viernes, 24 de agosto de 2012

ESTRENOS DEL 24 DE AGOSTO

Manolete

En 2007, el cineasta Menno Meyjes rodaba un biopic sobre el torero Manolete, contando con un reparto de lujo, encabezado por Adrien Brody y Penélope Cruz. Se trataba de un proyecto ambicioso con tintes comerciales apoyado en una coproducción entre España y el Reino Unido. Desde entonces, y pese a haberse estrenado en otros países como Inglaterra o Francia, la película ha estado durmiendo el sueño de los justos en nuestro país a la espera de obtener distribución en las carteleras nacionales. Cinco años después, por fin ahora, el público español podrá ver esta película, que a lo largo de todo este tiempo ha ido adquiriendo fama de film maldito.

Manolete no sólo revolucionó el arte del toreo en la posguerra española, sino que su amor por la bella actriz Lupe Sino desafió a los estrictos convencionalismos de la época. Mientras el matador se convirtió en todo un símbolo nacional, ella -"un tercio Ava Gardner, un tercio Carmen y un tercio problema"- fue sin duda una mujer fuera de lo común, que robó el corazón al torero. Ambos vivieron un intenso amor dominado por la pasión y los celos, y que desembocaría en un trágico final en la plaza de toros de Linares (Jaén).

bonsai

Presentada en el pasado Festival de Cannes, “Bonsái” es una película chilena basada en la novela homónima de Alejandro Zambra. Ambientada en la época posterior a la dictadura de Pinochet, nos describe a través de una historia de amor, el ambiente intelectual de la época y los nuevos retos que afrontaba la sociedad una vez abolida la opresión. A medio camino entre el drama y la comedia romántica, la cinta está dirigida por Cristián Jiménez y protagonizada por Gabriela Arancibia, Cristóbal Briceño, Julio Carrasco, Nathalia Galgani y Trinidad González.

Julio se reúne con Gazmuri, un viejo escritor que necesita a alguien para mecanografiar el manuscrito de su última novela. Pero no consigue el trabajo. En vez de contárselo a Blanca, su vecina y amante, decide escribir una novela a mano para que parezca ser la de Gazmuri. Buscando una trama, Julio recuerda el romance que tuvo hace ocho años con Emilia, cuando ambos estudiaban Literatura en Valdivia.

headhunters

Basada en el best-seller internacional de Jo Nesbos, “Headhunters” es el último éxito del cine noruego, una producción surgida a la sombra del éxito de la Trilogía Millenium. Etiquetada ya como película de culto, esta estilizada historia de violencia y ambición ha sido dirigida por Morten Tyldum y protagonizada por Aksel Hennie, Julie R. Olgaard y Nikolaj Coster-Waldau, este último famoso gracias a su papel de Jaime Lannister en la serie de televisión “Juego de Tronos”.

Roger es un hombre que parece que lo tiene todo: es el headhunter (cazatalentos) más exitoso de Noruega, está casado con Diana, la bella propietaria de una galería de arte, posee una magnífica casa, pero lleva un tren de vida que no debería permitirse. Para conseguir esos ingresos, se dedica a robar obras de arte. En la galería, su mujer le presenta a Clas Greve, que no sólo es el candidato perfecto para el cargo de consejero delegado de la compañía para la que Roger está en ese momento trabajando como cazatalentos sino que además posee una pintura de gran valor. Roger ve por fin la oportunidad de lograr la independencia financiera. La cacería ha empezado...

mercenarios

En 2010, Sylvester Stallone reunía a algunos de los más destacados representantes del género de acción de los 80 y actuales en una cinta que buscaba recuperar el estilo del actioner de finales del siglo XX. Se trataba de cine de acción físico, con explosiones y peleas auténticas y no recreadas gracias a los efectos digitales (la tendencia imperante en la primera década de siglo XXI). La apuesta fue un verdadero éxito, avalando la creación de una segunda parte que por necesidad debía ser más grande, más sorprendente y, por supuesto, con más estrellas. Así Stallone volvió a reunir al reparto principal (encabezado por él mismo, Jason Statham, Jet Li, Terry Crews, Randy Couture y Dolph Lundgren), amplió la participación de Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger (que en la anterior realizaron meros cameos y que aquí participan de lleno en la acción) y añadió a dos veteranos como Jean-Claude Van Damme, Chuck Norris y una nueva estrella, Scott Adkins. Todo ello para crear un explosivo cocktail que no engaña a nadie.

Tras la muerte de Tool, sus compañeros juran vengar su muerte. Pero todo se complica cuando la hija de Tool, la guapa Fiona, es capturada por un despiadado dictador. Los Mercenarios, liderados por Barney, tratarán de salvar a Fiona a la vez que intentan salvar a la humanidad del tirano.

jueves, 23 de agosto de 2012

“EXTINCIÓN”. ENTREVISTA A ÓSCAR MARTÍNEZ.

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De Óscar Martínez no debemos esperar proyectos pequeños, sencillos, fáciles de producir. A este cineasta tinerfeño le gustan los retos y se embarca siempre en historias de alto calado, preferentemente de género fantástico, donde las limitaciones presupuestarias no parecen achicar las ambiciones creativas de su autor. Ahora, tras “Amania”, nos sorprende con “Extinción”, una webserie que actualmente se encuentra finalizando su etapa de postproducción y próximamente verá la luz. Nosotros, como adelanto, hemos podido entrevistarle, adelantando algunas de las sorpresas que nos esperan.

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1. ¿Qué es “Extinción”?

Producida por HAZ DE LUZ en colaboración con TEMPLARIO PRODUCCIONES, “Extinción” es una webserie de 7 capítulos que conforman la primera temporada, destinada a ofrecer un mismo argumento genérico, pero visto desde puntos de vista diferentes por cada director. Tanto en lo referente a su realización como a su guion.

La tierra es amenazada por nosotros mismos y “algo más” que no puedo revelar. A través de la ciencia ficción especulativa y científica creamos hipótesis, misterios y acertijos tanto épicos como íntimos. Pero lo que realmente trata es la impotencia y el miedo que genera saber que tienes un “asesino dentro de ti” y que nada lo puede parar.

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2. ¿Cómo surge este proyecto?

El proyecto surgió porque hace un año quería mostrar el lado perverso de una mujer aparentemente amable, “SINIESTRA ZOE”, una asesina en serie real. Un guion que escribí para un largo y que era todo lo opuesto a “Amania”, es decir, si la joven Hebrea sacaba fuerzas de donde no existían, se enfrentaba a enfermedades y demonios y, por último, creaba un linaje esperanzador para la humanidad, en este caso, con “Extinción”, será todo lo contrario. Las mujeres asesinan y destruirán el mundo. Por lo tanto, “Extinción” es mi Siniestra Zoe frustrada por decirlo de alguna manera pero con un tono fantástico y menos optimista que el largo de “Zoe”.

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3. Años atrás participaste en otras producciones también ambiciosas y de temática fantástica, ¿qué relación guarda este proyecto con aquellos?

La relación que guarda con todos mis proyectos anteriores se basa en la simple evasión de la realidad. Cuando vivo mi vida puede ser aburrida o divertida, sentimental o alegre, temeraria o conformista, etc, pero nunca podrá ser fantástica o aventurera por eso, desde que era niño, cuando voy al cine me intereso mucho por todo aquello que me aleje de la realidad y me haga soñar despierto. Me intereso por todos los géneros, pero sobre todo por la ciencia ficción o aventuras.

