domingo, 31 de octubre de 2010

V FESTIVAL DE CORTOS VILLA DE LA OROTAVA.

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INTRODUCCIÓN

Ayer sábado se clausuraba la V edición del Festival de Cortos Villa de la Orotava, un evento que, como el formato cinematográfico al que va dedicado, opta por ofrecer fragancias exquisitas en un recipiente pequeño. Organizado por la empresa Cinenfoque y patrocinado por el Excelentísimo Ayuntamiento de la Orotava, el Gobierno de Canarias y el Cabildo de Tenerife, el festival se desarrolló entre los días 27 y 30 de octubre, ofreciendo una muestra de trabajos pertenecientes tanto al cine de ficción como al documental y procedentes en su mayor parte de diferentes puntos del territorio nacional.

EL FESTIVAL

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Cumplido este primer lustro de existencia, podemos decir que se trata de un evento que ha obtenido ya la mayoría de edad, demostrando que es una propuesta con futuro, asentada en un formato ya definido y aplaudida por el público. Esto se debe principalmente a la defensa que siempre ha hecho de sus principios más básicos: reivindicar los cortos como obras de arte igual de válidas que el largometraje y ofrecer una programación cuidada, en la que los títulos seleccionados están conformados por aquellas películas más originales y de mayor calidad de entre las recibidas ese año (en esta ocasión la organización tuvo que escoger entre más de trescientos trabajos presentados).

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Como actividades complementarias a las proyecciones, la organización preparó en esta ocasión varias acciones complementarias. En primer lugar la muestra “Tenerife en Imágenes”, coordinada junto con Filmoteca Canaria, y que como es ya tradicional en este festival, nos permite mirar directamente al pasado de la isla tinerfeña, rememorando las costumbres y el modo de vida de nuestros antepasados. Además entre el 15 y el 30 de octubre estuvo abierta una exposición de fotografías entorno al actor Marlon Brando, con retratos pertenecientes a la colección de Andrés Padrón. Como complemento a los trabajos cinematográficos, el festival incluyó la actuación del invitado de honor, Quique San Francisco, así como el acompañamiento del grupo Burka Teatro que se encargó de amenizar las galas del viernes y el sábado con recreaciones paródicas del cine de romanos, el “MacBeth” Shakesperiano, el western e incluso el “Don Juan” de Zorrilla. Tampoco faltó la música en esta fiesta del cine, proporcionada por la actuación de los grupos Little Big Rebel y Tihuya Cats.

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Como es ya habitual en este certamen, la propuesta obtuvo el beneplácito del público, que, especialmente las noches del viernes y el sábado, abarrotó la sala del Auditorio Teobaldo Power de La Orotava y fue partícipe activo del evento, no sólo votando el premio del público, sino también interactuando con los actores de Burka Teatro durante uno de los momentos de la gala de clausura.

DOCUMENTAL

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Una de las novedades incorporadas en esta quinta edición fue la presentación de una categoría dedicada al cine documental. El progresivo auge que año tras año está teniendo este formato ha querido ser reconocido por la organización dedicándole un apartado exclusivo dentro de la programación. En este sentido han sido dos los temas que ofrecieron cohesión a la selección. En primer lugar, el debate entre realidad y ficción dentro del propio documental. Muchos trabajos alternaban entrevistas y recursos documentales con recreaciones ficcionalizadas, jugando con las cada vez más difusas fronteras que separan ambos mundos. Ejemplo de esto lo podíamos encontrar en títulos como “En mi Soledad”, “Pulsos”, “Límites: Primera Persona”, “Ahate Pasa” o “La Tumbá”. Por otro lado, muchos de los trabajos expuestos coincidían en tomar como tema principal el cine en sí, ya sea a través de la realización de un corto (“Límites: Primera Persona”, “En un Lugar del Cine”), una de sus figuras míticas (“Vivir del Aire” acerca de Curro Savoy, el “silbador” de la música de los espagueti westerns de Ennio Morricone) o incluso el guiño cinéfilo a obras del Séptimo Arte (“Ahate Pasa”, sobre la presencia de patos y gansos en la Historia del Cine).

FICCIÓN

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En lo referente al apartado de ficción, las propuestas fueron mucho más diversas, en parte debido a que se contaba también con un mayor número de trabajos seleccionados (17 frente a los 8 documentales). A lo largo de los dos días de proyección nos encontramos con comedias (“Burbuja”, “Camas”, “Radio Taxi”), películas de fantasía y ciencia ficción (“Yanindara”, “Perro Rojo”), dramas de corte social (“X Nada”, “La Tama”) o histórico (“El Ambidiestro”, “Picnic”) e incluso propuestas postmodernas que buscaban romper o subvertir las tradicionales estructuras narrativas (“El Extraño”, “Drimgerl”, “Mirada Perdida”). En su mayor parte se trataba de trabajos de cineastas jóvenes y/o noveles, aunque también se contó con la participación de nombres más veteranos como el productor y director Gerardo Herrero. Fiel a su directriz de apoyar el cine canario, el festival también programó cortometrajes de algunos autores de la isla, como Víctor Moreno (“El Extraño”, un título que además forma parte del Catálogo “Canarias en Corto 2009/2010” del Gobierno de Canarias), Bibiana Monje (“Drimgerl”) y David Pantaleón (“Perro Rojo”).

