viernes, 29 de agosto de 2014

ESTRENOS DEL 29 DE AGOSTO

Esta semana las carteleras nos ofrecen un abanico de lo más variado, con espacio para el cine de autor aclamado en festivales, animación para los más pequeños a una semana el inicio del curso escolar, una comedia romántica sobre los límites de la amistad, cine de catástrofes repleto de efectos especiales y una fuerte apuesta por parte del cine español de cara a la taquilla como la nueva película de Daniel Monzón.
el congreso
En 2008 el director Ari Foldman sorprendió por su modo de ahondar de manera autobiográfica en la herida abierta entre los israelíes tras la invasión del Líbano, empleando la animación como recurso expresivo. Con “El Congreso” se introduce en las bambalinas de Hollywood con un juego metafictivo que alterna imagen real y animación, además de la complicidad de muchas estrellas de la Meca del Cine.
Robin Wright, que se interpreta a sí misma, recibe una oferta de uno de los grandes estudios para comprarle su identidad cinematográfica. La escanearán digitalmente y podrán hacer uso de su imagen sin restricción alguna en cualquier tipo de película de Hollywood, incluso en las más comerciales que hasta ahora siempre ha rechazado. A cambio recibirá una importante suma de dinero y el estudio aceptará que su personaje digital se mantendrá eternamente joven en todas las películas. El contrato tiene una duración de veinte años. Robin regresa al finalizar el contrato y entra directamente en el mundo del cine fantástico del futuro.
La propia Robin Wright se presta a este juego ideado por Ari Foldman, quien cuenta además con la participación de Harvey Keitel, Jon Hamm, Paul Giamatti, Kodi Smit-McPhee y Danny Huston.

las nuevas aventuras de caperucita roja
En 2005, aún en plena fiebre del personaje de Dreamworks Shrek y sus relecturas de los cuentos de hadas, el cine de animación buscó la manera de seguir explorando y explotando la idea, aunque con producciones mucho más baratas y menos ingeniosas. Uno de los títulos que logró llamar la atención en aquel momento fue “La Increíble pero Cierta Historia de Caperucita Roja”, enésima revisión del cuento de Charles Perrault. Ahora nos llega una tardía secuela, titulada en nuestro país como “Las Nuevas Aventuras de Caperucita Roja”.
Vuelve la intrépida Caperucita conocida como “Roja”, en una película llena de humor, aventura y acción. Roja está entrenando en una tierra muy lejana con un misterioso grupo secreto llamado “las hermanas Hood”, cuando recibe la llamada de su amigo Flippers Girón, jefe de la Agencia “Felices para Siempre”. Flippers quiere que se una al grupo que está formando junto con El Lobo y La Abuelita para resolver el misterioso caso de la desaparición de Hansel y Gretel. ¿Podrán esta vez nuestros amigos resolver este nuevo enigma? ¿Podrán salir victoriosos de todos los peligros que les acechan?
En la versión original la actriz Hayden Panettiere sustituye a la Anne Hathaway de la primera entrega, contando además con las voces de actores como Glenn Close, Cheech Marin o Joan Cusack.

amigos de más
En 1989 Rob Reiner y Nora Ephron crearon la comedia romántica moderna con “Cuando Harry Encontró a Sally”, donde se analizaba hasta qué punto un hombre y una mujer podían ser meramente amigos, sin que el amor o el sexo se interpongan en esta relación. Un punto de partida similar tiene “Amigos de Más”, nuevo trabajo del director Michael Dowse (“Leyenda del DJ Frankie Wilde”), adaptación de la obra de teatro de T.J. Dawe.
Wallace y Chantry se conocen en una fiesta mientras leen poesía escrita con imanes de nevera y descubren que poseen una química excelente... como amigos. Entre ellos se crea una relación en la que hablan de todo, desde películas a enfermedades o regalos de Navidad decepcionantes. Parece la amistad perfecta, pero hay un problema: Chantry tiene novio formal... y Wallace está locamente enamorado de ella.
La cinta cuenta como principal gancho con una pareja protagonista de excepción, destacando la presencia de Daniel Radcliffe, quien sigue a la búsqueda de papeles que le alejen de su imagen de Harry Potter. Le acompaña Zoe Kazan, nieta del director Elia Kazan y conocida gracias a su papel en “Ruby Sparks”. Junto a ellos Adam Driver, Mackenzie Davis, Oona Chaplin, Megan Park y Rafe Spall.

en el ojo de la tormenta
Steven Quale se formó en el equipo de James Cameron, siendo director de segunda unidad en “Titanic” y “Avatar”. Posteriormente dio el salto a la dirección con la quinta entrega de “Destino Final”, demostrando su capacidad para trabajar con los efectos especiales. Ahora regresa con otro título donde el principal protagonismo está en el trabajo de postproducción, “En el Ojo de la Tormenta”, cine de catástrofes, con una acumulación de tornados en una pequeña población.
En el transcurso de un solo día, la ciudad de Silverton es azotada por una serie de tornados sin precedentes. Toda la ciudad está a merced de ciclones erráticos y mortales, mientras que los cazadores de tormentas predicen que lo peor está aún por llegar. La mayoría de las personas buscan refugio, mientras que otras corren hace el vórtice, poniendo a prueba hasta dónde está dispuesto a llegar un cazador de tormentas para conseguir esa foto única que solo se hace una vez en la vida. Contada a través de los ojos y de los objetivos fotográficos de cazadores profesionales de tormentas, aficionados en busca de emociones y valientes vecinos de la ciudad, "En el ojo de la tormenta" te lleva directamente al ojo de la tormenta para experimentar lo que ofrece la Madre Naturaleza en sus momentos más extremos.
Protagonizan la cinta Richard Armitage, Sarah Wayne Callies, Jeremy Sumpter, Nathan Kress, Matt Walsh y Kyle Davis.

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Cinco años han pasado desde el estreno de la anterior película de Daniel Monzón, “Celda 211”, y a día de hoy sigue siendo recordada como uno de esos títulos que logró congraciar a la crítica y el público. En todo este tiempo, Monzón ha estado centrado en llevar a cabo un proyecto muy complejo, “El Niño”, nuevo thriller ambientado en el Estrecho de Gibraltar y con el mundo del tráfico de drogas de telón de fondo. El directo ha querido conseguir la máxima verosimilitud en la película y por ello ha rodado en localizaciones reales y ha procurado que toda la acción que vemos en pantalla sea física, sin trucajes por ordenador.
Gibraltar, la frontera sur de Europa. Dos continentes, tres países, catorce kilómetros. Un lugar perfecto, el Estrecho, para alcanzar la gloria desafiando al mar y al viento. Riesgo, adrenalina, dinero y éxito al alcance de cualquiera capaz de atravesar la distancia que separa Europa de África en una lancha cargada de hachís sorteando el acecho de patrulleras y helicópteros de la policía. El Niño y El Compi no tienen miedo, quieren iniciarse en el mundo del narcotráfico, montar su propio negocio. Para ellos es casi un juego, a fin de cuentas se han criado en la cultura del contrabando. Jesús y Eva, agentes de policía, llevan años tratando de demostrar que la ruta del hachís es ahora uno de los principales coladeros de la cocaína en Europa. Para ellos el asunto no tiene nada de divertido. Su objetivo es El Inglés, el hombre que mueve los hilos desde Gibraltar, su inexpugnable base de operaciones. El destino hará que los caminos de estos personajes a ambos lados de la ley terminen por cruzarse en un punto de no retorno en el que descubrirán que el enfrentamiento de sus respectivos mundos es mucho más complejo, ambiguo y peligroso de lo que jamás hubieran pensado.
Para interpretar a El Niño, Monzón ha querido contar con un rostro desconocido, Jesús Castro, quien comparte pantalla con actores de la talla de Luis Tosar, Sergi López, Eduard Fernández, Bárbara Lennie o el británico Ian McShane.

