miércoles, 27 de febrero de 2013

HISTORIOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA. PARTE I. SIGLO XIX

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Una de las virtudes del arte en general y del cine en particular es la posibilidad que nos ofrece de hacer una relectura de la actualidad en base a acontecimientos históricos. Películas ambientadas en épocas pasadas adquieren, desde nuestra perspectiva contemporánea, un valor añadido que nos permite reflexionar no sólo sobre aquello que se nos narra, sino también su relevancia y parentesco con acontecimientos más cercanos. Varios de los estrenos que nos han llegado en los últimos meses participan de esta característica, ofreciéndonos una cronología que arranca en el siglo XIX y concluye con hechos históricos de la primera década del siglo XXI.

“LOS MISERABLES”. LA REVOLUCIÓN SERÁ CANTADA.

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En 1862 el imprescindible escritor francés Victor Hugo publicaba su novela “Los Miserables”, en la que abordaba una épica historia ambientada durante el fallido levantamiento de Junio de 1832, también conocido como “La Rebelión de Junio”. En su obra, el autor se hacía eco de la devastadora situación de pobreza y explotación en Francia y el creciente clima de desencanto, indignación y rebeldía que provocaban las diferencias sociales. Hugo se situaba en la posición de los desfavorecidos y convertía su derrota en una victoria moral. Siglos más tarde, en la década de los 80 del siglo XX, Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg tomaron esta novela como base para construir uno de los musicales de mayor éxito, manteniendo el aliento épico y reivindicativo del original. Llama la atención que, tras un largo período intentando levantar una adaptación del libreto al cine, ésta finalmente haya llegado a las pantallas en 2012, un año marcado por los levantamientos populares provocados, como aquella Revolución de 1830, por una situación de profunda crisis económica que se ha cebado en las clases más necesitadas, aumentando el desempleo, la pobreza, pero también la indignación social y la rebeldía contra los estamentos políticos y financieros. No es difícil encontrar concomitancias entre la desesperación de personajes como Jean Valjean o Fantine, la intransigencia y deshumanización de la ley personificada en Javert o el grito de revolución liderado por Marius, y las situaciones que hemos experimentado en estos últimos años en diferentes países europeos. Esto ha permitido que la cinta haya llegado quizás con más fuerza a un público que ha sentido como suyas las letras de las canciones que pueblan este musical.

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De la mano del director británico Tom Hooper, la puesta en escena de esta adaptación ha preferido obviar las posibilidades épicas de la historia y centrarse en una narración más intimista. El cineasta marca en determinados momentos el espectro de la acción (por ejemplo, con el arranque en la prisión), pero evita que esto defina el tono de su película, algo que ha sido criticado, pero que a nuestro entender ha supuesto una decisión arriesgada y coherente por parte de Hooper. Uno de los aspectos que proporcionó un gran éxito a “Los Miserables” en su estreno teatral fue lo ambicioso de su producción y lo complejo de su escenificación, sin embargo para el cine se ha priorizado una planificación de primer y plano medio, por dos razones fundamentales. La primera es concentrar la atención del espectador en el drama y los personajes, intentado evitar que su mirada se distraiga con otros componentes, algo que puede aportar el cine y que lo diferencia de la experiencia teatral. Por otro lado, las diferentes canciones han sido rodadas en directo en el set, permitiendo a los actores integrar mejor la interpretación musical en su representación de los personajes. Los puristas encontrarán las voces de los actores menos trabajadas que en la versión de Broadway (a excepción de los espléndidos Hugh Jackman y Anne Hathaway), pero con un mayor grado de realismo en la ejecución. Esto aporta una expresividad y una sensibilidad que hubiese quedado desaprovechada con una planificación más abierta. Hooper hace que “Los Miserables” no sea tanto la historia de una revolución, sino la crónica de unos personajes desventurados en busca de redención.

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Precisamente, es en aquellos momentos en los que el director tiene que abrir el espectro cuando la cinta tiene dificultades para hallar el tono adecuado, alternando entre un enfoque realista y otro teatral, incluso guiñolesco, y generando un resultado desigual. Esto queda compensado con el apartado interpretativo, donde los actores se han atrevido con un desafío sin precedentes. En este sentido, los dos grandes triunfadores han sido Hugh Jackman (verdadero promotor de esta adaptación, quien desarrolla aquí la que sin duda será una de las interpretaciones más importantes de su carrera) y Anne Hathaway (cuyo breve papel como Fantine marca el punto álgido de la película con el tema “I Dreamed a Dream”). Russell Crowe intenta compensar su menor experiencia musical aportando gran presencia al personaje de Javert, aunque esto afecta principalmente a los duelos dialécticos con Jackman/Valjean, donde éste se impone por completo a su contrincante. Lo contrario sucede con Eddie Redmayne, quien ofrece un extraordinario trabajo musical, aunque el papel de Marius se hubiese beneficiado con alguien de mayor presencia física en pantalla. Amanda Seyfried, Samantha Barks, Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter defienden espléndidamente a sus personajes, aunque estos hayan perdido relevancia en la adaptación cinematográfica.

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Por el resto, “Los Miserables” ofrece una adaptación lujosa, con un extraordinario trabajo de diseño de producción. Todos los elementos han sido cuidados con mimo de manera que ese tono épico que comentábamos que el director había rebajado en su puesta en escena, queda reflejado en los espléndidos decorados y vestuarios que visten la historia. Tal vez la cinta se hubiese visto beneficiada con otro director, de pulso más firme y con un enfoque más personal (a nosotros particularmente nos hubiese gustado ver esta historia contada con el virtuosismo de un Martin Scorsese), sin embargo, la ejecución artesanal de Tom Hooper es también responsable de los mayores logros de la cinta y, con sus fallas, esta cinta nos sigue pareciendo uno de los títulos más logrados del pasado 2012.

“DJANGO DESENCADENADO”. BLACK POWER

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En su última película, Quentin Tarantino nos ofrece también un salto al pasado, concretamente al año 1858, dos años antes del inicio de la Guerra de Secesión y con el tema de la esclavitud como eje pivotal de la narración. Por supuesto, viniendo de este director, “Django Desencadenado” está lejos de ser una película histórica. Desde el principio de su carrera, la visión de la realidad dentro de las obras de Tarantino ha estado marcada por su bagaje cinematográfico. Cuando se dio a conocer gracias a “Reservoir Dogs” la crítica lo comparó con Martin Scorsese y le reprochó que, frente a éste, cuya visión del crimen organizado tenía un origen experiencial a través de su infancia en Queens, en el barrio conocido como Little Italy, su opera prima bebiera de la ficcionalización que el cine había hecho de esa realidad. Con el tiempo, lo que era una recriminación se ha convertido en una firma autoral, llegando a un nivel diferente en “Malditos Bastardos”, donde el cineasta no tenía prejuicios en modificar la historia a su antojo en favor de una reescritura cinematográfica. Lo mismo podemos decir de su último trabajo.

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Tarantino coge elementos históricos, como la creación del Ku Klux Klan, la creencia en la frenología para justificar la segregación, las distinciones raciales en la sociedad de la época o incluso la propia jerarquía existente dentro del sistema esclavista del sur entre los esclavos de la plantación y los privilegiados negros de la casa, y los subvierte de acuerdo a cánones cinematográficos (homenajes al spaghetti western) y mitológicos (la lectura germánica del argumento, heredera de la leyenda de Sigfrid y Broomhilda en “Los Nibelungos”), convirtiendo a Django en el equivalente a la Shosanna de “Malditos Bastardos”, es decir, el héroe capaz de ignorar las barreras históricas y reescribir la realidad a su antojo. Definido como “un negro entre un millón”, el protagonista trasgrede las leyes de los negreros, matando a blancos impunemente, cabalgando, vistiendo como un blanco, negociando con ellos, sentándose a su mesa a cenar. Esta subversión escandaliza a muchos esclavistas, pero también a los propios negros, como el caso del primer encuentro de Django con Stephen, a la llegada del héroe a Candieland. Por otro lado, no es baladí que Tarantino haya tomado como referencia el cine de la década de los 60 y los 70 (no sólo el spaghetti western, también la Blaxplotation), época de ebullición en Estados Unidos de líderes sociales como Malcolm X o movimientos como los Panteras Negras. “Django Desencadenado” es una historia de venganza, no sólo personal, sino histórica. El cineasta construye un personaje anacrónico, adelantado más de cine años a su tiempo, y lo emplea para desquitarse con rabia de los excesos de los esclavistas.

