lunes, 16 de octubre de 2017

FIC GÁLDAR 2017. ENTREVISTA A RUTH ARMAS


 
Entrevista a la directora del Festival Internacional de Cine de Gáldar, Ruth Armas, con motivo del inicio de su quinta edición.
La entrevista tuvo lugar en el programa Días de Radio de la Radio Canaria el viernes 13 de octubre.

jueves, 12 de octubre de 2017

“EFECTOS DE SONIDO”. CUENTOS ASOMBROSOS


A cada nuevo proyecto audiovisual que emprende, el cineasta Óscar Martínez sigue evidenciando el tipo de cine que le gusta, que le marcó de niño y que, a día de hoy, sigue siendo su fuente referencial: la ciencia ficción, el terror, el género fantástico en su más amplio espectro, pero especialmente el realizado entre las décadas de los 70 y principios de los 90 por cineastas como John Carpenter, Steven Spielberg o Robert Zemeckis, entre otros. Esto le ha llevado a desarrollar trabajos conceptualmente muy ambiciosos y difícilmente asumibles con la falta de inversión y medios de los que disponía. Aún así, con sus aciertos y sus errores, ahí quedan títulos como “Amania”, “Extinción” o “Melania. Paciente Cero” para atestiguar los esfuerzos del cineasta por mantenerse fiel a un tono y a una narrativa a día de hoy anacrónicos y, por lo general, olvidados por las nuevas generaciones. Su nueva aventura no podía ser menos.
“Crónicas de la Imaginación” nace tomando como referencia clásicos de la televisión como “Alfred Hitchcock Presenta”, “La Dimensión Desconocida”, “Galería Nocturna” o “Cuentos Asombrosos”, donde cada episodio ofrecía una historia autoconclusiva que buscaba ser sorprendente y jugar con los componentes del suspense, el terror o lo sobrenatural. El propósito de Martínez es ir presentando de manera esporádica pequeñas historias, sencillas y modestas en sus planteamientos, pero con las que seguir recreándose en ese gusto por una concepción clásica de lo fantástico. Todo un reto para un director al que los proyectos anteriores siempre han acabado siendo más ambiciosos y extensos de lo inicialmente previsto. La primera entrega de estas “Crónicas de la Imaginación” es “Efectos de Sonido”, un cortometraje de 10 minutos de duración centrado en la búsqueda que emprende un joven armado con un micrófono de unos extraños cánticos que parecen apuntar a algo más siniestro.
Por una vez, Martínez se mantiene fiel a su propósito y, argumentalmente, el corto es bastante sintético. La narración se centra sobre todo en ese proceso de búsqueda y la resolución es rápida y efectiva, reservándose únicamente dos planos en los que se evidencia ese componente sobrenatural de la historia. El director aprovecha el cortometraje para jugar con la puesta en escena, apostando por una narrativa limpia y clásica, con un cuidado trabajo de montaje a la hora de dilatar la acción y donde, evidentemente, el uso de la banda sonora, tanto en el apartado musical (con uso de una serie de temas libres de derecho, que, eso sí, falta acreditar en los títulos finales) como de efectos de sonido, tiene un papel decisivo, creando una atmósfera de suspense que va creciendo de manera paulatina y advierte al espectador del territorio sobrenatural en el que se va aventurando. Se trata, por lo tanto, de un corto de poco diálogo, aunque incluso con lo poco que hay, nosotros hubiésemos prescindido de parte de él. La labor interpretativa recae casi exclusivamente en el actor Norberto Trujillo, quien hace un buen trabajo a la hora de dar naturalidad y verosimilitud a su personaje (algo que, por otro lado, suele ser uno de los talones de Aquiles del cine del cine anterior de Óscar Martínez, con tendencia a una cierta artificiosidad en los actores y en lo que aquí apreciamos una notable mejoría).
“Efectos de Sonido” es un trabajo modesto, emprendido con falta de medios, pero lleno de ilusión y cariño por una forma muy especial de contar historias con imágenes y resuelto con eficacia. ¿Para cuándo el siguiente capítulo?      

