viernes, 19 de mayo de 2017

ESTRENOS DEL 19 DE MAYO

PERSONAL SHOPPER
Títulos como “Finales de Agosto, Principios de Septiembre”, “Demonlover” o “Las Horas del Verano” han situado al director Olivier Assayas como uno de los autores más personales del último cine francés. Con su nuevo trabajo, “Personal Shopper”, y tras “Viaje a Sils Maria”, vuelve a aliarse con la actriz Kristen Stewart, quien ha encontrado en autores como Assayas, Woody Allen o Peter Sattler los perfectos aliados para alejarse de su imagen de “La Saga Crepúsculo” y abrir sus horizontes interpretativos. Aquí interpreta a Maureen, una joven estadounidense en París, que trabaja como “personal shopper” para una celebridad. Aunque no le gusta su trabajo, es lo único que tiene para sobrevivir mientras espera una manifestación del espíritu de Lewis, su hermano gemelo desaparecido hace poco. Maureen comienza entonces a recibir extraños mensajes anónimos. Assayas utiliza esta trama con toques de thriller para ofrecer un retrato existencialista de la protagonista, una mujer sin identidad convertida en un fantasma en una gran ciudad como París.
GOODBYE BERLIN
En 2010, el escritor Worlfgang Herrndorf publicaba la novela juvenil “Goodbye Berlin”, donde proponía el viaje iniciático de dos jóvenes conflictivos. La novela fue un éxito de ventas y atrajo la atención del cineasta Fatih Akin, quien encontró ahí material para una adaptación cinematográfica. Tras la publicación de la novela, Herrndorf fue diagnosticado de tumor cerebral, falleciendo en 2013, por lo que no ha podido participar en la creación de la película, sin embargo, sí dejó como condición para vender los derechos que el guion fuera escrito por su amigo Lars Hubrich. Para los roles principales, se ha contado con los jóvenes actores Tristan Göbel,  Anand Batbileg y Mercedes Müller, teniendo el primero y la tercera amplia experiencia en cine y televisión, mientras que para Batbileg se trata de su primer trabajo como intérprete. Malik, un muchacho de 14 años marginado por su clase, crece en el seno de una familia rica y disfuncional en Berlín. Durante las vacaciones veraniegas, su alcohólica madre ingresa en rehabilitación mientras su padre se ausenta con su joven ayudante por un presunto viaje de negocios. Maik está solo en casa, en su piscina, hasta que un nuevo compañero de clase llamado Tschick, joven inmigrante ruso, aparece con un coche robado. Juntos se lanzan a la carretera sin plan aparente.
EL CASO SLOANE
El director John Madden, recordado sobre todo por su éxito con “Shakespeare in Love”, nos introduce en las bambalinas de la alta política en Estados Unidos con “El Caso Sloane”, tratando además el tema del rol que deben desempeñar las mujeres para triunfar en un ambiente tan agresivo y dominado por hombres. En las altas esferas del mundo político y empresarial, Elizabeth Sloane tiene una reputación formidable. Conocida por su astucia y sus éxitos sin parangón, siempre ha hecho lo que fuera necesario para ganar. Pero cuando se enfrenta al oponente más poderoso de su carrera, se da cuenta de que la victoria puede tener un precio demasiado alto. El papel principal está interpretado por una actriz acostumbrada a este tipo de retos, Jessica Chastain, a la que acompaña también la actriz Gugu Mbatha-Raw, dentro de un reparto lleno de nombres masculinos encabezado por John Lithgow, Michael Stuhlbarg, Mark Strong.
DÉJAME SALIR
Conocido por su faceta de actor y humorista, principalmente en televisión, Jordan Peele ha roto las expectativas con su debut tras las cámaras con “Déjame Salir”. Producida por Blumhouse, compañía especializada en el género de terror y que ha ofrecido títulos como “Paranormal Activity”, “Insidious”, “Sinister” o “La Visita”, la película  se ajusta a las características de esta productora, presupuesto bajo, un reparto carente de grandes estrellas y un argumento sencillo e inquietante; sin embargo, Peele ha llevado la trama un poco más allá, además de los componentes de terror y suspense, ha querido darle un profundo mensaje de crítica social, denunciando la permanencia del racismo en Estados Unidos, sin prescindir por ello también de un toque de humor cínico. Chris y su novia Rose forma una pareja interracial que afronta ese delicado momento de conocer a los futuros suegros. Ella invita a Chris a pasar un fin de semana en el campo con sus padres, Missy y Dean. Al principio, Chris piensa que el comportamiento "demasiado" complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevan a descubrir una verdad inimaginable. La cinta está protagonizada por Daniel Kaluuya (visto en “Sicario”) y Allison Williams (una de las protagonistas de la serie “Girls”), a los que acompañan los veteranos Catherine Keener y Bradley Whitford.

viernes, 31 de marzo de 2017

ESTRENOS DEL 31 DE MARZO

CANTÁBRICO
Discípulo de Félix Rodríguez de la Fuente, el naturalista Joaquín Gutiérrez Acha ha sido el encargado de continuar la labor de su maestro en cine y televisión. Tras estrenar el que había sido uno de sus trabajos más ambiciosos, “Guadalquivir”, estrenado en 2013, se inició la producción de la película que se estrena este fin de semana, “Cantábrico”, grabado en Castilla y León, Cantabria y Asturias. La cinta muestra especies emblemáticas de la cordillera como nunca antes se han visto, ofreciendo momentos únicos, como la cópula sexual de dos osos pardos, el parto de un víbora de Seoane, plantas carnívoras devorando avispas, mirlos acuáticos atravesando cataratas y la guerra química de las hormigas contra el pájaro carpintero más grande de Europa. Sin embargo, uno de los momentos estrella de la película es una caza real de lobos ibéricos, que hasta ahora nunca se había logrado filmar, y que el propio Félix Rodríguez de la Fuente rodó en la década de 1970, pero con animales en cautividad. Sin duda, al igual que sucediera con “Guadalquivir”, una producción de importantísimo valor documental y que nos ofrece una mirada cercana e inédita a la fauna y la flora de nuestro país.

MAÑANA COMIENZA TODO
Tras alcanzar fama como humorista en la televisión francesa, el actor Omar Sy logró el reconocimiento internacional gracias a su papel en “Intocable”, cinta que combinaba con buen equilibrio comedia y tragedia. Tras varios papeles en grandes superproducciones, Sy busca repetir la jugada, compartiendo ahora protagonismo con la joven actriz Gloria Colston, en “Mañana Empieza Todo”, Remake de “No se aceptan devoluciones”, la película mexicana más taquillera de la historia. Sy intepreta a Samuel, un joven despreocupado que vive la vida sin responsabilidades en la playa en el sur de Francia. Hasta que un día, una de sus antiguos amores le deja en los brazos a un bebé de pocos meses, Gloria: su hija. Incapaz de cuidar de un bebé y decidido a devolverle la niña a su madre, Samuel se va a a Londres para tratar de encontrarla pero no tiene éxito. Ocho años más tarde, mientras que Samuel y Gloria viven en Londres y son inseparables, la madre de Gloria regresa a su vida para recuperar a su hija.

LOS PITUFOS. LA ALDEA ESCONDIDA
Creados en 1958 por el dibujante belga Peyo para la revista francés Spirou, Los pitufos han tenido también una extensa relación con el cine y la televisión. Sus últimas incursiones en la gran pantalla habían tenido lugar en 2011 y 2013 con sendas películas de imagen real, donde estos personajes estaban recreados a través de la tecnología digital. Para su nueva aventura cinematográfica, “Los Pitufos. La Aldea Escondida”, se ha regresado al formato de animación, en esta ocasión, digital, pero manteniendo algunas constantes clásicas, especialmente en el tipo de humor dirigido a público infantil. En esta ocasión se ha querido dar el principal protagonismo de la historia al único personaje femenino, Pitufina, quien dispuesta a descubrir su función dentro de la aldea pitufa parte en busca de un misterio y así de paso poder encontrarse a sí misma. Cuando se cruza por casualidad con una misteriosa criatura que huye hacia el Bosque Encantado, la sigue y se interna por territorio inexplorado y totalmente prohibido. A ella se le unen sus hermanos Filósofo, Valiente y Torpe y con el malvado mago Gargamel siguiéndolos de cerca. El equipo pitufo emprenderá así un alocado viaje lleno de acción, peligro y descubrimientos, que los conducirá al mayor misterio de la historia Pitufa.