martes, 26 de agosto de 2014

IN MEMORIAM. MENAHEM GOLAN, ROBIN WILLIAMS, LAUREN BACALL, RICHARD ATTENBOROUGH

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Lamentablemente, se ha vuelto a cumplir esa regla no escrita en el mundo del cine de que los fallecimientos no llegan solos. En este sentido, el mes de agosto ha sido especialmente catastrófico, con la muerte de cuatro importantes personalidades del mundo del cine. Este funesto ciclo dio comienzo el viernes 8 de agosto con la pérdida del director y productor Menahem Golan, uno de los nombres clave del actioner de los 80 y artífice de un estilo que ayudó también a impulsar la era del videoclub de esa década. Dolorosa por violenta e inesperada ha sido también la muerte el 11 de agosto de Robin Williams, todo un icono de la comedia estadounidense desde mediados de los 70 y un artista que con su trabajo supo ganarse el corazón de generaciones de espectadores, como ha quedado demostrado con las muestras de afecto que la noticia ha desatado en todo el mundo. El martes 12 decíamos adiós a toda una diva del cine, Lauren Bacall, icono del cine clásico de Hollywood, recordada sobre todo por su relación laboral y profesional con Humphrey Bogart, pero cuya carrera se expandió mucho más allá de ahí. Finalmente, este domingo 24 de agosto nos llegaba la noticia del fallecimiento de otro grande del cine tanto delante como detrás de la cámara, Richard Attenborough. Este querido artista comenzó su carrera en el cine como actor, participando en multitud de películas que luego han pasado a convertirse en clásicos del cine. Sin embargo, aunque menos prolífica, las experiencias más gratificantes como artista las obtuvo como director, donde se especializó en dramas de época, especialmente en el campo del biopic.

MENAHEM GOLAN. EL BRAZO FUERTE DEL ACTIONER

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Junto a su primo Yoram Globus, Menahem Golan fue el artífice de una productora que definió el espíritu del cine de acción de los años 80. Cinéfilo desde la infancia, el mundo del cine era el sueño de este director y productor y a través de su compañía Cannon Films, logró hacerlo realidad. Su primer contacto con la industria lo hizo a través de Roger Corman, de quien absorbió su sentido de la producción, la comercialidad y explotación de las modas cinematográficas. De origen israelí, su primera experiencia como director y productor tuvo lugar en su país de origen, con trabajos destinados al consumo interno, destacando su saga juvenil “Polo de Limón” y la cinta de 1977 “Operación Relámpago”, basada en la misión de rescate de rehenes israelíes en Uganda y con la que obtuvo una nominación a los Oscar. Ahí fue donde empezó a definir su estilo hasta que en 1979 los dos primos compraron Cannon Films y dieron el salto a la industria de Hollywood. Para levantar su imperio, Golan y Globus emplearon las claves del éxito de Roger Corman, es decir, producciones de bajo presupuesto, con propuestas de tirón comercial y buscando su propio star-system gracias a los cuales lograron medirse con las propuestas de los grandes estudios.

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En su momento, el cine de la Cannon fue denostado por la crítica, acusando la pobreza de sus medios, los defectos de realización y, sobre todo, su mensaje reaccionario. Sin embargo, al público le entusiasmaban estas películas, convirtiendo en estrellas a actores como Charles Bronson (quien gracias a la saga “Yo Soy la Justicia” forjó su imagen de icono republicano), Chuck Norris (quizás la estrella más fulgurante del universo Cannon), Michael Dudikoff (con las dos entregas de “El Guerrero Americano”) o Jean Claude Van Damme (con “Contacto Sangriento”, “Kickboxer” o “Cyborg”). Convertido ya en estrella, Sylvester Stallone tampoco pudo resistirse a formar parte de la familia Cannon con “Yo, el halcón” y “Cobra, el brazo fuerte de la ley”. La productora era famosa por mantener un ritmo de producción extraordinario, con unas 25 películas al año. La base de su éxito fue el cine de acción, copando las carteleras, pero sobre todo el mercado doméstico. Los 80 fue la década dorada de los videoclubs, y Golan y Globus supieron sacarle partido a esto. Sin embargo también probaron suerte con otros géneros. Fan del musical, Golan aprovechó su instinto empresarial para canibalizar las modas en el sector discográfico con películas como “Breakdance 2”, “Lambada, el Baile Prohibido” o “Salsa”. También tendió la mano a Tobe Hooper tras el éxito de “La Matanza de Texas” para que rodara títulos como “Lifeforce”, “La Mantanza de Texas 2” o “Invasores de Marte”. No todo era cine palomitero, Cannon también apoyó al cine de autor en títulos como “El Tren del Infierno” y “Ansias de Vivir”, ambas de Andrei Konchalovsky, “Locos de Amor” de Robert Altman, “Otello” de Franco Zeffirelli, “El Borracho” de Barbet Schroeder o la extravagante adaptación del “Rey Lear” de Jean-Luc Godard. Su olfato no siempre fue infalible, y en su haber cuenta con títulos que resultaron verdaderos desastres en lo artístico y lo comercial, especialmente cuando se adentró en el mundo del cómic, como “Superman 4. En Busca de la Paz”, “Capitán América” o “Los Masters del Universo”.

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El imperio de la Cannon llegó a su fin en 1989, cuando la empresa entró en bancarrota, dejando en el limbo decenas de producciones ya rodadas y otras en proceso de producción. Debido al ritmo de trabajo de la compañía, su caída supuso un duro golpe para la industria y tras ser adquirida por Pathé ya nada volvió a ser igual. Golan y Globus acabaron enemistados y el primero acabó regresando a Israel donde siguió trabajando como productor tanto en cine como teatro. Resulta llamativo que el fallecimiento de Menahem Golan a sus 85 años de edad haya coincidido con el estreno de “Los Mercenarios 3”, cinta que homenajea y recupera a las principales estrellas de un género que él ayudó a forjar.

