por Los mercenarios 3
Kiefer Sutherland por Pompeya
RAZZIE REDENTOR
Ben Affleck: del Razzie por Una relación peligrosa (Gigli) a favorito de los Oscar con Argo y Perdida
Jennifer Aniston: de cuatro nominaciones a los Razzie a candidata al premio del Sindicato de Actores por Cake
Mike Myers: del Razzie por El gurú del buen rollo a director del documental Supermensch: La leyenda de Shep Gordon
Keanu Reeves: de seis nominaciones a los Razzie al elogio crítico de John Wick
Kristen Stewart: del Razzie por Crepúsculo al éxito de cine de autor Camp X-Ray
PEOR DUO EN PANTALLA
Dos robots (o actores robóticos) cualquiera de Transformers: La era de la extinción
Kirk Cameron y su ego por Kirk Cameron’s Saving Christmas
Cameron Diaz y Jason Segel por Sex Tape: Algo pasa en la nube
Kellan Luztz y sus abdominales, pectorales o glúteos por Hércules: El origen de la leyenda
Seth MacFarlane y Charlize Theron por Mil maneras de morder el polvo
PEOR GUION
Kirk Cameron’s Saving Christmas
Left Behind
Sex Tape: Algo pasa en la nube
Ninja Turtles
Transformers: La era de la extinción
PEOR PRECUELA, REMAKE, PLAGIO O SECUELA
Annie
Atlas Shrugged #3: Who Is John Galt?
Hércules: El origen de la leyenda
Ninja Turtles
Transformers: La era de la extinción

lunes, 12 de enero de 2015

AVANCE 2015

Avance
Como es habitual, hemos comenzado el año despidiendo la campaña navideña (“Paddington”) y abrazando el inicio de la carrera de premios (“The Imitation Game”, “Birdman, o La La Inesperada Virtud de la Ignorancia”). Esta línea continuará con los estrenos de “La Teoría del Todo”, “Siempre Alice”, “Whiplash” o “Into the Woods”, aunque sin desprenderse de títulos de peso comercial como “V3nganza”, “Annie”, “El Destino de Jupiter” o “Las 50 Sombras de Grey”. El cine de autor seguirá teniendo un peso específico en los primeros meses del año con “Blackhat” (Michael Mann), “El Francotirador” (Clint Eastwood), “El Año Más Violento” (J.C. Chandor) o “Map of the Stars” (David Cronenberg). Tampoco faltarán estrellas de tirón comercial, como Antonio Banderas (“Automáta”), Johnnie Depp (“Mortdecai”) o Will Smith (“Focus”). Los más pequeños de la casa contarán con algunas opciones de cara a las salas de cine (“Bob Esponja: Un Héroe Fuera del Agua”, “El Libro de la Vida”, “Home”), mientras que el cine español intentará repetir la jugada del 2014 con títulos como “Las Ovejas no Pierden el Tren”, “Anacleto” o “Ahora o Nunca”. El 2015 contará también con títulos esperados como “Ex Machina”, “Kingsman”, “En el Corazón el Mar”, “Puro Vicio” o “Chappie”, mientras nos prepara para las nuevas entregas de importantes franquicias como “Insurgente” “Fast and Furious 7”, “Los Vengadores. La Era de Ultrón”, “Mad Max. Fury Road”, “Jurassic World” o “Terminator Genisys”. Acercándonos a los últimos meses del año, de nuevo los más pequeños cobrarán protagonismo gracias a “La Oveja Shaun”, “Inside Out”, “Los Minions”, “Atrapa la Bandera”, “Carlitos y Snoopy”, “Dinosapiens” o “Buscando a Dory”. A la llegada de Los Vengadores se apuntarán otros superhéroes como “Ant-Man” o (pertenecientes también a Marvel en papel, pero no en fotogramas) “Los 4 Fantásticos”. Otros títulos esperados son “Tomorrowland”, “Man from U.N.C.L.E.”, “Regression” o “The Walk”. El año cerrará por todo lo alto con el fin de “Los Juegos del Hambre. Sinsajo. Parte 2”, “Spectre” y, posiblemente el título más esperado para este año, “Star Wars. EL Despertar de la Fuerza”.