martes, 12 de septiembre de 2017

“LA NIEBLA Y LA DONCELLA”. DOBLE LECTURA

PRIMERA LECTURA: DELITOS Y FALTAS
En “La Niebla y La Doncella” hemos encontrado la confluencia de dos películas diferentes, pero complementarias. La primera, la más evidente, supone el primer largometraje como director del guionista Andrés Koppel, basado en la novela de Lorenzo Silva dentro de su serie de procedimentales protagonizados por el Sargento Bevilaqua y la Cabo Chamorro.
Se trata de un policíaco puro y duro, con todas las claves, los esquemas y las trampas del procedimental, narrado con solvencia por parte de su director y guionista, y que ofrece al espectador un visionado entretenido y bien construido. El género policíaco parte de la base de que todos los personajes mienten y todos tienen algo que esconder. Es responsabilidad del escritor o, en este caso, el director y guionista saber diseminar las pistas para que, una vez desvelado el misterio, el espectador no sienta que le han engañado y que, si no ha resuelto la identidad del asesino, no sea por falta de migas de pan que le guíen en el camino. En este sentido, ni Lorenzo Silva, ni Andrés Koppel han pretendido reinventar el género, sino ser fiel a sus características. “La Niebla y La Doncella”, como buen criminal, busca esconder sus huellas y desviar la atención del espectador, pero al mismo tiempo cumple con las estructuras y los clichés narrativos, que acaban convirtiéndose en los principales indicios acerca de la identidad del asesino (y hasta ahí podemos leer). Se trata de una cinta donde, aparte de su trama detectivesca, se trabaja el concepto de culpa que persigue, de una manera u otra, a todos los personajes. Es recurrente que este tipo de historias, que se construyen entorno a aspectos policiales y jurídicos, acaben volando por encima de cuestiones meramente legalistas y prefieran profundizar más en el alma humana y su complejidad moral. “La Niebla y La Doncella” habla precisamente de la culpabilidad, por los actos realizados o por las cobardías escondidas, y en ella encontramos la razón de ser de todas las mentiras y los secretos que esconde el crimen principal, pero también la complejidad psicológica de los propios protagonistas, Bevilaqua y Chamorro, cuyos conflictos personales se cruzan con el modo en que investigan el caso que tienen sobre la mesa. 
Desde el punto de vista interpretativo, se agradece ver a un Quim Gutiérrez alejado de su rol habitual y ofreciendo un Bevilaqua aparentemente equilibrado y resolutivo, pero que esconde una gran rabia interior. El actor mantiene una excelente química con una fantástica Verónica Echegui (a nuestro entender el plato fuerte interpretativo de la cinta) y de manera más discreta, bien controlada para no romper la dinámica establecida por el escritor en las novelas, con Aura Garrido. La actriz realiza una buena composición de personaje y tiene momentos destacados en la cinta, pero sí es cierto que en esta historia Chamorro tiene un rol más secundario. A ellos se suma, cerrando un cuarteto de lujo un estupendo Roberto Álamo, muy comedido en su papel, y la colaboración especial de Marián Álvarez, en un personaje muy pequeño, prácticamente sin diálogo y que se mueve más por miradas. Como guionista, Koppel sabe establecer dónde están los puntos fuertes de la narración y su puesta en escena da dinamismo a la imagen, aunque sí apreciamos un clímax final un tanto precipitado y atropellado. La fotografía saca un excelente partido de los paisajes de La Gomera y juega muy bien con uno de los dos elementos que ya aportaba el título de la novela, la niebla, dando al escenario una cualidad ominosa y, en ocasiones, hasta fantasmagórica, que ayudan a dar la atmósfera correcta a la trama. “La Niebla y La Doncella” es, por lo tanto, una cinta consciente de su naturaleza de producto comercial, realizado con honestidad y solvencia, y que tampoco aspira a mucho más salvo atraer y entretener al espectador con un buen relato. Para algunos, será un título que requerirá un segundo visionado con el fin de atender mejor a los detalles, para otros (nuestro caso), una trama algo predecible si se saben leer los patrones del género.
SEGUNDA LECTURA. EL TRIUNFO DEL CINE EN CANARIAS
Existe, sin embargo, otra película detrás de la evidente, no tanto a nivel argumental, pero sí en lo que se refiere a su identidad, y tiene que ver con la situación del sector audiovisual en Canarias y su crecimiento en las últimas dos décadas. Desde el punto de vista nacional, Andrés Koppel es un guionista que se ha labrado un lugar en la industria gracias a sus libretos para títulos como “Intacto”, “Noche de Reyes” o, más recientemente, “En Zona Hostil”, además, su labor como jefe de desarrollo de proyectos en Sogecine hasta 2001 y como docente.
En Canarias, Koppel es también uno de los principales representantes de una generación de cineastas que devolvió a las islas el sueño de hacer cine en la década de los 90. En un archipiélago donde la relación con el cine ha sido discontinua, con periodos de crecimiento, pero también de desafección y derrota, nombres como Juan Carlos Fresnadillo, Miguel Ángel Toledo, Elio Quiroga o el propio Koppel lograron romper el insularismo y dar el salto tanto a la industria nacional como a la internacional. Con la llegada del cine digital, ya en el nuevo siglo, las reglas del cine cambiaron y la generación posterior se ha tenido que enfrentar a las virtudes, pero también a los hándicaps de la nueva tecnología. En este proceso, Koppel ha ejercido un papel fundamental, a través de su participación en proyectos audiovisuales como el LEAC, su cruzada particular por la formación y ahora con “La Niebla y La Doncella”. Es cierto que las políticas implantadas en los últimos años han potenciado los rodajes nacionales e internacionales en las islas, y que, precisamente, Tornasol, la productora detrás de esta adaptación de Lorenzo Silva, ha sido de las que más han sabido aprovechar estas ventajas fiscales. Sin embargo, en todas esas películas tanto los platós naturales, como la participación de equipo técnico y actores de las islas quedaba en un mera herramienta, un engranaje más dentro de la máquina global del cine.