ROBIN WILLIAMS. PAGLIACCI

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La noticia del fallecimiento del actor Robin Williams ha sido posiblemente la que más titulares ha acaparado en las últimas semana en lo que a actualidad cinematográfica se refiere. El actor nos decía adiós de manera sorpresiva y violenta, devastando a toda una legión de fans que encontraban en sus interpretaciones no sólo momentos de comedia delirante, sino también una honestidad que traspasaba la pantalla. Aunque recordado como humorista, gracias sobre todo a su capacidad para crear multitud de personajes o de imitar otros fácilmente reconocibles por el espectador, también contó con una soberbia trayectoria dramática, a través de la cual dio vida a algunos de sus personajes más queridos. Las primeras noticias del fallecimiento del actor apuntaban a un posible suicidio por asfixia, algo que quedó confirmado posteriormente por la policía, precisando que la estrella había intentado primero cortarse las venas sin éxito, para finalmente ahorcarse con su cinturón, un cierre trágico a una vida que escondía una personalidad depresiva y compleja. La personalidad extrovertida del actor, su desbordante habilidad para convertirse en el centro de atención gracias a su histrionismo, era la respuesta a un alma atormentada. Ya en los años 70, esta dualidad le llevó al alcoholismo y la drogadicción, enfrentándose a sus demonios tras la muerte de su amigo John Belushi, víctima de una sobredosis. Williams confesó que, lejos de recurrir a la bebida y las drogas para levantarse el ánimo, las necesitaba para poder relajarse y descansar, sin embargo, el miedo a correr la misma suerte que su compañero y la cercanía de la paternidad, le impulsó a entrar en un programa de desintoxicación y seguir luchando contra esta faceta de su vida hasta el final. Así, en 2006, volvió a someterse a un tratamiento cuando el estrés le condujo una vez más a la bebida y hace escasos meses nos llegaban noticias de que había sufrido una recaída. Tras su fallecimiento, su viuda confirmó que el motivo del suicidio no habían sido las drogas, sino una profunda depresión al encontrarse en las primeras fases de la enfermedad de Parkinson. El payaso alegre que veíamos en la gran pantalla resultó ser una máscara con la que olvidar sus problemas personales. Al igual que uno de sus personajes emblemáticos, Patch Adams, Williams creía en el poder curativo de la risa y usaba el humor no sólo para hacer feliz a los demás, sino también para enfrentarse a su tristeza interna.

Robin Williams y Pam Dawber protagonizan Mork & Mindy, 1978-1982. Robin Williams: 10 papeles inolvidables

Como muchos humoristas, la carrera de Robin Williams comenzó sobre los escenarios, gracias a su habilidad para la improvisación y para generar todo tipo de personajes e imitaciones. Eso le permitió dar sus primeros pasos en televisión, en programas de humor como “The Richard Pryor Show” en 1977. Sin embargo fue su papel de Mork en dos episodios de la serie “Días Felices” lo que le proporcionó su primer atisbo de popularidad. Nadie mejor que Williams para interpretar a un extraterrestre desconocedor de las costumbres humanas. Lo que iba a ser un papel puntual acabó generando un spin off, convirtiendo a su protagonista en una estrella de la televisión. “Mork And Mindy” se emitió entre 1978 y 1982, cancelándose la serie cuando Robin Williams decidió abandonarla por miedo al encasillamiento. Posteriormente siguió colaborando de manera puntual en algunas series, como sus papeles en “Homicidio” o “Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales” o su cameo junto a Billy Crystal en “Friends”. No fue hasta 2013 que regresó de manera regular al medio, con la serie “The Crazy Ones”. Desgraciadamente, este regreso fue efímero, ya que el show fue cancelado tras su primera temporada.

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El salto al cine lo hizo de la mano de Robert Altman con un papel que pocos actores, por no decir ninguno, podían haber encarnado mejor que él, “Popeye”. El popular marinero creado por Elzie Crisler Segar en 1919 no tuvo mucha suerte en la gran pantalla y la cinta está considerada como el gran fracaso en la carrera de Altman. Más fortuna tuvo la participación de Robin Williams en “El Mundo Según Garp”, adaptación de la popular novela de John Irving, a cargo del cineasta George Roy Hill. La inocencia que irradiaba el actor fue decisiva para dar credibilidad a esta peculiar película que oscilaba entre el agridulce territorio del drama y la comedia. Posteriormente, el actor siguió probando fortuna con otros cambios de registro en cintas como “Sufridos Ciudadanos”, “Un Ruso en Nueva York” o “Seize the Day”, sin embargo su fama anterior y éxitos como la alocada "Club Paraíso” seguían manteniendo esa imagen del actor como prioritariamente una estrella del género de la comedia, un perfil que a pesar de sus numerosas huidas hacia otros géneros, se mantuvo hasta el final de su vida. Dentro de su faceta como comediante, podemos destacar su trabajo en películas como “Toys”, “Sra. Doubtfire” o “Una Jaula de Grillos”. En ellas siempre buscaba ir más allá del gag, y aunque en pantalla su histrionismo lo absorbía todo, en sus películas procuraba tocar temas que le concernían personalmente, sobre todo relacionados con la infancia y las relaciones paternofiliales en una sociedad con un concepto de familia cambiante, como podemos comprobar en la muy reivindicable “El Mejor Padre del Mundo”, una de las últimas grandes interpretaciones del actor. De espíritu peterpanesco, nadie mejor que él hubiese podido interpretar a la versión adulta del personaje de Jame Barrie en la cinta de Steven Spielberg “Hook”, o ese niño atrapado en el cuerpo de un adulto con envejecimiento acelerado en la cinta de Francis Ford Coppola “Jack”. Sus personajes por regla general se iban a los extremos, o inmaduros incapaces de sentar la cabeza o adultos extremadamente responsables, que han perdido su capacidad para imaginar o jugar.

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Robin Williams no sólo destacaba por sus papeles de niño grande, sino que también supo hacerse un hueco importante en el cine infantil y juvenil, especialmente en la década de los 90. Desde que en 1992 participara en la cinta de animación “Ferngully”, su voz se volvió habitual en el género de animación, siendo su desbordante interpretación del Genio en “Aladdin” uno de los grandes papeles de su carrera. Después llegarían otros como su Fender de “Robots” o Ramón y el Dr. Amor de las dos entregas de “Happy Feet”. El género de fantasía y aventura tampoco le fue ajeno, aunque siempre mezclado con esos elementos de humor y emoción que caracterizaban sus otras películas. Así, además de en “Hook”, también pudimos verle como jugador aguerrido en “Jumanji”, como inventor despistado en “Flubber y el Profesor Chiflado” o como robot con ansias de humanidad en “El Hombre Bicentenario”.

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Curiosamente, pese a esa imagen de humorista que comentábamos, algunos de sus personajes más queridos y populares los interpretó en cintas más cercanas al drama. Es cierto que, fiel a la filosofía del artista, sus personajes de Adrian Cronauer en “Good Morning Vietnam” o del Sr. Keating en “El Club de los Poetas Muertos” intentaban aportar esperanza y liberación a través del humor, permitiendo al actor desatar su vena más exuberante, sin embargo, la tragedia imperaba en las historias y el entorno en el que se enmarcaban estas historias. Lo mismo podemos decir de su Parry en la cinta de Terry Guilliam “El Rey Pescador”, una personalidad caótica, liberada y divertida que contrarrestaba con la personalidad depresiva del protagonista, y sin embargo, al igual que sucedía con el propio actor, ese histrionismo, esa locura, no era más que la máscara del dolor interno de su personaje ante el trauma de la muerte de su mujer. Fundamental también en esta trayectoria y sintomático de la filosofía del actor fue su papel en “Patch Adams”, cinta en la que coincidió con otro inmenso actor trágicamente desaparecido en este 2014, Phillip Seymour Hoffmann. El Oscar que no recibió por su papel de profesor de literatura en “El Club de los Poetas Muertos” sí lo obtuvo por su profesor de matemáticas Sean Maguire en “El Indomable Will Hunting”, un reconocimiento no sólo por su interpretación en la cinta de Gus Van Sant, sino en compensación también por los desplantes anteriores de la Academia. Otros trabajos destacados de Williams en el género de drama son “Despertares”, junto a Robert DeNiro o “Más Allá de los Sueños”.