REPASO AL 2014 (y III)

REPASO 2014

DECEPCIONES

decepciones 2014

Cada vez son más los estrenos que nos llegan semanalmente a las salas de cine, por lo que el porcentaje de error o de decepción es también mayor. Por regla general, con buena información en la mano, podemos hacer una previsión de qué tipo de películas nos van a gustar o cuáles es mejor evitar, sin embargo, no siempre estas corazonadas cuadran, y en ocasiones el resultado no cumple con las expectativas. Por ejemplo, este año salimos desencantados de títulos como “Magia a la Luz de la Luna”, “Escobar: Paraíso Perdido”, “[REC]4 Apocalipsis”, “Los Mercenarios 3”, o “Exodus: Dioses y Reyes”. Hace tiempo que Woody Allen no es infalible, y tras la espléndida “Blue Jasmine”, lo propio era esperar un parón con su siguiente trabajo, sin embargo, por su temática y sus actores, esperábamos más de su propuesta para 2014. También la larga espera por ver la historia de Pablo Escobar llevada al cine y las promesas al respecto, habían dejado el listón alto y salvo por la siempre interesante presencia de Benicio del Toro y las buenas intenciones de la producción, el resto de la película supuso una oportunidad perdida. Lo mismo podemos decir de la saga de terror española más popular. Tras crear tendencia a nivel internacional, la última entrega de la saga pincha más por desgana que por impericia. La franquicia se merecía un cierre más afortunado. Tampoco Stallone y sus mercenarios cumplieron con la misión. Si la segunda entrega era una gozosa revisión del actioner de los 80, en la tercera Sly confunde términos y resta protagonismo a las estrellas veteranas en favor de savia nueva, olvidando que el componente nostalgia había sido el principal gancho e interés de las dos aventuras anteriores. Por último, Ridley Scott intenta modernizar a Cecil B. DeMille pero se olvida de las claves que hicieron grande el cine de este autor. Su versión de Los 10 Mandamientos resulta lenta, irregular, desequilibrada y aburrida. A este paso Scott lo tiene cada vez más difícil para recuperar el prestigio perdido.

LO PEOR

Y de las decepciones pasamos a las que directamente en nuestra opinión representan lo peor del año pasado:

lo peor 2014 1

10. LA GRAN REVANCHA: Como decía Ian Malcolm (Jeff Goldblum) en “Parque Jurásico”: “Estaban tan preocupados sobre si podían o no hacerlo que no se pararon a pensar si debían”. Ese es uno de los problemas del llamado cine de concepto en Hollywood. Cuando a alguien se le ocurrió enfrentar en la pantalla a Jake LaMotta y a Rocky Balboa, interpretados por los actores que le dieron fama universal en el cine, la cosa debía haber quedado en la curiosidad o en el chiste; sin embargo, con la fiebre nostálgica que invade la Meca del Cine, alguien debió pensar que era buena idea hacerla realidad y fue lo suficientemente convincente como para enrolar a los dos actores en el proyecto. Cierto que cambian los nombres a los personajes, pero ¿realmente alguien se cree que se llaman Billy McDonnen y Henry Sharp? La película coge a dos personajes icónicos y los convierten en objeto de mofa y lo que es peor, convierte a sus actores en parodias de sí mismos. Aquí el que sale mejor parado es Stallone, quien al menos mantiene una forma física y mantiene a su personaje de Rocky Balboa más cercano en el tiempo. De Niro, con sus histrionismos y su falta de interés, vuelve a demostrar que quien fuera Vito Corleone, Travis Bickle o Al Capone y ano se toma en serio su trabajo. Para colmo de males, ante este despropósito, en sustitución de Martin Scorsese y John G. Avildsen se contrata a un director como Peter Segal, perpetrador de títulos como “El Clan de los Rompehuesos” o “Superagente 86 De Película”. El resultado es una película anodina, digna de la hora de la sobremesa en televisión, si no fuera porque empaña el recuerdo de dos grandes personajes de la historia del cine.