GHOST IN THE SHELL. EL ALMA DE LA MÁQUINA
Y del comic francés pasamos al japonés, con la llegada de la adaptación hollywoodiense de uno de los más importantes mangas, “Ghost in the Shell”. Creado por Masumune Shirow en 1989, la serie original narraba las misiones de la Mayor Motoko Kusanagi, a cargo de las operaciones encubiertas de la «Sección 9», especializada en crímenes tecnológicos. La propia Kusanagi es un cyborg, que posee un cuerpo artificial lo que le permite ser capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas por su labor. El éxito del manga propició un anime dirigido en 1995 por Mamoru Oshii y del que a su vez surgieron otras tres entregas, además de cinco series de televisión y cuatro videojuegos. “Ghost in the Shell” es un referente fundamental también para títulos posteriores como “Matrix” y era cuestión de tiempo que diera el salto al cine estadounidense. El encargado de llevar a la pantalla esta nueva versión es  Rupert Sanders, director de la celebrada “El Origen del Planeta de los Simios”, mientras que el papel principal recae en las manos de Scarlett Johansson, a la que acompañan Pilou Asbæk, Michael Wincott, Michael Pitt, Juliette Binoche y el gran Takeshi Kitano.

viernes, 24 de marzo de 2017

ESTRENOS DEL 24 DE MARZO DE 2017

EL BAR
Álex de la Iglesia no es un cineasta moderado, precisamente. Lo suyo son las historias explosivas, extremas, con personajes excesivos y escandalosos, pero siempre con un toque muy castizo. Su último trabajo, “El Bar”, no parece en absoluto una excepción a esta regla. Protagonizada por  Mario Casas, Blanca Suárez, Secun de la Rosa, Terele Pávez, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, José Sacristán y Jordi Aguilar, la cinta nos presenta a  un grupo de personas absolutamente heterogéneo que desayuna en un bar en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa y, al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza. Sin embargo, nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados dentro del local, donde son testigos de la violencia que se vive fuera. La película no sólo nos presenta una situación de terror externa, sino que sobre todo se para a analizar la manera egoísta y caprichosa en que cada personaje se comporta para poder sobrevivir a ese escenario.
RARA
Desde Chile nos llega también “Rara”, debut en el terreno del largometraje de Pepa San Martín, tras dos cortometrajes y ejercer de directora de segunda unidad en varios títulos. La película trata el tema de la paternidad en las parejas homosexuales y el rechazo aún presente en nuestra sociedad. La protagonista es Sara, una chica de 13 años que no se integra bien en el colegio, algo que su padre atribuye a que su madre viva con otra mujer. Protagonizada por Julia Lübbert y Mariana Loyola, la película ha pasado por eventos como Festival Internacional de Cine de Berlín, donde la directora ganó el premio del Jurado Internacional Generación Kplus, y el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde recogió los Premios Horizontes Latinos y Sebastiane Latino.
UNA HISTORIA DE LOCOS
Hijo de un Armenio y una alemana, el director Robert Guediguian se acerca en su última película, “Historia de Locos”, al tema del terrorismo a través de los atentados del Ejército de Liberación de Armenia. Tomando como punto de inspiración la historia del periodista español José Antonio Gurriarán, víctima de un atentado del ESALA en plena Gran Vía de Madrid el 30 de diciembre de 1980, el cineasta se lleva la historia a su terreno, a Marsella y nos presenta tres personajes, Aram, un revolucionario armenio; Guilles, un ciudadano francés que pasaba por delante de la embajada de Turquía en París justo en el momento de un atentado; y Anouch, la madre de Aram, quien visita a Gilles en el hospital para pedirle perdón por el crimen de su hijo. La película está protagonizada por Simon Abkarian, Grégoire Leprince-Ringuet y Ariane Ascaride, actriz fetiche del cineasta, y llega a las salas comerciales tras su paso por el festival de Cannes y por la Seminci, la Semana Internacional de Cine de Valladolid.
UN HOMBRE LLAMADO OVE
“Un Hombre Llamado Ove” se ha convertido en la cinta que representó internacionalmente la cinematografía sueca en 2016. Galardonada con el premio a Mejor Comedia Europea en los premios del cine europeo y candidata al Oscar mejor película de habla no inglesa, se trata del nuevo trabajo del director Hannes Holm, del que previamente habíamos podido ver en nuestro país títulos como “Nunca Ocurre lo que Uno Espera” o “Los Anderson en Grecia”. El cineasta se ha encargado de adaptar la novela de Fredrick Backman en la que se narra la historia de Ove, un hombre gruñón de 59 años que ha perdido la fe en todo el mundo, incluido en él mismo. La vida no ha sido buena con Ove, él y su mujer perdieron un hijo por culpa de un accidente, él perdió su trabajo tras 43 años en la empresa y ella murió de cáncer. Ahora Ove vive solo y ha tomado la decidión de suiciderse, pero siempre es interrumpido por los vecinos u otra cosa alguna. Su visión negativa y rencorosa hacia la sociedad estará a prueba cuando conozca a Parvaneh, una mujer persa que se va a vivir alado de su casa con su familia. La cinta está protagonizada por  Rolf Lassgård, Bahar Pars y Filip Berg.
REDENCIÓN
El cine de Antoine Fuqua está cargado de testosterona, ya sea en Training Day, El Rey Arturo, The Equilizer o su reciente remake de Los Siete Magníficos. En ocasiones estas películas se integran dentro de la estructura del cine comercial, pero de vez en cuando prueba fortuna con películas más pequeñas, como la que nos llega esta semana, “Redención”, título rodado en 2015, donde el cineasta se interna en una de sus pasiones, el boxeo, y que llega con cierto retraso a nuestro país. Protagonizada por Jake Gyllenhaal, nos narra la historia de Billy Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo, quien aparentemente lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope, una hija adorable y un estilo de vida con todo tipo de lujos. Cuando llega implacable la tragedia, su mánager y amigo de toda la vida le abandona, Hope echa a perder todo ese éxito y toca fondo. En el momento más bajo de su carrera, se presenta ante un inusual salvador en un decadente gimnasio local: Tick Willis, un bombero retirado y entrenador de los boxeadores amateur más duros de la ciudad. Junto a Gyllenhaal encontramos otros rostros conocidos como Rachel McAdams, el rapero 50 Cent, Forest Whitaker o la recién nominada al Oscar por Moonlight, Naomie Harris. 
LA CURA DEL BIENESTAR
Más conocido por ser el director de las primeras tres entregas de “Piratas del Caribe”, Gore Verbinski ha tenido una filmografía de lo más heterogénea, donde el terror también ha tenido su espacio. Un año antes de unirse a Johnny Depp en la Perla Negra, el cineasta se encargó de rodar el remake estadounidense de “The Ring”. Ahora, 15 años después regresa al género de terror con “La Cura del Bienestar”, una cinta de tensión y suspense ambientada en un balneario, donde tras los diferentes tratamientos destinados a reducir el stress y la ansiedad se esconde un temible secreto. Con un ojo puesto en el cine de los años 70 y otro en la crítica a la sociedad moderna y sus ansias de salud, Verbinski apuesta por llevar al espectador a un terreno de inquietud y malestar emocional. Para ello cuenta con el actor Dane DeHaan, al que hemos podido ver en títulos como “Chronicle”, “The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro” o, más recientemente, interpertando a James Dean en “Life”. Le acompañan Jason Issacs y Mia Goth.

viernes, 10 de marzo de 2017

ESTRENOS DEL 10 DE MARZO DEL 2017

ZONA HOSTIL
La participación de España en Afganistán está dando ya material cinematográfico en la industria nacional. Si hace algunas semanas hablábamos de “Legionario”, este fin de semana nos llega “Zona Hostil”, con una trama que nos recuerda a aquel “Black Hawk Derribado” de Ridley Scott. Al igual que ésta, aquí se nos presenta una historia basada en hechos reales, un helicóptero del Ejército español que el 3 de agosto del 2012 sufre una accidente al rescatar a unos heridos cerca de Bala Mugrab. Durante 16 horas, los militares tuvieron que resistir en medio del desierto el ataque de los talibanes antes de poder ser evacuados. La cinta supone el debut en el terreno del largometraje de Adolfo Martínez, aunque éste ya cuenta con una extensa trayectoria en Hollywood como artista de storyboards en títulos como  “Superman Returns”, “Terminator Salvation” o “El Libro de la Selva”. La cinta parte de un guion de Luis Arranz y el tinerfeño Andrés Koppel y está protagonizada por Ariadna Gil, Roberto Álamo, Raúl Mérida e Ingrid García-Jonsson.

LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS
Más conocido en su faceta de escritor, en “La Comunidad de los Corazones Rotos”, el francés Samuel Benchetrit ha adaptado y dirigido su novela “Crónicas del Asfalto”, un cruce entre autobiografía y ficción, donde el autor narraba la cotidianidad del edificio donde él mismo se crió con una mezcla de realismo brutal y sátira insolente, aunque no exento de ternura. Con un reparto coral, encabezado por Isabelle Huppert, Michael Pitt y Valeria Bruni Tedeschi, la acción nos presenta tres encuentros improbables y seis personajes insólitos. Un grandullón intratable y la frágil enfermera del turno de noche. Jeanne, una actriz en crisis y su joven vecino abandonado. Un astronauta americano perdido y la entrañable Sra. Hamida. Todos ellos seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión.

LAND OF MINE
Seguimos recibiendo títulos rezagados de los Oscars, y esta semana nos llega Land of Mine, representante de Dinamarca en los premios de la Academia de Hollywood y que nos presenta un hecho aterrador que tuvo lugar tras la rendición del ejército nazi. Un grupo de jóvenes soldados alemanes capturados por el ejército danés es enviado a una idílica playa, con la promesa de libertad por parte de las autoridades danesas a cambio de eliminar las 45.000 minas que allí se encuentran enterradas. La proximidad del sargento danés Carl Rasmussen que supervisa las peligrosas tareas de desactivación con los jóvenes prisioneros templa su desprecio hacia los nazis y le permite apreciar la humanidad de sus enemigos. Basado en una historia verídica, la cinta fue rodada en las localizaciones reales, hasta el punto de que durante el rodaje llegaron a descubrir una de aquellas minas aún enterrada. La película está dirigida por Martin Zandvliet y su reparto está encabezado por Roland Møller, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro y Louis Hofmann.

EL FUNDADOR
Seguimos con historias reales y en “El Fundador” nos encontramos con una de las grandes multinacionales del sector de la alimentación, ni más ni menos que los orígenes de McDonalds, con una historia más turbia que los ingredientes de su salsa secreta. Dirigida por John Lee Hancock, artesano detrás de títulos como la última versión de “El Álamo” o “Al Encuentro de Mr. Banks”, y protagonizada por Michael Keaton, la cinta nos presenta a Ray Kroc, un vendedor ambulante de Illinois, quien en 1950 conoció a los hermanos Mac y Dick McDonald, cuando llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad del sistema de cocina de su hamburguesería, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para arrebatárselo y crear el hoy imperio de un billón de dólares. La cinta partía con intenciones de entrar en la carrera a los Oscars, especialmente aspirando a una candidatura para Keaton como mejor actor, sin embargo, acabó formando parte de ese grupo de títulos que se van quedando por el camino en la criba de la Academia.

GOLD
En el caso de nuestro siguiente título, “Gold”, no encontramos una adaptación de una historia real, pero eso no quita que algunos de sus elementos no hayan encontrado inspiración en personajes o situaciones que realmente existieron, concretamente la historia de David Walsh, fundador de la compañía minera Bre-X Minerals, figura en la que se han basado para crear al personaje principal. Kenny Wells, interpretado por Matthew McConaughey, es un fracasado hombre de negocios reconvertido en un moderno explorador desesperado por tener un golpe de suerte. En un último esfuerzo, Wells se asocia con un geólogo con la misma poca fortuna, interpretado por Edgar Ramírez, para ejecutar un plan grandioso: encontrar oro en la inexplorada selva de Indonesia. La hazaña no queda ahí y los verdaderos problemas surgirán cuando tengan que gestionar una de las mayores minas de oro. El personaje de Wells está inspirado en. Dirige la película Stephen Gaghan, quien no estrenaba una nueva película en cines desde su éxito en 2005 con “Syriana”.

KONG. LA ISLA CALAVERA
Desde que en 1933 Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack estrenaran la cinta original de “King Kong”, pocas criaturas del cine han podido medirse con este personaje, siendo posiblemente Godzilla el único que se le equipara en popularidad. En estos 94 años, hemos visto diferentes versiones de este gran gorila, y dos remakes de la cinta original. La última se estrenó en 2005 y estaba dirigida por un Peter Jackson recién salido de El Señor de los Anillos. Pronto los rumores de una nueva entrega en forma de precuela empezaron a desarrollarse, aunque finalmente han tenido que pasar 12 años para que se haga realidad. Antes que el Rey Kong se encandilara con Ann Darrow, la Isla Calavera ya había recibido la visita de unos exploradores, dispuestos a desvelar la existencia de criaturas antediluvianas. Esta película nos presenta esta historia. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts, responsable de The King of Summer, la cinta cuenta con un reparto de lujo encabezado por  Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson y John Goodman.

viernes, 3 de marzo de 2017

ESTRENOS DEL 3 DE MARZO DE 2017

EL GUARDIÁN INVISIBLE
En 2013 publicaba Dolores Redondo su novela “El Guardián Invisible”, con la que daba inicio a su trilogía de Baztán, que completó con "Legado en los Huesos" y "Ofrenda a la Tormenta". El éxito editorial de estas novelas ha desembocado en el estreno este fin de semana de la adaptación de la primera de las novelas, adaptada por Luiso Berdejo y dirigida por Fernando González Molina, responsable de algunos de los grandes éxitos del cine español reciente, como “Fuga de Cerebros”, “A Tres Metros Bajo el Cielo” o “Palmeras en la Nieve”, quien por primera vez se aventura con una película sin Mario Casas como protagonista. En esta ocasión el rol principal cae en manos de la actriz Marta Etura, acompañada por otros rostros conocidos como Javier Botet, Manolo Soto, Elvira Mínguez o Pedro Casablanc. La trama nos conduce a los márgenes del río Baztán, en el valle de Navarra, donde aparece el cuerpo desnudo de una adolescente en una circunstancia que lo relaciona con un asesinato ocurrido un mes atrás... La inspectora Amaia Salazar dirige la investigación que la llevará de vuelta al pueblo de Elizondo, donde ella creció y del que ha tratado de huir toda su vida. Enfrentada con las complicadas derivaciones del caso y sus propios fantasmas, la investigación de Amaia es una carrera contrarreloj para dar con un implacable asesino, en una tierra fértil en supersticiones y brujería.

LA CHICA DESCONOCIDA
Desde que dieran el salto internacional con “La Promesa” en 1996, el cine de los hermanos Dardenne ha sido sinónimo de calidad e implicación social. Se trata de un cine cargado de personajes fuertes en entornos difíciles, donde el discurso social y político tiene bastante peso en el desarrollo de la historia. Su último trabajo, “La Chica Desconocida”, se presentó en la pasada edición del Festival de Cannes y fue candidata al premio de mejor película extranjera en los premios César del cine francés. Protagonizada por Adèle Haenel, quien se diera a conocer en 2002 con la desafiante “Los Diablos” de Christophe Ruggia. Aquí interpreta a Jenny, una joven médico de familia, que se siente culpable por no haber abierto la puerta de su consulta a una chica a la que encuentran muerta poco después. Al saber que la policía no tiene forma de identificarla, Jenny tiene un solo empeño: descubrir el nombre de la joven para que no sea enterrada anónimamente y desaparecer como si no hubiera existido nunca.