PREMIOS

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De entre los trabajos pertenecientes a la categoría de documental, la vencedora fue “En mi Soledad” de los directores canarios Benjamín Santana y Bernardo Rodríguez, que logró imponerse a otro de los cortos favoritos de este apartado, “Todo es Maybe”. Por su parte, el público concedió su premio a la cinta “Qué Divertido” de Natalia Mateo. El palmarés de los cortos de ficción otorgado por el jurado se repartió entre “Yanindara” de Lluis Quilez (Tercer Premio), “Uyuni” de Bruno Zacarías y McGregor (Segundo Premio) y “Picnic” de Gerado Herrero (Primer Premio). A nosotros, de este apartado nos gustaría destacar también “Camas” de Manuela Moreno, un corto sencillo, directo, ingenioso y con un excelente trabajo de actores.

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CONCLUSIÓN

Como en años anteriores, el Festival de Cortos Villa de la Orotava se la ha vuelto a ingeniar para ofrecer una interesante muestra de películas, dejando al público con un buen sabor de boca y ganas de más, predispuesto de esta manera para esa sexta edición que ya esperamos con ansia.

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sábado, 30 de octubre de 2010

ESPECIAL HALLOWEEN. HAMMER. EL NOMBRE QUE INFUNDE TERROR.


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INTRODUCCIÓN
El nombre de la Hammer marca uno de los periodos más fructíferos dentro del género de terror. Para los amantes del género, las películas producidas por esta compañía a lo largo de las décadas de los 50, los 60 y los 70 se mantienen aún hoy en día como algunos de los títulos más representativos. Originalmente denostadas y vilipendiadas por parte de la crítica seria debido a su carácter principalmente comercial y unas dosis de violencia y erotismo inusuales para la época, el paso del tiempo ha hecho justicia al trabajo realizado dentro de esta productora británica, que no sólo resucitó un género en decadencia, sino que además marcó un estilo y una estética propia, imitada y homenajeada en multitud de ocasiones.
ORÍGENES
Anthony Hinds, 'Hammer Films' producer and screenwriter, with Michael Carreras, 'Hammer Films' producer, executive producer, and director. Circa 1960.
Los orígenes de la productora los podemos encontrar a mediados de la década de los 30, cuando el actor Will Hinds (quien utilizaba Will Hammer como nombre artístico) fundó la Hammer Productions, con la que se dedicó a producir títulos de bajo presupuesto. Hinds encontró pronto un socio en la figura de Enrique Carreras, dueño de una cadena de cines. Esta primera encarnación de la compañía no tuvo mucha vida, quedando inactiva durante la Segunda Guerra Mundial. Fue tras el fin de la guerra que los dos socios, junto con sus respectivos hijos, Anthony Hinds y James Carreras, consiguieron resucitar su proyecto, encargándose de producir una serie de películas de consumo rápido y bajo coste.
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La llegada de la televisión afectó también al sistema de trabajo de la compañía. Necesitados de algún gancho que hiciera que la audiencia quisiera ver sus películas y sin dinero para grandes espectáculos o reconocidas estrellas, la compañía optó por recuperar a personajes clásicos de terror, adquiriendo los derechos de explotación del personaje de la Criatura de Frankestein por parte de la Universal, aunque no sin que el estudio les planteara algunas pegas. La Hammer no pudo utilizar la conocida imagen del personaje presentada por Boris Karloff en 1931, por lo que los productores prefirieron alejarse de este modelo lo máximo posible, a la vez que creaban una nueva historia inspirada en la obra de Mary Shelley.
VIEJOS MONSTRUOS, NUEVOS TIEMPOS
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“La Maldición de Frankenstein” estuvo dirigida por Terence Fisher y protagonizada por los actores Peter Cushing y Christopher Lee. Además, como gancho para el público, se optó por subir el tono de gore y violencia en la cinta, lo que, como ya comentábamos, les supuso enfrentarse a considerables críticas, pero que, al mismo tiempo, supo encandilar al público cinematográfico. El éxito de la cinta no sólo convirtió a su director y protagonistas en las principales estrellas de la productora, sino que además ayudó a reconciliar posturas con la Universal, quien inmediatamente llegó a un acuerdo con la Hammer para seguir explotando el resto de los mitos del género de terror que se encontraban en la cartera del estudio. Inmediatamente Fisher, Lee y Cushing se pusieron manos a la obra para rodar “Dracula”, particular revisión de la productora del famoso conde transilvano, convirtiéndose Christopher Lee en el principal heredero de la capa del vampiro que anteriormente había pertenecido a Bela Lugosi.
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Tras Frankenstein y Dracula, Lee y Peter Cushing siguieron desarrollando su rivalidad en la ficción con “La Momia”. Por su parte, la Hammer cerró su plantel de monstruos clásicos con “La Maldición del Hombre Lobo”, con Oliver Reed en la piel del licántropo, y “El Fantasma de la Opera”. Inicialmente ésta iba a estar protagonizada por Christopher Lee, pero problemas de agenda del actor, hicieron que fuera sustituido por Herbert Lom. Fuera del plantel cedido por la Universal, la Hammer echó mano de otros personajes clásicos, como el Doctor Jeckyll y Mr Hyde, que tuvieron su primera aparición en una producción de la compañía en 1960 con “Las Dos Caras del Dr. Jekyll”, con Paul Massie en el doble papel protagonista, aunque la más popular fue “Doctor Jeckyll y su Hermana Hyde” de 1971.
LOS MONSTRUOS VUELVEN DE LA TUMBA