9. #CHEF: Salidos de la era Reagan, en Estados Unidos se produjo un arrepentimiento por todos aquellos años de capitalismo feroz y destructivo. Allá por los años 90 esto provocó una fiebre de películas como “El Rey Pescador” o “A Propósito de Henry”, cuyos protagonistas eran yuppies arrepentidos que decidían abandonar (o les eran arrebatadas) sus vacías vidas de lujo y dinero en favor de una vida tradicional y recuperar los valores comunitarios. Aquel regreso a los orígenes y la posibilidad de un nuevo comienzo donde corregir los errores suponía una redención espiritual y un renacer humano, reinsertándose en el seno de una familia abandonada ante los cantos de sirena del éxito y la riqueza. La nueva película de Jon Favreau se apunta a aquella moda pretérita. El que fuera el niño bonito de Disney gracias al éxito de “Iron Man” pretende regresar a sus orígenes indies con una comedia sencilla y pequeña (aunque eso sí, plagada de estrellas hollywoodienses). No es difícil por lo tanto predecir el itinerario que va a recorrer este chef arrogante que pierde su trabajo de la noche a la mañana y decide pasar de un restaurante de alta cocina a un camión de comida ambulante. Sin embargo, Favreau confunde hacer una película pequeña con hacer una película deficiente. Más allá de lo estereotipado de su propuesta, la trama avanza a trompicones, importando más el publirreportaje a Twitter, la selección de música latina que acompaña a las imágenes o la introducción de sketches para lucimiento de los amigotes (Scarlett Johansson, Dustin Hoffman o Robert Downey Jr., aunque la participación de éste último sea, con diferencia lo mejor de la película) que un desarrollo sólido de la historia y los personajes, y desaprovechando la presencia de secundarios de peso como Sofía Vergara, John Leguizamo o Bobby Cannavale (sólo un efímero Oliver Platt logra sacar de la mediocridad a su personaje). Tanto es así que una vez cubierta la duración standard, el director clausura la película sin demasiados miramientos con una resolución torpe y precipitada. Es cierto que las secuencias de cocina resultan estimulantes, y hay algunos gags divertidos, pero por lo demás, Favreau demuestra que prefiere seguir siendo un yuppie de Hollywood y que no se cree demasiado la historia que está contando.

8. ROBOCOP: Lo malo de muchos de los remakes o secuelas/precuelas/reboots tardíos que nos ha regalado el cine en los últimos años es que nos dejan esa sensación derrotista de que todo lo pasado fue mejor y que hoy en día ya no hay capacidad para llegar a esas cuotas de inspiración. Es, esperamos, una conclusión ilusoria, pero irrefrenable cuando nos encontramos con intentos absurdos de rescatar títulos como “Robocop”. Mientras que con la cinta original, Paul Verhoeven no sólo marcó una impronta personal hasta entonces sólo conocida por aquel público minoritario que conocía su obra en Holanda, también demostró a los ejecutivos de los estudios que el cine de Hollywood podía ser mordaz, agresivo, brutal y comercial al mismo tiempo. Los márgenes estrechos con los que se medía la presencia de sexo o violencia explícita en pantalla se suavizaron y durante un (corto) periodo de tiempo el cineasta gozó de autonomía para desplegar toda su carga satírica e irreverente. Nos queda el consuelo fútil de que la versión de este personaje que tenía planeada Darren Aronofsky antes de abandonar el tren era más arriesgada y descomedida, y por lo tanto es más fácil responsabilizar al estudio por su falta de visión y confianza en el producto; sin embargo, Jose Padilha fracasa rotundamente con esta nueva versión. Si durante su primera mitad parece querer plantear un discurso que justifique el remake, estas intenciones se diluyen y desaparecen en la segunda mitad, donde todo cae en un actioner vulgar y carente de la mala baba del original. Joel Kinnaman no trasmite el carisma de Peter Weller y ni Michael Keaton ni Gary Oldman rescatan del desastre a la película. Sólo hay una escena (una) en la que podemos ver asomar lo que este remake podría haber sido y nunca fue: ese momento en el que el Doctor Dennett Norton muestra al nuevo Alex Murphy lo que queda de su parte humana. Por lo demás, lo más positivo que se puede decir de esta nueva versión es que no cae tan bajo como “Robocop 3”.