EL VIAJANTE
Aunque ausente en la gala, el director iraní Asghar Farhadi fue uno de los grandes protagonistas de la pasada edición de los Oscars de la Academia de Holllywood, donde su película, “El Viajante”, que se estrena en España este fin de semana, obtuvo el premio a mejor película de habla no inglesa. El cineasta, que ya había ganado el mismo galardón en 2012 por su película “Nader y Simin, una separación”, no acudió a la ceremonia en protesta por las políticas sobre inmigración del gobierno estadounidense, solidarizándose así con otros directores de origen musulmán a los que se les denegaba la entrada en el país, y en el discurso que se leyó en su nombre, aprovechó para criticar precisamente el uso del terror para generar odio hacia otras culturas. Protagonizada por Taraneh Alidoosti y Shahab Hosseini, “El Viajante” nos presenta la historia de Emad y Rana quienes, ante el peligro de derrumbe del edificio en el que viven de alquiler, se ven obligados a mudarse a otro lugar. Un incidente relacionado con la inquilina anterior cambiará dramáticamente la vida de la joven pareja.

LOGAN

En el 2000, el director Bryan Singer abría el universo mutante cinematográfico y daba a conocer a un actor, Hugh Jackman, encargado de dar vida a uno de los personajes más populares de los comics de Marvel, Lobezno. 17 años más tarde, Jackman ha sido el único actor que ha aparecido en todas las entregas de la franquicia, y el único que ha conseguido que su personaje tenga su propio spin of, y no sólo una, sino ahora ya tres veces. Tras todo este tiempo, y lograr que personaje y actor estén estrechamente vinculados en la mente de los espectadores, Jackman ha decidido que ha llegaod la hora de decir adiós. Para ello, ha vuelto a contar con el director de “Lobezno Inmortal”, James Mangold, y han tomado como punto de partida “El Viejo Logan”, una miniserie guionizada por Mark Millar en 2008 y que presentaba una historia alternativa dentro del universo mutante, con un Lobezno envejecido, en un futuro alternativo donde los superhéroes prácticamente han desaparecido. Un retraído y abatido Logan pasa los días bebiendo sin parar, escondido en una remota parte de la frontera mexicana, ganándose algo de calderilla como conductor de alquiler. Sus compañeros en el exilio son el marginado Caliban y un enfermo Profesor X, cuya singular mente sufre ataques y convulsiones cada vez más graves. Pero los intentos de Logan por ocultarse del mundo y de su legado llegan a un abrupto fin cuando aparece una misteriosa mujer con una petición urgente: que Logan guíe a una chica extremadamente joven y muy extraordinaria hasta un lugar seguro. Las garras le vuelven a brotar inmediatamente a Logan cuando tiene que enfrentarse a fuerzas oscuras y a un villano de su antiguo pasado en una misión a vida o muerte, una misión que situará a este guerrero, ajado por el tiempo, en el camino hacia el cumplimiento de su destino. Junto a Hugh Jackman encontramos a Patrick Stewart una vez más en el papel de Charles Xavier, Dafne Keen como la joven con poderes especiales a la que deben proteger, y Boyd Holbrook como el líder del grupo militar que quiere apropiarse de ella.

viernes, 24 de febrero de 2017

ESTRENOS DEL 24 DE FEBRERO DE 2017

ES POR TU BIEN
En “Es Por Tu Bien”, Jose Coronado, Roberto Álamo y Javier Cámara interpretan a tres hombres de personalidad muy diferente, pero que tienen dos cosas en común. Por un lado, son padres sobreprotectores de un machismo recalcitrante y, por otro, les unen lazos familiares, ya que los tres son cuñados. Cuando sus respectivas hijas empiezan a tener relaciones estables, sus novios se convertirán en el enemigo a batir por los tres supercuñados, quienes unirán fuerza para socavar esas relaciones. La cinta busca reírse de los tópicos del macho ibérico, pero al mismo tiempo, también descarga contra los nuevos modelos de masculinidad. Junto a los tres actores principales encontramos a Silvia Alonso, Georgina Amorós y Andrea Ros, como las hijas de los protagonistas, y los más veteranos Pilar Castro, Carmen Ruíz, Miki Esparbé y María Pujalte. Producida por Telecinco Cinema, la película viene firmada por Carlos Theron, responsable de otras comedias como “Impávido” y “Fuga de Cerebros 2”, además de participar en series televisivas como “Los Hombres de Paco” o “El Chiringuito de Pepe”.
PSICONAUTAS, LOS NIÑOS OLVIDADOS
La animación española goza de muy buena salud. Junto a superproducciones comerciales como “Tadeo Jones” o “Atrapa la Bandera”, encontramos también una serie de artistas que buscan abrir campos expresivos en el medio, como sucedió hace algunos años con “Arrugas” o como ha vuelto a pasar con los trabajos estrenados este año por Alberto Vázquez, que tiene en su haber el mérito de haber sido galardonado este año con los Goya a mejor Largometraje de animación y mejor cortometraje de Animación. Precisamente, el primero lo alcanzó gracias a la cinta que se estrena esta semana, “Psiconautas. Los Niños Perdidos”, adaptación de la novela gráfica creada por el propio director y que su vez suponía una continuación del cortometraje de 2010, “Birdboy”. Con un presupuesto modesto, Vázquez ha creado una cinta de estética particular y que ya tiene abiertas las puertas del mercado internacional. "Psiconautas" cuenta la historia de Birdboy y Dinki, dos amigos que luchan por no enfrentarse a la realidad en la que viven. Como exploradores que son, albergan la esperanza de encontrar un lugar mejor en el que vivir, pues la isla donde viven ya no es lo que era debido a un accidente industrial, y el aire que se respira es asfixiante.
LA VIDA DE CALABACÍN
A dos días de la entrega de los premios Oscars, siguen llegando títulos a nuestras carteleras que optan a premio. “La Vida de Calabacín” es una cinta de animación en stop motion coproducida entre Francia y Suiza a partir de la novela “Autobiografía de un Calabacín” de Gilles Paris. Dirigida por Claude Barras, la cinta narra la historia de Calabacín, un niño de 9 años que acaba de quedar huérfano, tras la muerte de su madre alcohólica. En un principio, la vida en el orfanato se presenta oscura y hostil, pero pronto entabla amistad con otros niños y se abren nuevos horizontes para el protagonista. La película trata temas candentes como el maltrato infantil, pero aportando una visión positiva de los orfanatos, muy alejada de la presentada en títulos clásicos como “Los 400 Golpes” y tras su paso por festivales como Annecy, Cannes o San Sebastián, ahora es uno de los títulos integrantes de la categoría de Mejor Película de Animación de cara a los Oscars.
FENCES
August Wilson es un dramaturgo que se especializó en describir la situación de la comunidad negra de clase media-baja en la zona de Pittsburgh en Estados Unidos, a lo largo de las diferentes décadas del siglo XX. En 1985 estrenó una de sus obras más conocidas, “Fences”, con las que ganó el premio Pulitzer y un Tony. En 2010, Denzel Washington y Viola Davis interpretaron a los dos personajes principales en los escenarios, lo que llevó al actor a querer trasladarla al cine. Wilson siempre fue tajante ante la condición de que para llevar su obra a la gran pantalla hacía falta un director afroamericano, por lo que Washington decidió dirigir él mismo la adaptación, convirtiéndose así en su tercer largometraje tras la cámara. Además para ello no dudó en volver a convocar a la que había sido su compañera de escenarios. La obra narra la historia de Troy Maxson, un trabajador del sistema de alcantarillado de Pittsburgh de mediados del siglo XX, que una vez soñó con una carrera de profesional del béisbol, pero que era demasiado mayor cuando la primera división del béisbol empezó a admitir jugadores negros. Se esfuerza por ser un buen marido y padre, pero su sueño truncado de gloria le corroe y le pasa factura en su relación con su mujer y su hijo.
TRAINSPOTTING 2
En 1996 llegaba a las pantallas una modesta cinta británica, llamada a marcar un punto de inflexión en el cine moderno y que a día de hoy sigue siendo considerada uno de los títulos de referencia de la década de los 90. “Trainspotting” lanzó al estrellato a Ewan McGregor y convirtió a Danny Boyle en uno de los referentes de la postmodernidad, junto con Quentin Tarantino.  20 años después del estreno de la película regresan los chicos de Edimburgo al completo, capitaneados una vez más por Danny Boyle. Ewan McGregor, Roberto Carlyle, Johnny Lee Miller, Ewen Bremmer y Kelly McDonald repiten en sus papeles de Renton, Begbie, Sick Boy, Spud y Diane. Todos vuelven a coincidir 20 años después, todavía con la sombra de la traición de Renton de fondo, pero con nostalgia de una antigua amistad. La película toma algunos elementos de “Porno”, la secuela escrita por Irvine Welsh en 2002, pero en esta ocasión el guionista John Hodge optó por una versión mucho más libre del original.  