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Como contraste a sus papeles más amables y cercanos, el actor también era capaz de sacar en ocasiones su lado más oscuro y demostrar que su versatilidad interpretativa también tenía espacio para el suspense y el terror. En 2002 rompió con su imagen tradicional con la excelente “Retratos de una Obsesión” a las órdenes de Mark Romanek, cineasta hasta ese momento especializado en videoclips. Después rodó con Christopher Nolan “Insomnio”, dándole la réplica a Al Pacino e interpretando a un nuevo psicópata en su catálogo de personajes. Con estos dos títulos pudimos descubrir a un Robin Williams más inquietante y aterrador, aunque sin perder de vista el componente emocional y los traumas propios que habían conducido a estos personajes a esa condición. Otros títulos dentro de la filmografía del actor que ahondaban en esta faceta más oscura son “La Memoria de los Muertos” y “Voces en la Noche”.

Por último, Williams no era reacio a aceptar pequeños papeles. Su desbordante personalidad servía también para dar entidad a personajes secundarios o meros cameos. Ya en 1988 con “Las Aventuras del Barón Munchausen” le hizo un gran favor a Terry Guilliam al interpretar al Rey de la Luna, apareciendo en los créditos como Ray D. Tutto. Para Kenneth Branagh aceptó también dos pequeños roles en “Morir Todavía” de 1991 y “Hamlet” en 1996. Se trataba de dos trabajos meramente anecdóticos, pero que, por ejemplo, en la primera resultaba fundamental para descifrar el misterio de la película. Su habilidad humorística resultaba lo más refrescante de la anodina “Nueve Meses”, mientras que Woody Allen le convocó para una de las pequeñas historias de su cinta “Desmontando a Harry”. En 2001 tuvo un pequeño reencuentro con Steven Spielberg en “A.I. Inteligencia Artificial”, prestando su voz al Dr. Know, el holograma con apariencia de Albert Einstein que sirve de oráculo al protagonista. También empleó sus habilidades miméticas para interpretar a dos presidentes de los Estados Unidos. En 2006 y 2009, encarnó a la figura de cera de Theodor Roosevelt en las dos primeras entregas de “Noche en el Museo”, papel que retomó en una nueva secuela que llegará a las pantallas de manera póstuma. Por último, una de las últimas ocasiones que hemos tenido para ver al actor en la gran pantalla fue en 2013 con “El Mayordomo”, como Dwight D. Eisenhower.

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El fallecimiento del actor ha dejado pendiente de estreno dos nuevas películas. A parte de la ya mencionada tercera entrega de “Una Noche en el Museo”, nos llegará también “A Merry Friggin' Christmas”, una comedia de nuevo con temática familiar. La que parece haber quedado afectada por su muerte es “Absolutely Anything”, una cinta de ciencia ficción basada en una obra de Terry Jones, donde Williams había prestado su voz al perro del protagonista, un trabajo que, parece ser, dejó incompleto y para el que ahora tendrá que ser sustituido por otro intérprete.

LAUREN BACALL. LA NUEVA EVA

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Cada vez son menos las estrellas de la época dorada de Hollywood que permanecen a este lado de la pantalla. Casos como los de Kirk Douglas o Maureen O'Hara son, lamentablemente, cada vez más excepcionales. Lauren Bacall era una de esas supervivientes hasta su fallecimiento el 12 de agosto a la edad de 89 años (a apenas un mes de cumplir los 90). Sin embargo, al contrario que otros compañeros, sí era una actriz aún en activo que tenía previsto participar en breve en el rodaje de una nueva película, una cinta policíaca titulada “Trouble Is My Business”, y hacía poco había prestado su voz para la serie de animación “Padre de Familia”. Los suyos eran personajes de fuerte personalidad, independientes, de verbo rápido, mirada desafiante y sensualidad a flor de piel. Eso la convirtió en un rostro indispensable del cine negro, especialmente en aquellos títulos donde compartió protagonismo con su primer marido Humphrey Bogart, que la convirtieron en ejemplo de femme fatale.

Humphrey Bogart and Lauren Bacall in The Big Sleep

Inicialmente los sueños de la futura actriz estaban más dirigidos al terreno del baile, pero nunca pudo hacerlo realidad. Sin llegar a la mayoría de edad, ya ejercía como modelo, siendo una foto suya para Harper's Bazar lo que llamó la atención a la mujer de Howard Hawks. A partir de ahí el veterano director la convocó para ofrecerle un papel en el cine, debutando en 1944 con la cinta “Tener y No Tener”, basada en el relato de Ernest Hemingway. Bacall encarnaba a la perfección el ideal de mujer de Hawks (sexy, inteligente, independiente y dura de carácter, capaz de hacer frente a un hombre). Se dice que el director quedó prendado de la debutante, pero fue finalmente el actor protagonista, Humphrey Bogart, quien logró conquistarla. A partir de ahí surgieron otros títulos clave para la historia del cine: “El Sueño Eterno”, “La Senda Tenebrosa” y “Cayo Largo”. Un año después del estreno de “Tener y No Tener” se casaron, demostrando que a pesar de la diferencia de edad, tenían muchas cosas en común (por ejemplo, los dos fueron figuras clave a la hora de combatir contra la caza de brujas del senador McCarthy).

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Junto a su imagen de Femme Fatale, Bacall (siguiendo el modelo de su amiga Katharine Hepburn) supo también ser la encarnación de la nueva Eva, la mujer liberada de los años 50, dispuesta a ocupar su puesto en la sociedad sin tener que subordinarse a ningún hombre. Su vena dramática la explotó en películas como “El Rey del Tabaco”, “El Mundo es de las Mujeres” o “Escrito sobre el Viento”. Dentro de la llamada Guerra de Sexos, la actriz protagonizó comedias como “Cómo Conquistar a un Millonario” (junto a Marilyn Monroe y Betty Grable) o “Mi Desconfiada Esposa”, formando una deliciosa pareja romántica con Gregory Peck. Este título, dirigido por Vincente Minnelli, se estrenó en 1957, mismo año del fallecimiento de Humphrey Bogart, víctima de un cáncer de garganta.

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Aún de luto, la actriz trabajó en “Sombra Enamorada”, que resultó ser un fracaso en taquilla. Mientras intentaba recomponer su vida personal, decidió alejarse temporalmente de Hollywood y probar fortuna en los escenarios. Su experiencia en Broadway le abrió nuevas experiencias como actriz, al igual que le sucedió con la televisión. En los siguientes años, ver a Lauren Bacall en la gran pantalla se convirtió en algo excepcional, escogiendo cuidadosamente los proyectos en los que se embarcaba. Al igual que sus personajes, Bacall no se dejaba intimidar por la maquinaria de la industria y prefería controlar ella el itinerario que seguía su carrera interpretativa. Así, en 1964 la pudimos ver junto a Tony Curtis y Henry Fonda en “La Pícara Soltera”, en 1966 trabajó con Paul Newman en “Harper, Detective Privado”, y a mediados de los 70, ya mostraba su madurez en títulos como “Asesinato en el Orient Express” o “El Último Pistolero” (reencuentro con John Wayne 20 años después de haber protagonizado juntos “Callejón Sangriento”). Por esta época, Bacall ya era un reflejo de una época dorada, perdida ante la irrupción del Nuevo Hollywood implantado tras el éxito de “Bonny & Clyde” (¿acaso no era Faye Dunaway una heredera del espíritu de Bacall, de la misma manera que en los 80 lo sería Kathleen Turner?) o “Easy Rider”.