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El éxito de estas películas, junto con el carácter revitalizador que supuso el nuevo enfoque de las películas de la compañía, llevó a la Hammer a producir una serie de secuelas de sus personajes más comerciales. El Baron Frankenstein regresó en títulos como “La Venganza de Frankenstein”, “Frankenstein Creó a la Mujer”, o “El Cerebro de Frankenstein”. Curiosamente, al contrario de lo que hiciera en su momento la Universal, la Hammer prefirió dar el protagonismo de las secuelas no a la criatura, sino a su creador, recuperando en todas ellas a su actor original, Peter Cushing. En cuanto al Conde Dracula, encontramos títulos como “Las Novias de Dracula” (en la que el papel del conde estaba encarnado no por Christopher Lee sino por David Peel), “Dracula, Príncipe de las Tinieblas” (donde Lee sí regresaría a su papel más legendario, aunque en esta ocasión sin la presencia de Peter Cushing), “Dracula Vuelve de la Tumba”, “El Poder de la Sangre de Dracula” o “Las Cicatrices de Dracula”, entre otras. Además la Hammer realizó otros títulos de temática vampírica que no estuvieron protagonizadas por el conde transilvano, como “El Beso del Vampiro”, “Las Amantes del Vampiro”, “Dracula y las Mellizas” (que, a pesar de su título en nuestro país, no incluía al personaje creado por Bram Stoker), “El Circo de los Vampiros”, “Capitan Kronos, Cazador de Vampiros” o “Kung Fu contra los 7 Vampiros de Oro”.
OTROS TÍTULOS CLÁSICOS DE LA HAMMER
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En cualquier caso, y si bien, como hemos visto, el éxito de la compañía se debió principalmente a sus películas de terror, otros fueron los géneros que tuvieron cabida dentro de sus producciones. Antes incluso de producir “La Maldición de Frankenstein”, la compañía ya se había apuntado un importante tanto con “El Experimento del Doctor Quatermass”, una cinta de ciencia ficción, que inició una serie de otros dos títulos más, “Quatermass II” y “¿Qué Sucedió Entonces?”. Por otro lado en 1959, la compañía emparejó por tercera vez a Terence Fisher, Peter Cushing y Christopher Lee en una adaptación de la novela de Sir Arthur Conan Doyle, “El Sabueso de los Barkerville”, con Cushing en la piel de Sherlock Holmes y Lee como Sir Henry Baskerville.
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En 1965 la Hammer descubrió el filón del cine de aventuras exóticas con “La Diosa de Fuego”, dirigida por Robert Day, con la espectacular introducción de la exótica Ursula Andress en el papel estelar del personaje imaginado por el novelista H. Rider Haggar (la actriz se había convertido pocos años antes en todo un mito erótico con su aparición en la playa en “Agente 007 contra Dr. No”). Al año siguiente los directivos de la Hammer no perdieron su tiempo y estrenaron “Hace un Millón de Años”, con Raquel Welch de protagonista (tan o más sensual que Ursula Andress con su bikini prehistórico). Aparte del atractivo físico de sus dos protagonistas, estas películas contaban a su favor con unos espléndidos efectos especiales realizados por el maestro Ray Harryhausen. Este éxito llevó a la compañía a producir sendas secuelas con “La Venganza de la Diosa de Fuego” y “Cuando los Dinosaurios Dominaban la Tierra”, para, posteriormente, seguir desarrollando este tipo de cintas, aunque sin tanto éxito, con títulos como “Criaturas Olvidadas del Mundo” o “Mujeres Prehistóricas”.
LOS TIEMPOS CAMBIAN
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Después de marcar tendencia durante finales de los 50 y gran parte de la década de los 60, la Hammer tuvo que enfrentarse al cambio de los tiempos. Por un lado, su fórmula basada en una violencia más explícita y un erotismo de carga romántica fue mostrando un progresivo agotamiento debido a la repetición de patrones. Por otro lado, el género de terror iniciaba una nueva etapa, marcada por títulos como “La Noche de los Muertos Vivientes”, “La Semilla del Diablo” o más tarde “El Exorcista”. La compañía intentó contener su inevitable declive adentrándose incrementando el carácter explícito de sus escenas eróticas (en títulos como “La Condesa Dracula” o “Dracula y las mellizas”), apartándose del carácter de época de sus historias para introducir sus personajes clásicos en contextos modernos (como fue el caso de “Dracula 73”), o apostando por la fusión de elementos como el terror con la moda imperante de cine de artes marciales llegada de oriente (con “Kung Fu y los 7 Vampiros de Oro).
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A principios de los 80, la compañía intentó también prolongar su estética e historias de terror gótico al terreno televisivo, con “Hammer House of Horror” y “Misterio (Hammer House of Mystery and Suspense)”. Sin embargo, todo esto lo único que consiguió fue dejar aún más patente el carácter ya anacrónico de las propuestas de la productora, así como el agotamiento de su equipo artístico y creativo una vez nombres como Christopher Lee o Peter Cushing aparentaban ya demasiado mayores para seguir representando sus personajes clásicos. Poco a poco la Hammer se fue apagando, dando paso a nuevos cineastas con otro visión del terror. Sin embargo la herencia dejada por la compañía seguiría siendo decisiva para el género y sus películas, tanto las buenas como las malas, son aún hoy en día vistas con placer y cariño por hordas de seguidores. En su afán de ofrecer al público lo que quería, la Hammer escribió con letras doradas ribeteadas en sangre, una de las páginas fundamentales del género fantástico y por extensión del cine en general.
CONCLUSIÓN.
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Inactiva desde mediados de los 80, la compañía espera iniciar una nueva etapa tras el estreno de su nueva producción cinematográfica, el remake de la cinta sueca “Déjame Entrar”, centrada, cómo no, en la figura de los vampiros. Para el futuro inmediato tenemos otras dos nuevas incursiones en el género de terror, “The Resident”, protagonizada por Hilary Swank y Jeffrey Dean Morgan (con una aparición especial de Christopher Lee) y “The Woman in Black”, uno de los primeros trabajos para la gran pantalla de Daniel Radcliffe ahora que han finalizado sus ataduras con la franquicia de Harry Potter. Habrá que ver si esta nueva andadura de la Hammer estará a la altura de su mítico legado, aportando una visión renovadora del género de terror, o si por el contrario se limitará a apuntarse a la moda actual para asegurarse una respuesta comercial favorable por parte de las nuevas generaciones.
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viernes, 29 de octubre de 2010