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La película cuenta con los ingredientes habituales de su director: Diálogos agresivos y cortantes, extensos monólogos, una puesta en escena esteticista y enfática, fetichista a la hora de homenajear a su referentes, un tratamiento de la violencia excesivo y grotesco, además de una construcción episódica lo que favorece la incorporación de un reparto coral. Tarantino sigue siendo un experto director de actores, sacando los mejores registros a estrellas como Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio o Samuel L. Jackson. Waltz se ha convertido en el actor tarantiniano ideal, declamando como ningún otro los diálogos del director; DiCaprio (pese a la aparente desavenencias con el cineasta) ofrece un trabajo excepcional, un villano decadente y desagradable, incestuoso y relamido en sus exquisitos modales sudistas; y por último, Jackson se luce como Stephen , el negro de la casa, auténtico mutherfucker, verdadero antagonista de la historia, por encima incluso de Calvin Candie. Estos tres personajes se imponen por encima del propio protagonista, espléndidamente interpretado por Jamie Foxxx, pero que resulta tan determinado en sus objetivos que acaba siendo un personaje plano, monolítico, sin progresión dramática. Otros personajes secundarios aportan color y dinamismo a la cinta, pero de manera puntual y episódica, como parte de ese encadenado argumental que va construyendo el director.

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Si comentábamos que la película evidencia todas las virtudes del cine tarantiniano, también hay que comentar que no se escapa de sus defectos, magnificándolos incluso. En 2003, el díptico de “Kill Bill” sirvió de bisagra en la carrera del director. Desde entonces, sus películas se han dejado llevar por una desmesura que evidencia la querencia de Tarantino por la digresión como herramienta narrativa y una incapacidad o falta de voluntad a la hora de desprenderse de subtramas que recargan en exceso sus películas, las alargan sin necesidad y desequilibran el resultado. “Django Desencadenado” carga con demasiados elementos que de manera individual pueden resultar llamativos, interesantes o divertidos, pero que son prescindibles y no ayudan a la trama principal. El cineasta dilata en exceso la llegada de Django y el Dr. King Schultz a Candieland. Primero con el episodio del rescate del protagonista, su iniciación como cazarrecompensas, la captura de los hermanos Brittle o la primera cabalgata del Ku Klux Klan. Todo esto se lleva más de la mitad del metraje, cuando perfectamente algunos de estos episodios se podían haber sintetizado o incluso eliminado en favor del ritmo global de la película. Por el contrario, el clímax final parece precipitado y mal resuelto, casi como si ya el director hubiese perdido el interés y quisiera finiquitar la historia lo más pronto posible. Por otro lado, pese a sus bondades, la cinta no aporta ninguna novedad en el discurso del cineasta, quien reincide en las mismas propuestas que ya habían engalanado “Malditos Bastardos”. Esto se puede apreciar especialmente en el apartado musical, uno de los puntos fuertes de su filmografía anterior. Como es habitual en él, el director construye todo el bloque sonoro a partir de temas preexistentes, adaptando el montaje al ritmo de la música y no al revés, como suele ser habitual. Sin embargo, por primera vez en su carrera, la selección de canciones y temas procedentes del legado del western no termina de encajar. Puede que en la secuencia, de manera aislada, sí (siempre y cuando el espectador sea capaz de desprenderse del referente original al que pertenecen muchos de los temas), pero el discurso musical del conjunto de la película carece de cohesión y pierde efectividad. Todo esto deja una sensación de autocomplacencia que no es positiva ni para la película ni para Tarantino, a quien el éxito parece haberle acomodado en una posición en la que ya no hay quien le chiste. Sí, “Django Desencadenado” sigue siendo una excelente película, pero también da la impresión de que el cineasta se ha estancado en su propio estilo, incapaz o indiferente a seguir progresando.

“LINCOLN”. LUCES Y SOMBRAS DE LA POLÍTICA

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Más de doce años es lo que le llevó a Steven Spielberg culminar su ansiado biopic sobre la figura de Abraham Lincoln, decimosexto presidente de los Estados Unidos, y lo ha hecho en un momento inmejorable para la cinta. Cuando el estamento político se encuentra en uno de sus momentos de confianza más ínfima por parte del pueblo, cuando los escándalos de corrupción empañan la imagen pública de los poderes públicos, en un momento de crisis donde la esperanza que encarnaba Barack Obama y su “Yes, We Can” parece haberse diluido con su mandato, el director demócrata por excelencia rescata la figura de uno de los políticos más valorados y respetados por los estadounidenses, quien curiosamente era republicano, y se centra además en uno de los periodos más reverenciados de su mandato, la aprobación de la decimotercera enmienda en 1865, a través de la cual se abolió la esclavitud en el país. Sorprendentemente, la mayor relevancia de esta película dentro del panorama actual, ha tenido lugar a posteriori, y de manera accidental, ya que el estreno de la película sirvió para dejar en evidencia que, por un tecnicismo, el estado de Mississipi aún no había ratificado la abolición de la esclavitud, llevándose esto a cabo finalmente con un siglo y medio de retraso. Realmente Mississippi ratificó la enmienda en 1995 (en cualquier caso, 130 años después), pero la votación de su asamblea legislativa no le fue comunicada al gobierno federal, siendo éste el dato que se reveló tras el estreno de la película.

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Una cinta con un personaje tan icónico para los estadounidenses y narrada por Steven Spielberg amenazaba con caer en el terreno del panfleto nacionalista y sentimental, pero, salvo en el prólogo y el epílogo de la cinta, Spielberg se aparta de sus modos habituales en favor de una puesta en escena analítica y exhaustiva donde cada escena aporta información valiosa para el desarrollo de la trama. Lejos de caer en una hagiografía acerca de la vida y obra de su protagonista, el cineasta establece un relato apasionante sobre la guerra de trincheras de la política, y deja en evidencia algunos de los aspectos más cuestionables de los métodos del presidente para imponer su objetivo. Con “Lincoln”, Spielberg (con la siempre inestimable ayuda de la pictórica fotografía de Janusz Kaminski, el admirable diseño de producción de Rick Carter y la partitura nacionalista de John Williams) vuelve a demostrar su maestría, desarrollando una sobria y cuidada puesta en escena para esa batalla de salones en las que se convierte el mundo de la política, dejando claro que la aparente intrascendencia de algunas conversaciones esconde realmente un trasfondo grave y complejo. El que siempre se había caracterizado por ser un director de exteriores (posiblemente la única excepción en su carrera hasta ahora había sido “La Terminal”), se evidencia aquí tremendamente hábil a la hora de lidiar con una historia que sucede de puertas a dentro. A penas hay mención a los intereses económicos que suponían para el Norte la abolición de la esclavitud como medida de presión contra la industria del Sur, pero sí a las artimañas de presidente para dilatar el final de la Guerra de Secesión (con el precio en vidas humanas que ello supuso) o comprar votos en forma de prebendas a los políticos de la oposición, demostrando que el arte de la política ha evolucionado poco en prácticamente un siglo y medio de historia.

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En este sentido, es necesario destacar la labor del dramaturgo y guionista Tony Kushner, quien ha logrado sintetizar en un único libreto tres complejas tramas que se van alternando alrededor de la figura del presidente Lincoln. En las dos horas y media de duración del metraje asistimos a la evolución de las negociaciones para aprobar la decimotercera enmienda, el desarrollo de la etapa final de la Guerra de Secesión y nos adentramos en la faceta familiar del personaje, especialmente su relación con su mujer Mary Todd Lincoln y con su hijo Robert. Las dos primeras nos ofrecen el retrato político de un estratega mientras mueve sus piezas, evaluando con precisión el coste político y ético de cada una de sus decisiones. La tercera aborda el lado humano del personaje como un hombre distante y comedido a la hora de expresar sus sentimientos de manera emocional. Pese a su extensa duración, no podemos decir que haya en “Lincoln” ninguna escena de relleno o de transición y estas tres tramas simultáneas acaban retratando de manera clara al personaje, quien de esta manera es deconstruido en toda su complejidad. La pega, de ser tal, es la densidad del conjunto dentro de un contexto de cine comercial, generalista, como el que estamos situados y que acaba demandando mucha atención por parte del espectador. Éste no puede perder hilo de ninguna de las tramas, al mismo tiempo que debe asimilar gran número de nombres y personajes para no perderse en el desarrollo de la historia.