Cuando termino de ver una “peli” piso de nuevo la realidad y a sobrevivir como quien dice... De hecho los que me conocen bien saben que soy una persona muy escéptica y que no creo en casi nada relacionado con estos temas, sin embargo, me gusta ver en la gran pantalla historias “imposibles” y, a su vez, me encanta crear locuras similares entre amigos y profesionales.

Soy consciente de la tremenda muralla económica que tenemos en Canarias a la hora de crear y distribuir, pero supongo que a casi todos nos supera la necesidad de hacer cosas y siempre terminamos por intentar llevar a cabo proyectos que sabemos de antemano que serán difíciles de exhibir… supongo que el amor por el Séptimo Arte nos puede.

Mi imaginación siempre está activa para crear y mostrar. Esta es la principal razón por la que hago estas historias… amo el cine a mi manera y del mismo modo así lo intento mostrar.

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4. ¿Qué nos puedes adelantar de la trama episodio piloto?

La trama del episodio piloto creará muchos interrogantes sin respuestas… pero de eso se trata… ¡de enganchar! Nos encontraremos con 4 personas en situaciones extremas pero que están estrechamente unidas no solo por su parentesco familiar sino por una escalofriante situación que les sobrepasa. El instinto de supervivencia será mutuo entre el enemigo interno y externo de las protagonistas. La lucha constante entre ellas y contra otros será la clave de la serie.

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5. ¿Terror sugerido o explícito?

El terror es sugerido porque, como siempre digo, lo que usted pueda imaginar siempre superará lo que observa a simple vista. No obstante hay momentos muy explícitos de efectos visuales; en concreto 5 planos con efectos por exigencias de aclaración para el espectador de averiguar de inmediato las proporciones amenazantes del enemigo al que se enfrentan. De no ser así la persona que vea el piloto no tendrá la mas mínima idea a lo que se enfrenta y debemos dejar claro el enemigo, tanto físico como psíquico.

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6. La mayor parte del episodio se ha rodado en exteriores ¿cómo fue la experiencia?

Mi experiencia esta vez ha sido muchísimo menos agotadora que con “Amania”, por ejemplo. He sido más libre de crear e inventar y no he estado sujeto a un numeroso equipo de personas que terminaban agotadas y quemadas por mis excesos, tanto en rodaje como en postproducción. Al tratarse de la actualidad pues no hubo necesidad de borrar cosas y tampoco de añadir detalles por ordenador. Esta vez estuvo más controlado por su simpleza y el rodaje fue más amigable porque éramos pocos y nos conocíamos muy bien. El montaje fue más divertido y fácil porque todo coge forma como tú preveías y no como intuías.

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7. ¿Qué nos puedes comentar del reparto?

“Extinción” es una serie experimental desde el punto de vista interpretativo y dirección. Elegí a varias actrices que tienen mucha experiencia y otras que menos. Este experimento tiene un objetivo y es mezclar sensaciones diferentes al espectador cuando las vea de tal manera que captará la magnífica naturalidad de una actriz como Isora Medina y Yasmina López -que dan sus primeros pasos como tal- con el bagaje de otros como Enrique Fajardo o Idaira Santana que aportan gran solidez a sus personajes. Es algo así como mezclar la realidad con la ficción, pero en la interpretación. Fue una gran experiencia trabajar con todos ellos y, ojalá, que se sientan orgullosos el día de su estreno.

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8. Aparte del mero hecho de levantar un proyecto así, ¿cuál ha sido el mayor reto que ha planteado la realización del episodio piloto?

Mi principal reto era rodarlo todo “cámara al hombro” e improvisar los planos a medida que trabajábamos. Tenía claro los sitios y la historia en mi cabeza, pero me negué a planificar y crear storyboards. Me explico, siempre me ha encantado el lenguaje clásico del cine con los planos bien diseñados y los movimientos calculados, pero sabía que, en el monte, esto me hubiera llevado muchos días de rodaje y, por lo tanto, más gente trabajando por amor al arte y ya no estamos para estas cosas…. No con esta crisis. Trasladar travellings, grúas, focos, etc, me suponía volver a lo de “Amania” y se trataba de evitar el gigantesco esfuerzo. Nos propusimos el máximo rendimiento con el mínimo esfuerzo y que cada rodaje fuera una curiosa mezcla entre una excursión y un trabajo. Así lo hicimos.

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9. ¿Hay ya guión preparado para los próximos episodios?

Los guiones de los futuros episodios los crearán los próximos directores aportando su peculiar ojo artístico. Deben seguir una serie de premisas o ideas para que haya una lógica continuidad y para ello desarrollo una estructura genérica, o sea, un “arco argumental”. Dentro de ese arco, ellos pueden inventarse lo que quieran. He pedido a varios directores que se encargaran del resto de los episodios por varias sencillas razones: Que el espectador aprecie el estilo de cada uno y observe como dejan su firma en un terreno tan complejo como es la ciencia ficción y el suspense.

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10. ¿Hay una previsión de qué directores van a encargarse de las otras historias?

Los cinco realizadores son absolutamente diferentes entre ellos y se los pedí, aparte de por lo antes mencionado, por su espíritu independiente y porque han sabido buscarse la vida en cada corto que hacían sin presupuesto, pero con una inmensa fuerza por filmar, provocada por ese amor que sentimos por el cine desde que éramos niños y que parece irrefrenable.

Cándido Pérez, porque hace lo que quiere y es un luchador nato… sé que adora el cine y eso se nota en cada fotograma de su obra. Su largometraje “La guía del silencio” es toda una declaración de amor por la cinematografía y, a la vez, su forma de plasmar su sensibilidad interna en los diálogos de sus personajes… Oigan como hablan sus personajes y percibirán lo que él siente. Ver su película es casi conocer a Cándido.

Iván López es un formidable realizador, exquisito en su propio lenguaje intimista y muy, muy personal. Su dirección de actores es algo que me ha llamado mucho la atención porque crea la inusual sensación de que sus personajes parecen tan reales que te olvidas de que son actores y créanme que eso es muy complejo de conseguir. Se necesita mucho tacto y emoción. Hace poco hablé con él y me contó que deseaba dar el salto al suspense y thriller. Sobra decir que aproveché la oportunidad para que este singular cineasta dejara también su firma en algún capítulo.

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Gustavo García es un gran amigo mío de hace muchos años. Aparte de llevar la fotografía del piloto con un amplio lenguaje y sentido del movimiento del plano, demostró ser un gran realizador con un corto en particular que hizo hace tiempo entre colegas. Recuerdo que cuando lo vi me llamó mucho la atención el ritmo incesante y lo clara que tenía su planificación. Si eres un cinéfilo lo percibes rápidamente. Hay que añadir que es un excelente editor y entiende a la perfección el ritmo de cada secuencia con mucha inteligencia. Gustavo hará un gran trabajo estoy completamente seguro.

Carlos Xerach es muy conocido en nuestro mundillo por ese talento nato para crear efectos visuales muy complejos con una facilidad pasmosa. Adora la ciencia ficción como yo o más… que ya es decir. Aún tiene pendiente de estreno su mediometraje “Finding Hell”, en el que todavía sigue trabajando. El día que vea la luz dejará boquiabierto a media Canarias. Es absolutamente asombroso en todo y dará de que hablar como lo ha hecho su teaser. Confío en Xerach y estoy segurísimo de que su capítulo no dejará indiferente a nadie.