CINE Y DISCAPACIDAD EN MIRADASDOC

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INTRODUCCIÓN

A partir de este fin de semana y hasta el próximo día 6 de noviembre tendrá lugar la quinta edición de MiradasDoc (Festival Internacional de Cine Documental de Guía de Isora), un evento que, en este lustro de existencia, se ha asentado como una cita ineludible para cinéfilos, cineastas y empresarios del medio audiovisual. Dentro de la variedad de títulos que están programados para este año (y de los que esperamos poder ir dando referencia diaria a lo largo de la próxima semana) hemos querido destacar la presencia de dos títulos en concreto, “María y yo” y “Bicicleta, Cuchara, Manzana”, debido a su reflejo del mundo de la discapacidad en un contexto cercano y real.

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El género del documental es uno de los que ha generado un mayor auge en los últimos años. Si bien aún siguen encontrándose prejuicios por parte del público general hacia esta forma de contar historias frente al monopolio (al menos en las salas de cine) de las películas de ficción, lo cierto es que cada vez se producen más, mejores y más innovadores documentales. El desarrollo de las nuevas tecnologías digitales, que abaratan el coste de una película, ha permitido también que las incipientes industrias audiovisuales de países minoritarios hayan podido desarrollar sus propias producciones, aportando una visión novedosa y fresca de la realidad internacional. Los documentales realizados por cineastas nativos permiten acceder a una mirada más cercana al conflicto, capaz de denunciar con conocimiento de causa, pero también de superar los discursos catastrofistas y aportar una visión cotidiana de la realidad, con sus momentos dramáticos, por supuesto, pero también más humanizadores y optimistas. En ellos se puede apreciar el espíritu luchador de estos pueblos y su determinación a no convertirse en un sujeto pasivo ante el paternalista intervencionismo extranjero.