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Por supuesto, gran responsabilidad del éxito de la película recae en la asombrosa labor de Daniel Day Lewis, quien vuelve a dar muestras de su habilidad camaleónica a la hora de convertirse en un personaje, borrando su propia identidad y asumiendo por completo su rol ficticio. Esta prodigiosa interpretación ha sido cuidada en todos los aparados. Es cierto que se apoya en la caracterización y el maquillaje para potenciar el parecido físico con el referente histórico, pero al mismo tiempo, el actor no se queda en el disfraz y desarrolla una particular cadencia a la hora de hablar o moverse que define a la perfección el carácter de Abraham Lincoln y la confianza que generaba en los demás. Junto a esta labor, hay que destacar también el trabajo de Sally Field como Mary Todd y Tommy Lee Jones como Thaddeus Stevens. La primera se enfrentaba a la dificultad de dar verosimilitud a un personaje excesivo, que ya en su momento generó incredulidad entre sus contemporáneos debido al obsesivo luto que guardó por su marido tras el magnicidio, un comportamiento que había sido ya anunciado tras el fallecimiento de sus hijos Edward y William (la cinta se desarrolla de hecho poco después de la muerte de éste último a la edad de 12 años y el tono fúnebre acompaña a la familia Lincoln, también como elemento ominoso del posterior asesinato del presidente). Field se apoya en esto y convierte la inestabilidad emocional de la Primera Dama en la base de su trabajo, describiéndola como una mujer de fuerte carácter, inteligente y autoritaria, pero emocionalmente quebrada y al borde de la locura. Por su parte, Jones tiene la responsabilidad de convertir en atractivo un personaje arisco y determinado, al que no llegaremos a entender del todo hasta su última escena en la película. El habitual hieratismo del actor pasa aquí a ser ese muro de contención bajo el que reside el secreto del congresista Stevens, así como la fría expresión del desprecio que siente por todos esos compañeros de bancada que se regodean en sus ideas segregacionistas y se burlan de sus propuestas no sólo abolicionistas, sino integracionistas. El resto de los actores están espléndidamente caracterizados y dirigidos por Spielberg, pero ya con una relevancia menor en la trama. Entre ellos, brillan especialmente David Strathairn como el Secretario de Estado William Seward, Joseph Gordon-Levitt como Robert Lincoln, el grupo formado por James Spader, John Hawkes y Tim Blake Nelson (como W.N. Bilbo, Robert Latham y Richard Schell), o Jared Harris como el General Grant. Puede que la presencia de algunas figuras históricas sea más bien testimonial para aligerar metraje de la película, pero Spielberg sí ha querido compensar y subrayar la importancia de estos personajes cediendo el papel a destacados actores de carácter como Hal Holbrook, Jackie Earle Haley o Michael Stuhlbarg.

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Pese al tiempo y la dedicación que le ha dado el director, “Lincoln” no es la gran obra maestra de Steven Spielberg, cierto, pero el director sí puede enorgullecerse de haber realizado una cinta sobresaliente, sin fisuras, sustentada en un guion milimétrico y unos actores extraordinarios. El cineasta es capaz de extraer lo mejor de cada uno de ellos y ofrecer un trabajo al mismo tiempo característico de su filmografía, pero también atípico. Tras dos cintas tan claramente spielbergianas como “Las Aventuras de Tintín. El Secreto del Unicornio” y “War Horse. Caballo de Batalla”, el cineasta ha sido capaz de reinventarse y expandir sus horizontes como narrador, y eso es algo de lo que pueden vanagloriarse pocos directores con una trayectoria tan extensa como la suya.

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lunes, 25 de febrero de 2013

AVANCE FIMUCITÉ 2013

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Hoy lunes 25 de febrero tuvo lugar la presentación del VII Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que abrirá sus puertas entre los días 5 y 14 de julio de 2013.  Este año el evento acogerá entre sus contenidos más destacados un recorrido monográfico por los 35 años de excelencia de uno de los nombres propios por excelencia en el terreno de la edición de bandas sonoras: el histórico sello Varese Sarabande, bajo el cual se han forjado duraderas carreras de los compositores más importantes del séptimo arte. Como cada año, el Festival presenta una suculenta agenda musical en las que destaca poderosamente el concierto que FIMUCITÉ dedicará a la saga del Agente 007, y que incluirá la interpretación en directo, a cargo de la Orquesta Sinfónica de Tenerife (OST), del reciente Oscar a la Mejor Canción por la película “Skyfall”. La importancia de James Bond en el devenir del Séptimo Arte centrará, además, varias de las actividades paralelas programadas en el Festival de este año.

Por otro lado, el Teatro Guimerá de Santa Cruz abrirá también sus puertas en FIMUCITÉ 2013 para acoger, tras los excelentes resultados del pasado año, una nueva actuación de la Big Band de Canarias, que esta vez realizará un recorrido por uno de los grandes nombres de la época dorada de Hollywood, el compositor Elmer Bernstein, autor de míticas partituras como “Los Siete Magníficos”, “Matar a un Ruiseñor” o “Aterriza como Puedas”, y a quien el Festival dedica su Homenaje de este año. Dentro del amplio abanico de actividades paralelas del Festival, destacará la continuación de los talleres formativos sobre composición de música de Cine, inaugurados el pasado año gracias a la colaboración entre FIMUCITÉ y la Universidad privada de música más grande del mundo, el Berklee College of Music, gracias al cual profesionales del ramo, estudiantes y público en general, podrán disfrutar una vez más de un espacio en el que reputados expertos de ambos lados del Atlántico unirán sus talentos para explicar todos los aspectos del proceso que rodea la producción de una banda sonora, y de la música para el audiovisual en general. Entre otras novedades, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife incorporará a su oferta un apartado para profesionales la anexión del Mercado Cinematográfico EuroFórum, coordinado por el Cineasta Guillermo Ríos, que tendrá como sede el Hotel Mencey de Santa Cruz.

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PREMIOS OSCARS 2013

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No lo podemos remediar. Nos decimos que los Oscars no representan lo mejor del año, que son premios de la industria donde pesa más la campaña que el talento, que la gala es larga y aburrida, especialmente para los que vivimos en una franja horaria diferente y nos obliga a trasnochar; sin embargo, ahí estamos año tras año, con la esperanza de que nuestras favoritas ganen y dejarnos engalanar por el espectáculo y el glamour. No lo podemos remediar y este año hemos vuelto a repetir. Afortunadamente, en ocasiones, la vigilia vale la pena y, en nuestra opinión, éste ha sido uno de esos años. Todo hay que decirlo, a ello también contribuyen las redes sociales y la posibilidad de disfrutar de la ceremonia “acompañado”, comentando la evolución de los premios. Por ello, desde aquí también queremos agradecer a nuestros compañeros de viaje en la pasada madrugada del domingo 24 al lunes 25. Muchas gracias por una velada divertida e interesante. Este año había otros elementos que ayudaron al espectáculo. En primer lugar unas candidaturas muy reñidas, sin favoritos claros, lo que hizo que el suspense se mantuviera hasta el final (al contrario de lo experimentado en la pasada de los Premios Goya). Los premios han quedado bastante repartidos, lo que ayuda a contentar a un espectro más amplio de sensibilidades y gustos, aunque la que partiera como gran favorita, “Lincoln”, resultara ser la gran perdedora. Al menos, arañó uno de los premios principales y aquel que era imperativo para esta cinta, Mejor Actor para Daniel Day Lewis. Por último, la gala supo añadir las dosis adecuadas de humor, espectáculo, y sorpresas para que los que resistimos hasta el final viéramos recompensados nuestro esfuerzo tras más de tres horas y media de gala (sin incluir la alfombra roja).