“La Niebla y La Doncella” (como ya hiciera años atrás “Intacto”, precisamente con Koppel en el rol de guionista) va más allá de ahí. El conocimiento del entorno, geográfica y culturalmente, pero también la estrecha relación con el sector audiovisual de las islas han propiciado que la cinta entregue el protagonismo definitivo que el sector venía reclamando para demostrar su valor. Quizás fuera de las islas lo que impere sea la identidad comercial de producto de género, pero aquí destaca más la naturalidad y la fuerza con la que los particularismos del archipiélago inundan la historia y definen a los personajes. Destaca también el modo en que los actores de las islas se integran con el reparto estelar principal, no sólo sin desmerecer, sino incluso llegando a robar escenas (importante subrayar aquí la labor de Beneharo Hernández y Alba Tonini); o la excelente aportación de un equipo técnico bien armado y predispuesto (como ejemplo, la extraordinaria labor de segunda unidad realizada por Aarón Melián, responsable de la apabullante persecución inicial). Particularmente, más allá de las flaquezas y las fortalezas que pueda mostrar la película, de su discurso de género y su naturaleza de producto comercial, es aquí donde nosotros encontramos el gran triunfo de Andrés Koppel con esta película, en su habilidad para utilizar todos estos componentes como un macguffin hitchcoriano, donde la verdadera historia, el verdadero misterio desvelado, es el triunfo del cine en Canarias y su estado de absoluta madurez para seguir estableciendo su propia industria si se sigue contando con los apoyos adecuados y estos se siguen potenciando.  
  