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En este contexto surgió MiradasDoc, un festival que busca ser, como Canarias en otros ámbitos, un punto de encuentro entre diferentes industrias (latinoamericana, africana, asiática, estadounidense y europea) y profesionales del medio. A priori, Guía de Isora puede parecer un municipio alejado y eso hace que para algunos habitantes de la isla de Tenerife el desplazamiento suponga una barrera a la hora de acudir a esta cita. Sin embargo, una vez superada esta resistencia inicial (más mental que geográfica, todo hay que decirlo), lo cierto es que descubrimos un entorno ideal para el desarrollo de un festival de estas características, especialmente por la enorme concienciación que el Ayuntamiento y los habitantes de la ciudad muestran hacia el tema de la inmigración, uno de los ejes centrales de muchas de las películas que se suelen programar en este evento.

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Para esta quinta edición, el Festival ha optado por mantener el modelo de años anteriores, ampliándolo a otros campos y programando las proyecciones de manera temática, de forma que sea más sencillo para los espectadores acceder a aquellos trabajos que traten temas de su interés. Concretamente los primeros días de esta edición tendrán como nexo común el tema de la discapacidad, proyectándose trabajos recientes como las mencionadas “María y yo” y “Bicicleta, Cuchara, Manzana”, pero también organizando charlas y coloquios al respecto (concretamente una charla acerca del autismo en el aula, que tendrá lugar el sábado 30 a las 17h., y un coloquio sobre imagen y Alzheimer, el domingo 31 a la misma hora).

MARÍA Y YO (proyecciones: Sábado 30 a las 18.00h y Domingo 31 a las 21.00h)

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El caso de “María y Yo” es, sin duda, peculiar y lo es en varios sentidos. En primer lugar su origen. Antes que película, “María y yo” fue un cómic, una obra introspectiva en la que un padre profundizaba en su relación con su hija autista y en las situaciones y sentimientos que esto ocasionaba a través de la narrativa secuencial de las viñetas. Esto a su vez despertó en el director Félix Fernández de Castro el interés por rodar una película que ayudara a divulgar esta enternecedora historia. Dado que el mismo cómic era autobiográfico, en ningún momento el cineasta se planteó la posibilidad de ficcionalizar el argumento, contando con actores que dieran vida a los personajes reales. Desde un principio Fernández de Castro tuvo claro que quería en pantalla al padre y a la niña, pese a las dificultades que ello pudiera acarrear.

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La principal diferencia entre el cómic y la película es la incorporación de otras voces en la trama. En la obra cinematográfica el principal centro de atención sigue siendo el día a día de los protagonistas, con sus pequeñas alegrías y sus problemas de convivencia, pero además podemos acercarnos a la perspectiva externa de la madre y la gente que rodea a María. Otro aspecto importante es la localización, ya que parte de la película ha sido rodada en el entorno bucólico de Gran Canaria. Allí, padre e hija pudieron disfrutar de tiempo de relax en la piscina del hotel y la playa, reflejando también las vivencias de ambos en un entorno menos cotidiano. Todo esto enfocado de manera cercana, tierna y con un sentido del humor que supera cualquier obstáculo.

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También intimista y emocional es “Bicicleta, Cuchara, Manzana”, un sincero documental dirigido por Carles Bosch (candidato en 2004 al Oscar con el documental “Balseros”) acerca del mundo del Alzheimer, tomando como punto de partida la lucha contra la enfermedad del ex presidente de la Generalitat de Cataluña y ex alcalde de Barcelona Pasqual Maragall. No se trata de un documental político, sino una historia cotidiana que tiene como protagonista a una figura pública con el fin de poder, de esta manera, llamar la atención de un mayor grupo de espectadores. El objetivo de Bosch fue hacer un seguimiento de la vida de Maragall durante dos años desde el momento en que se le acababa de diagnosticar la enfermedad en una fase muy inicial. Hecha con inteligencia y ternura, la película ofrece una lucha insalvable por el mantenimiento de la memoria y la identidad, acompañada por declaraciones de familiares y personas cercanas al protagonista.

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La importancia de la rutina y del ejercicio del intelecto como armas para luchar contra el proceso degenerativo de la enfermedad es lo que da título a la cinta con ese críptico “Bicicleta, Cuchara, Manzana”, tres palabras que el médico le pide memorizar y repetir a Maragall con el fin de detectar si sufría Alzheimer. Lejos de dejarse llevar por la tragedia, la película aboga por ser un canto a la vida, no sólo a través del humor con el que el protagonista se enfrenta a su enfermedad, sino también reflejando el relevo generacional y vital que se produce entre Maragall y su nieta recién nacida. Todo ello explicado de manera didáctica, emotiva y sencilla para que cualquier tipo de espectador pueda comprender la evolución de la enfermedad y el alcance humano de la historia.

miércoles, 27 de octubre de 2010

“SAW VI”. EN ESTA OCASIÓN AMPUTAN HASTA EL METRAJE.