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Su reputación se mantuvo, permitiéndole aparecer como secundaria en diferentes producciones. La suya seguía siendo una presencia poderosa en pantalla, como lo demostraron títulos como “Misery”, “El Retrato” (su reencuentro crepuscular con Gregory Peck) o “Pret-a-Porter”. Después de tantos años, la carrera de Lauren Bacall seguía sin tener un Oscar, pero tampoco lo necesitaba. Su filmografía era lo suficientemente icónica como para no necesitar de ninguna estatuilla que le diera más validez. Sin embargo, tras su trabajo en “El Amor Tiene Dos Caras” de Barbra Streisand, se abrió una poderosa campaña para conseguirle el premio a la actriz. Todo el mundo estaba convencido de que Hollywood iba, por fin, a reconocer su legendaria trayectoria. Fue entonces cuando Bacall ofreció la peor interpretación de su carrera al ser incapaz de simular el disgusto y el enfado cuando el premio fue a parar a manos de Juliette Binoche por “El Paciente Inglés”. La Academia rectificó y tres años más tarde le entregó un Oscar honorífico al conjunto de su carrera.

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Abierta a nuevos retos, Bacall trabajó en nuestro país en la cinta de 1999 “El Celo”, revisión del relato de Henry James “Una Vuelta de Tuerca” y posteriormente, la pudimos ver en el díptico sobre Estados Unidos de Lars Von Trier formado por “Dogville” y “Manderlay”. Entre sus últimos trabajos podemos destacar también “Reencarnación” de Jonathan Glazer o “The Walker” de Paul Schrader. Además, prestó su voz a las versiones estadounidenses de cintas de animación como “El Castillo Ambulante” o “Ernest y Célestine”.

RICHARD ATTENBOROUGH. EL FACTOR HUMANO

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Pasión y honestidad marcan los 65 años dedicados al cine de Sir Richard Attenborough, ya fuera como actor, director o productor. Su porte británico le permitió destacar sobre todo como secundario en multitud de producciones, donde rápidamente conseguían eclipsar al protagonista de la cinta. Su rostro es recordado especialmente por trabajos como “La Gran Evasión”, “El Vuelo del Fénix”, “El Yang Tsé en Llamas”, “El Extravagante Doctor Dolittle”, “El Estrangulador de Rillington Place” o “Parque Jurásico”. Por regla general, sus personajes se caracterizaban por su capacidad de mantener la sangre fría en situaciones violentas y pese a la larga lista de personajes ambiguos que pueblan su filmografía, lo cierto es que el público le recuerda como alguien cercano y bonachón gracias a algunos de sus últimos personajes, el de John Hammond para el film de Steven Spielberg y el Kris Kringle del remake de “Milagro en la Ciudad”.

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La carrera de Richard Attenborough comenzó en 1942 de manera especial, ni más ni menos que de la mano del cineasta David Lean y el dramaturgo Noel Coward con la película “Sangre, Sudor y Lágrimas”. En ésta interpretaba a un soldado desertor y durante un tiempo el actor (que combatió en la Segunda Guerra Mundial) se vio encasillado en papeles de cobarde. En 1947 alcanzó la fama con su papel de gangster en la cinta “Brighton Rock”, adaptación de la novela de Graham Greene guionizada por el propio novelista. A partir de ahí Attenborough consiguió alternar papeles en todo tipo de género, pasando de la comedia al drama, repitiendo con el cine bélico, el suspense o el terror. En todos ellos demostró una gran versatilidad, así como su capacidad para ofrecer siempre un trabajo comedido y ajustado a las necesidades de su personaje. Este saber hacer le sirvió para conseguir el reconocimiento de sus compañeros de profesión, obteniendo sendos Globos de Oro como Mejor Actor Secundario en 1967 y 1968 por “El Yang Tsé en Llamas” y “El Extravagante Doctor Dolittle”. Cada vez más interesado en su faceta como director, Attenborough abandonó su faceta de actor en 1979, tras protagonizar con Nicol Williamson y Derek Jacobi la cinta de Otto Preminger “El Factor Humano”. No volvió a ponerse delante de la cámara hasta 1993, cuando Steven Spielberg le convocó para “Parque Jurásico” y fue la admiración que tenía hacia éste lo que le llevó a aceptar el papel. A partir de entonces regresó de manera esporádica y en pequeños papeles a la interpretación, destacando especialmente su rol en “Milagro en la Ciudad”.

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La otra faceta por la que es especialmente recordado y admirado Richard Atenborough es la dirección. Su debut tras la cámara fue en 1969, con el musical bélico “¡Oh, Qué Guerra Tan Bonita!”, adaptación de un espectáculo de Broadway estrenado cinco años antes y ganador de un premio Tony en 1965. Sin embargo, si algo definió su carrera como director era su interés por historias reales, con peso social y político, como demostró con su segunda película tras la cámara, “El Joven Winston”, acerca de los años de juventud de Winston Churchill. Su experiencia en la guerra y como actor en el cine bélico quedó reflejada en “Un Puente Lejano”, donde además demostró su habilidad con grandes producciones, de marcado carácter coral. En 1978 dirigió una de sus cintas más atípicas, “Magic”, basada en la novela de William Goldman, poco valorada en su momento, pero considerada hoy en día un título de culto. Hasta aquí la labor como director de Richard Attenborough se había desarrollado de manera correcta y discreta. Su habilidad tras la cámara era reconocida, pero ninguno de estos títulos había logrado eclipsar su faceta como actor. Esto cambió en 1982 con el estreno de “Gandhi”. El biopic de Mohandas K. Gandhi había sido uno de los grandes proyectos del artista y gracias a él consiguió su máximo reconocimiento, incluyendo sendos Oscars a Mejor Director y Mejor Película. A mediados de los 80, tras la extraordinaria acogida de su anterior película, regresó al género del musical con “Chorus Line”, de nuevo adaptando una exitosa producción de Broadway, ganadora a su vez de un premio Pulitzer. Fiel a su vocación de denuncia a través del cine, Attenborough emprendió un proyecto candente con “Grita Libertad” y su adaptación de las experiencias del periodista Donald Woods y el activista Steven Biko en la Sudáfrica del Apartheid. El amor del artista por el cine quedó plasmado en su biopic “Chaplin”, donde aprovechaba para imbuirse del espíritu del Hollywood dorado. Sin embargo, fue en 1993 cuando Richard Attenborough llevó a cabo su verdadera obra maestra, “Tierras de Penumbra”. Si bien títulos como “Gandhi” o “Grita Libertad” le habían granjeado prestigio como director, lo cierto es que su cine era también criticado por su tendencia al sentimentalismo fácil. Para esta película supo desprenderse de todo artificio y centrarse en la compleja relación del escritor C.S. Lewis y la poeta Joy Gresham. Inteligente, contenida y conmovedora, esta película no contó con la popularidad de títulos anteriores suyos, pero con el paso del tiempo ha logrado acreditarse como su obra más madura.