viernes, 30 de junio de 2017

ESTRENOS DEL 30 DE JUNIO DE 2017

DESPIDO PROCEDENTE
El director Lucas Figueroa se dio a conocer en 2013 con el thriller “Viral”, al que llegó tras escribir y dirigir cuatro cortometrajes. Ya en este primer largo dio muestras de interesarse por los esquemas narrativos de género, elemento que recupera con su segundo largometraje, “Despido Procedente”, aunque en esta ocasión saltando a las características de la comedia. El entorno de las grandes empresas y los efectos de la crisis económica son el punto de partida de este film, que cuenta con un destacado reparto masculino, encabezado por Imanol Arias y Darío Grandinetti, a los que acompañan Hugo Silva, Luis Luque, Miguel Ángel Solá o Tomás Pozzi. En el apartado femenino destacan las actrices Valeria Alonso y Paula Cancio. El protagonista es Javier, un ejecutivo de una multinacional, que comete un pequeño error e indica mal una dirección a un desconocido que le pregunta en la calle. Esta equivocación se transformará en su peor pesadilla cuando el desconocido comience a acosarlo reclamando una indemnización por el fallo cometido. La situación se tensa aún más con la aparición de Sam, un compañero de oficina con quien tendrá que competir para mantener su puesto de trabajo. Rodada entre Buenos Aires y Madrid, la película introduce también el contraste entre las culturas española y argentina, como parte de sus ingredientes humorísticos.
AURORA
“Aurora” está basada en la trilogía de novelas adolescentes "Le journal d'Aurore", escrita por Marie Desplechin. La directora Emilie Deleuze  ha destacado que lo que más le llamo la atención de Aurora al leer la novela fue que "no tuviera ningún problema" y que fuera "ella misma la que los genera", a diferencia de otras películas de adolescentes se cuentan historias de jóvenes con problemas enormes: el adolescente violado, maltratado o drogado. Quizás Aurora no saque las mejores notas, pero definitivamente no es tonta. Tiene una forma peculiar de observar y comentar su entorno; su familia, los chicos, su profesor de francés y ella misma también. Desafiante, Aurora explora límites y descubre en el proceso la música como medio de evasión. La debutante Léna Magnien asume la responsabilidad de ponerse en la piel de Aurora, una gruñona, desafiante e insoportable adolescente, que sin embargo, acaba ganándose la complicidad y el cariño del espectador. Tanto la novela como la película despliegan un discurso liberador, acerca de descubrir lo que a uno le hace feliz y concentrar todos los esfuerzos en eso. Para Aurora en este caso, estos elementos son la poesía y la música. La película obtuvo el premio del Oso de Cristal del Jury Génération en la Berlinale y el premio a la Mejor Película Europea del Jurado Joven de los Premios del Cine Europeo.
EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO
El manga de Fumiyo Kôno se serializó en la revista Manga Action entre 2007 y 2009. “En Este Rincón del Mundo” está considerada la obra maestra de Kôno, junto con “La Ciudad al Atardecer. El País de los Cerezos”, publicada en 2004 y que también trataba el tema de los efectos de la guerra en la gente de a pie. Por su parte, el director Sunao Katabuchi empezó como ayudante de Hayao Miyazaki en películas como “Nicky, Aprendiz de Bruja”. En su filmografía como director destacan la serie “Black Lagoon” y los largometrajes “Arete Hime” y “Maimai Shinko to Sennen no Mahô”. La historia narra la vida de una familia residente en la ciudad de Kure (Hiroshima) durante la II Guerra Mundial. Allí conocemos a Suzu Urano, una joven esposa que se muda a la ciudad de Kure desde un pequeño pueblo pesquero tras casarse con Shusaku Hojo, un oficial de la marina que le propone matrimonio y al que conoce desde que eran niños. Suzu preservará con gran determinación y valor a través de esa dura época del país. La película ha sido comparada con uno de los grandes hitos del anime japonés, “La Tumba de las Luciérnagas” de Isao Takahata. Ambas comparten ambientación durante la 2ª Guerra Mundial y tono melodramático, pero cargado de delicadeza y ternura. Ganó la candidatura de Mejor Película de Animación en los Premios de la Academia Japonesa. Además obtuvo el premio del Jurado en el Festival de Annecy.
GRU 3, MI VILLANO FAVORITO
Tras el parón que supuso para el personaje el spin off de los Minions, regresa Gru en una tercera entrega, donde nuevamente se podrá a prueba la verdadera naturaleza del personaje, viéndose tentado nuevamente a ingresar en las filas de nuestros villanos favoritos. Florentino Fernández vuelve a prestar su voz a Gru (Steve Carell en la versión original), así como a su hermano gemelo desaparecido Dru, que se incorpora como nuevo personaje de esta entrega de la saga. Por su parte, Patricia Conde repite en el doblaje de Lucy (Kristen Wiig) y, en esta ocasión, les acompaña el youtuber Jorge Cremades, que presta su voz al villano Balthazar Bratt (Trey Parker, uno de los creadores de South Park y la incorporación estrella al reparto de esta tercera entrega), un antiguo niño prodigio obsesionado con el personaje televisivo que interpretaba en los años ochenta. En esta ocasión, Gru se queda en el paro y deberá replantearse su futuro, al mismo tiempo que descubre que tiene un hermano gemelo, que disfruta de una vida acomodada, repleta de lujos, quien le invita a retomar el legado familiar. Pierre Couffin (creador de la franquicia junto con Chris Renaud, quien se mantiene como productor ejecutivo de la película) repite como la voz de los Minions, al mismo tiempo que dirige la película junto a Kyle Balda y Eric Guillon, dos veteranos del estudio Illumination.