Vasni J. Ramos es el más curioso director del grupo. Admiro todo lo que hace, no porque sea mi amigo sino porque se desenvuelve con soltura en prácticamente todo lo que se le ponga por delante. Ha tocado casi todos los géneros con éxito haciendo que la gente se ría, se asuste, se angustie, se intrigue y lloren. Que puedo decir de un realizador así que parece adaptarse a cualquier género con una seguridad y tranquilidad que ya quisiera yo para mí. Vasni afronta cada proyecto con mucha pasión y entrega. Lo da todo. Comprende muchos mecanismos de planificación casi de una forma innata. El suspense y la dilatación del tiempo tanto en la dirección de actores como en la realización, el humor en sus escenas están perfectamente dosificadas y la tensión que genera en la antesala de algo “fuerte y contundente” que va a pasar lo retrasa con maestría para hacerlo explotar en el momento adecuado… como siempre digo… ¡¡eso pasa por ver tanto cine!!

El broche de oro lo pondrá el debut en la dirección de Miguel Pombrol. Este hombre es para dedicarle un artículo a él solito. Su capacidad creativa se eleva a muchos, pero muchos niveles… créanme. Es pintor y dibujante, arquitecto, escultor, informático, ingeniero y, por si fuera poco, inventor. Ha expuesto obras que mezclan la vida con la tecnología haciendo que ambas cosas tengan una funcionalidad autónoma… su creación de la araña robot dejó alucinado a todo aquel que se parase a contemplar semejante obra. Un insecto artificial que busca supervivientes en caso de terremotos con una microcámara insertada, avanzando entre todos los escombros de un derrumbamiento… lugares donde una persona no podría llegar y salvar vidas. No me puedo imaginar que hará esta bomba de relojería humana con semejante creatividad cuando dirija su episodio. De momento solo adelanto que su hermano Manu Pombrol interpretará a Enrique fajardo cuando era joven en un impresionante flashback que tendrá lugar en el Amazonas. Manu Pombrol es otro artista que deja huella imborrable en cada objetivo que se marca. Sus fotografías son de las cosas más espectaculares que he visto en mi vida… es todo un despilfarro de una potentísima imaginación tanto técnica como artística. No es solo lo que compone es la idea que se le pasa por la cabeza y que plasma con una calculada composición que le hace dudar a usted y a cualquiera si es real o no… luz, sombras, colores, mensajes, originalidad absoluta, sentimiento y contundencia se puede percibir en el primer segundo que usted vea de cualquiera de sus fotos. Ambos trabajarán juntos y le pedí a Miguel que su episodio fuera el cierre de la primera temporada… ¿hace falta decir por qué?

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11. ¿Con qué te gustaría que se quedara el público tras ver este piloto?

Solo deseo que los espectadores quieran seguir viendo más capítulos y se unan más artistas en este viaje que puede acabar rápido o podría durar años. Confío en que no se “extinga”.

TONY SCOTT. CINE A QUEMARROPA

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Empezábamos esta penúltima semana de agosto con la impactante noticia de la muerte de Tony Scott a la edad de 68 años. Impactante por la pérdida imprevista de este cineasta, pero también por el modo en el que nos abandonaba, suicidándose al lanzarse desde el puente Vincent Thomas, que une la localidad de San Pedro y la isla Terminal de Los Ángeles. Resulta paradójico que lo que en el cine hubiese sido un prometedor comienzo para una de sus películas, en la vida real se haya convertido un final tan dramático. De origen británico y hermano del también cineasta Ridley Scott, con el que compartía la productora Scott Free, Tony Scott se caracterizó toda su carrera por apostar por cintas de acción de alto voltaje, sustentadas principalmente en una narrativa ágil y portentosa, a base de planos muy cortos y estilizados y de montajes rápidos, heredados del lenguaje publicitario. En lo temático, la suya era una filmografía que apuntaba a los modos del cine de los 70, películas ásperas, rebosantes de testosterona, con personajes masculinos de fuerte personalidad y mujeres de armas tomar. Pese a que nunca rodó un western per se, la gran mayoría de sus trabajos beben de manera más o menos directa de este género. Podemos decir que si en lo formal sus películas apuntaban hacia la modernidad, en lo referente al contenido era más tradicional y conservador, con un fuerte mensaje nacionalista y patriótico (a pesar de no haber nacido en Estados Unidos), heredando su visión de las historias y los personajes de nombres como Sam Peckinpah o Walter Hill.

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Las dieciséis películas que dirigió a lo largo de sus casi 30 años de carrera buscaron en todo momento ofrecer un equilibrio cohesionado y coherente entre cine comercial y un discurso propio e identificable, anticipatorio de los patrones que hoy en día definen el estilo de cineastas como Michael Bay o Antoine Fuqua. Esta forma de ver el cine hizo que durante mucho tiempo su filmografía fuera infravalorada en comparación con la de su hermano Ridley, recibiendo este el aplauso de la crítica como autor cinematográfico frente a Tony, al que se le consideraba meramente un realizador comercial. Sin embargo, mientras el creador de “Alien. El Octavo Pasajero” o “Blade Runner” ha desarrollado una carrera llena de altibajos, alejándose paulatinamente de las dos obras que le dieron la fama, su hermano lograba mantener una línea más equilibrada, viendo recientemente, tras dos décadas detrás la cámara, como sus esfuerzos empezaban a ser valorados de manera seria y su filmografía recibía el reconocimiento que se merecía. Su vocación inicial era la pintura, siendo Ridley Scott quien le metiera el gusanillo del cine en el cuerpo. Tony fue el protagonista del primer cortometraje de su hermano “Boy and Bicycle” y juntos formaron su productora especializada en trabajos publicitarios, medio en el que afianzaron sus dotes narrativas y su gusto estético, por no hablar de labrarse una fortuna que, de por si sola, les hubiese permitido vivir cómodamente el resto de su vida. De ahí que para los hermanos Scott, el cine no haya sido un fin económico, sino una necesidad artística.

El Ansia

Si ya el debut de Ridley en 1977 con “Los Duelistas” era una opera prima ambiciosa, basada en un relato de Josep Conrad, el pistoletazo de salida de Tony con “El Ansia” en 1983 fue absolutamente memorable. Inicialmente el director previsto para esta producción fue Alan Parker, sin embargo este, fascinado con el trabajo en publicidad de Scott, convenció al productor, Richard Shepherd, para que le encargara a él el trabajo. Ya con un reparto encabezado por Catherine Deneuve, David Bowie y Susan Sarandon podemos decir que la película contaba con todas las papeletas para convertirse en un título de culto, sin embargo, el resultado fue mucho más allá de la personalidad de su trío protagonista. Para esta vuelta de tuerca sobre la mitología del vampiro, con una lectura macabra sobre la maldición de la eternidad y la pérdida del amor y la humanidad, Scott planteó una puesta en escena absolutamente moderna, que abría de manera poderosa con la brutal escena en el club, donde los vampiros protagonistas seducen a una pareja a ritmo de la canción “Bela Lugosi Is Dead” del grupo Bauhaus. Curiosamente, a partir de aquí, la cinta cambiaba de tercio y optaba por un itinerario más reflexivo y poético, con momentos absolutamente magistrales, como la secuencia del envejecimiento acelerado del personaje de Bowie, la escena de amor entre Deneuve y Sarandon (deliciosamente acompañada por “Duo de las Flores” de la ópera “Lakmé” compuesta por Léo Delibes) o el aterrador final en el que la protagonista sucumbe al despertar de sus pecados escondidos en el ático. Con esta película, Scott dejó claro su interés por un cine esteticista, donde la imagen es el motor de la historia y no al contrario.

top gun

Tras un arranque tan personal y experimental, la carrera del cineasta dio un giro de 180 grados con su siguiente proyecto, “Top Gun”, una película claramente comercial, vehículo de lucimiento para la estrella emergente de Tom Cruise, producida por Jerry Bruckheimer y con la aprobación de las Fuerzas Aéreas Estadounidenses. La película se convirtió en un éxito de taquilla inmediato, creando una moda de títulos de aviación protagonizados por adolescentes (con “Águila de Acero” como ejemplo más cercano) y definiendo a Tony Scott como un cineasta con un dinamismo especial para escenificar escenas de acción y darles un sentido fresco y novedoso a través del montaje. A grandes rasgos podemos decir que “Top Gun” fue su primer western moderno, sustituyendo a los vaqueros por pilotos de combate y los caballos y las pistolas por F-14s. La camaradería que se genera entre Maverick y su compañero, Goose (Anthony Edwards), la peculiar relación de competitividad masculina en el programa de adiestramiento (con Val Kilmer interpretando al némesis del héroe, Iceman), esa sociedad estructurada bajo un código de honor regido por la jerarquía militar o la presencia de una atractiva instructora fría y dominante (Kelly McGillis) que acaba dejándose seducir por la rebeldía del protagonista perfectamente hubiesen encajado en uno de los westerns de Howard Hawks, pero pasado por el filtro de una narrativa marcadamente ochentera.