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La gala arrancó de la mano de su debutante maestro de ceremonias, Seth MacFarlane, quien partía con muchos obstáculos en su contra. En primer lugar, sus últimos antecesores no consiguieron el beneplácito de los espectadores, ni siquiera el Billy Crystal del año pasado, quien hizo un trabajo digno, pero lejos de la brillantez de sus época de oro. Por otro lado, cada año el peso de la competencia de los Globos de Oro es más fuerte. El carácter irreverente de MacFarlane debía estar calibrado para acercarse al modelo de Amy Poehler y Tina Fey este año, sin llegar a los excesos de Ricky Gervais. Hay que decir que supo apañárselas para dejar cabida tanto al espectáculo tipo Hollywood como al humor más irreverente en su presentación. Por de pronto empezó aludiendo al olvido de la Academia de Ben Affleck en la categoría de Mejor Director, sobre todo cuando ya en aquel momento todo apuntaba a “Argo” como principal ganadora de la noche. A continuación, con un histriónico número en el que William Shatner, ataviado de Capitán Kirk, avisaba desde el futuro de los errores de la gala, se dio paso a números memorables como la canción “We Saw your Boobs” (desde ya uno de los temas más delirantes que hemos tenido ocasión de ver en esta gala) o la parodia con calcetines de “El Vuelo”. Esos momentos arriesgados se compaginaban con coreografías de baile más acorde con el gusto conservador de los académicos, espléndidamente ejecutadas por parejas como Channing Tatum y Charlize Theron o Joseph Gordon Levitt y Daniel Radcliffe. Una vez pasado ese primer tramo, MacFarlane redujo la acidez de sus comentarios, aunque sí se reservó algunas perlas pensadas para causar impacto en la audiencia o algún sector de ellas, como su comentario de que el actor que mejor ha sabido meterse en la cabeza de Abraham Lincoln ha sido John Wilkes Booth o su referencia al acento de los actores hispanos en Hollywood. Ambos dardos causaron su efecto, especialmente el primero, a lo que, tras el abucheo de la platea, el cómico preguntó cuánto tiempo tenía que pasar para poder hacer chistes sobre este magnicidio.

Este año los Oscars tenían dos temas de base. El primero era el 50 aniversario de la saga de James Bond, con un excelente video conmemorativo y la participación de Shirley Bassey que interpretó en directo el clásico tema de “Goldfinger”. Esto sumado a la interpretación de Adele del tema de “Skyfall” dio bastante presencia al agente secreto en la gala, a pesar de que finalmente no se pudo llevar a cabo la rumoreada reunión de todos los actores que han interpretado a 007 en el escenario. Por otro lado, la gala rendía tributo también a los musicales, de ahí que después de muchos tiempo, los números musicales volvieran a recobrar protagonismo en la ceremonia. A destacar un extenso homenaje que comenzaba con Catherine Zeta Jones recuperando de manera potente el tema “All That Jazz” de “Chicago”, seguida por Jennifer Hudson con “Dreamgirls” y culminando con un apoteósico medley de “Los Miserables”, con la participación de la mayor parte del reparto de la película. La música siguió teniendo mucho protagonismo en la gala gracias a la orquesta, dirigida en esta ocasión por William Ross, escogiendo humorísticamente el tema principal de “Tiburón” como alerta para que los premiados fueran acabando sus discursos y abandonaran el estrado. Para el habitual obituario con el recordatorio de todos los fallecidos, este año se escogió la música de John Barry para “Memorias de África”, ampliando el carácter emotivo de este momento. Justo a continuación, Barbra Steisand rindió tributo a su amigo y colaborador Marvin Hamlisch, fallecido el año pasado, interpretando el mítico tema “Memories” de la película “Tal Como Éramos”. Desgraciadamente, para este momento la voz le falló a la diva y el homenaje no alcanzó todas sus posibilidades.

Sin duda uno de los momentos destacados de la noche fue la sorpresa de la aparición de Michelle Obama para presentar el Oscar a Mejor Película. Si los Globos de Oro se apuntaron un buen tanto al conseguir que Bill Clinton acudiera a presentar “Lincoln”, la Academia de Hollywood recuperó el terreno perdido convocando a más altas instancias. La Primera Dama fue presentada por toda una leyenda, Jack Nicholson, cuya presencia en el escenario ya ofrecía caché suficiente para entregar el principal premio de la noche; sin embargo, la conexión con la Casa Blanca aportó sin duda un momento histórico para los Oscars. Otras anécdotas de la noche las dejaron Anna Hathaway y el efecto pezón de su vestido (bautizado durante la noche como “pezóngate” y fuente de múltiples comentarios en las redes sociales) o la caída de Jennifer Lawrence cuando subía a recoger su premio como Mejor Actriz (recordemos que a la actriz ya se le había roto el vestido en los Globos de Oro en ese mismo momento).

En lo referente a los premios, tal y como habíamos comentado quedó todo bastante repartido. No podemos hablar de una gran ganadora, pero sí que el triunfo quedó entre “Argo” y “La Vida de Pi”. La primera se llevó el Oscar principal de la noche (además de Guion Adaptado y Montaje), pero la segunda le aventajó en estatuillas, logrando cuatro (Director, Fotografía, Partitura Original y Efectos Especiales Visuales) de sus 11 nominaciones. “Los Miserables” consiguió salir honrosa del reparto, con premiso en los apartados de Actriz Secundaria, Sonido y Maquillaje y peluquería. La estatuilla a Anne Hathaway era uno de los premios esperados de la noche, aunque los que esperábamos ver subir a Paco Delgado nos quedamos con las ganas (Vestuario fue a parar a las manos de “Anna Karenina”). Tampoco Quentin Tarantino se puede quejar. Su “Django Desencadenado” se alzó con dos apartados importantes, Actor de Reparto para Christoph Waltz y Guion Original para el cineasta. Por su parte, “Lincoln” tan solo logró arañar dos de las 12 candidaturas a las que optaba (Actor Principal y Dirección Artística). El premio a Daniel Day Lewis la redime un poco de la decepción, pero es imposible no verla como la gran perdedora de la noche. Tampoco “La Noche Más Oscura” ha quedado bien parada. Si meses atrás se había posicionado como fuerte favorita, anoche tuvo que contentarse con Montaje de Sonido, compartiéndolo además con “Skyfall” en una de las sorpresas de la noche, uno de los poco habituales casos de empate técnico en los Oscars. “Skyfall”, por su parte sumó dos estatuillas a la saga Bond. La franquicia sólo ha sido premiada por la Academia en dos ocasiones, en 1964 y 1965, con “Goldfinger” y “Operación Trueno” (efectos de sonido y efectos visuales, respectivamente). Lo sorprendente es que el premio a Adele supone la primera estatuilla a una canción Bond de la historia. La esperanza europea con “Amor” finalmente se concretó únicamente en el apartado previsto, Mejor Película de Habla no Inglesa, y la principal representante del cine indie, “El Lado Bueno de las Cosas”, tuvo que conformarse también con un único premio, a Actriz Principal, después de haber sido la triunfadora el día anterior en los Independent Spirits, mientras que “Bestias del Sur Salvaje” se fue de vacío, pese a que su actriz protagonista, Quvenzhané Wallis, fue una de las estrellas más mencionadas y enfocadas de la gala. Tampoco hubo premio para “The Master”, “El Vuelo”, “Moonrise Kingdom”, “Las Sesiones” o “Lo Imposible”.

85th Academy Awards - Press Room

PALMARÉS

Mejor película

"Argo"

Mejor actor principal

Daniel Day-Lewis - "Lincoln"

Mejor actriz principal

Jennifer Lawrence - "El lado bueno de las cosas"

Mejor actor secundario

Christoph Waltz - "Django desencadenado"

Mejor actriz secundaria

Anne Hathaway - "Los Miserables"

Mejor director

Ang Lee - "La vida de Pi"

Mejor película en lengua extranjera

"Amor" - Austria

Mejor guión original

"Django desencadenado" - Quentin Tarantino

Mejor guión adaptado

"Argo" - Chris Terrio

Mejor película de animación

"Brave" - Mark Andrews y Brenda Chapman

Mejor fotografía

"La vida de Pi" - Claudio Miranda

Mejor montaje

"Argo" - William Goldenberg

Mejor dirección artística

“Lincoln" - Rick Carter y Jim Erickson

Mejor vestuario

"Anna Karenina" - Jacqueline Durran

Mejor peluquería y maquillaje

"Los Miserables" - Lisa Westcott y Julie Dartnell

Mejor banda sonora original

"La vida de Pi" - Mychael Danna

Mejor canción original

"Skyfall" (Adele) - "Skyfall"

Mejor mezcla de sonido

"Los Miserables" - Andy Nelson, Mark Paterson y Simon Hayes

Mejor edición de sonido

"Skyfall" - Per Hallberg y Karen Baker Landers

"La noche más oscura" - Paul N.J. Ottosson

Mejores efectos visuales

"La vida de Pi" - Bill Westenhofer, Guillaume Rocheron, Erik-Jan De Boer y Donald R. Elliott

Mejor documental

"Searching for Sugar Man"

Mejor corto documental

"Inocente"

Mejor cortometraje

"Curfew"

Mejor cortometraje de animación

"Paperman".