viernes, 17 de febrero de 2017

ESTRENOS DEL 17 DE FEBRERO DE 2017

LEGIONARIO
El primer estreno de esta semana, “Legionario”, es un ejemplo de lo que a día de hoy supone una vía alternativa para hacer cine en un país donde, sin subvenciones, sin acuerdos con televisiones o sin un contrato de distribución previo era prácticamente imposible llegar a las salas comerciales. Se trata de una película independiente, autoproducida, y pensada principalmente para moverse por las plataformas de video on demand de todo el mundo, aunque en nuestro país primero contará con un estreno en cine. La cinta mezcla elementos del cine bélico y el thriller de acción para contarnos la historia de Santos, un soldado español destinado en la guerra de Afganistán, quien a su regreso, y tras pasar una noche con su novia, se despierta con un cadáver en su cama que no pertenece a su prometida. A partir de ahí iniciará una búsqueda a contrarreloj para descubrir qué es lo que ha pasado y rescatar a la mujer que ama. Protagonizan la cinta Raúl Tejón, Diana Palazón y Luis Mottola, y la producción ha contado con el apoyo del ejército para las secuencias ambientadas en Afganistán.
LO QUE DE VERDAD IMPORTA
El director Paco Arango debutó en el cine como guionista de la serie “Ala…dina” protagonizada por Paz Padilla. De aquel producto televisivo surgió la fundación Aladina, que dirige el propio Arango y lucha contra el cáncer infantil, ahora vinculada también a nivel internacional con Serious Fun Children’s Network creada por Paul Newman. Ha sido su trabajo en este campo lo que le inspiró para la historia de su segundo largometraje, “Lo que de Verdad Importa”, en el que se nos narra la historia de Alec, un ingeniero mecánico inglés incapaz de poner en orden su vida, y que se muda a Nueva Escocia, en Canadá, el lugar de origen de sus antepasados. Allí descubrirá que a su alrededor comienzan a suceder las cosas más incomprensibles y que su destino en la vida es más importante de lo que él pensaba. La cinta está protagonizada por Oliver Jackson-Cohen, Kaitlyn Bernard y Camilla Luddington, con la participación especial de Jonathan Pryce y Jorge Garcia. La recaudación de la película irá destinada a la investigación del cáncer infantil.
MANUAL DE UN TACAÑO
Aunque ya era muy popular en Francia, el cómico Dany Boon logró su primer éxito internacional gracias a la película “Bienvenido al Norte”, que él mismo se encargó de escribir y dirigir. Desde entonces se ha convertido en una presencia habitual en las pantallas españolas, con comedias como “Nada que Declarar”, “Llévame a La Luna” o “Lolo, El Hijo de mi Novia” y siempre repitiendo personajes con problemas de adaptación social. Su nueva película, “Manual de un Tacaño”, llega a nuestro país avalada por un aplaudido éxito en Francia, donde se alzó con el número uno de la taquilla y logró recaudar más de 20 millones de euros. Boon interpreta a un hombre que mide hasta el más mínimo gasto en una obsesión compulsiva por ahorrar, lo que siempre le ha supuesto un obstáculo a la hora de relacionarse con los demás, especialmente en el ámbito sentimental. Un día todo cambia cuando se enamora y descubre que tiene una hija de 16 años de la que no conocía su existencia. La cinta está dirigida por Fred Cavayé, autor generalmente más vinculado al thriller, con títulos como “Cruzando el Límite”, “Mea Culpa” y “Cuenta Atrás”, pero que también hizo sus primeros pinitos en la comedia con uno de los episodios de la cinta “Los Infieles”. Junto a Dany Boon encontramos a los actores Laurence Arné,  Noémie Schmidt,  Patrick Ridremont y  Christophe Canard.
HEDI
Presentada como una historia de amor, nuestro siguiente estreno, “Hedi”, supone más bien una reflexión sobre los cambios sociales producidos en Túnez tras la llamada Primavera Árabe. El choque entre un sector tradicional de la población y una juventud que busca abrirse al mundo y romper con las imposiciones sociales sirve de base al director debutante Mohamed Ben Attia, premio a la mejor primera película en la pasada edición del Festival de Berlín, para contar la historia de un joven tímido, resignado a casarse con la mujer que han escogido para él y que de repente, a las puertas de su boda inicia una aventura con una mujer independiente y liberal. La cinta está protagonizada por el también debutante Majd Mastoura, quien obtuvo el Oso de Plata a Mejor Actor, y la actriz Rym Ben Messaoud.
LA GRAN MURALLA
Hollywood cada vez tiene más claro que para mantener el nivel de producción de sus grandes blockbusters, debe atraer al mercado chino. De ahí que cada vez más películas estadounidenses estén incorporando elementos que puedan ser atractivos para los espectadores de este país, e incluso captar a algunas de sus estrellas y directores. “La Gran Muralla” nace precisamente con esa intención, contando con uno de sus directores de mayor prestigio internacional, Zhang Yimou, y situando la acción en la china feudal. La Gran Muralla China se convierte aquí en la última defensa del país contra el ataque de dragones mitológicos, y los protagonistas son un grupo de soldados de élite escogidos para enfrentarse a esta amenaza. El reparto combina estrellas de Hollywood como Matt Damon o Willem Dafoe, con actores chinos como Andy Lau o Jiang Tian, aunque la presencia de los actores occidentales ha sido ampliamente criticada, acusando a la producción de racismo, al no atreverse a ceder todo el protagonismo a actores orientales.
EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN
Cuando “El Nacimiento de una Nación” se estrenó en el Festival de Sundance en enero del año pasado fue todo un acontecimiento, coincidiendo además con la polémica del Oscar so White, lo que rápidamente ensalzó la película como título evento, de obligado visionario y que a un año vista ya se proclamaba como favorita a los Oscars 2017. Desgracaidamente para su autor, Nate Parker, el éxito de la película rescató también una antigua acusación por violación de la que el cineasta fue declarado inocente, pero que ahora, 18 años después, ha generado un juicio popular que ha descarrilado por completo a la película de todas sus aspiraciones de premios, además de hundir la carrera de su director. La cinta toma su título de la película de David Griffith de 1915, uno de los grandes títulos de la historia del cine, pero también una película de fuerte contenido racista, al tratar el origen del Ku Klux Klan desde una perspectiva laudatoria. La cinta de Parker toma como punto de partida otro hecho real, el levantamiento de esclavos liderados por Nat Turner en 1831, considerada el ejemplo más destacado de resistencia de los negros ante el sistema esclavista imperante en los estados del Sur antes de la guerra de Secesión.
JACKIE
Y cerramos nuestro apartado de estrenos con otra figura histórica llevada al cine. “Jackie” centra su atención en la figura de la señora Kennedy durante los cuatro días siguientes al famoso asesinato de su marido, el presidente de EEUU, y la manera en que debe afrontar también las responsabilidades familiares y públicas en un momento tan traumático. Este es un proyecto que ha tardado siete años en llegar a las pantallas. En 2010 Darren Aronofsky iba a ser el encargado de dirigirlo, contando con la que en aquel momento era su mujer, Rachel Weisz, en el papel principal. Cuando ambos artistas abandonaron la producción, el propio Aronofsky le propuso al argentino Pablo Larraín ocupar su puesto, poniendo el chileno como condición elegir a la actriz protagonista. La escogida fue Natalie Portman, quien curiosamente ganó su primer Oscar de la mano de Aronofsky con “Cisne Negro” y ahora opta de nuevo a la estatuilla gracias a este papel. La cinta llega ahora a nuestras pantallas con el aval de otras dos candidaturas a los premios de la Academia de Hollywood: mejor vestuario y mejor partitura original.