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1. INTRODUCCIÓN. UN CASO INVEROSÍMIL DE CENSURA

Uno de los elementos que han caracterizado al cine de terror, y más concretamente al cine gore, del nuevo siglo ha sido la aparición del denominado “Torture Porn” (con títulos como “Saw”, “Hostel”, “La Matanza de Texas. El Origen” o las francesas “Frontier(s)” o “Martyrs” que se caracterizan por el explícito uso de desnudos, tortura, mutilación y sadismo a lo largo de su metraje). El más claro ejemplo de este cine y el que más éxito ha obtenido lo podemos encontrar en la franquicia “Saw”, cuyas películas nos han estado acompañando de manera puntual cada mes de noviembre desde 2004, al menos hasta hace aproximadamente un año.

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En 2009, la sexta entrega de la serie vio su paso por las salas comerciales españolas paralizado debido a la clasificación X recibida por el Ministerio de Cultura. Según la legislación esta clasificación es sólo aplicable a casos de pornografía y de apología de la violencia, lo que llevó a la distribuidora, a los seguidores de la saga y a los críticos de cine a preguntarse qué había visto el Ministerio en esta secuela que no estuviera en las cinco anteriores, que se estrenaron sin ninguna dificultad con una clasificación para mayores de 18 años. Lo que en un principio incluso se llegó a pensar que era una estrategia publicitaria, se convirtió en realidad en una pesadilla para Buena Vista, la distribuidora de “Saw 6” en nuestro país, ya que la calificación de las películas depende del Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), cuyo veredicto es inapelable y tan sólo puede ser cambiado a través de un recurso legal. Esto dejó a Buena Vista dos alternativas posibles: recurrir en los tribunales o bien resignarse y negociar con el ICAA los recortes necesarios para que la cinta pudiera ser estrenada en salas comerciales, y no sólo en aquellas clasificadas X (prácticamente desaparecidas ya en nuestro país). Finalmente, y tras casi un año de negociaciones, el pasado 8 de octubre llegaba una versión mutilada de “Saw 6” a nuestro país, dejando poco margen antes de la inminente (supuestamente, ya que aún no tiene fecha de estreno en España) llegada de la séptima y última entrega de la saga (de nuevo, supuestamente, ya que antes incluso de su estreno en Estados Unidos este fin de semana ya se está rumoreando que la productora Lionsgate ya podría estar ideando una nueva secuela).

2. EL LEGADO DE PUZZLE

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Hace ya 6 años que la saga “Saw” nos lleva acompañando. Se trata de un fenómeno curioso generado más por el apoyo popular y los buenos resultados económicos que por el valor cinematográfico de la serie o una planificación previa por parte de sus creadores. La primera película, dirigida por James Wan, con Danny Glover y Cary Elwes como protagonistas, era un thriller realizado con pocos medios, que basó gran parte de su éxito en la truculencia de algunas escenas, unos continuos giros de trama que mantenían al público en tensión y un final sorpresa que a más de uno le hizo saltar de la butaca. Desde luego, no había intención de repetir la jugada y si bien la película cerraba con un final abierto, ninguno de sus responsables podía imaginar la tremenda maquinaria comercial en que se iba a convertir la serie.

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Dispuestos a explotar todo lo posible a la Gallina de los Huevos de Oro, en seguida se iniciaron los movimientos adecuados para tener lista una secuela en menos de un año y así poder estrenar en una fecha tan señalada como el 31 de octubre, la celebración de Halloween. Desde entonces, no ha habido año que haya pasado en el que no hayamos contado con una nueva entrega de “Saw” en las pantallas. Evidentemente, esto ha hecho que la serie se haya ido empobreciendo con el paso de las secuelas, las cuales ya desde la segunda parte han supuesto una creciente simplificación del plan de la primera, incrementando el número de víctimas del juego sádico de Puzzle, pero donde la inventiva que se ha ido depositando en las diferentes pruebas que debían superar los protagonistas no han venido contrapesadas con un argumento bien desarrollado.

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Como si de un serial se tratara, en cada nueva entrega se debía contar con un elemento sorpresa final que enganchara a los espectadores para la siguiente entrega. De todos estos giros, quizás el más llamativo fue el final de “Saw III” donde presenciábamos la muerte de Puzzle, el genio asesino ideólogo de todo el embrollo. Esta defunción quedaba ratificada en la introducción de “Saw IV” que arrancaba con la autopsia del villano, por si alguien esperaba que Puzzle, siguiendo los pasos de antepasados suyos como Jason o Freddy Krueger, se sentía tentado de resucitar de entre los muertos. Sin embargo, poderoso caballero es Don Dinero, y ni siquiera la muerte de su personaje principal ha frenado la serie. Los guionistas se sacaron de la manga unos herederos del legado del personaje, y han mantenido su presencia a través de cintas grabadas y flashbacks que sirven de nexo de unión.