OSCARS/

domingo, 24 de febrero de 2013

EN LAS HORAS PREVIAS A LOS OSCARS (III). PREMIOS RAZZIES

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El año pasado Adam Sandler y su película “Jack y su Gemela” obtuvieron un importante vapuleo en los premios Razzie, batiendo el record de estatuillas que había establecido en 2008 la cinta protagonizada por Lindsey Lohan “Sé Quién Me Mató”. Este año, con motivo de la última entrega de “La Saga Crepúsculo”, se esperaba una especial inquina hacia “Amanecer Parte II”, como así finalmente ha sido, aunque no tan abrumadora como el año pasado, en parte, gracias también al propio Adam Sandler, quien le arrebató al episodio final de la franquicia de Stephenie Meyer un par de los principales anti-premios. “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II” partía con 11 nominaciones y fue castigada con siete: Película, Director, Actriz (compartido con “Blancanieves y la Leyenda del Cazador”, ambas protagonizadas por Kristen Stewart), Actor Secundario, Reparto, Secuela y Pareja Cinematográfica). Lo que evitó que la cinta igualara o superara el record establecido por “Jack y su Gemela” el año anterior fueron los dos Razzies (de 8 candidaturas) entregados a “Desmadre de Padre” (Peor Actor para Adam Sandler y Peor Guion para David Caspe), así como el de Peor Actriz de Reparto para Rihanna por “Battleship” (otra de las castigadas por estos premios en sus nominaciones, con un total de 7). Otros títulos como “Mil Palabras” (3 candidaturas), “Ghost Rider: Espíritu de Venganza” (2), “Piraña 3D 2 (Piranha 3DD)” (2), “¿Qué Esperar Cuando Estás Esperando?” (2) o “La Rebelión de Atlas: Parte II” (2) lograron librarse en esta ocasión.

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PALMARÉS

Peor película: “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II”

Peor actor: Adam Sandler por “Desmadre de Padre”

Peor actriz: Kristen Stewart por “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II” y “Blancanieves y la Leyenda del Cazador”

Peor actor de reparto: Taylor Lautner por “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II”

Peor actriz de reparto: Rihanna por “Battleship”

Peor reparto: “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II”

Peor director: Bill Condon por “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II”

Peor remake, rip-off o secuela: “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II”

Peor pareja: Mackenzie Foy y Taylor Lautner por “La Saga Crepúsculo. Amanecer, Parte II”

Peor guion: David Caspe por “Desmadre de Padre”

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EN LAS HORAS PREVIAS A LOS OSCARS (II). PREMIOS INDEPENDENT SPIRIT

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Antes de que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood de por cerrado el año 2012 con la entrega de sus premios, celebrando principalmente la visión de la industria, los cineastas independientes ofician su fiesta particular con los Independent Spirits. Si bien en años anteriores la separación entre ambas líneas de producción parecía más difusa, en esta ocasión el palmarés sí se ha distanciado de lo que, previsiblemente tendremos esta noche con los Oscars. Este año la gran vencedora ha sido “El Lado Bueno de las Cosas”, también nominada a los premios de la Academia, pero sin muchas opciones de premio. De un total de cinco nominaciones, la cinta se ha alzado con cuatro estatuillas en categorías tan destacadas como Película, Dirección, Actriz y Guion. Su principal competidora ha sido “Las Sesiones”, una de las olvidadas en las candidaturas a los Oscars. La cinta de Ben Lewin (quien sorprendentemente no estaba nominado) fue especialmente aplaudida en el apartado interpretativo, donde fueron premiados sus dos principales actores: John Hawkes (Actor Principal) y Helen Hunt (Actriz de Reparto). El actor Matthew McConaughey vio recompensado como Mejor Actor de Reparto su excelente trabajo en la cinta de Steven Soderbergh “Magic Mike”, obteniendo así la cinta la única estatuilla a la que optaba. Por su parte, Stephen Chbosky consiguió el reconocimiento a Mejor Ópera Prima gracias a la adaptación de su propia novela “Las Ventajas de Ser un Marginado”, sin duda uno de los descubrimientos cinematográficos del 2012, que bien hubiese merecido también una nominación en la categoría de guion o alguna referencia a Ezra Miller como actor de reparto. Otro de los sleepers del año, “Bestias del Sur Salvaje” se alzó con el premio a Mejor Fotografía para Ben Richardson, mientras que, como era de esperar, la cinta de Michael Haneke, “Amor”, fue premiada en el apartado de Mejor Película Extranjera.

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PALMARÉS

- Mejor película: El Lado Bueno de las Cosas.

- Mejor dirección: David O. Russell por El Lado Bueno de las Cosas.

- Mejor actor: John Hawkes por Las Sesiones.

- Mejor actriz: Jennifer Lawrence por El Lado Bueno de las Cosas.

- Mejor actor de reparto: Matthew McConaughey por Magic Mike.

- Mejor actriz de reparto: Helen Hunt por Las Sesiones.

- Mejor guion: El Lado Bueno de las Cosas de David O. Russell.

- Mejor ópera prima: Las Ventajas de Ser un Marginado de Stephen Chbosky.

- Mejor primer guión: Safety not Guaranteed de Derek Connolly.

- Mejor fotografía: Bestias del Sur Salvaje de Ben Richardson.

- Mejor documental: The Invisible War de Kirby Dick.

- Mejor película extranjera: Amor de Michael Haneke.

- Premio John Cassavettes (mejor película de menos de 500.000 dólares): Middle of Nowhere de Ava DuVernay.

- Premio Robert Altman (concedido al director, director de casting y reparto): Starlet.

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sábado, 23 de febrero de 2013

EN LAS HORAS PREVIAS A LOS OSCARS (I): PREMIOS CÉSAR

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Como cada año, en los días previos a la entrega de los Oscars se reúnen otros galardones también de gran relevancia, como son los Premios César, que este año han plegado sus tributos alrededor de la cinta de Michael Haneke “Amor”. Candidata a cinco estatuillas en Hollywood, la película protagonizada por Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant optaba a 10 César, alzándose finalmente con cinco de ellos y acaparando las categorías más importantes (Película, Director, Actriz, Actor y Guion). Le ha seguido de cerca “De Óxido y Huesos” de Jacques Audiard, cinta escogida por Francia para representar al país en los Oscars y que finalmente quedó fuera de la selección de la Academia de Hollywood (“Amor” entró en representación de Austria, a pesar de contar también con producción gala y haber sido rodada en francés). Protagonizada por Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts, esta película alcanzó cuatro estatuillas de las 9 que ambicionaba: Guion Adaptado, Montaje, Música y Actor Revelación. La tercera en discordia ha sido “Adiós a la Reina” de Benoît Jacquot, que igualaba a “Amor” en número de nominaciones, pero se ha tenido que conformar con tres premios (Fotografía, Diseño de Producción y Vestuario). Las grandes perdedoras de la noche han sido “Camille Redouble” de Noémie Lvovsky (13 nominaciones), “Holy Motors” de Leos Carax (9 nominaciones), “En la Casa” de François Ozon (6) y “Cloco” de Florent-Emilio Siri (5), que regresaron a casa con las manos vacías. Este año, el César de Honor fue para el actor Kevin Costner, mientras que el Premio a Mejor Película Extranjera ha sido para "Argo" de Ben Affleck, que en las últimas semanas se ha postulado también de manera importante como favorita de cara a los Oscars.

emmanuelle riva premios césar

PALMARÉS

- Mejor película: "Amor", de Michael Haneke.