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Tras “Tierras de Penumbra”, la carrera de Attenborough volvió a caer en el sentimentalismo y los clichés melodramáticos con “Entre el Amor y la Guerra”, acercándose a la vida de Ernest Hemingway en sus años en la Primera Guerra Mundial y en la experiencia que inspiró su obra “Adiós a las Armas”. Tampoco, sus dos últimas películas, “Búho Gris” y “Cerrando el Círculo”, son especialmente reseñables, aunque sí mantenían ese apego por la narrativa clásica que tanto le gustaba a su autor. Una apoplejía sufrida en 2009 dejó al actor y director al borde de la muerte y dependiente de una silla de ruedas. Sus últimos años los pasó un hogar para mayores en el oeste de Londres, donde falleció a apenas un mes de cumplir los 91 años.

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viernes, 22 de agosto de 2014

ESTRENOS 22 DE AGOSTO


Penúltima semana del mes de agosto y la temporada estival está a punto de acabar. Como despedida la cartelera aglutina algo de cine de autor, música, baile, animación infantil, comedia juvenil y acción desbordante. Estos nuevos títulos no lo van a tener fácil en una taquilla que se mantiene un tanto desangelada y que parece destinada a dar un nuevo triunfo este fin de semana a “Guardianes de la Galaxia” después del excelente boca a boca que está generando tras su estreno. Menos fortuna parecen tener títulos a priori con mayor pegada como “Transformers. La Era de la Extinción” o “Los Mercenarios 3”, no especialmente favorecidos por los comentarios de aquellos que ya la han visto.
locke
“Locke” es la segunda película dirigida por Steven Knight que nos llega este año, con apenas tres meses de diferencia desde el estreno de “Redención”, película que llegó a nuestro país con un año de retraso. Si bien su debut como director no obtuvo mucha fortuna ni de crítica ni de público, su segundo trabajo sí ha obtenido una mejor recepción. Siguiendo la línea de “Buried” o “Cuando todo está perdido”, “Locke” nos presenta a un protagonista único (interpretado por uno de los actores de moda, Tom Hardy, el nuevo Mad Max) y una única localización, el interior de un coche. Con estos ingredientes, la cinta ganó el premio al mejor guion en los premios British Independent Film y se ha convertido en una película de culto inmediato, generando excelentes comentarios en internet.
"La diferencia entre una y ninguna oportunidad puede ser el mundo entero. Esa diferencia es la diferencia entre el bien y el mal". Ivan Locke ha trabajado duro para construirse una buena vida. Esta noche esa vida se derrumbará a su alrededor. En la víspera de su mayor reto laboral, Ivan recibe una llamada telefónica que desencadena una serie de acontecimientos que le darán la vuelta a su familia, a su trabajo y hasta a su alma.
Aparte de Tom Hardy, la cinta cuenta con la participación de otros actores como Olivia Colman, Ruth Wilson o Tom Holland, Bill Milner, aunque en este caso, de ellos sólo escuchemos la voz a través del teléfono del coche.
 
operación cacahuete
En 2005 el director Peter Lepeniotis obtuvo varios premios gracias a su cortometraje “Surly Squirrel”, tras este trabajo y con la colaboración de la guionista Lorne Cameron (“Vecinos Invasores”, “Hermano Oso”), ha tenido la oportunidad de seguir animando ardillas con su salto al largometraje, “Operación Cacahuete”, un éxito sorpresa en Estados Unidos, donde ha recaudado más de 64 millones de de dólares. La cinta cuenta en su versión original con las voces de estrellas como Will Arnett, Brendan Fraser, Liam Neeson, Katherine Heigl, Stephen Lang o Maya Rudolph. Ambientada a finales de los años 50, la cinta narra las aventuras de la ardilla Surly y su amigo Buddy, quienes planean dar el gran golpe de su vida a una tienda de frutos secos. Prácticamente sin darse cuenta, se ven enfrascados en el atraco a un banco que planean a su vez unos gángsters.
 
step up in all
La primera entrega de “Step Up” se estrenó en 2006 y supuso el salto a la fama de Channing Tatum. Desde entonces varias son las secuelas que se han realizados, todas con el apoyo como productor del coreógrafo y director Adam Shankman (“Hairspray”, “Rock of Ages”) y siempre contando con un equipo de jóvenes actores y bailarines. “Step Up In All” reune a varios de estos artistas e intenta llevar un escalón más allá las espectaculares coreografías de baile urbano. Dirige la cinta Trish Sie, quien debuta de esta manera en el terreno del largometraje, tras una importante labor realizando vídeos virales y promocionales.
Cuando Mob, el equipo de baile más increíble que se recuerda, sufre un revés detrás de otro en Los Ángeles, se disuelve y vuelve a Miami. Sean, un antiguo miembro de Mob inasequible al desaliento, se entera de una competición próxima que ofrece un primer premio valorado en millones de dólares y un contrato para participar en un show de Las Vegas. Sean decide reunir un nuevo equipo que competirá contra su némesis y sus antiguos compañeros de Mob en la lucha por una victoria decisiva para sus sueños y sus carreras.
 
infiltrados en la universidad
Los directores Phil Lord y Chris Miller han conseguido encumbrarse entre los directores más solicitados en Hollywood gracias a su habilidad para sortear los caminos trillados y sacar dosis de originalidad de proyectos a priori poco llamativos. En animación sorprendieron con “Lluvia de Albóndigas” y “La Lego Película”, mientras que su salto a la imagen real se saldó con el éxito en taquilla de “Infiltrados en Clase”, adaptación en versión humorística de la serie de televisión de los 90 “Jóvenes Policías”. Ahora los dos cineastas prueban suerte con la secuela “Infiltrados en la Universidad”, donde repiten los dos actores principales, Channing Tatum y Jonah Hill.
Después de superar el instituto (dos veces), se van a producir grandes cambios en la vida de los oficiales Schmidt y Jenko cuando su nuevo destino les obliga a infiltrarse en una universidad local. Pero cuando Jenko conoce a su alma gemela en el equipo deportivo y Schmidt se adentra en el grupo de teatro de arte bohemio de la universidad, comienzan a plantearse su relación. Por tanto, en esta ocasión no sólo tendrán que resolver el caso, sino que también tendrán que descubrir si pueden tener una amistad madura. Si estos dos adolescentes creciditos pueden madurar y convertirse en hombres de verdad, la universidad probablemente se convierta en lo mejor que les haya podido pasar.
 
lucy
El director Luc Besson está especializado en cintas de acción y en protagonistas femeninas de armas tomar. Estos dos elementos vuelven a coincidir en su último trabajo, “Lucy”, siguiendo la línea de cine comercial de producción francesa, pero con modelo estadounidense que siempre ha definido a la productora EuropaCorp. En esta ocasión, Besson combina la acción con un argumento de fantasía, cediendo el papel principal a una Scarlett Johansson que no parece añorar su personaje de la Viuda Negra en esta producción. Acompañan a Scarlett Johansson los actores Morgan Freeman y Min-sik Choi (protagonista de “Oldboy”).
Lucy es una mujer normal y corriente que se ve obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces, se convierte en una máquina de matar y adquiere una memoria prodigiosa y la velocidad del rayo.