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En 1987, tras el éxito obtenido con “Top Gun”, Jerry Bruckheimer vio claramente en la figura de Tony Scott al cineasta clave para encargarse de “Superdetective en Hollywood II”. Se reunió al reparto original, encabezado por Eddie Murphy, Judge Reinhold y John Ashton y se añadió como pareja de villanos a Jürgen Prochnow y Brigitte Nielsen. Para él se trataba de su primer papel destacado en Hollywood tras protagonizar “El Submarino” e interpretar al Duque Leto Atreides en “Dune”, mientras que ella aún aprovechaba la fama obtenida gracias a su matrimonio con Sylvester Stallone y que ya le había granjeado papeles en títulos como “El Guerrero Rojo”, “Rocky IV” o “Cobra” (Scott y Nielsen mantuvieron un aireado affair que acabó con los matrimonios de ambos). La película cumplió su parte como vehículo humorístico para su protagonista, pero claramente se posicionó como una secuela más enfocada a la acción y definida por el estilo narrativo de su director,destacando una dirección de fotografía de Jeffrey L. Kimball, que alterna la luminosidad de la cara más glamorosa de Hollywood con el tono crepuscular y granulado del western. El propio Scott definió la cinta como un cruce entre la primera entrega y la cinta de Walter Hill “Límite 48 Horas” (también protagonizada por Eddie Murphy). Desgraciadamente, costando el doble y sin ser en absoluto un fracaso de taquilla, la película recaudó menos que su predecesora y obtuvo una recepción menos positiva por parte del público.

revenge

Tras dos trabajos abiertamente comerciales, Tony Scott regresó a un discurso más personal con “Revenge” (junto con “El Fuego de la Venganza” lo más cerca que estuvo el cineasta en toda su filmografía del espíritu del western y del cine de Peckinpah). Inicialmente la cinta iba a estar dirigida por John Huston (otro referente claro para el estilo de Scott) con Jack Nicholson en el papel principal. Otro cineasta aspirante a dirigir esta película fue Walter Hill, quien quería a Jeff Bridges para liderar el reparto. Protagonizada por Kevin Costner el mismo año de “Bailando con Lobos”, se trataba de una contundente historia de amor, honor y venganza, ambientada en México y co-protagonizada por unos excelentes Madeleine Stowe y Anthony Quinn. Si “El Ansia” supuso una sobresaliente presentación para este director, “Revenge” se convirtió en su primera obra maestra, la confirmación de su madurez narrativa. Scott ofreció aquí una cinta cruda y descarnada, sin concesiones hacia los patrones comerciales de la industria. Quizás precisamente por esto se convirtió en una película incomprendida en el momento de su estreno, aunque poco a poco pasó a ser encumbrada como título de culto y una de las rarae aves producidas dentro de Hollywood en la década de los 90.

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Tras esta pobre recepción inicial de “Revenge”, el cineasta debía reconciliarse con la industria y qué mejor opción que reunir al equipo ganador de “Top Gun” para rodar una cinta sobre carreras de coche: Tom Cruise encabezaba el reparto, Bruckheimer volvía a producir y Scott se colocaba tras la cámara, incluso se escogió como principal contrincante del protagonista a Cary Elwes, un actor con un notable parecido físico con Val Kilmer, para un papel que recordaba al Iceman de la cinta de 1986. “Días de Trueno”nació también como un capricho personal de Cruise, quien se había aficionado a practicar este deporte a manos de Paul Newman tras co-protagonizar ambos “El Color del Dinero”, sin embargo su producción no fue nada afortunada. Comenzaron a rodar sin guión, por lo que Robert Towne escribía las escenas por la noche y se rodaban al día siguiente. El resultado fue una cinta endeble, pero que alcanzaba sus mejores cotas en las escenas en los circuitos gracias a la rabiosa narrativa del director, que situaba al espectador en plena carrera, exudando adrenalina. En esta ocasión, las fallas del guion o lo irregular de la cinta no frenaron a los espectadoresa la hora de acudir a las salas, entregándole a Scott aquello que más necesitaba en aquel momento, un éxito de taquilla. A día de hoy, más allá de esas secuencias de carreras, la cinta es recordada por ser donde Tom Cruise conoció a Nicole Kidman, iniciando una larga relación que incluiría un matrimonio y otras dos películas en común (“Un Horizonte muy Lejano” de Ron Howard y “Eyes Wide Shut” a las órdenes de Stanley Kubrick).

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De las manos de Bruckheimer, Tony Scott pasó a trabajar con otro de los productores de cine de acción clave de los 80 y los 90, Joel Silver, en la cinta de 1991 “El Último Boy Scout”. Con esta película, Silver se reencontraba con el guionista de uno de sus mayores éxitos, Shane Black (creador de “Arma Letal”, quien con este guion pasó a convertirse en el primer guionista en cobrar un millón de dólares por su libreto), y con la estrella de otro de ellos, Bruce Willis (a quien Silver le brindó el papel más importante de su carrera, el John McClane de “La Jungla de Cristal”). Vibrante, con personajes antológicos, repleta de frases lapidarias y escenas de acción adrenalínicas, la película está considerada como uno de los mejores ejemplos del actioner tardío de los 80 e incluso nos ofrecía uno de los primeros papeles (aunque fugaz) de la actriz Halle Berry. Una vez más Tony Scott se postulaba como un director de fuerte ímpetu comercial, pero también creador incansable de títulos de culto, venerados por una amplia audiencia de cinéfilos capaces de repetir de memoria algunas de las frases o situaciones más rocambolescas de sus películas.

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Y de un título de culto a otro. Poco antes de saltar a la fama gracias a “Reservoir Dogs”, Quentin Tarantino vendió dos libretos que inmediatamente fueron llevados a la pantalla, aprovechando la nueva notoriedad obtenida por el cineasta. Uno de ellos, “Asesinos Natos”, fue dirigido por Oliver Stone, generando una animada controversia sobre el tema de autoría entre los dos artistas, mientras que el segundo, “Amor a Quemarropa”, fue dirigido por Tony Scott y ampliamente aplaudido por el autor de “Pulp Fiction”. Quedaba así claro hacia donde apuntaban las afinidades de Tarantino. Tomando como referente “Malas Tierras” de Terrence Malick (de la que incluso el compositor Hans Zimmer versionó su uso del tema “Gassenhauer”, perteneciente a la música poética de Carl Orff, como tema principal), la cinta es un encadenado de escenas de acción explosivas, unidas por antológicos diálogos y frases lapidarias con el sello particular de Tarantino. La cinta respeta por completo la identidad de su guionista, manteniendo incluso sus constantes citas cinéfilas, sin por ello restar un ápice de la potente personalidad narrativa de su director, quien de nuevo rueda esta historia como si se tratara de un western moderno, sin faltar un desaforado tiroteo para el clímax final, ni un epílogo a la puesta de sol.