viernes, 23 de junio de 2017

ESTRENOS DEL 23 DE JUNIO

HERMANOS DEL VIENTO
La naturaleza ha jugado un papel decisivo en la filmografía de Gerardo Olivares, quien ya en 2010 con “Entrelobos” ofreció una historia integrada dentro del mundo natural y que recientemente estrenó también “El Faro de las Orcas”. Entre ambas películas rodó el estreno que nos llega este fin de semana, “Hermanos del Viento”, coproducción entre España y Austria y co-dirigida con el austríaco Otmar Penker. Rodada en espacios naturales de Los Alpes, la cinta ha contado con avances tecnológicos especiales para poder grabar el vuelo del águila con gran realismo y de una manera visualmente espectacular. La cinta narra la historia de Lukas, un chico que trata de salvar la vida de una cría de águila que se ha caído de su nido. Lukas mantiene una relación conflictiva con su padre, quien desde la pérdida de su esposa vive encerrado en sí mismo. Lukas le llama a la cría de águila Abel, y cuida en secreto al pajarillo, buscando el amor y la compañía que le niegan en casa. La cinta está protagonizada por el joven Manuel Camacho y cuenta con la participación de Jean Reno.
LA CASA DE LA ESPERANZA
Basada en hechos reales, “La Casa de la Esperanza” se basa en la historia Antonina Żabińska, una esposa y madre trabajadora real que se convirtió en una heroína durante la Segunda Guerra Mundial. La cinta adapta el ensayo escrito por Diane Ackerman, quien a su vez se basó también en los diarios de la propia Żabińska. Antonina y su esposo Jan eran los responsables del zoo de Varsovia antes de la invasión de Polonia por las tropas alemanas en septiembre de 1939. Al cerrar el zoo, deciden utilizar sus instalaciones vacías para refugiar a los judíos perseguidos por los nazis, intentando eludir la vigilancia del zoólogo jefe del Reich, Lutz Heck, y poniendo en peligro sus vidas y las de sus hijos. La cinta está dirigida por Niki Caro, cineasta neozelandesa responsable de títulos como “Whale Rider” o “En Tierra de Hombres” y está protagonizada por Jessica Chastain, Daniel Bruhl y Johan Heldenbergh.
WONDER WOMAN
El personaje de Wonder Woman fue creado en 1941 por William Moulton Marston, famoso también por ser el creador del polígrafo, para la editorial DC Comics. Marston se inspiró en las historias de la mitología griega sobre las guerreras amazonas, describiendo lo que según él debía ser el nuevo modelo de mujer. Con el tiempo, el personaje se integró en la Sociedad de la Justicia de América y más tarde en la Liga de la Justicia, junto con los principales héroes de la editorial e inspirando también una serie de televisión en la segunda mitad de la década de los 70 y varias versiones de dibujos animados. Tras su presentación cinematográfica en “Superman vs Batman. El Amanecer de la Justicia”, el personaje presenta ahora su propia aventura, donde indagamos en sus orígenes. Diana, princesa de las Amazonas ha sido criada en una isla paradisíaca protegida y entrenada para ser una guerrera invencible. Un día, un piloto americano llega a las islas de manera accidental y le habla de un gran conflicto existente en el mundo, la Primera Guerra Mundial. Diana decide salir de la isla convencida de que puede detener la terrible amenaza. Mientras lucha junto a los hombres en la guerra que acabará con todas las guerras, Diana descubre todos sus poderes, y de paso, su verdadero destino. La cinta está protagonizada por Gal Gdot y Chris Pine, con la participación de Robin Wright,  Connie Nielsen,  David Thewlis,  Elena Anaya y Danny Huston. Tras la cámara tenemos a Patty Jenkins, responsable de “Monster”, cinta que le otorgó un Oscar a Charlize Theron.
   