- Mejor director: Michael Haneke por "Amor".

- Mejor actriz: Emmanuelle Riva por "Amor".

- Mejor actor: Jean-Louis Trintignant por "Amor".

- Mejor actriz secundaria: Valérie Benguigui por "El nombre".

- Mejor actor secundario: Guillaume de Tonquedec por "El nombre".

- Mejor actriz revelación: Izia Higelin por "Mauvese Fille".

- Mejor actor revelación: Matthias Schoenaerts por "De óxido y hueso".

- Mejor guión original: Michael Haneke por "Amor".

- Mejor guión adaptado: Jacques Audiard y Thomas Bidegain por "De óxido y hueso".

- Mejor música original: Alexandre Desplat por "De óxido y hueso".

- Mejor sonido: Antoine Deflandre, Germain Boulay y Eric Tisserand por "Cloclo".

- Mejor fotografía: Romain Winding por "Adiós a la reina".

- Mejor montaje: Juliette Welfling por "De óxido y hueso".

- Mejor vestuario: Christian Gasc por "Adiós a la reina".

- Mejor decorado: Katia Wyszkop por "Adiós a la reina".

- Mejor cortometraje: "Le cri du homard", de Nicolas Guiot.

- Mejor película de animación: "Ernest et Célestine", de Benjamin Renner, Vincent Patar y Stéphane Aubier.

- Mejor película documental: "Les invisibles", de Sébastien Lifshitz.

- Mejor película extranjera: "Argo", de Ben Affleck.

- Mejor ópera prima: "Louise Wimmer", de Cyril Mennegun.

- César de honor: Kevin Costner.

kevin costner premios cesar

viernes, 22 de febrero de 2013

ESTRENOS 22 DE FEBRERO DE 2013

Variopinto se presenta el fin de semana previo a la entrega de los Oscars en lo referente a estrenos cinematográficos. Títulos de culto que nos llegan con retraso, cintas de corte ecologista, comedias sobre la crisis de la madurez o el existencialismo New Age marcan la pauta en esta ocasión, alternando cine independiente con grandes superproducciones, pero sin representantes del cine nacional o europeo.

blue valentine

“Blue Valentine” es un drama romántico que dirigió en 2010 Derek Cianfrance, cineasta procedente del terreno del documental, quien debutaba así en el campo del largometraje de ficción. Protagonizada por Ryan Gosling y Michelle Williams, obtuvo una nominación a los Oscars para la actriz en 2011 y provocó una cierta polémica debido a las escenas de sexo que protagonizan la pareja. Ahora, con más de dos años de retraso, por fin se estrena en España, aprovechando la nueva fama obtenida por el Gosling tras “Drive”, quien a su vez ya ha protagonizado el siguiente trabajo de Cianfrance, “The Place Beyond the Pines”.

Dean y Cindy llevan varios años casados y han tenido una hija preciosa, Frankie. Pero su relación no ha sido precisamente un camino de rosas. Cindy tuvo que abandonar primero a su novio Bobby, lo que le ha costado a Dean alguna paliza. Dean ha tenido sus más y sus menos con los padres de ella. Cindy vive dedicada a su trabajo en un hospital mientras él se ha conformado con pintar casas en el barrio. Iremos viendo en paralelo el desgaste inherente a toda relación, los momentos álgidos y pasionales y los momentos en los que todo parece venirse abajo.

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El director Martin McDonagh sorprendió en 2008 con su ópera prima “Escondidos en Brujas”, donde mezclaba comedia negra con una trama de crímenes. Cinco años más tarde regresa con una fórmula similar en “Siete Psicópatas”, apoyándose en un reparto de campanillas, encabezado por Sam Rockwell, Colin Farrell, Christopher Walken, Woody Harrelson y Abbie Cornish.

Marty, un escritor que no llega a fin de mes, sueña con terminar su guión, Siete Psicópatas. Billy es el mejor amigo de Marty, un actor sin empleo y ladrón de perros a tiempo parcial, que quiere ayudar a Marty por cualquier medio. Hans es el socio de Billy. Un hombre religioso con un pasado violento. Charlie es el gangster psicópata cuyo amado perro acaban de robar Billy y Hans. Charlie es imprevisible, extremadamente violento y no lo pensaría dos veces antes de matar a cualquiera relacionado con el robo. Marty va a conseguir toda la inspiración que necesita, pero ¿sobrevivirá lo suficiente para completar la mayor obra de su carrera?

timothy green

Peter Hedges es un guionista y director de espíritu independiente, quien logró su primer triunfo gracias al guion de “¿A Quién Ama Gilbert Grape?”, basada en su propia novela. Tras un periodo como guionista dio el salto con la aplaudida “Retrato de Abril”, a la que siguió la amable “Como la vida misma”. Ahora abandona el tono realista y se deja llevar por la fantasía de corte ecologista con “La Extraña Vida de Timothy Green”.

Cindy y Jim Green son una pareja felizmente casada que no ve la hora de formar una familia y viven soñando con cómo será su hijo. Cuando, súbitamente, el joven Timothy aparece en la puerta de su casa durante una noche de tormenta, Cindy, Jim y el pequeño pueblo de Stanleyville descubren que a veces lo inesperado puede brindar alguno de los mejores regalos de la vida.

La cinta está protagonizada por el joven CJ Adams, al que acompañan Jennifer Garner y Joel Edgerton, como Cindy y Jim Green, Ron Livingston, Rosemarie DeWitt y Dianne Wiest.

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Tanto en su faceta como productor, como director, Judd Apatow ha marcado una seña de identidad propia, amada y vilipendiada a partes iguales por seguidores y detractores. Tras títulos como “Virgen a los 40”, “Lío Embarazoso” o “Hazme Reír”, regresa a la dirección con “Si Fuera Fácil”, donde recoge a dos personajes secundarios de “Lío Embarazoso” y los convierte en protagonistas, desarrollando una comedia sobre la madurez y el matrimonio de fuerte peso autobiográfico (la protagonista, Leslie Mann es la mujer en la vida real del director y las niñas están interpretadas por las hijas reales de la pareja).

Después de años de matrimonio, Pete vive con tres mujeres, su esposa Debbie y sus dos hijas, Charlotte, de ocho años, y Sadie, de 13. Pete lucha para mantener su discográfica a flote, pero él y Debbie también deben aprender a perdonar, olvidar y disfrutar del resto de su vida… antes de que acaben matándose.

La cinta está protagonizada por Paul Rudd y Leslie Mann y cuenta con actores fetiche del cine de Apatow, como Jason Segel, Chris O'Dowd o Melissa McCarthy. Además hay apariciones de Megan Fox, Lena Dunham, John Lithgow, Albert Brooks y las hijas del director, Maude e Iris Apatow.

cloud atlas

Adaptación de la obra de David Mitchell, “El Atlas de las Nubes” es un proyecto atípico. No sólo por su argumento, sino por su producción, realizada a seis manos entre los hermanos Wachowski y el cineasta alemán Tom Tykwer. La película cuenta a su vez con un llamativo reparto de estrellas, quienes interpretan a diferentes personajes, protagonistas de seis historias que nos van llevando desde el siglo XIX a un lejano futuro post-apocalíptico. Las historias se relacionan porque cada una es leída o vista por el protagonista de la que sucede a continuación.

Las historias incluyen la del viaje a través del Pacífico de un notario americano en 1850, un joven músico inglés que trabaja como escribiente en la Bélgica de 1930, un periodista californiano que en 1970 investiga la corrupción en una planta nuclear, un editor británico que es confinado a una casa de reposo, un clon prisionero político al que van a ejecutar en una imaginaria y futurista Corea y un miembro de una tribu de Hawaii en un futuro post apocalíptico, que narra la historia alrededor de una hoguera.

Los actores que conforman este peculiar proyecto son Tom Hanks, Halle Berry, Hugo Weaving, Susan Sarandon, Jim Sturgess, Ben Whishaw, Jim Broadbent, Doona Bae y David Gyasi.