CINEMA PARADISO. "LA PRINCESA PROMETIDA"



viernes, 3 de febrero de 2017

ESTRENOS DEL 3 DE FEBRERO DE 2017

EL DÍA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLI MAKI
Empezamos nuestra panorámica por los estrenos de esta semana con el segundo largometraje del finés Juho Kuosmanen, “El Día Más Feliz en la Vida de Oli Maki”. Se trata de una cinta basada en hechos reales, la historia de un prometedor boxeador finés que en los años sesenta luchó por el título de campeón del mundo de peso pluma. Rodada en blanco y negro, lo que nos remite a aquel “Toro Salvaje” de Martin Scorsese, la cinta está protagonizada por Jarkko Lahti, Eero Milonoff y Oona Airola y, además de haber sido seleccionada por Finlandia para optar al Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera, ha obtenido los premios Un Certain Regard en el festival de Cannes, Descubrimiento Europeo del Año en los Premios del Cine Europeo, y el galardón principal en la Competencia de Nuevos Directores del Festival de Chicago.
HOTEL EUROPA
Nuestro segundo título, “Hotel Europa”, viene también avalado por su paso por festivales. Su director, Danis Tanovic, se dio a conocer en 2001 gracias a la película “En Tierra de Nadie”, con la que ese año ganó la estatuilla a Mejor Guion tanto en el Festival de Cannes y como en los Premios de la Academia del Cine Europeo, entre otros. Su nuevo trabajo nos llega acompañado por el premio FRIPESCI y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín. La película es un thriller dramático ambientado en un hotel de Sarajevo y que gira en torno al centenario del asesinato del archiduque Francisco Fernando de Austria, que supuso el estallido de la Primera Guerra Mundial un mes después. Basada en la prestigiosa obra “Hotel Europa” del filósofo, periodista y escritor francés Bernard-Henri Levy, es una mirada tanto a la sociedad contemporánea de Bosnia y de Europa como a la manera en la que el pasado y el presente se entrelazan inevitablemente. 
MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS
Tras cuatro de semanas con nuevas propuestas de terror en las carteleras, llegamos al final del ciclo Sitges Tour con el estreno de la película “Melanie. The Girl with All the Gifts”. La cinta está dirigida por Colm McCarthy, realizador procedente de la televisión, donde ha trabajado en series como “Los Tudor”, “Doctor Who” o “Sherlock” y que próximamente se encargará del episodio piloto de “Krypton”, la nueva serie de DC ambientada en el planeta de origen de Superman. Tomando el género de zombis como referencia, la cinta nos traslada a un futuro cercano, en el que la humanidad ha sido destruida por una enfermedad contagiosa que convierte a sus víctimas en carnívoros implacables. Sólo un pequeño grupo de niños parece inmune a sus efectos. En ellos y en especial en Melanie, una niña muy especial que destaca del resto, podría estar la cura que  decidirá el futuro de la raza humana. La cinta está protagonizada por la joven Sennia Nanua y las veteranas Gemma Arterton y Glenn Close.
RESIDENT EVIL. EL CAPÍTULO FINAL
Siguiendo con temática zombi, en 1996 la compañía japonesa CAPCOM creó una de sus más importante sagas de videojuegos, “Resident Evil”. La popularidad del videojuego generó la obligada adaptación cinematográfica que llegó en 2002 a las órdenes de Paul W. S. Anderson y con Milla Jovovich como protagonista. Quince años más tarde, esta saga cinematográfica llega a su conclusión con su sexta entrega, titulada “Resident Evil. El Capítulo Final”. En esta ocasión, Alice debe regresar al origen de todo, a La Colmena en Racoon City, donde la corporación Umbrella está desarrollando un antivirus capaz de matar a todos los organismos infectados por el virus T. Tanto Anderson como Jovovich han asegurado que ésta será su última participación en la franquicia y que con esta cinta se cierra el círculo abierto en 2002, aunque esto no quiere decir que el estudio tire la toalla, ya que sí existen rumores de optar por un reboot con un nuevo equipo ahora que la historia de Alice ha llegado a su fin.
MANCHESTER FRENTE AL MAR
Seguimos en temporada de Oscars y sumamos otro de los títulos favoritos de esta edición en las carteleras, “Manchester frente al Mar”. Candidata a seis estatuillas, incluyendo mejor película y mejor director, aunque en el apartado donde parece tener mayor ventaja es el de mejor actor protagonista gracias al trabajo realizado por Casey Affleck tras conseguir el Globo de Oro a principios del pasado mes de enero. Escrita y dirigida por Kenneth Lonergan, quien ya obtuviera buenos resultados con “Puedes Contar Conmigo” y “Margaret”, la cinta nos presenta la historia de Lee Chandler, un hombre que atraviesa un momento complicado de su vida. Sin raíces, divorciado y con un trabajo precario, deberá asumir la tutela de su sobrino tras el fallecimiento de su hermano. Junto a Affleck encontramos también a Michelle Williams y Luke Hedges, además de la breve aparición de Kyle Chandler como el hermano del protagonista.

viernes, 27 de enero de 2017

ESTRENOS DEL 27 DE ENERO DE 2017

BALLERINA
No sólo del verano o la navidad vive el cine familiar, los pequeños de la casa tienen también derecho a contar con sus propias propuestas cinematográficas. Esta semana la elegida ha sido “Ballerina”, cinta de producción francesa y canadiense. Tras la película se encuentra la productora Quad Films, responsables de “Intocable”, quienes buscan darle un impulso a la animación dentro de la industria francesa.  Ambientada en el año 1879, la cinta nos narra las aventuras de Felicia, una niña que vive en un orfanato en su Bretaña natal, cuya pasión es la danza y sueña con convertirse en una bailarina profesional. Para conseguirlo, se escapa con la ayuda de su amigo Víctor y viaja nada menos que hasta París. Allí se hará pasar por otra persona para conseguir entrar como alumna de la Grand Opera House y así luchar por tener la vida que desea.
SOMNIA.DENTRO DE TUS SUEÑOS
El ciclo Sitges Tour organizado por la distribuidora A Contracorriente entra en su recta final con la llegada de su cuarto título, “Somnia. Dentro de tus Sueños”, thriller de terror fantástico dirigido por Mike Flanagan, responsable de “Ouija: El origen del mal” y “Oculus. El espejo del mal”, quien ha escrito el guión con su habitual colaborador Jeff Howard. La cinta cuenta con un reparto de rostros conocidos encabezados por los actores Kate Bosworth, Thomas Jane y el joven actor Jacob Tremblay, descubierto gracias a la película “La habitación”. Tras la pérdida de su hijo, la pareja formada por Jessie y Mark deciden adoptar un niño. El elegido es Cody, quien no sólo esconde un turbulento pasado, sino que además tiene la capacidad de hacer realidad todos sus sueños, y especialmente pesadillas nocturnas que amenazan con apoderarse del mundo real y acabar con su vida.
MÚLTIPLE
Tras los fracasos de crítica y público de “Airbender” y “After Earth”, el director M. Night Shyamalan ha cambiado de estrategia, regresando a historias más pequeñas y producciones mucho más modestas con el apoyo de la productora Blumhouse. Con su nuevo trabajo, “Múltiple” recupera una excusa argumental empleada en varias ocasiones en el cine, la personalidad múltiple, y nos presenta una nueva trama de suspense con ese giro final sorpresa marca de la casa. El protagonista es Kevin, un joven en cuyo cuerpo habitan hasta 23 personalidades diferentes, quien llevado por su psicosis, secuestra a tres chicas. Quizás en una de las personalidades de Kevin se encuentre la salvación de las tres jóvenes. Shyamalan cuenta para llevar a buen término su historia con la cooperación de James McAvoy, el profesor X de las nuevas entregas de los X Men, quien aquí nos ofrece todo un tour de forcé interpretativo. 
VIVIR DE NOCHE
Cuando su carrera se encontraba en uno de sus momentos más bajos, el actor Ben Affleck encontró la salvación a su carrera cinematográfica dando el salto a la dirección. Tras “Adiós, Pequeña, Adiós”, “The Town. Ciudad de Ladrones” y, sobre todo, la oscarizada “Argo”, el cineasta ha logrado colocarse como uno de los nuevos directores más respetados de la industria. Para su nueva aventura tras la cámara, “Vivir de Noche”, ha apostado una vez más por adaptar una novela e Dennis Lehane, que tan buenos resultados le dio con su opera prima. En esta ocasión se trata de una cinta de época, tributo a la serie negra clásica, que nos narra la historia de Joe Coughlins, un veterano de la Segunda Guerra Mundial e hijo de un Superintendente de la policía de Boston, que se pasa al otro lado de la ley para traficar con alcohol. Affleck hace doblete como director y actor, y se hace acompañar por un reparto encabezado por las actrices  Zoe Saldana, Sienna Miller y Elle Fanning.
LION
Con seis candidaturas a los Oscars, “Lion” es el único estreno de esta semana que ha entrado en la carrera de los premios de la academia de Hollywood, y lo ha hecho con su aportación a la diversidad racial que se buscaba para esta edición. Basada en la novela autobiográfica de Saroo Brierley, narra la historia de un niño que se pierde con cinco años en un tres y que 25 años después comenzará a buscar a su familia perdida, para reencontrarse con ellos. Dirige la película Garth Davies, quien debuta de esta manera en el terreno del largometraje, y cuenta con un llamativo reparto de actores, encabezado por Dev Patel, Nicole Kidman y Rooney Mara.