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Otro elemento a incrementar en cada episodio es el nivel de casquería y repulsión de las diferentes secuencias de la película. Si bien momentos como la escena de los cerdos en “Saw II” o la mencionada autopsia de Puzzle en “Saw IV” se mantienen como algunos de los más impactantes, la principal responsabilidad de los guionistas es seguir ideando situaciones insólitas y chocantes para los espectadores, todas ellas rebosantes de sangre y vísceras. Esto, junto con las apariciones de Tobin Bell, el actor que interpreta a Puzzle, son los platos fuertes de cada entrega. Resulta curioso como Bell, un actor de presencia pero que, hasta el estreno de “Saw” en 2004, era un desconocido por el público, ha visto reconocida su labor gracias a este papel. Es cierto que los críticos tienden a crucificar cada entrega de la saga por su paulatina vulgarización, y no les falta razón, sin embargo, el carisma de Tobin Bell y la personalidad de su voz son incuestionables.

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Aparte de Tobin Bell, ningún miembro del reparto ha tenido especial relevancia. Para la primera película se contó con actores de renombre en horas bajas, como Danny Glover o Cary Elwes, pero a continuación se empezó a tirar de intérpretes procedentes de televisión, como por ejemplo Scott Patterson, popular gracias a “Las Chicas Gilmore”, o Costas Mandylor, quien se dio a conocer en los 90 gracias a “Picket Fences”. Ha sido éste último quien ha tenido una mayor continuidad en la serie, ya que su personaje ha pasado a convertirse en el heredero de Puzzle, mientras que los demás en algún momento u otro han ido cayendo en una de sus trampas mortales.

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Además de los guiones precipitados que han nutrido cada entrega, otro elemento que ha ido menoscabando la franquicia ha sido la devaluación de los directores responsables de cada nueva entrega. El creador de la serie fue James Wan, un realizador de origen malasio, quien ideó la trama inicial para un cortometraje rodado en 2003. Inmediatamente a continuación logró financiación para poder trasladar la historia a un largo, de ahí que algunas críticas a la película se quejaran de que se trataba de una buena premisa alargada excesivamente. Wan sólo dirigió este primer título de la franquicia, ya que tras el éxito prefirió limitarse a labores de producción ejecutiva y centrarse en la dirección de otros proyectos como “Silencio Desde el Mal” o “Sentencia de Muerte” (de los cuales ninguno de ellos se ha acercado remotamente al éxito comercial de su principal criatura).

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Su sustituto fue Darren Lynn Bousman, hasta entonces afamado director de videoclips. Bousmann fue quien le dio a la serie su estética definitiva, manteniéndose en la franquicia durante tres entregas. Tras “Saw IV”, tomó el testigo David Hackl, quien previamente se había encargado de las labores de diseño de producción y dirección de segunda unidad de las películas de Bousman. Su labor en “Saw V” resultó penosa, limitándose a copiar la estética de su predecesor, pero sin su recreación malsana. Si bien la película funcionó muy bien en taquilla, Hackl no fue requerido para la sexta parte, que viene firmada por Kevin Greutert, encargado del montaje de las cinco anteriores películas.

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Un aspecto externo a las películas pero crucial para la franquicia ha sido el apartado de promoción, especialmente toda la cartelería que se ha ideado para cada película. Allí donde ha faltado inspiración en los guiones, la hemos podido encontrar en unos vistosos carteles cargados de humor negro y enfermizo. Curiosamente, la primera experiencia de la franquicia con la censura tuco lugar precisamente con uno de estos carteles. La imagen de los dos dedos amputados de “Saw 2” no estuvo muy bien vista en Estados Unidos y la productora optó por modificar ligeramente la imagen, para que no se viera el corte. Otro aspecto que ha adquirido notoriedad más allá de la película es el tema principal compuesto por Charlie Clouser. Si bien las partituras de la serie se han caracterizado por ser meramente funcionales y descriptivas, el tema dedicado a Puzzle no sólo se ha convertido en el leitmotiv de toda la franquicia, sino que es también una composición recurrente, por ejemplo, en multitud de trailers de otras películas.

 

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3. “SAW 6”. UNA LIBRA DE CARNE

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No podemos decir que el relevo del director de David Hackl a manos de Kevin Greutert haya supuesto un gran cambio a la serie. De hecho, salvo el inicio de la película con esa secuencia en la que se hace un peculiar tributo al “Mercader de Venecia” de Shakespeare, el resto de la cinta es igual de anodina y prescindible que “Saw V”. En esta ocasión, la justicia moral que predica Puzzle va dirigida a las aseguradoras privadas, quienes con su avaricia se consideran con el derecho de decidir sobre la vida y la muerte de un enfermo. Por ello, la principal víctima escogida es William Easton, un desalmado directivo, quien, junto con su equipo, se encarga de buscar salidas legales para no tener que pagar el tratamiento de sus clientes. Por otro lado, el Detective Hoffmann seguirá cumpliendo las órdenes de Puzzle, al mismo tiempo que intenta esquivar las pistas que van dirigiendo la investigación sobre los crímenes hacia él.