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De nuevo bajo el amparo de Jerry Bruckheimer y con una historia de patriotismo militar, el cineasta rodó en 1995 “Marea Roja”, sufriendo otra vez una producción que no parecía prometer buenos resultados artísticos. El guion estuvo sometido a varias reescrituras a cargo de diferentes escritores no acreditados (entre ellos, célebres script doctors como Robert Towne, Steven Zaillian y Quentin Tarantino), incluso con el rodaje ya en marcha, lo que implicaba cambiar elementos y parchear otros para no caer en incongruencias. Fue el propio Scott quien le pidió a Tarantino que revisara el texto y añadiera algunas frases que dieran personalidad y fuerza a los diálogos. Los dos actores protagonistas Denzel Washington y Gene Hackman exigieron que sus personajes fueran reescritos profusamente y que se añadieran nuevas escenas entre los dos para dejar más patente la confrontación de sus posiciones. Contra pronóstico, todos estos problemas acabaron encajando de manera adecuada, lo que sumado al fuerte carisma de los dos protagonistas, la puesta en escena trepidante e imparable de Scott (quien algunas escenas llegó a rodarlas con múltiples cámaras simultáneas para contar con diferentes perspectivas en montaje), la dirección de fotografía de Dariusz Wolski o la potente partitura de Hans Zimmer dieron como resultado un thriller bélico de alto nivel, sostenido con el trabajo de personajes y el increíble ritmo logrado a lo largo de todo el metraje.

the fan

Justo a continuación Tony Scott pasó a encargarse de un proyecto prometedor, “Fanático” con un duelo interpretativo entre Robert De Niro y Wesley Snipes. Ambientada en el mundo del deporte y lejos de querer ser un mero thriller psicológico, la película no sólo profundizaba en la personalidad conflictiva de un fan obsesionado con uno de los jugadores hasta niveles patológicos y psicóticos, sino que también analizaba las relaciones de competitividad y las presiones a las que se ven sometidos los jugadores profesionales. La narrativa de Scott resultó decisiva a la hora de dar un tono ominoso a las escenificaciones de los partidos (algo que ya había quedado patente en el prólogo de “El Último Boy Scout”) y la cinta destinó bastante metraje para describir la vida personal de los dos personajes principales, dedicando, por ejemplo, De Niro mucho tiempo de preparación del personaje a la documentación sobre el comportamiento de los fans del baseball, pero también sobre casos reales de psicópatas acosadores en Estados Unidos. Desgraciadamente, pese a esto, la cinta quedó lastrada por un exceso de duración y cierta falta de ritmo, dado como resultado una película ambiciosa e interesante, pero fallida.

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En 1998 Scott volvió a reunirse con Jerry Bruckheimer para el thriller de conspiración tecnológica “Enemigo Público”. Protagonizada por Will Smith (quien consiguió convertirla en un vehículo estelar particular, a pesar de que previamente se había pensado en actores tan dispares como Tom Cruise o Mel Gibson) y Gene Hackman (quien rechazó varias veces el papel, aceptando finalmente participar tras una llamada personal de Tony Scott), la cinta cuenta también con un amplio reparto de destacados secundarios, como Jon Voigh, Lisa Bonet, Gabriel Byrne o Tom Sizemore (y otros aún desconocidos en el momento del rodaje como Jack Black, Scott Caan, Jake Busey, Seth Green o Barry Pepper). Alejado de propuestas más ambiciosas como “Fanático” o “Revenge”, “Enemigo Público” es un divertimento, una lúdica cinta de acción muy bien armada, dinámica, con personajes estereotipados, pero bien definidos y acción sin pausa. No es la mejor película de Scott, pero sí una de las más entretenidas y un paso adelante hacia el tipo de cine que seguiría desarrollando posteriormente.

spygame

A continuación llegó “Spy Game”, una potente cinta de espías (con no pocos puntos en común con “Red de Mentiras”, realizada años más tarde por Ridley Scott), ambientada en diferentes tiempos y localizaciones, con continuos saltos temporales y espaciales y que combina un apartado de acción, a través de la trama que protagoniza Brad Pitt, con intriga y suspense en el bloque burocrático que lidera Robert Redford. La elección de estos actores no parece casual, ya que uno de los primeros papeles destacados de Pitt fue en la cinta de dirigida por Redford “El Río de la Vida”, donde la crítica no dudo en etiquetar a la joven estrella como el heredero del mítico galán de los 70, basándose sobre todo en un asombroso parecido físico. Aquí ambos interpretan a un espía veterano a punto de retirarse y su principal discípulo, continuando aquel juego establecido entre las dos estrellas allá por 1992. Los continuos giros de trama, los vericuetos de su argumento y lo huidizo de cada uno de los personajes, de los que el espectador no sabe hasta el final a ciencia cierta si fiarse o no, convirtieron a “Spy Game” en un vertiginoso ejemplo de thriller de acción, dotado del implacable ritmo narrativo de un maestro como Tony Scott.

Man-on-Fire

Lo que décadas anteriores era un estilo narrativo con identidad propia, ya desde mediados de los 90 había pasado a instaurarse como el canon del cine de acción debido a la masiva incorporación de realizadores procedentes del terreno del videoclip al mundo del cine. Consciente de esto, a mediados de la primera década del siglo XXI, Tony Scott probó fortuna con una mayor experimentación estética postmoderna en sus películas, manteniendo sus rasgos habituales, pero añadiendo otros nuevos, como insertar mensajes cuasi subliminales en los planos para mediatizar a la audiencia sobre el desarrollo de la acción. “El Fuego de la Venganza”surgió como remake de la cinta de 1987 “Bala Blindada” (película que el propio Scott estuvo a punto de dirigir en su momento, pero para la que fue rechazado por el estudio ya que aún no le había llegado el éxito de “Top Gun”), con Denzel Washington retomando el papel de Scott Glenn como un ex agente de la CIA contratado para proteger a una niña interpretada por Dakota Fanning. Scott llevó aquí a sus máximas consecuencias su querencia por el cine de Sam Peckingpah, rodando una película sucia, violenta, de personajes fracasados a los que únicamente les queda su creencia en un obsoleto código de honor. Este cambio en su discurso fue recibido de manera positiva por la crítica, que saludaba ahora a Scott como un cineasta maduro, personal, menos subordinado a los patrones comerciales de Hollywood, sin darse cuenta de que el cineasta no había cambiado sus modos, sino que simplemente había dado un paso natural en la evolución de su estilo habitual. Curiosamente los directores previamente tanteados para este remake fueron Michael Bay y Antoine Fuqua, dos adelantados seguidores del estilo de Tony Scott.

domino

La excelente recepción obtenida con “El Fuego de la Venganza”, animó a Tony Scott a continuar por ese camino con su siguiente proyecto, “Domino”, pseudobiopic de Domino Harvey, ex modelo hija del actor Laurence Harvey transformada en cazarrecompensas. Con una Keira Knightley recién salida de “Orgullo y Prejuicio” y un Mickey Rourke previo a su recuperación con “El Luchador”, la cinta mantiene las constantes del cine de Tony Scott y el tipo de personajes que tanto le gustaba ilustrar en la pantalla, con la peculiaridad de que se trataba de la primera película con protagonista femenina en la carrera del cineasta desde su debut con “El Ansia”. Domino Harvey es una mujer de armas tomar capaz de superar al resto de los curtidos personajes masculinos de la cinta en su propio terreno. Por segunda ocasión, Scott experimentaba con la imagen introduciendo recursos postmodernos en el montaje, además de apoyarse en una fotografía saturada que potencia el tono sucio de los ambientes donde se desarrolla la trama. Sin embargo, una vez más la ambición del cineasta superó los resultados y lo que en su película anterior había sido recibido con aplausos, aquí fue tachado de pretencioso y sobrecargado, saldando el resultado final de la película en un nuevo fracaso para su carrera.