7. POMPEYA: El género del péplum ha tenido bastante representación en este 2014, aunque el balance no ha sido especialmente positivo. Entre las dos versiones e Hércules, “300. El Origen de un Imperio” y “Pompeya” no podemos decir que el género haya sobrevivido al pollice verso. La reputación de un cineasta como Paul W.S. Anderson no se sitúa entre lo más granado de Hollywood. Su afición por producciones en las que confluyen la narrativa del videoclip con la estética de los videojuegos lo han colocado en un escalafón de mera explotation de la que el autor pretendía escapar con su narración de los últimos días de Pompeya. A medio camino entre la recreación histórica y el cine de catástrofes, Anderson no puede ocultar aquí su fijación con el “Titanic” de James Cameron. Sin embargo, si bien la historia de los amores de Jack y Rose no destacaba precisamente por su sofisticación literaria, frente al romance del gladiador Milo y la patricia Cassia, parece James Joyce. Anderson no sólo plagia descaradamente la estructura de Cameron (mezclándola sin demasiada sutilidad con referencias a “Gladiator” o “Espartaco”), sino que además se dedica toda la película a saltar de cliché en cliché, de una situación engominada a otra, dinamitando la suspensión de incredulidad del espectador de la manera más ramplona y chapucera. Ni siquiera el apartado de efectos especiales ayuda a levantar la película. La acumulación de CGI mal integrado no hace más que reafirmar la naturaleza de cartón piedra de la producción, mientras que los actores lucen desorientados entre tanta pantalla verde, sin saber a dónde mirar, salvo cuando a Kit Harrington le toca lucir abdominales.

6. ANNABELLE: En sus trabajos como director, James Wan ha apostado por resucitar ese cine de terror basado en ambientes y sugerencias, más que en la exposición explícita de los elementos aterradores. Con sus carencias, que las tiene, el cineasta se las apañó para que títulos como “Insidious” o “El Expediente Warren” devolvieran al espectador a esa concepción clásica del horror. Sin embargo, siempre existió el riesgo de que la atmósfera no capturara los miedos del espectador y lo que pretendía ser sutil quedara ridículo. Eso es precisamente lo que sucede con el spin off de “El Expediente Warren”. El cambio de dirección a manos del inexperto John R. Leonetti evidencia la importancia de un buen narrador a la hora de construir la puesta en escena en este tipo de películas. Toda la amenaza que reflejaba la muñeca de porcelana en la introducción de “El Expediente Warren” brilla aquí en su ausencia, y lo que debían ser planos atemorizantes se convierten en encuadres ridículos de una muñeca inmóvil carentes de cualquier naturaleza sobrenatural. No le vamos a negar uno o dos momentos de sobresalto a la cinta, pero por el resto ni siquiera los efectismos de montaje consiguen hacer temblar al espectador. Un guion rutinario que pretende aspirar a referentes como “La Semilla del Diablo” y unos actores insulsos y carentes de química terminan de enterrar esta producción entre lo más olvidable del año.