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Con el fin de seguir encajando piezas en la trama general, los guionistas vuelven a introducir una serie de flashbacks que justifiquen la incorporación de nuevos personajes, al mismo tiempo que intentan corregir sobre la marcha los errores de continuidad que ello pueda suponer con respecto a las entregas anteriores. Estos saltos en el tiempo sirven también de excusa para mantener a Tobin Bell en pantalla, al mismo tiempo que se recuperan otros personajes anteriores, como Amanda, quien al igual que Puzzle, seguirá jugando un papel importante en la trama después de muerta. El problema surge cuando no sólo se trampea la trama global para poder añadir una nueva secuela a la serie, sino cuando además estos cambios hacen que acciones anteriores dejen de tener sentido. Ese es uno de los problemas de “Saw”. Dado que no parte de una planificación previa, sino que se van ampliando las tramas a conveniencia de la continuidad de la serie, cada vez que se ata un nudo por un lado, se desenlaza otro por otro. Por ejemplo, de nuevo en el caso de Amanda, su muerte en “Saw 3” vino producida por su incapacidad para estar al nivel de la férrea exigencia moral de su mentor. En esta nueva entrega descubrimos que la situación no fue exactamente como se nos mostró en un principio, por lo que se pervierte la justificación que se dio originariamente a su muerte.

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Una vez más, todo el guión vuelve a estar armado para buscar un desenlace sorpresa en el espectador, sin embargo, seguimos encontrándonos situaciones donde la complejidad de las secuencias radica en lo elaborado de las trampas de Puzzle, mientras que el desarrollo del argumento y de los personajes, incluso la propia puesta en escena del director, se mantiene a unos niveles rudimentarios y esquemáticos debido a la precipitación de todo la producción para poder tener lista la secuela en el tiempo acordado.

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A nivel interpretativo, se sigue conservando diferentes jerarquías de actores. En primer lugar, lógicamente, Tobin Bell como rey de la función. Cada vez que su rostro aparece en pantalla, la película cobra más peso y parece que todo tiene más sentido. A continuación, profesionales como Costas Mandyflor (Hoffman), Mark Rolston (Erickson), Scott Patterson (agente especial Strahm), Shawnee Smith (Amanda) o Betsy Russell (Jill), rostros recurrentes de la serie y en algunos casos conocidos por el espectador por otros trabajos. Después tendríamos al invitado estrella de esta entrega en particular, Peter Outerbridge (Easton), quien en su calidad de víctima de Puzzle es quien acapara más tiempo en pantalla. Y por último, la carne de cañón, todo esa colección de jóvenes actores cuya función en la cinta es morir de la manera más sangrienta posible para el disfrute de los espectadores en la sala. En estos casos nos encontramos principalmente con intérpretes desconocidos, con los que se busca también equiparar la cuota étnica y de género de la película, aunque en ocasiones podamos tropezarnos con algún rostro más familiar mezclado entre ellos (en este caso, uno de los miembros del equipo de Easton está interpretado por Darius McCrary, el Eddie Winslow de la serie de televisión de los 90 “Cosas de Casa”). Desgraciadamente, el nivel del guión es tan ínfimo, que ninguno de ellos va a tener verdadera oportunidad de lucirse con su papel, ya que salvo el caso de Tobin Bell, ninguno cuenta con material para darle entidad a su personaje.

4. CONCLUSIÓN

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Al final, pese a que se quiera justificar levemente la trama de la película con la crítica al trato abusivo de las aseguradoras privadas en Estados Unidos o ese supuesto sustrato moral del plan maestro de Puzzle, lo cierto es que la película va a lo que va, que es lo que le demanda su público, sádicas y explícitas escenas gore, donde los magos de los efectos especiales y maquillaje se lucen en la recreación física de las torturas a las que se ven sometidos los personajes. Desgraciadamente, incluso ahí, “Saw 6” supone un nuevo demérito de la saga, ya que salvo contados momentos (que encima en nuestro país nos llegan censurados), el nivel de truculencia o al menos su capacidad para incomodar al espectador carece de la catadura enfermiza necesaria. Ahora sólo nos queda esperar a la inminente séptima entrega (¡en 3D!) con la esperanza de que ya de una vez por todas se cierre el círculo y que todos estos descosidos concluyan de una manera mínimamente aceptable. Dejemos descansar en paz ya al pobre Puzzle, que no por ello vamos a quedarnos huérfanos de casquería para el próximo Halloween.

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