viernes, 16 de junio de 2017

ESTRENOS DEL 16 DE JUNIO

SEÑOR, DAME PACIENCIA
Si algo ha dejado claro la comedia nacional es que a los españoles nos gusta reírnos de nuestros estereotipos y peculiaridades. En los últimos años, el triunfo de títulos como las dos entregas de “Ocho Apellidos Vascos” o, más recientemente, “Cuerpo de Élite”, además del éxito de series de televisión como “Aida”, “La Que se Avecina” o “Allí Abajo”, así lo han reflejado. Ahora, llega a nuestras carteleras “Señor, Dame Paciencia” del director Álvaro Díaz Lorenzo, autor de “Café Solo o con Ellas” o “La Despedida”. En la cinta, cuando la mujer de Gregorio, un banquero muy conservador, muy del Madrid y muy gruñón, fallece repentinamente, debe cumplir su última voluntad: pasar un fin de semana con sus hijos y sus parejas en Sanlúcar de Barrameda para esparcir sus cenizas en el Guadalquivir. Aquí es donde empiezan los problemas para Gregorio, ya que su hija Sandra está casada con Jordi, un catalán muy culé que quiere llevar a su futuro nieto a un colegio bilingüe catalán-inglés en Barcelona; su hija Alicia está saliendo con Leo, un hippy anti-sistema, al que Gregorio llama "perroflauta"; y Carlos, su hijo pequeño, con el que lleva seis meses sin hablarse desde que salió del armario, se presenta con su novio Eneko, un vasco de origen senegalés y gay. Este viaje multicultural pondrá a prueba la tolerancia y la capacidad de perdonar de una familia tan disfuncional como cualquier otra, en el que tendrán que aprender a aceptarse los unos a los otros, con sus virtudes y defectos.  Como suele ser habitual en la nueva comedia española, el reparto se nutre principalmente de rostros populares gracias a la televisión, empezando por el protagonista, Jordi Sánchez, y siguiendo por todo el elenco de secundarios, Megan Montaner, Silvia Alonso, Eduardo Casanova, David Guapo, Boré Buika y Salva Reina.
LA MUJER DEL ANIMAL
Victor Cabiria es un cineasta con una filmografía caracterizada por el compromiso social, como ya demostró en 1998 cuando se dio a conocer con su película “La Vendedora de Rosas”, uno de los mayores éxitos del cine Colombiano. “La Mujer del Animal” es su cuarto largometraje y con él ha querido denunciar la violencia hacia la mujer y la pasividad de una sociedad que prefiere mirar hacia otro lado. Tras ser descubierta disfrazándose de Virgen, Amparo huye por miedo a su padre del internado de monjas donde la acogían. Llega a un barrio marginado de Medellín a vivir de "arrimada" donde su hermana. Cuando su cuñado la introduce a la familia, el primo Libardo queda infatuado con ella, la rapta en un rito matrimonial para luego obligarla a vivir bajo su mismo techo. La cinta está basada en un caso real, pero además, mientras preparaba la película, Gabiria fue conociendo varios casos reales de violencia de género que evidenciaban que el Animal de la película era la representación de un arquetipo real de varón. La propia protagonista, Natalia Polo, fue víctima de acoso sexual con tan sólo 8 años por el tendero de su pueblo, con el beneplácito de sus tíos a cambio de una libra de arroz. En 2016 la película fue seleccionada a concurso en el Festival de La Habana y en 2017 ganó los premios de mejor dirección y mejor montaje en el Festival de Málaga.
CARTAS DE LA GUERRA
La película está basada en las cartas reales enviadas por el escritor Antonio Lobo Antunes a su mujer mientras estuvo destinado en la guerra de Angola, a principios de los 70, y que en 2005 fueron publicadas a modo de novela epistolar (en España está publicado por Editorial Debate). Ivo Ferreira es un cineasta portugués con una filmografía formada por cinco cortometrajes, un documental y tres largos (incluyendo “Cartas a la Guerra”), todos ellos inéditos hasta ahora en España. En la actualidad tiene en postproducción su cuarto largometraje, “Hotel Imperio”. La cinta contrasta la crudeza de sus imágenes con el lirismo