jueves, 14 de agosto de 2014

ESTRENOS DEL 14 DE AGOSTO

Esta semana los estrenos se adelantan a hoy jueves y en las carteleras impera el trabajo en equipo y la acción. Dos de los títulos esperados de este verano llegan de manera simultánea a la gran pantalla, estableciéndose una lucha entre la nostalgia del actioner de los 80 y el cine de superhéroes que ha marcado la pauta en este siglo XXI. Como complemento, una cinta de animación infantil.
KHUMBA
El estudio de animación Triggerfish nos presenta “Khumba”, cinta de animación, pensada para los más pequeños y portadora de un mensaje medioambiental. Coproducida entre Estados Unidos y Sudáfrica, la cinta dirigida por Anthony Silverston nos presenta una historia ambientada en África, acerca de una cebra sin rayas que debe superar la discriminación del resto de la manada, al mismo tiempo que el ecosistema en el que viven se va deteriorando. La cinta ha contado en su versión original con las voces de Jake T. Austin, Steve Buscemi, Laurence Fishburne, Richard E. Grant, AnnaSophia Robb y Liam Neeson, entre otros.
Khumba es una cebra con solo la mitad de su cuerpo a rayas a la que todos culpan por la falta de lluvias. Debido a la gran presión de la manada Khumba decide embarcarse en una audaz misión para conseguir todas las rayas que le faltan. En su búsqueda del legendario pozo de agua del que todas las cebras obtuvieron sus preciadas líneas, la cebra conoce a una serie de personajes muy extravagantes: un ñu sobreprotector, Mamá V y Bradley, un obsesionado avestruz. Pero antes de que pueda reunirse de nuevo con su manada, Khumba tendrá que enfrentarse cara a cara con el malvado Phango, un leopardo sádico que controla todos los pozos de agua de la zona y aterroriza a todos los animales en el Gran Karoo. A lo largo del viaje y de las nuevas experiencias, Khumba comienza a aprender que la diversidad es esencial para la supervivencia y que la diferencia hace que uno pueda ser la fuerza de toda la manada.
 
MERCENARIOS 3
Sylvester Stallone y su equipo de Mercenarios regresa una vez más en esta cinta dirigida en esta ocasión por Patrick Hughes, quien despuntó en 2010 con el wester “Red Hill” y será también el responsable del próximo remake de la cinta indonesia “The Raid”. Volvemos a recuperar a rostros clásicos del cine de acción de los 80, al mismo tiempo que se suman otros nuevos. Entre las estrellas reincidentes podemos destacar, a parte del propio Stallone, a Jason Statham, Jet Li, Terry Crews, Randy Couture, Dolph Lundgren y Arnold Schwarzenegger; mientras que las nuevas filas están formadas por Antonio Banderas (amigo de Stallone desde los tiempos de “Asesinos”), Wesley Snipes (en su primer proyecto cinematográfico tras cumplir condena por evasión de impuestos), Mel Gibson (otra estrella en decadencia, aquí en el papel del villano de la película), Harrison Ford (sustituyendo a un Bruce Willis que se atrevió a pedir un millón de dólares más), Kellan Lutz (recordado por su papel en la saga “Crepúsculo” y visto recientemente en “Hércules. El origen de un Leyenda”), Ronda Rousey (el componente femenino del grupo y experta en artes marciales mixtas), Kelsey Grammer (quien hace doblete en pantalla con su papel en “Transformers. La Era de la Extinción”) y Robert Davi (otro de los rostros icónicos de los años 80 y 90).
En “Los Mercenarios 3”, Barney, Navidad y el resto del equipo se enfrentan a Conrad Stonebanks, el hombre que fundó los Mercenarios hace años antes de convertirse en un despiadado traficante de armas y al que Barney tuvo que matar… o eso creía hasta ahora. Stonebanks, que ya esquivó la muerte una vez, tiene un solo objetivo: acabar con los Mercenarios, pero los planes de Barney son otros, y decide que lo mejor es reclutar sangre nueva para luchar contra la vieja generación. Reúne a un grupo compuesto por hombres más jóvenes, más rápidos y con más conocimientos técnicos. La misión, vieja escuela contra nueva escuela, se convierte en la batalla más personal que han librado los Mercenarios.
 
guardianes de la galaxia
Esta semana se estrena también “Guardianes de la Galaxia”, la cuarta entrega de la Fase Dos de Marvel Studios y la última en llegar a las pantallas antes del estreno el 1 de mayo de 2015 de la segunda aventura de Los Vengadores. En esta ocasión, nos salimos de la línea habitual de las producciones Marvel para presentarnos una cinta de corte futurista y de aventuras de inspiración pulp. Los “Guardianes de la Galaxia” son unos personajes creados en 1969 por el guionista Arnold Drake y dibujados por Gene Colan; aunque la película parte más de la revisión de estos personajes que hicieron en 2008 Dan Abnett y Andy Lanning. Dirige James Gunn, en la que es su primera incursión en el cine de alto presupuesto, y que promete un espectáculo lleno de acción, efectos especiales, humor y picaresca. El reparto principal lo componen Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper y Vin Diesel (estos dos últimos prestando sólo sus voces a los personajes digitales de Rocket Raccoon y Groot), a los que acompañan Karen Gillan, Lee Pace, Michael Rooker, Benicio Del Toro, John C. Reilly y Glenn Close, en papeles secundarios.
El temerario aventurero Peter Quill es objeto de un implacable cazarrecompensas después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan, un poderoso villano cuya ambición amenaza todo el universo. Para poder escapar del incansable Ronan, Quill se ve obligado a pactar una complicada tregua con un cuartero de disparatados inadaptados: Rocket, un mapache armado con un rifle, Groot, un humanoide con forma de árbol, la letal y enigmática Gamora y el vengativo Drax the Destroyer. Pero cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera, deberá hacer todo lo posible para derrotar a sus extravagantes rivales en un intento desesperado de salvar el destino de la galaxia.


viernes, 8 de agosto de 2014

ESTRENOS DEL 8 DE AGOSTO

Una semana más el cine USA copa las salas de cine, estableciéndose un duelo entre una comedia plagada de cameos estelares y el regreso de una de las principales franquicias de la juguetera Hasbro. Para compensar el empacho de palomitas, nos encontramos también con otras dos propuestas llegadas de la Vieja Europa donde la alta cultura y la realidad sociopolítica se convierten en seña de identidad. Pese a las diferencias entre todos los títulos, creemos que estamos ante un fin de semana plagado de cine de autor.
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A principios del siglo XX, Edward Hopper se convirtió en uno de los principales referentes a la hora de ilustrar el modo de vida americano, desde sus poblaciones más tradicionales hasta el glamour de las principales ciudades. De estilo realista, en sus cuadros se puede apreciar también una honda asimilación de las vanguardias europeas que le dieron a sus cuadros una personalidad particular. De manera indirecta, aunque en muchos casos autoconsciente, su pintura ha influido en muchas grandes películas, sin embargo, es ahora, de la mano del cineasta vienés Gustav Deutsch, que estos cuadros se convierten en verdadera materia cinematográfica.
En “Shirley, Visiones de una Realidad”, trece pinturas de Edward Hopper cobran vida para contarnos la historia de una mujer que vive una realidad que no acepta. Shirley es una mujer atractiva, carismática, comprometida y emancipada a la que le hubiese gustado cambiar el curso de la historia a través de su involucración profesional y sociopolítica. Una mujer que no acepta la realidad de la época que le ha tocado vivir - la América de los años 30 a los años 60 - y que se afianzará firmemente a sus convicciones.
Para este experimento filmíco-pictórico, Deutsch ha contado con la colaboración de los actores Stephanie Cumming, Christoph Bach, Florentín Groll, Elfriede Irrall y Tom Hanslmaier.