NOMINACIONES A LOS IX PREMIOS DE LA CRÍTICA MUSICAL CINEMATOGRÁFICA

scoremagacine nominados premios de la crítica

Como cada año, la web especializada en bandas sonoras Scoremagacine.com ha hecho públicas las candidaturas a sus Premios de la Crítica Músical Cinematográfica, en las que Adivina Quién Viene al Cine tiene el honor de participar como parte del jurado. Como novedad a partir de este año se han fijado en seis (o más en caso de empate) las candidaturas en cada una de las cuatro categorías a competición. Además, Scoremagacine ha sumado al inmejorable elenco de críticos que conforman el jurado, la flor y nata del mundo académico representado a través de Universidades como la Complutense, la de Extremadura o Salamanca, y al frente de ellas los profesionales especializados en el análisis de las relaciones de la música y la imagen.  Los resultados serán hecho oficiales por esta web el próximo 14 de marzo y los premios nacionales serán entregados durante la edición de FIMUCITÉ 7 siempre que la agenda del compositor/es ganador/es lo permita.

El jurado de esta IX edición, compuesto por 32 miembros, lo integran por orden alfabético: Juan Francisco Álvarez (Encadenados.org), Ricardo Borrero (Cine y Bso), Eduardo Casanova (Cope), Xavier Cazeneuve (El Violí Vermell-Catalunya Música), Demetris Christodoulides (IFMCA), Gorka Cornejo (Scoremagacine), Manuel E. Díaz Noda (adivinaquienvienealcine.com, FIMUCITÉ), Ramón Esteban (Radio Marca: "La Claqueta"), Josep Lluís Falcó (Historiador, Revista Musical Catalana, Universitat de Barcelona), Teresa Fraile (Doctora por Universidad Extremadura de Didáctica de la Expresión Musical; autora libro "Música de cine en España: Señas de Identidad"), Ignacio Garrido (Scoremagacine), Nacho Gonzalo (LoQueYoTeDiga.net), Sergio Hardasmal (Revista Acción Cine Video), David Huélamo (nochedecine.com), Isabel Imaz (Revista Melómano), Joaquín López González (Doctor en Historia y Ciencias de la música por Universidad de Granada y autor de artículos sobre música de cine), Martín Llade (Radio Clásica: "Todas las mañanas del mundo"; La 2), Rut Martínez, David Miner (EsRadio), Pedro J. Mérida (FIMUCITÉ), Pablo Nieto (Scoremagacine), Matilde Olarte (Doctora en etnomusicología española por Universidad de Salamanca, autora libros de Música y Cine), Miguel Ángel Ordóñez (Scoremagacine, Revista Academia), Joan Padrol (Dirigido Por), David Rodríguez Cerdán (Scherzo, Revista Academia), José Vidal Rodríguez de Liébana (Scoremagacine), Joaquín Rodríguez Fernández (labutaca.net), Miguel Fernando Ruiz de Villalobos (Imágenes de Actualidad), Juan Ángel Saiz (Rosebud, Scoremúsica), David Serna (Scoremagacine), Javier Suárez-Pajares (Doctor en Musicología por Universidad Complutense de Madrid, Diverdi) y Frederic Torres (Scoremagacine).

La lista de nominados correspondientes a trabajos realizados durante el 2012 tras la votación de estos críticos, en sus respectivos apartados y siguiendo criterios alfabéticos, son:

MEJOR BANDA SONORA NACIONAL

- Baztan (Ángel Illarramendi)

- Blancanieves (Alfonso Vilallonga)

- Isabel (Federico Jusid)

- Las Aventuras de Tadeo Jones (Zacarías Martínez de la Riva y Álex Martínez)

- Lo Imposible (Fernando Velázquez)

- O Apostolo (Philip Glass, Xavi Font y Arturo Vaquero)

- The Little Wizard (O Mago Dubidoso) (Marc Timón)

MEJOR BANDA SONORA EXTRANJERA

- Ana Karenina (Dario Marianelli)

- John Carter (Michael Giacchino)

- Life of Pi (Mychael Danna)

- Lincoln (John Williams)

- The Hobbit: An Unexpected Journey (Howard Shore)

- The Master (Jonny Greenwood)

MEJOR COMPOSITOR ESPAÑOL

- Arnau Bataller (Lo Mejor de Eva, Pulseras Rojas)

- Federico Jusid (Isabel, Atraco)

- Zacarías Martínez de la Riva (Las Aventuras de Tadeo Jones, Dictado)

- Sergio Moure (El Cuerpo, Lobos de Arga, Todo Es Silencio)

- Fernando Velázquez (Lo Imposible, Hijos de las Nubes)

- Alfonso Vilallonga (Blancanieves)

MEJOR COMPOSITOR EXTRANJERO

- Mychael Danna (Life of Pi)

- Alexandre Desplat (Rise of the Guardians, Argo, Moonrise Kingdom)

- Danny Elfman (Hitchcock, Frankenweenie, Dark Shadows)

- Dario Marianelli (Ana Karenina, Salmon Fishing in the Yemen)

- Thomas Newman (Skyfall, The Best Exotic Marigold Hotel)

- John Williams (Lincoln)

lunes, 18 de febrero de 2013

PREMIOS GOYA 2013

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Era de esperar. Con una Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España que aparentemente tan sólo vio 5 películas españolas en 2012, la entrega de sus premios anuales se redujo a un previsible y abusivo reparto de estatuillas, con una clara ganadora, “Blancanieves”, que obtuvo un total de 10 Goyas (de 19 candidaturas), seguida por “Lo Imposible” con 5, “Las Aventuras de Tadeo Jones” con 3 y “Grupo 7” con dos galardones. La gran ninguneada de la noche fue “El Artista y la Modelo”, cinta que, a nuestro entender, hubiese merecido haber estado entre las principales ganadoras, pero que, precisamente por su competencia con la película de Pablo Berger, acabó la noche de vacío, ya que incluso dos de las grandes olvidadas en el momento de las candidaturas, “Una Pistola en cada Mano” y “El Muerto y Ser Feliz”, consiguieron alzarse con la única estatuilla a la que optaba (Mejor Actriz de Reparto para Candela Peña y Mejor Actor Principal para José Sacristán, respectivamente). No queremos aquí restar méritos a “Blancanieves” o “Lo Imposible” (cintas que representan a la faceta más artística y más comercial de nuestra industria, respectivamente), pero como en todo, los premios no caen nunca a gusto de todos. Nosotros hubiésemos preferido un mayor reparto de los premios entre las candidatas, al mismo tiempo que disentimos con galardones como mejor director novel para Enrique Gato. Chapeau a la Academia por premiar a una cinta de animación fuera de su categoría correspondiente, pero en nuestra opinión Paco León era más merecedor de este premio. Lo mismo opinamos del apartado a mejor actriz revelación. Sin duda, Macarena García realiza un espléndido trabajo por “Blancanieves”, pero no entendemos este premio salvo que hubiese sido ex-aequo con Sofía Oria (algo que la injusta ley actual de la Academia con respecto a los menores de 16 años imposibilitaba), y aún así seguimos opinando que Carmina Barrios representaba mejor a esta candidatura. Por nuestra parte además los premios a mejor música original y mejor maquillaje y/o peluquería hubiesen ido a Fernando Velázquez y Alessandro Bertolazzi, David Martí y Montse Ribé, respectivamente, por “Lo Imposible” en lugar de a Alfonso de Villalonga y Fermín Galán y Sylvie Imbert por “Blancanieves”. Salomónica fue la decisión de repartir los dos principales galardones (mejor dirección y mejor película) entre las dos favoritas (Juan Antonio Bayona para el primero y Pablo Berger para el segundo). Entre los premios sorpresa e inesperados podemos destacar el Goya a la Mejor Película Iberoameriana para “Juan de los Muertos”, imponiéndose a títulos aparentemente más propicios a premio como “Infancia Clandestina”.

La gala se desarrolló en los parámetros habituales de los últimos años. La ausencia de publicidad en Televisión Española permitió que el reparto de premios fuera ágil, aunque muchos premiados, llevados por los nervios o las reivindicaciones políticas y sociales rozaran el límite de tiempo impuesto a cada uno. Eva Hache actuó de nuevo como maestra de ceremonias de manera efectiva, ácida y punzante, imponiendo el humor en todo momento, pero reservándose varios dardos envenenados tanto al Ministro de Cultura, Ignacio Wert, como a la propia Academia. Supo interactuar con la audiencia (especialmente los candidatos) y sortear con sagacidad algunos de los escoyos que le aguardaban este año, donde se imponía una defensa de la industria frente a los recortes del gobierno, sin caer en los excesos reivindicativos de ocasiones anteriores. Sus parodias de las películas candidatas aportaron respiro al desarrollo de la gala, al igual que la participación de los componentes de “La Hora Chanante”, quienes también supieron salir al paso del conflicto político que sobrevoló toda la ceremonia.