lunes, 23 de enero de 2017

“AL BORDE DEL AGUA” / “LA OTRA”. ENTREVISTA A JOSEP VILAGELIU Y DANIEL LEÓN LACAVE

Desde hace varios años, Josep Vilageliu y Daniel León Lacave se han convertido en abanderados de una manera de hacer y entender el cine que han dado a denominar “Cine Leve”. Se trata de aprovechar los recursos que están a tu alcance y construir las historias de acuerdo a estos elementos y no al revés. Se trata de trabajar con equipos pequeños y cercanos, con gran confianza interna para agilizar el proceso de rodaje y dar siempre espacio para la creatividad de cada uno de los participantes de la película. En definitiva, se trata de luchar contracorriente para llevar a cabo proyectos cinematográficos en tiempos de penuria económica, y hacer en este caso de la necesidad no una virtud, sino más bien una filosofía. Este jueves 26 de enero ambos cineastas vuelven a reunir sus últimos trabajos donde no sólo podemos apreciar un mismo planteamiento de producción, sino temáticas y formatos cercanos. Hemos hablado con ambos para que nos introduzcan en esta forma de trabajar y las características de los cortometrajes que podremos ver en TEA Tenerife Espacio de las Artes a partir de las 20.00h.  
1. ¿Qué nos podéis adelantar de los dos cortos que se van a poder ver el jueves 26 en TEA Tenerife Espacio de las Artes?
Josep Vilageliu: En mi caso es una aproximación al cine de género, una mujer que vive en un velero y un día, al regresar, se encuentra con una desconocida en el interior del barco. Me interesaba más sugerir que contar, hacer un corto inquietante, que el espectador se haga muchas preguntas. La protagonista no vive en tierra firme, sino en un velero que está medio sumergido en el agua, en esa oscuridad sin forma que a veces significa peligro y casi siempre simboliza el inconsciente, donde anidan las formas monstruosas del imaginario cinematográfico. Iniciar el corto con unos planos rodados bajo el agua abría al espectador a todo este caudal de recuerdos de otras películas, solo que esta vez no habría grandes escualos con las fauces abiertas, listos para engullir a la protagonista. Reescribí el guión varias veces, porque pasó mucho tiempo hasta que pudimos terminar el corto. Después de tanto tiempo, el corto apenas se parecía al guión primitivo, aunque conservaba la anécdota básica, la de la mujer desmemoriada. Decidí dividir el corto en dos partes, que denominé Nocturno y Diurno, como dos variaciones de la misma historia, aunque en realidad el segmento Nocturno está metido dentro del cuerpo principal del film, como si se tratase de una pesadilla. Nocturno tiene una estética más cercana al cine de terror, con sus planos amenazantes debajo del agua o los encuadres misteriosos de las piernas de Laura recorriendo la cubierta del velero, o la propia existencia de Laura que parece cohabitar el mismo espacio pero en otra dimensión o tiempo.
Daniel León Lacave: Ambos cortometrajes son dos aproximaciones al género de terror o fantástico, y, a pesar de sus diferencias de estilo narrativo, los dos basan todo en la creación de una atmósfera malsana e inquietante. En mi caso, esa atmósfera está reforzada gracias a la magnífica banda sonora musical original de Jonay Armas, y es que la música en este caso es casi un personaje más. En el caso de “Al Borde del Agua” todo se localiza en un barco amarrado en el puerto, y en el caso de “La Otra”, curiosamente, todo se localiza al borde del agua de una presa, donde los personajes, tres amigas,  están de acampada. La acampada es uno de esos lugares comunes que el género de terror ha utilizado hasta la saciedad, y precisamente por eso quise usarlo. Porque “La Otra” es un homenaje y un guiño en sí mismo al género de principio a fin. Hay también un rendir homenaje al maestro Kubrick, pero eso ya lo verán ustedes mismos.
 2. Al final, ambos habéis quedado como fieles defensores del cine leve, etiquetado como tal, aunque la crisis y la llegada de lo digital ha hecho proliferar trabajos audiovisuales que comparten muchas de las características. ¿Ha vuelto la situación actual lo leve en lo habitual, al menos en lo que se refiere a producción?
JV: Cada uno entiende lo leve de una manera distinta. Enzo Scala, por ejemplo, afirmaba que esta levedad implicaba una gran carga de profundidad. Lo leve surge también de una necesidad de seguir haciendo cine. La levedad no está reñida con la intensidad. Creo que tanto Dani como yo hacemos un cine intenso y nos implicamos intensamente en lo que hacemos. El cine leve no tiene nada que ver con el cine de los concursos de cine exprés. Hay mucho trabajo previo, mucha reflexión y dudas porque transitamos parajes desconocidos que no sabemos a dónde nos llevan. En cierto modo, nos exponemos a la incomprensión. “Del amor y otras necesidades”, el corto que rodamos el año pasado y estrenaremos dentro de poco, es un corto narrativo que no tiene nada que ver con este, un corto “hablado”, donde el diálogo y los personajes es lo importante, como en “Dueto”, el corto que hemos rodado estos días. La verdad es que me gusta cambiar y experimentar otras cosas. Con cada película aprendemos algo nuevo.
DLC: El “Cine Leve” ha existido desde siempre. No lo hemos inventado nosotros, aunque sí que le dimos una denominación de origen. Lo cierto es que en los últimos tiempos han proliferado los trabajos que podrían calificarse de leves. No hace mucho estuve en La Palma asistiendo y participando en una sesión de cortometrajes, y me llamó poderosamente la atención que casi todos los cortos se basaban en una o dos localizaciones y en dos personajes. Todos buscaban la simplificación para poder contar sus historias, y se notaba que explotaban al máximo unos recursos mínimos a su alcance. De todas formas, y más allá de estas consideraciones, para mí el cine leve es más una filosofía de rodaje que un estilo de producción.

 3. El cine leve es un tipo de cine hecho en familia. ¿Cómo ha sido la relación con el equipo durante el rodaje de estos dos trabajos?
JV: Rodar un corto en el interior de un pequeño velero, que era al mismo tiempo set de rodaje y sede del equipo, durante un montón de horas, precisaba que todos nos sintiéramos a gusto en un espacio tan reducido. Y menos mal que el velero estaba amarrado a tierra. En mi caso, me siento a gusto cuando hay confianza y nos conocemos todos. En cada rodaje incorporamos a nuevas personas y vamos formando una pequeña familia. En el rodaje de Dueto solo éramos cinco personas incluyendo a los dos actores, en Al borde del agua éramos más de diez.
DLC: Si hay mal rollo en el set, entonces esto ya no es cine leve. Para eso ya está el cine industrial. Cuando rodamos “La Otra” éramos un equipo de unas diez personas, y casi todos, la protagonista Cristina Piñero, el dire de foto Pablo García o el sonidista Dani Mendoza, habíamos convivido intensamente un año de nuestras vidas el año anterior rodando el largometraje “Los Días vacíos” así que no hubo que forzar el “efecto familia”. También hubo nuevas incorporaciones, como las actrices Saida Fuentes o Yazmina Guerra, que se adaptaron maravillosamente a esta filosofía y parecía que llevábamos toda la vida rodando juntos. El rodaje fue en condiciones extremas, un rodaje muy duro, pero al final del mismo todos estábamos sonriendo. Eso es uno de los regalos del cine leve.