lo peor 2014 2

5. EL TOUR DE LOS MUPPETS: Nos declaramos fans absolutos de los Teleñecos. Desde que nos acompañaron en la infancia allá por la década de los 80 hasta la actualidad. Adoramos su humor gamberro, trasgresor, absurdo, sin perder el valor didáctico (que no adoctrinador); nos fascinan los cameos de artistas que no dudan en reírse de sí mismos y de su imagen cinematográfica al lado de Gustavo y compañía; y nos encanta el rompedor juego que siempre hacen con el apartado musical ya sea con las canciones de creación propia como con sus parodias de temas conocidos. Nos reímos con ellos cuando Jim Henson estaba debajo de la marioneta, nos reenganchamos cuando tras su muerte su hijo Brian tomó las riendas y disfrutamos con el anterior relanzamiento de la saga cinematográfica promovido por Jason Segel y Nichollas Stoller; sin embargo, toda nuestra ilusión se nos vino abajo con su segunda entrega “El Tour de Los Muppets”. Sí, es cierto que los componentes habituales de la franquicia estaban allí, pero nada parecía cuajar, todo resultaba desnaturalizado, carente de espíritu. No le negamos a la película algunos gags logrados, incluso notables, pero el conjunto parecía una mala imitación del espíritu genuino de los Teleñecos, como si el circo estuviera regido por alguien que desconoce la verdadera esencia de los personajes y que simplemente se limita a repetir patrones de forma automática, dejándose llevar además por el caché del actor invitado (Ricky Gervais) y dejando a los protagonistas en un segundo plano. Nos gustaría confiar en que se trata de un desliz pasajero y que en breve tendremos a toda la pandilla de vuelta en plenas condiciones, aunque algo nos dice que nos hemos quedado fuera en este último trasvase generacional. Nos estaremos haciendo viejos.

4. PANCHO: EL PERRO MILLONARIO: Uno de los grandes errores del ser humano es no saber parar a tiempo y dejar que una idea fresca perdure en el tiempo, en lugar de repetirla hasta el agotamiento y la extenuación con el fin de seguir sacando rédito a la gallina de los huevos de oro. El perro Pancho alcanzó la fama protagonizando una campaña de Lotería Primitiva y las habilidades del can, unido al gag sencillo pero efectivo convirtió en éxito ese momento de creatividad publicitaria. Le siguieron otros anuncios repitiendo el mismo modelo, con el perro Cook demostrando sus diferentes dotes. La estrella pasaría a participar en diversas series de televisión, como “Los Serrano”, “Aquí no Hay Quien Viva” o “La Que se Avecina”, sin embargo el recuerdo de su debut llevó a idear su salto al cine interpretando precisamente a Pancho. La película fue ideada como medio de lucimiento para Cook, presentando diversas situaciones con las que sacar partido a su adiestramiento. Sin embargo, para ello se construyó un guion deleznable y caduco, propio más del cine chabacano e infantiloide (que no infantil) de hace tres o cuatro décadas, con interpretaciones de caricatura gruesa y una puesta en escena plana y rudimentaria. Y no, no nos vale la excusa de la relectura postmoderna del patrón clásico, el resultado es más de lo mismo, pero con tramas y chistes agotados por el paso del tiempo. Como contrarréplica, se nos podría argumentar que la película ha sido una de los títulos españoles más taquilleras del año con 2.524.565 €, por lo que hay un importante sector del público al que sí le ha gustado (o al menos se han dejado llevar por la campaña promocional, la fama del perro Cook y la ausencia de otras propuestas dirigidas al público infantil), sin embargo, siempre nos ha parecido mala idea construir una película familiar sobre la base de que los niños son tontos.

3. NINJA TURTLES: ¿Por dónde empezar? Es difícil decidirse. Sin terminar de gustarnos, hemos terminado por aceptar que Michael Bay tiene su sello de autor (auteur vulgar, que dicen lo franceses) y que títulos como “La Roca”, “Dos Policías Rebeldes 2” o la saga “Transformer” (“Dolor y Dinero” la situamos en una parcela aparte) tienen un lenguaje propio que las define; sin embargo otra cosa es darle el mismo beneplácito a aquellos que se pliegan a su formato espídico como el Peter Berg de “Battleship” o este Jonathan Liebesman con “Ninja Turtles” (¡ah, sí, ya sé por dónde empezar! Señores traductores de títulos en España, o usamos el título con el que se conoce a estos personajes en nuestro país o mantenemos íntegro el título original, pero quedarse a medias tintas sólo ayuda a marear más la perdiz). Narrativamente, este reboot de los personajes creados por Peter Laird y Kevin Eastman es un despropósito de principio a fin. No es únicamente que las escenas de acción sean aparatosas y confusas, es que la misma forma en que se narra la trama principal no hace más que provocar desconcierto y perplejidad en el espectador al que sólo le queda dejarse arrastrar por un montaje atropellado y estridente. Tampoco convencen las nuevas versiones winstroladas de las tortugas, aunque hay que reconocer que resultan más naturales que Megan Fox, cuya interpretación es igual de artificial que la textura de su cara. De todo ese despropósito sólo nos atrevemos a rescatar un momento, la jam-session improvisada en el ascensor de los cuatro quelonios.