deja vu

Este varapalo frenó las inquietudes experimentales de Scott, quien para sus siguientes películas dio un paso atrás, recuperando un tono menos trasgresor. Otro elemento que el cineasta no había recuperado en su carrera desde “El Ansia” era la temática fantástica (aunque trazos de ella se pueden encontrar en muchos de sus títulos). En 2006 regresó al terreno de las producciones de Jerry Bruckheimer con “Deja Vu”, cinta de ciencia ficción con trama de viajes en el tiempo que le reunía con dos actores de su filmografía anterior: Denzel Washington, con quien el cineasta estableció buenas migas durante el rodaje de “El Fuego del a Venganza” y que a partir de este momento pasó a convertirse en su actor fetiche, y Val Kilmer, menos apolíneo que en “Top Gun” y que también había hecho un cameo como Elvis en “Amor a Quemarropa” (el actor también llegó a participar en un episodio de la serie “Numbers”, producida por Scott Free y que estaba firmado por Tony). “Deja Vu” se amparaba en algunas de las constantes habituales del cine de Scott, especialmente en todo lo referente a su pirotecnia visual (a destacar la portentosa secuencia neural y recurrente del argumento, la explosión del ferry), y si bien las paradojas temporales que planteaba resultaban confusas e inconsistentes, estas acababan siendo poco más que un alambicado McGuffin para poder contar una peculiar historia de amor. La sintonía del director con su estrella y ese aspecto casi fantasmagórico del romance entre los personajes de Denzel Washington y Paula Staunton convierten a este título en una película atípica, aunque irregular.

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Washington volvió a postularse como protagonista en el siguiente trabajo de Scott, “Asalto al Tren Pelham 1, 2, 3”, remake del clásico dirigido por Joseph Sargenten 1974. Si en aquella el duelo principal se establecía entre un peculiar Walter Matthau y un siniestro Robert Shaw, aquí el protagonista de “Malcolm X” se enfrentaba a otro actor de especial carisma, John Travolta. En esta nueva versión se reduce la relevancia de otros personajes y tramas circundantes para potenciar la contienda entre las dos estrellas (dejando casi sin esencia, por ejemplo, al personaje del alcalde del Nueva York interpretado por James Gandolfini), sin embargo, como ya sucediera en “Enemigo Público” o “Spy Game”, Scott si da especial importancia a la tecnología como herramienta narrativa a la hora de conectar a un héroe y su némesis, quienes salvo al final de la película a penas coinciden físicamente en escena. Si bien la cinta sí se veía favorecida por el carisma y la química de los dos protagonistas, esta decisión eliminó del remake los componentes de crítica social que elevaron a la original a un estatus de culto, restando interés al conjunto de la obra. Viendo la película esto último se lo podemos adjudicar más a un cambio en postproducción y la eliminación de material durante el proceso de montaje para aligerar el metraje y adecuarse a una duración Standard, una decisión habitual en Hollywood, pero que aquí en última instancia lastró las posibilidades dramáticas de la historia.

unstoppable

Tras los terribles acontecimientos de esta semana, la filmografía de Tony Scott se cierra con “Imparable” de 2010, una vez más con Denzel Washington, al que acompañaron Chris Pine y Rosario Dawson. Desde luego no es la mejor película de su carrera, ni merecedora de clausurar una filmografía tan especial, pero no se puede negar que, en su esencia, es puro cine de Tony Scott. Al fin y al cabo, qué puede resumir mejor las claves de su cine que ese tren desbocado que arrastra consigo un cargamento de productos químicos. Como ya sucediera con “Deja Vú”, este elemento se convierte en un titánico McGuffin para que el director despliegue no solo toda su artillería narrativa, sino para presentar a dos protagonistas exudando testosterona en un contexto que permita el desarrollo de una relación de camaradería y honorabilidad mutua. El resultado es un entretenimiento sólido, aunque carente de peso específico, más allá de la personalidad de su director y la labor de los dos actores.

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La pérdida de Tony Scott deja huérfanos a varios proyectos en los que estaba involucrado, especialmente la anunciada secuela de “Top Gun” donde ya estaba acordado volver a reunir al veterano director con Tom Cruise para presentarnos a un Maverick maduro convertido ahora en el adiestrador de una nueva generación de pilotos de combate. ¿Será posible sacar adelante ahora este proyecto? Eso seguramente dependerá de la respuesta de Cruise, sin embargo, de ser así, ni esta secuela, ni el cine de acción en general, volverán a ser lo mismo sin Tony Scott.

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viernes, 17 de agosto de 2012

ESTRENOS DEL 17 DE AGOSTO

quiero ser italiano

El estreno europeo de esta semana es “Quiero Ser Italiano”, una comedia de producción francesa que, con un tono amable, se acerca a los clichés culturales con los que identificamos a diferentes nacionalidades, así como el emergente racismo hacia el mundo musulmán tras los acontecimientos de la pasada década. La cinta está dirigida por Olivier Baroux y tiene como principales protagonistas a Kad Merad, Valérie Benguigui, Roland Giraud, Philippe Lefebvre y Guillaume Gallienne.

Dino Fabrizzi es el vendedor número 1 de Maserati en Niza. A la edad de 42 años, está a punto de ser ascendido en su trabajo y su novia quiere casarse con él. La vida es magnífica para Dino. Pero esta vida perfecta está basada en una mentira. El verdadero nombre de Dino es Mourad Ben Saoud, un dato que mantiene en secreto de su jefe e incluso de su novia. Excepcionalmente Mourad deberá cumplir el Ramadán para honrar una promesa hecha a su padre enfermo... y no va a ser fácil disimularlo.

los 3 chiflados

El trío humorístico Los Tres Chiflados nació en 1920, pasando por diferentes formaciones hasta clausurarse en 1970. A lo largo de estos 50 años de historia, generaron multitud de películas y cortometrajes, estableciendo como marca de fábrica un peculiar sentido del humor físico, basado sobre todo en las peleas a tres bandas de los protagonistas. Si bien gozan de una gran fama en el mundo anglosajón, no son especialmente conocidos en nuestro país, salvo sobre todo por las referencias que se les ha hecho en multitud de películas. Ahora los Hermanos Farrelli, responsables de títulos como “Dos Tontos muy Tontos” o “Algo Pasa con Mary”, resucitan a Larry, Moe y Curly en una nueva versión cinematográfica destinada a las nuevas generaciones. Protagonizada por Sean Hayes, Chris Diamantopoulos y Will Sasso, cuenta también con la presencia de Sofía Vergara, Jane Lynch, Stephen Collins, Larry David, Jennifer Hudson.