 4. ¿Casualidad o causalidad de que ambos hayan coincidido en temáticas cercanas con estos dos cortometrajes?
JV: Llevamos dos años coincidiendo en las temáticas que abordamos, el año pasado teníamos “Del amor y otras necesidades” y Dani “Amanecer”, que abordaban la prostitución de una forma un tanto esquinada, y también queríamos estrenarlas conjuntamente, pero no la tuve terminada a tiempo. Y lo cierto es que no nos ponemos de acuerdo para hacer esto. Es una sorpresa incluso para nosotros mismos.
DLC: Una maravillosa casualidad. Ya hace años, cuando estrenamos conjuntamente “Ángeles” y “Nube9” existió cierta sincronía. En esa ocasión los dos optamos por aproximaciones al cine de género desde un punto de vista críptico e intimista. Cuando volvimos a coincidir en temática con “Amanecer” y “Del amor y otras necesidades” la casualidad fue aún mayor. Dos historias que usaban el tema de la prostitución como excusa para hablar de la soledad. Y en esta ocasión, cuando Josep me dejó ver su “al borde del agua” le dije: “no puedo creer que hayamos vuelto  coincidir otra vez”. Sinceramente, me gusta esta casualidad, ya que, a pesar de que nuestros estilos son muy muy diferentes, y que nos separan algunas décadas, veo que nos inquietan y preocupan las mismas cosas.

 5. Más allá de cuestiones económicas, el cine leve se planteó también como una forma libre de contar historias sin tener que recurrir a los patrones industriales. ¿Cómo se enfoca, entonces dos títulos de género como los que propone esta sesión del día 26?
JV: El cine de género siempre me ha interesado como espectador, pero es impensable que, con los medios de que disponemos, podamos rodar un thriller o una película de ciencia ficción convencional. Pero podemos aproximarnos al género desde otras perspectivas. En mi caso lo que he hecho ha sido apropiarme de algunas convenciones del género para contar otra cosa. Ya lo hice en “Nube9”, que se inspiraba en “Alphaville” de Godard, y aquí lo hago partiendo de una secuencia de “Mullholland Drive” de Lynch.
DLC: Pues en tu pregunta está la respuesta. Es una forma libre de contar historias. Y esa libertad absoluta puede canalizarse en ofrecer algo sin ningún tipo de concesión al espectador, o en algo completamente académico. Al menos para mí no hay reglas ni estructura que respetar a menos que sea eso lo que quiero hacer. Algunos dicen que es esta ocasión he dejado atrás el drama social ese que tanto me gusta, para meterme en el pantanoso terreno del cine de terror. Pero lo cierto es que “La Otra” es también, en cierta forma un drama social, sobre la soledad y la marginación. Simplemente el camino que hemos tomado para hablar de ello es diferente.


6. En vuestras respectivas filmografías los personajes femeninos siempre han tenido un rol importante y en los dos cortos que presentáis ahora se aprecia también una significativa presencia femenina al frente del reparto. ¿Es la mirada de la mujer más acorde con la filosofía de lo leve que la masculina?
JV: Pues no tengo ni idea, si es una mirada más leve o más profunda. Lo cierto es que en mi caso la mujer siempre ha estado delante de mi objetivo, ya en “Ballet para mujeres” ironizaba sobre ello. Trataba de un director de cine que pretendía rodar una película sobre la mujer y no lograba salir de los tópicos, de modo que al final decide no hacerla. En el primer borrador de “Al borde del agua” solo había tres mujeres, luego añadí una cuarta. Al final hay seis actrices.
DLC: En mi época pre-leve, cuando aún los cortometrajes que hacía tenían una fuerte intención industrial, ya el universo de la mujer estaba muy presente. “Hanna después del tiempo” (2004) o “Los Pechos de Paula” (2009) eran historias de mujeres. Creo que la psicología femenina y su rol impuesto por una sociedad patriarcal es mucho más complejo, y por lo tanto, mucho más interesante y enriquecedor desde el punto de vista narrativo que el masculino. Los hombres somos mucho más simples, porque es lo que la sociedad espera de nosotros. Factores como la amistad, los hijos, el amor, la infidelidad, las drogas, el comportamiento social ante determinadas situaciones de la vida, son más cinematográficos si los muestras desde la mirada femenina.

7. Daniel, después de encadenar dos largometrajes, ¿ha cambiado tu perspectiva a la hora de afrontar un nuevo corto?
DLC: En absoluto. Sigo afrontando cada proyecto igual si se trata de un corto que de un largo. En un largo el esfuerzo es mayor, no solo el mío sino el de todo el equipo, y la inversión económica es otra también, y eso hay que valorarlo en su justa medida. Pero a la hora de planificar el trabajo, o escribir el guión, para mi es exactamente lo mismo. La duración final del metraje es para mí lo de menos. Si mi historia tiene que durar 5 minutos, eso durará. Y si después de escribirla veo que la cosa se va a ir a 90 minutos, pues bienvenido sea.

 8. Josep, sin contar con tu aportación a La Laguna Plató de Cine en 2015, tu anterior trabajo fue “Paraísos” en 2014, pero ya tienes otros dos trabajos pendiente de estreno, “Duetos” y “Del Amor y Otras Necesidades”. ¿Qué te han aportado estos dos años de pausa?
JV: No ha habido pausa, sino dificultades logísticas. Al borde del agua la empezamos en el verano de 2015, pero no pudimos volver a reunir al equipo con el que iniciamos la aventura del corto, y no la terminamos hasta el mes de septiembre de 2016 con un equipo distinto, por esto el corto consta de dos partes, “Nocturno” y “Diurno” que de alguna manera se complementan. Como no sabía si podríamos terminar el corto se nos ocurrió rodar otro y así surgió “Del Amor y otras necesidades”, que se rodó entre los meses de diciembre de 2015 y enero de 2016, y está todavía pendiente de la música. En cambio, “Dueto” se rodó en una sola mañana durante estas fiestas, entre la Navidad y el Fin de año. Este año se han amontonado los estrenos.

 9. ¿Hay nuevos proyectos a la vista? ¿Para cuándo una película conjunta?
JV: En cuanto a proyectos, está el guión de “Paseo nocturno”, que es un thriller que escribimos René Martín y yo, pero entraña dificultades técnicas considerables y por esto lo tenemos a la espera. Quizás aparezca otra idea por el camino y mis ganas de rodar me lleven a producirla. Vivir en dos islas separadas por el océano no debería ser un obstáculo para rodar una película conjunta, y la verdad es que lo he intentado varias veces, ir a Gran Canaria con Laly y René y rodar allí algo con Dani y con David Delgado, pero siempre se han presentado dificultades y hemos acabado o bien olvidándonos del proyecto o rodándolo en Tenerife, como pasó con “Rondó”, que lo escribí para rodarlo allí.
DLC: Pues en mi caso estoy escribiendo el guión de otro largometraje, y hay varios guiones cortos en la recámara, pero la verdad es que en este mismo instante no hay nada concreto. Y si te soy sincero es algo que me fastidia. Durante estos quince años, exceptuando los tres años tras el nacimiento de mi hijo en los que me dediqué a la paternidad en cuerpo y alma,  siempre he estado trabajando en alguna producción concreta y próxima. Y ahora por primera vez no hay nada concreto en el horizonte. Pero lo encontraré pronto. Seguro. Y sobre la película conjunta, pues lo hemos hablado varias veces, pero nunca lo concretamos. Creo que sería interesante, ya que como ya hemos visto, a pesar de tener estilos narrativos muy diferentes, hay mucha coincidencia en nuestra forma de afrontar un proyecto. Es verdad que el atlántico está por medio, pero nada que no se pueda solucionar.