2. TARZÁN: Tarzán es uno de esos personajes (como James Bond) cuya versión cinematográfica ha logrado eclipsar incluso a su origen literario, sin embargo, los resultados no han sido siempre afortunados. El último en intentarlo ha sido el director Reinhard Klooss, con una producción animada producida por Constantin Film Produktion, quienes han empleado la técnica de la captura de movimiento para acercar a los personajes a la interpretación de los actores Kellan Lutz o Spencer Locke. El modelo empleado por Klooss ha sido muy cercano a la cinta de 1999 de la Disney, intentando sacar partido a la tecnología 3D en los paseos en liana del protagonista. Lamentablemente, el esfuerzo ha resultado ser absolutamente aberrante. El nivel de animación es penoso, sobre todo en lo referente a la captura de movimientos, haciendo que los personajes se comporten y deambulen de manera antinatural. Por si a alguien le quedaba alguna esperanza de que Kellan Lutz pudiera convertirse en un actor mínimamente aceptable, casos como esta película o su versión de “Hércules” deberían ser suficientes como para cerrarle todas las puertas del Séptimo Arte. Tal vez, las taras que acabamos de comentar podrían ignorarse, si todo esto se construyera sobre un guion sólido, pero de nuevo ahí la cinta fracasa de manera estrepitosa, con un libreto plagado de lugares comunes caducos y con un penoso intento de insuflar espíritu pulp a la historia. Aburrida hasta para los pequeños de la casa, este “Tarzán” ha resultado ser la película más insufrible que nos ha tocado ver este año, o casi, porque todavía nos queda un título más en este ranking al inframundo cinematográfico del 2014.

1. HERCULES. EL ORIGEN DE LA LEYENDA: Si Tarzán no ha tenido demasiada fortuna en sus saltos al cine, menos aún el personaje mitológico de Hércules. Terreno abonado para culturistas en el cine desde que Steve Reeves lo interpretara en 1958 y fuente original del género del peplum, muy pocas son las películas dignas de recordar sin caer en la psicotronía (y por supuesto, prácticamente ninguna fiel al mito griego). Este año hemos tenido dos oportunidades de rescatar al personaje y las dos han resultado fallidas. La segunda, ese “Hércules” dirigido por Brett Ratner y protagonizada por Dwayne The Rock Johnson contaba con algunos apuntes de guion interesantes, aunque desaprovechados y un conjunto de actores con presencia y carisma, por lo que el resultado, sin ser una obra a recomendar, resulta ciertamente más interesante que su competidora. “Hércules. El Origen de la Leyenda”, dirigida por un cada vez más irrecuperable Renny Harlin y protagonizada por Kellan Lutz (¡Si al menos le hubiesen dado el papel a Scott Adkins, aquí relegado a villano de la historia…!) es para nosotros claramente lo peor de este 2014. Desde las carencias de la producción, sus efectos digitales de pega, la falta de carisma (y de talento interpretativo) de su protagonista, lo insulso del resto del reparto y lo ramplón de su guion llevan a esta película al nivel de la más ridícula propuesta de Asylum, y es que incluso estos salen mejor parados con su “Hercules Reborn”, que al menos evita tomarse a sí misma en serio. Tanto es así que de lo poco reseñable de la versión de Harlin, la partitura musical compuesta por Tuomas Kantelinen, queda malogrado por la película. Lo que escuchado de manera independiente adquiere un loable tono épico, al juntarse con la ridiculez de esas imágenes resulta exagerado y grotesco.