Sí se acusó este año algunos problemas de organización, que tuvieron su momento más grave con el anuncio erróneo del premio a Mejor Canción Original, donde Adriana Ugarte y Carlos Santos leyeron en primera instancia como ganadores a los autores del tema principal de “Los Niños Salvajes”, para inmediatamente rectificar y entregar la estatuilla a “Blancanieves”, con la consiguiente desilusión de los primeros, quienes durante 15 segundos se vieron ganadores del Goya. Un momento tan delicado no fue llevado con buena mano por Carlos Santos, quien justo a continuación (queremos pensar que víctima de los nervios) se permitió bromear con el suceso y anunciar que habría más errores de lectura de sobres esa noche. Lo cierto es que, pese a esto, la chanza de Santos estuvo cerca de cumplirse, ya que posteriormente siguieron presentándose dudas por parte de los presentadores a la hora de saber qué sobre era el que llevaba el premio, como fue el caso de Santiago Zannou y Enrique Urbizu, quienes estuvieron a punto de entregar Goya a mejor dirección novel a Maribel Verdú, ya que nadie había retirado de la mesa el sobre con la ganadora del apartado de actriz principal.

Esos, sin embargo, no fueron los únicos sobres problemáticos de la noche. Estaba claro que la gala reflejaría el estado de descontento de la industria española y sus artistas con respecto a la gestión del gobierno de Mariano Rajoy, haciéndose referencia a la subida del IVA, los recortes en Cultura (también en Sanidad, Educación), el problema de la vivienda, el estado de la Monarquía y los casos de corrupción que han salpicado al Partido Popular. Ya de por sí la gala arrancó con una parodia a “Bienvenido Mr Marshall”, en la que Enrique González Macho (de gran parecido físico con Mariano Rajoy) ocupaba el puesto de Pepe Isbert con su legendario “os debo una explicación”. Posteriormente, Eva Hache denunciaría también la ausencia de Casa Real en la gala (comparando jocosamente con la asistencia del Príncipe Felipe a los partidos de balonmano). Algunos presentadores hicieron también mención a los recortes de manera no siempre sutil (pegatinas alusivas al No, tijeras que recortan los sobres con los premiados, Corbacho saludando únicamente un 21% al ministro, o referencias al conflicto con Cataluña, la amnistía fiscal o a los sobres de Luis Bárcenas), mientras que muchos ganadores quisieron aprovechar sus minutos en el escenario para denunciar las medidas del gobierno. En este sentido, la más virulenta fue Candela Peña, con un aplaudido discurso con referencias personales a la Sanidad, la Educación y el paro. En cualquier caso, si bien los artistas no cedieron tregua al gobierno, en ningún momento llegaron a los niveles de enfrentamiento de años anteriores con la Guerra de Irak. Por otro lado, Wert asumió su posición de punching ball del Gobierno, recibiendo las críticas como quien asiste a una murga o una chirigota del carnaval.

La crítica institucional llegó con el discurso del presidente de la Academia, quien en su ajustada intervención (que él mismo subrayó delimitada por el margen impuesto por la realización de la gala) se refirió a los doce meses de incertidumbre que ha atravesado el sector debido a las políticas culturales. González Macho se refirió a la desastrosa subida del IVA y sus consecuencias, la ineficaz lucha contra la piratería, lo pacata que resultó la ley Sinde-Wert, el deterioro de RTVE y sus consecuencias para el sector audiovisual, y cómo pese a haber cerrado un 2012 excepcional en cuanto a cifras, las previsiones para el 2013 eran bastante negativas, resaltando la importancia de la nueva ley del cine que estaban negociando los diferentes sectores cinematográficos con el gobierno de la nación. Todo ello bien argumentado, sin caer en victimismos, ni confrontaciones ciegas, pero dejando claro que González Macho es, ante todo, un empresario. Su discurso se centró en aspectos económicos, fiscales, pero a penas quedó espacio para un análisis artístico de la producción del 2012, ni autocrítica que no fuera más allá de ensalzar el éxito de un reducido conjunto de películas que han salvado con nota los muebles al cine español. Bien debía el presidente haber reconocido en su discurso que han sido tres títulos los que han elevado la cuota de recaudación del cine español y que, sin ellos, 2012 hubiese sido posiblemente un annus horribilis para nuestra industria. Se hizo referencia a la importancia de las televisiones, sí, pero se obvió, una vez más, la nefasta gestión de distribución que tienen las películas españolas. No sólo por el monopolio de Hollywood, sino por falta de visión comercial. Precisamente, películas como “Lo Imposible” o “Las Aventuras de Tadeo Jones” han dejado claro que las carencias del cine español no son tanto por la presión del cine estadounidense, como por una notable carencia de marketing a la hora de hacer llegar a las películas al público general.

Nosotros particularmente, de toda la gala queremos quedarnos con dos momentos concretos: el homenaje a Concha Velasco y el Goya a José Sacristán. Ambos artistas recibieron las dos únicas standing ovations de la noche, merecidas y que dejaban claro la veteranía y la clase del cine español, además de servir de necesarias compensaciones, ya que para los dos supuso el primer Goya de sus carreras. Tras un sentido video homenaje a su carrera, Velasco se llevó al público al bolsillo con un magnífico monólogo sobre la frustración de perder un Goya, cerrando el tributo un juguetón número musical que mezclaba algunos de los temas míticos de la carrera de la actriz. Por su parte, Sacristán, fiel a su línea sobria y racional, elaboró un discurso de agradecimiento en el que supo aunar con inteligencia la referencia a los nuevos creadores (como David Trueba o Javier Rebollo, con los que estrenó títulos en 2012) con la herencia recibida (en especial su mención final a Paco Marsó).

Esperemos que las ominosas predicciones de González Macho sobre la andadura del cine español en 2013 no lleguen a cumplirse, apoyemos nuestro cine (pero no sólo los espectadores, también la propia Academia, quien debería respaldar a todos y no sólo a cinco películas de todo un ejercicio anual) y crucemos los dedos para que dentro de un año los Goya representen realmente a toda la producción del cine español, con un reparto más equilibrado y justo de los premios.

PALMARÉS

- Mejor película: Blancanieves.

- Mejor director: J.A. Bayona por Lo imposible.

- Mejor director novel: Enrique Gato, Las aventuras de Tadeo Jones.

- Mejor actor protagonista: José Sacristán, El muerto y ser feliz.

- Mejor actriz protagonista: Maribel Verdú, Blancanieves.

- Mejor actor de reparto: Julián Villagrán por Grupo 7.

- Mejor actriz de reparto: Candela Peña por Una pistola en cada mano.

- Mejor actor revelación: Joaquín Núñez por Grupo 7.

- Mejor actriz revelación: Macarena García por Blancanieves.

- Mejor guion original: Pablo Berger por Blancanieves.

- Mejor guion adaptado: Las aventuras de Tadeo Jones.

- Mejor música original: Alfonso de Villalonga por Blancanieves.

- Mejor dirección de producción: Sandra Hermida por Lo imposible.

- Mejor montaje: Blancanieves.

- Mejor diseño de vestuario: Paco Delgado por Blancanieves.

- Mejor sonido: Lo imposible.

- Mejor película de animación: Las aventuras de Tadeo Jones.

- Mejor película iberoamericana: Juan de los muertos.

- Mejor canción original: No te puedo encontrar, Blancanieves.

- Mejor dirección de fotografía: Blancanieves.

- Mejor dirección artística: Blancanieves

- Mejor maquillaje y/o peluquería: Blancanieves.

- Mejores efectos especiales: Lo imposible.

- Mejor película documental: Hijos de las nubes.

- Mejor película europea: Intocable.

- Mejor cortometraje de animación español: El vendedor de humo.

- Mejor cortometraje de ficción español: Aquel no era yo.

- Mejor cortometraje documental: Una historia para los Motlin.

- Goya de Honor: Concha Velasco.