Abandonados en la puerta de un orfanato regido por unas monjas, los recién nacidos Moe, Larry y Curly van criándose hasta alcanzar niveles desconocidos de desdichada estupidez a base meterse el dedo en el ojo, hacer muecas estrambóticas y tratar de camelar a quien se les ponga por delante. Empeñados ahora en salvar el hogar de su infancia, sólo Los Tres Chiflados podían verse mezclados en una descabellada trama criminal... al tiempo que, por pura casualidad, consiguen papeles estelares en un reality show televisivo inmensamente exitoso.

piratas

Después de probar las mieles de la animación digital con títulos como “Ratónpolis” o “Arthur Christmas: Operación regalo”, los estudios Aardman, creadores de las aventuras de Wallace y Gromit, regresan a la animación stop-motion con “Piratas”, aventura para toda la familia. Contando en la versión original con las voces de Hugh Grant, Brendan Gleeson, Jeremy Piven o Salma Hayek, el doblaje español incorpora a veteranos actores como José Coronado, pero también cameos externos como el futbolista Andrés Iniesta.

El exuberante barbudo Capitán Pirata – un entusiasta ilimitado, y algo menos que exitoso, terror de los mares, junto con una andrajosa tripulación a su lado, tiene un sueño: vencer a sus grandes rivales Black Bellamy y Cutlass Liz para lograr el muy codiciado premio al Pirata del Año. Una búsqueda que lleva a nuestros héroes desde las costas de la exótica Blood Island a las calles cubiertas de niebla del Londres Victoriano. A lo largo del camino tendrán que batallar contra la Reina Victoria que odia a los piratas, y asociarse con un joven Charles Darwin, sin perder nunca de vista aquello que un pirata ama por encima de todo… ¡la aventura!

bourne legacy

Las desavenencias entre el estudio, el cineasta Paul Greengrass y el actor Matt Damon han provocado que la cuarta entrega de las aventuras de Jason Bourne haya tomado un rumbo diferente. Tony Gilroy, hasta ahora guionista de la serie, toma la dirección de la película y el papel principal pasa a estar interpretado por Jeremy Renner, quien gracias a “En Tierra Hostil”, “Misión Imposible. Protocolo Fantasma” y “Los Vengadores” se ha hecho un hecho como uno de los nuevos héroes de acción de Hollywood. Esta nueva secuela cuenta también con otros rostros conocidos, algunos reincidentes como Joan Allen, Albert Finney, Scott Glenn o David Strathairn y otros nuevos como Rachel Weisz, Edward Norton, Oscar Isaac o Stacy Keach.

“El Legado de Bourne” es exactamente eso, el legado, la consecuencia de lo que ha pasado antes. Las revelaciones de Jason Bourne a los medios al final de “El Ultimátum de Bourne” se han convertido en un incendio incontrolado que amenaza con destruir décadas de investigación y desarrollo para la obtención de espías y guerreros mucho más eficaces. Descubriremos que hay varios programas de inteligencia y que Treadstone, de la CIA, era simplemente uno de los primeros. Ahora se trata de impedir que salgan a la luz los otros programas.

Aaron Cross (Jeremy Renner) es uno de los seis agentes secretos creados por el programa Outcome. Los agentes de este programa no pertenecen a la CIA, sino al Departamento de Defensa. No han sido diseñados para asesinar, sino para funcionar en solitario en misiones altamente arriesgadas de larga duración. El estudio del comportamiento que dio pie al programa Treadstone ha avanzado mucho, pero dado que ambos programas comparten el mismo origen, Outcome se convierte en un peligro cuando la historia de Bourne pasa al dominio público.

El coronel retirado Eric Byer (Edward Norton) es el director de una agencia encubierta conocida como National Research Assay Group (NRAG) (Grupo de Ensayo de Investigación Nacional – GEIN), que controla el universo de Bourne. Es el diseñador de los programas; luchó para conseguir los fondos necesarios y después vendió los programas a diversos servicios secretos aprovechándose de la “espíacracia” de la era pos 11 de septiembre. Al correr la cortina, comprendemos que Byer siempre ha estado allí, observando el desarrollo de los acontecimientos que seguimos en las anteriores películas. El mundo de Byer se ve amenazado porque la CIA es incapaz de parar a Jason Bourne. Sabe que la caída de Treadstone desvelará la relación profesional entre los médicos encargados de los programas, y decide sacrificar Outcome. En otras palabras, eliminar a cualquiera que haya participado en el programa, incluso a los investigadores y al personal médico que ayudaron a crearlo. Usará todos los medios a su alcance para borrar el programa infectado y así salvar el resto de sus investigaciones.