de la escritura de Lobo Antunes. Ofreciendo un realismo poético poco frecuentado en el cine. La vida de António Lobo Antunes se ve brutalmente interrumpida cuando el ejército portugués le recluta para ejercer cómo médico en una de las peores zonas de la guerra colonial, el Este de Angola. Alejado de todo lo que ama, escribe numerosas cartas a su joven esposa, envuelto en un ambiente cada vez más violento. “Cartas a la Guerra” fue seleccionada en la edición de 2016 del Festival de Berlín y ha sido candidata a los Premios Fénix (mejor fotografía) y Premios Platino (mejor fotografía, sonido y dirección artística).
COSECHA AMARGA
George Mendeluk es un cineasta de extensa trayectoria, un artesano capaz de combinar en su filmografía la comedia, la aventura, el drama la ciencia ficción o el thriller. En este caso, se acerca a una historia que conecta con sus raíces ucranianas. Refugiado desde hace años en televisión, “Cosecha Amarga” supone su regreso a la pantalla grande con una producción histórica de presupuesto holgado. Producida por Canadá, la cinta cuenta con un atractivo reparto repleto de actores solventes como Samanthe Banks, MaxIrons, Barry Pepper o el veterano Terence Stamp. La cinta cuenta con una pictórica dirección de fotografía de Douglas Milsome, veterano iluminador maestro de la luz en títulos como “La Bestia de la Guerra”, “37 Horas Desesperada” o “Robin Hood. Príncipe de los Ladrones”, además de haber sido operador de cámara en varias películas de Stanley Kubrick, como “Barry Lyndon” o “La Chaqueta Metálica”. La película escenifica uno de los episodios más oscuros de la historia de Rusia, el Holodomor, también llamado Genocidio ucraniano u Holocausto ucraniano. Stalin avanza con sus ambiciones mientras Yuri, un joven artista nacido en una familia de guerreros cosacos, trata de salvar a su amante, Natalka, cuando el Ejército Rojo invade su país y tiene lugar el genocidio ucraniano que acabó con las vidas de millones de personas.
BAYWATCH. LOS VIGILANTES DE LA PLAYA
“Los Vigilantes de la Playa” empezó a emitirse en televisión en abril de 1989 y tuvo una longevidad de 11 temporadas, clausurándose en mayo de 2001. Si bien no fue una serie que destacara por la calidad interpretativa de sus actores o de sus guiones, lo cierto es que se convirtió en una serie de culto durante la década de los 90 y ha seguido reponiéndose con asiduidad con posterioridad. Tras convertirse en uno de los héroes catódicos de los 80 con “El Coche Fantástico”, David Hasselhoff sumó con el personaje de Mitch Buchannon otro perfil de éxito a su carrera, sumándose al carisma del actor la presencia de un elenco de actores y actrices de físico envidiable. Así, la serie supuso el lanzamiento de modelos salidas de las páginas de Playboy como Erika Eleniak o, especialmente, Pamela Anderson. Ahora nos llega la versión cinematográfica de aquella serie de culto, en este caso con un perfil más paródico, gamberro y desenfadado que sirve de vehículo de lucimiento para sus dos actores protagonistas, Dwayne Johnson y Zac Efron. En el apartado femenino encontramos a Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach, Priyanka Chopra y a Ilfenesh Hadera. Además se promete cameos de actores de la serie como Hasselhoff y Anderson. En esta primera aventura cinematográfica, Mitch Buchannon, un estricto y esforzado socorrista de la antigua escuela, deberá trabajar codo con codo con el rebelde Matt Brody, un joven ex nadador olímpico caído en desgracia al que le gusta saltarse las normas. A pesar de tener personalidades opuestas, los dos socorristas deberán unir fuerzas y formar equipo. Juntos descubrirán una trama criminal, en torno a drogas y asesinos, que amenaza el futuro de la Bahía. Su objetivo será proteger la playa de su destrucción a manos de un magnate del petróleo. Dirige la película Seth Gordon, responsable de títulos como “Por la Cara” o “Cómo Acabar con tu Jefe”.