jueves, 16 de agosto de 2012

TODOS SOMOS ELVIS

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Se cumplen 35 años de la muerte de Elvis Presley, un icono del rock cuya desaparición marcó a toda una generación y que, desde entonces, ha seguido inspirando a múltiples artistas y seguidores. Como parte de su promoción musical, la estrella rodó más de 30 largometrajes con los que se buscaba impulsar aún más su imagen de símbolo sexual juvenil, sin embargo, más allá del apartado musical, la presencia del ídolo y algún que otro dato amarillista como su idilio con la actriz Ann-Magret, ninguna de estas películas cuenta con demasiado prestigio cinematográfico. Pero, por supuesto, la relación del Rey con el Séptimo Arte no acaba ahí y, tras su muerte, muchos han sido los actores que han recuperado su presencia tanto en cine como televisión, por regla general, con una finalidad biográfica, pero también, en ocasiones, dejándose llevar por la imaginación.
Elvis 02
El primer actor en encarnar al Rey del Rock fue Kurt Russell, en el biopic para televisión “Elvis”. Esta cinta producida en 1979 cuenta con varias curiosidades, como por ejemplo, el ser una de las pocas películas de temática no fantástica del maestro del terror John Carpenter, quien por aquel entonces ya había dirigido dos películas míticas de su filmografía, “Asalto a la Comisaría del Distrito 13” o “La Noche de Halloween”. Esta fue también la primera vez que el cineasta coincidió con el que pasó a ser su actor fetiche, reencontrándose dos años más tarde en la legendaria “1997. Rescate en Nueva York”. Russell presto su físico para resucitar al cantante, pero la voz que interpretó las canciones no era la suya, sino la de Ronnie McDowell, quien repitió labor en producciones posteriores.
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Y de un tipo duro de los 80 pasamos a otro, ya que en 1981 Don Johnson (de nuevo auxiliado en el apartado musical por Ronnie McDowell) protagonizó la cinta de Gus Trikonis “Elvis and the Beauty Queen”, otra producción para televisión aunque en este caso de carácter desmitificador, centrándose en la relación del cantante con la artista y modelo Linda Thompson (interpretada en la película por Stephanie Zimbalist, un año antes de protagonizar la serie “Remington Steele”). La cinta tuvo una pésima recepción y la labor de Johnson como sosías de Elvis fue ampliamente criticada por los fans de la estrella.
Elvis 04
Más respetuosa con la figura del actor y ambiciosa a la hora de abarcar diferentes etapas de su vida fue el documental “Este es Elvis”, donde además de material de archivo a partir de actuaciones y entrevistas, se incluyó una parte de recreación, donde los actores Paul Boensch III, David Scott, Dana Mackay y Johnny Harra le interpretaron a la edad de 10, 18, 35 y 42, respectivamente. Esta cinta está considerada como uno de los más importantes tributos cinematográficos que se le han hecho al Rey del Rock, aunque la parte documental es notablemente superior a los fragmentos ficcionalizados de su vida, sobre todo porque en el momento de su estreno incluía bastante material inédito del artista.
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La integración de la figura de Elvis en la cultura popular quedó confirmada una vez su estatus de personaje histórico dio paso a un icono libre de los condicionantes de su propia biografía. En 1986, los cineastas John D. Hancock y Jim McBride se encargaron de dirigir el episodio “The Once and Future King” de la segunda temporada de la serie de televisión “Más Allá de los Límites de la Realidad”. En él, Jeff Yagher se encargaba de interpretar el doble papel de Gary, un imitador de Elvis, y el propio Presley, quienes debido a una paradoja temporal coinciden a medidos de los año 50, justo antes de que el Rey del Rock iniciara su carrera artística.
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Uno de los aspectos a los que más partido cinematográfico se le ha sacado de la vida de Elvis Presley es a su relación con Priscilla Beaulieu Presley, especialmente a partir de la autobiografía de ésta, “Elvis and Me”. Este libro ya inspiró una adaptación para televisión en 1988 dirigida por Larry Peerce, con Susan Walters (quien previamente había aparecido en 10 episodios de la serie “Hotel”) como protagonista y Dale Midkiff en el papel de Elvis Presley, doblado nuevamente por Ronnie McDowell para las partes musicales.
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Ese mismo año, el guionista Chris Columbus llevaba a cabo su segunda película como director con “Heartbreak Hotel”, donde David Keith interpretaba a un Elvis Presley secuestrado por un adolescente con el fin de presentárselo a su madre. De argumento evidentemente ficticio, la cinta era una amable comedia juvenil, al gusto del cine de los 80, que sacaba partido a la presencia del Rey del Rock para aportar un cierto toque de nostalgia a la trama.
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La relación de Elvis con otros artistas de la época ha quedado también reflejada en películas biográficas de esos otros compañeros. En 1989, Jim McBride (quien, como hemos mencionado antes, ya se había acercado a la figura del Rey en un episodio de “Más Allá de los Límites de la Realidad”) llevó la vida de otro importante rockero contemporáneo al cine, Jerry Lee Lewis, en la popular cinta “Gran Bola de Fuego”. Dennis Quaid interpretó el papel principal, mientras que, entre el reparto de secundarios, Michael St. Gerard hizo una breve aparición dando vida a Elvis Presley.
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St. Gerard volvió a repetir personaje en varias ocasiones. En 1989 volvió a ser el Rey del Rock en “El Color del Odio” y en 1993 participó en el episodio “Memphis Melody - July 3, 1954” de la serie de televisión “A Través del Tiempo”. Sin embargo, donde más y mejor pudo representarle fue en la serie de 1990 “Elvis”, recreación detallada, a lo largo de 13 episodios, de la vida del artista, donde también encontramos al joven actor David Dunavent, encargado de interpretar la infancia de Presley.
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En la cinta de 1993 “Amor a Quemarropa”, el personaje protagonista, interpretado por Christian Slater, es un gran fan de Elvis, y en momentos de duda existencial siempre se le aparece la figura del Rey (aunque en los títulos de crédito aparece mencionado como “El Mentor”) para darle consejos sobre cómo actuar. Para este efímero papel, nunca reflejado claramente en pantalla, se contó con un irreconocible Val Kilmer, quien tuvo que afrontar largas sesiones de maquillaje para dar vida a este personaje.
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Elvis tuvo también un breve pero determinante papel en la vida de “Forrest Gump”, en la cinta dirigida por Robert Zemeckis en 1994. La historia nos presentaba como el joven músico, que aún no ha alcanzado la fama, aprendía a llevar a cabo su legendario movimiento de pelvis. Este papel lo interpretó Peter Dobson, aunque la voz que oímos en la versión original pertenece a Kurt Russell, recuperando al personaje que ya había interpretado 15 años atrás.
Rick Peters and Bob Gunton in Elvis Meets Nixon.
En 1997, Roddy McDowall prestó por última vez su voz como cantante a la figura de Elvis Presley. Fue en la comedia para televisión “Elvis y Nixon: ¡Vaya Dúo!”, una falso documental que partía de una visita real que realizó el Rey del Rock a la Casablanca en 1970, en pleno mandato de Richard Nixon, para parodiar la política de éste y reírse del concepto que se tenía de las drogas en aquella época. El actor que se encargó de encarnar al músico fue Rick Peters, mientras que el papel de Nixon recayó en Bob Gunton.
Elvis 13
Siguiendo con el tono paródico, mezclado con el género de terror, en 2002 el cineasta Don Coscarelli, creador de series cinematográficas como “Phantasma” o “El Señor de las Bestias”, dirigió “Bubba Ho-Tep”, en la que un envejecido Elvis Presley, desde hace años confundido con uno de sus imitadores, debe enfrentarse a la maldición de una vieja momia egipcia que está asesinando a los habitantes de una residencia de ancianos en Texas. Para esta aventura, contará con la ayuda de otro inquilino del centro, un anciano negro que cree ser John Fitzgerald Kennedy. El papel principal fue interpretado con convicción y carisma por Bruce Campbell, al que acompañaba Ossie Davis.
Elvis 14
En 2005 la televisión volvió a convertirse en el medio para presentar una nueva biografía de Elvis Presley, abarcando desde los inicios de su carrera musical hasta su estrellato internacional. Jonathan Rhys Meyers fue el encargado de protagonizar “Elvis”, dirigida por James Steven Sadwith, aportando al personaje sobre todo una alta carga de sensualidad y atractivo, sin ocultar las facetas más oscuras de la vida del artista como su conflictiva relación con su padre, el abuso de las drogas, su relación con Priscilla y sus infidelidades.
Elvis 15
Al igual que sucediera en “Gran Bola de Fuego”, la presencia de Elvis Presley en la cinta “En la Cuerda Floja”, biopic de Johnny Cash, vuelve a ser muy secundaria, sirviendo principalmente para subrayar los contactos y relaciones existentes entre varios músicos de la época y cómo estos compartían momentos de sus vidas durante las giras conjuntas. En esta ocasión, el papel del Rey del Rock fue parar a manos del músico y actor ocasional Tyler Hilton.
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Regresamos al tono paródico con la comedia de 2007 “Dewey Cox: Una Vida Larga y Dura”. El protagonista de la cinta dirigida por Jake Kasdan es un amalgama de diferentes artistas, desde Johnny Cash a Bob Dylan, pasando por Ray Charles, David Bowie o Jim Morrison, entre muchos otros. Si bien se trata de un personaje absolutamente ficticio, con el fin de dar mayor solidez a la comedia y ambientarla en un contexto reconocible por el público, podemos ver cómo se codea con músicos auténticos, entre ellos el propio Elvis Presley, al que dio vida Jack White.
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Ese mismo año en la cinta “Tears of a King” de Rob Diamond, un agotado y físicamente deformado Elvis Presley, interpretado por Matt Lewis, hace balance de su vida y sus errores, emprendiendo un viaje en el tiempo a su juventud en compañía de una misteriosa figura que le ayudará a encontrar la redención que necesita. En estos flashbacks existenciales, encontramos también momentos de la infancia del artista, donde está interpretado por el joven actor Emmit Cannon.
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Peter Dobson, el actor que encarnara de manera fugaz a Elvis en “Forrest Gump”, volvió a dar vida al artista (esta vez con su propia voz) en la cinta “Protecting the King”, dirigida por D. Edward Stanley. En ella, el personaje central de la historia es David Stanley, hermanastro del cantante, quien también ejerció de su guardaespaldas con tan sólo 16 años. A partir de su perspectiva, nos adentramos en el mundo de excesos, drogas y alcohol que marcó los últimos años del Rey del Rock.
Estas son sólo algunas de las encarnaciones que ha tenido de Elvis Presley en el cine. Su leyenda ha inspirado varias más y en el futuro seguirá sirviendo de fuente de inspiración para nuevas películas. Como otros grandes iconos de la cultura moderna, su vida sigue siendo un misterio para nosotros y su pérdida un hueco vacío que intentamos rellenar de diferentes maneras, ya sea escuchando sus canciones, imitándolo o buscándole en las pantallas del cine o la televisión.
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