viernes, 9 de junio de 2017

ESTRENOS DEL 9 DE JUNIO

PIELES
Popular en su faceta de actor gracias a su rol de Fidel en la serie “Aida”, Eduardo Casanova ha querido ampliar sus horizontes artísticos también con su faceta de guionista y director, donde ha mostrado una sensibilidad inesperada, con atracción por historias chocantes y provocadoras que han sido la base de ocho cortometrajes. Estas características se dan cita también en su debut en el terreno del largo con “Pieles”, película que surge de uno de sus cortometrajes, “Eat my Shit”. “Pieles” se presentó en la pasada edición del Festival de Cine de Berlín, donde dividió impresiones, al igual que en el Festival de Málaga. Con un reparto coral, encabezado por  Jon Kortajarena,  Macarena Gómez,  Ana Polvorosa, Candela Peña o Carmen Machi, la cinta nos habla de la importancia de las apariencias en nuestra sociedad y cómo rechazamos lo que es diferente. En ella tenemos a un conjunto de personajes marcados por estrambóticas peculiaridades físicas (mujer con el aparato digestivo al revés, una niña sin ojos o una mujer con la cara mal formada) que han afectado su relación con el mundo exterior y con los demás.
UNA POLICÍA EN APUROS
Tras “Bienvenidos al Norte”, “Nada que Declarar” o “Supercondríaco”, Dany Boon vuelve a ponerse tras la cámara con “Una Policía en Apuros”, una comedia ambientada en el entorno del RAID, la unidad de Élite de la policía francesa. Boon ha comentado que su intención con este título era homenajear las comedias protagonizadas por Jean Paul Belmondo, quien siempre interpretaba a personajes con una gran capacidad, pero también bastante torpes y divertidos. Protagonizada por el propio Boon y por Alice Pol, la cinta nos presenta la historia de una joven agente que destaca por su buena puntería, su habilidad para el combate cuerpo a cuerpo y su intuición policial, pero a la que su torpeza ha convertido en una amenaza tanto para los criminales como para sus compañeros de trabajo y los ciudadanos en general. Relegada a misiones tan peligrosas como poner multas de tráfico e investigar pequeños hurtos en tiendas, dedica cada minuto de su tiempo libre a hacer realidad su sueño: ser la primera mujer en entrar en el RAID. Allí tendrá que vérselas con un superior que no ve con buenos ojos la entrada de una mujer en sus filas.
EL SUEÑO DE GABRIELLE
Actriz, escritora y directora, la francesa Nicole Garcia lleva 40 años metida en el mundo del cine, sobre todo en el campo de la interpretación, pero contando ya con 8 largometrajes en su haber como directora, entre los que podemos destacar “Cada Dos Fines de Semana” o “El Adversario”. En su nueva incursión tras la cámara, “El Sueño de Gabrielle”, ha adaptado una novela de la italiana Milena Agus que ha sido un atronador éxito de ventas en Francia. Historia romántica, centrada en un complejo personaje femenino, un espíritu libre y apasionado que se ajusta mal a las convenciones del momento y que por el bien de la familia se verá obligada a casarse con alguien a quien no quiere, para posteriormente descubrir el amor durante una estancia en un balneario. Protagoniza la cinta Marion Cotillard, actriz especialmente dotada para el drama, a la que acompañan, completando el trío amoroso, el español Alex Brendemühl y el francés Louis Garrel. La cinta ganó el premio del jurado a la mejor película del BCN FILM FEST 2017 y fue candidata a la Palma de Oro en Cannes de 2016, y obtuvo 8 nominaciones a los Premios César de ese mismo año.
TESTIGO
El cineasta francés Thomas Kruithof debuta por la puerta grande con “Testigo”, thriller de suspense, con dosis de crítica social, protagonizado por uno de los principales rostros del cine francés contemporáneo François Cluzet. El actor interpreta a Duval, un alcohólico en recuperación, quien, tras dos años en el paro y un año sin beber, de pronto recibe una llamada para ofrecerle un trabajo en el que sólo tiene que transcribir unas escuchas telefónicas. Económicamente desesperado, acepta sin preguntar. Entonces se ve envuelto en un complot político del que intentará escapar, pero la cosa no será tan fácil. La cinta denuncia la precaria situación de la clase trabajadora y la necesidad de acogerse a empleos moral e incluso legalmente cuestionables para poder salir adelante.
AMERICAN PASTORAL
Philip Roth es, sin duda, uno de los autores más relevantes de la literatura estadounidense de los últimos 70 años. Su mirada a la sociedad occidental y los cambios producidos en su país tras los movimientos contraculturales de los 60. De entre su amplio corpus literario uno de los títulos más importante es “Pastoral Americana”, publicada en 1997 y por la que el escritor recibió el Premio Pulitzer. Desde 2003 se lleva pergeñando su adaptación al cine que pasó por diferentes manos y que, inicialmente iba a dirigir el cineasta Philip Noyce. Finalmente, cuando éste abandonó el proyecto fue su actor principal, Ewan McGregor, quien se aventuró a ponerse tras la cámara. Sin duda un movimiento arriesgado por parte del intérprete, quien se ha atrevido a debutar como director con una obra tremendamente compleja. La cinta habla del fracaso del sueño americano y lo contextualiza en el derrumbe de una familia de clase media que se ve afectada por los cambios sociales producidos en el país por el impacto de la guerra de Vietnam. McGregor interpreta a Seymour Levov, conocido como El Sueco, quien lleva una vida aparentemente perfecta y tranquila junto a su esposa hasta que su hija se implica en un acto de terrorismo político en protesta por la guerra de Vietnam. Junto al actor encontramos a Dakota Fanning y Jennifer Connelly.
CAPITÁN CALZONCILLOS
Creado por el escritor de literatura infantil Dav Pilkey en 1999, “El Capitán Calzoncillos” se ha vuelto una popular saga literaria para los más pequeños, con 14 libros publicados, más cinco spin offs, lo que no sólo aporta mucho material para el cine, sino que ofrece garantía de éxito a su versión cinematográfica. Ahí ha sido Dreamworks Animation quien ha sido más rápida a la hora de hacerse con los derechos y producir una primera aventura para la gran pantalla, dirigida por David Soren, quien debutara en 2013 con “Turbo”, tras participar en varios títulos de la compañía como “La Ruta hacia el Dorado”, “Shrek” o “Vecinos Invasores”. “Capitán Calzoncillos. Su Primer Peliculón” nos cuenta la historia de dos chavales que un día hipnotizan al director de su colegio, haciendo así que se transforme en el Capitán Calzoncillos, el superhéroe de sus cómics. Las cosas se complicarán aún más cuando se vean obligados a enfrentarse al malvado Cocoliso Cacapipi.
LA MOMIA
Por último, el estreno estrella de esta semana es “La Momia”, nueva aportación de los Estudios Universal a su catálogos de monstruos clásicos, con la que pretende emprender una línea de películas como ya hiciera en las décadas de los años 30 y 40, pero asumiendo también algunas características del modelo de franquicia cinematográfica implantado por Marvel Studios. Esta nueva andadura debía haber comenzado con “Dracula. La Historia Jamás Contada” en 2014, pero el fracaso económico de la película llevó al estudio a frenar sus planes y replantearse el enfoque que querían dar a las películas. Para esta nueva aventura, el estudio ha contado con Tom Cruise como gran cabeza de cartel, aquí interpretando a Nick Morton, un aventurero que de manera accidental despierta a la momia de Ahmanet, una princesa egipcia engañada por su propio padre y enterrada viva en una tumba. La dirección corre a cargo de Alex Kurtzman, hasta ahora con una línea más centrada en el guion y la producción, especialmente como parte de la troupe de JJ Abrams y que será quien también marque el camino a seguir por el resto de las películas de la franquicia. En el reparto se suman a Tom Cruise las actrices Annabelle Wallis y Sofia Boutella, y el actor Russell Crowe.