Mil Veces Buenas Noches
Y de Austria saltamos a Noruega, allí el director Erik Poppe dirigió “Mil Veces Buenas Noches”, un drama encabezado por dos actores de excepción, Juliette Binoche y el ascendente Nikolaj Coster-Waldau (“Juego de Tronos”). La cinta, ganadora del Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Montreal, parte de la experiencia de su director como fotógrafo de conflictos bélicos para la agencia Reuters, algo que no sólo afecta a su estética heredada del fotoperiodismo, sino también al calado emocional de las relaciones de la protagonista con su familia, hasta el punto de que el cineasta quiso conceder a su hija el montaje definitivo.
Rebecca es una de las primeras reporteras gráficas de guerra del mundo. Mientras fotografía a una terrorista suicida en Kabul, sufre una herida grave. Cuando llega a su casa, cae otra bomba. Su marido y sus dos hijas ya no soportan la angustia de pensar que puede pasarle algo y le dan un ultimátum: su trabajo o su familia. La elección parece obvia.

Chef
Actor y director, Jon Favreau inició su trayectoria tras la cámara en el género de la comedia, aprovechando su bagaje interpretativo. Poco después se dejó llevar por las mieles de la producciones de corte fantástico, obteniendo un éxito arrollador con la primera entrega de “Iron Man”. Tras esfuerzos menos aplaudidos como “Iron Man 2” y “Cowboys Vs Aliens”, el cineasta opta por regresar a territorio primigenio con “#Chef”, una comedia gastronómica que ahonda precisamente en el viaje a sus orígenes de su protagonista.
Cuando el chef Carl Casper repentinamente deja su trabajo en un famoso restaurante de Los Ángeles, al enfrentarse a su controlador dueño y negarse a renunciar a su integridad creativa, tiene que descubrir cuál es su siguiente paso. Por cosas de la vida se encuentra en Miami y se asocia con su exmujer, su amigo y su hijo para montar un puesto de comida ambulante. En la carretera, el chef Carl vuelve a sus raíces y recupera su pasión por la cocina y el entusiasmo por la vida y el amor.
Protagonizada por el propio Jon Favreau, la cinta cuenta con secundarios de excepción como Sofía Vergara, John Leguizamo, Bobby Cannavale o Emjay Anthony; sin embargo, donde más llama la atención su reparto es en el entrar y salir de otros rostros más populares, encontrando cameos de estrellas como Scarlett Johansson, Dustin Hoffman o Robert Downey Jr.

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La producción de cada película de Transformers finaliza con la promesa de su director, Michael Bay, de que esa será la última bajo su mano; sin embargo, al final el estudio logra apañárselas para convencerle de que regrese como artífice de esta saga basada en una de las principales líneas de juguetes de Hasbro (en esta ocasión, el caramelo fue dejarle dirigir su largamente ansiado proyecto de “Dolor y Dinero”). Para bien o para mal, hay que decir que es en los excesos visuales y los fuegos de artificio de su autor donde la saga encuentra sus mejores y peores cualidades. En esta ocasión, y tras cerrar trilogía con “Transformers. El Lado Oscuro de La Luna”, iniciamos una nueva andadura (sin la presencia de rostros clásicos de la saga como Shia LaBeouf o John Turturro), que no es ni un reboot, ni una secuela, sino más bien una nueva línea argumental (si es que tal cosa existe en la franquicia Transformers).
“Transformers: La Era de la Extinción” comienza tras una épica batalla que arrasa una gran ciudad, pero que salva al mundo. Mientras la humanidad se recupera, aparece un misterioso grupo que intenta controlar el curso de la historia… mientras que una nueva amenaza, antigua y poderosa, pone a la Tierra en su punto de mira. Con la ayuda de un nuevo grupo de humanos, Optimus Prime y los Autobots se disponen a enfrentarse al desafío más impresionante de su historia. En una aventura increíble, se ven metidos a una guerra entre el bien y el mal, teniendo lugar una decisiva batalla por todo el mundo.
El nuevo reparto está encabezado por Mark Wahlberg (nuevo actor fetiche de Bay desde “Dolor y Dinero”), Nicola Peltz y Jack Reynor, con Stanley Tucci, ocupando el puesto anteriormente ocupado pro Turturro. Además podemos encontrar otros rostros conocidos como Kelsey Grammer (al que en breve veremos también en “Los Mercenarios 3”) o la asiática Bingbing Li.
 

viernes, 1 de agosto de 2014

ESTRENOS 1 DE AGOSTO

Retomamos la actividad del blog con el inicio del mes de agosto. Muchos estaréis iniciando ahora vuestras vacaciones, otros despidiéndoos de ellas. Para algunos todavía nos queda tiempo de espera antes de llegar al ansiado descanso. En cualquiera de los casos, el cine sigue esperándonos en las carteleras de las salas comerciales, y esta semana tres son los títulos a destacar, ofreciendo una oferta variada en cuanto a temáticas, aunque todas lleguen desde Estados Unidos.
El Protector
Un caso curioso el de “El Protector”, un guion escrito originariamente por Sylvester Stallone y que pudo haber sido la base para una quinta entrega de Rambo. La estrella decidió que el papel principal debía estar interpretado por un actor más joven que él, y por eso le cedió el testigo a Jason Statham (quien desde “Los Mercenarios” se ha ido ganando aún más el título de heredero de las estrellas del actioner de los 80). Tras la cámara tenemos a Gary Fleder, un cineasta que prometía más cuando estrenó “Cosas que Hacer en Denver Cuando Has Muerto”, pero que aun así ha conseguido mantener una continuidad gracias a cine y televisión, especializándose sobre todo en cine de suspense y acción.
Phil Broker es un ex policía de narcóticos, un hombre de familia, que decide pasar desapercibido junto a su hija, mudándose a una localidad remota y aparentemente apacible para escapar de su turbulento pasado. Sin embargo, el mundo de Broker se convierte en todo menos tranquilo cuando descubre que el pequeño pueblo esconde un trasfondo de violencia y drogas. Pronto un capo sociópata, Gator Bodine pone en riesgo a Broker y su hija, obligándole a entrar en acción de nuevo para salvar a su familia y al pueblo.
Junto a Statham podemos destacar la presencia de James Franco en el papel del villano, además de las apariciones de rostros conocidos como Kate Bosworth, Clancy Brown, Winona Ryder, Rachelle Lefevre o Frank Grillo (éste último haciendo doblete en cartelera con “Anarchy. La Noche de las Bestias”). El papel de la hija del protagonista corre a cargo de Izabela Vidovic, quien a pesar de su corta edad, ya atesora una extensa trayectoria en cine y televisión.
 
 
Begin Again
John Carney alcanzó el éxito en 2006 gracias a “Once”, cinta independiente que se acercaba al mundo de la música underground en Estados Unidos. Protagonizada por Glen Hansard y Markéta Irglová ganó un Oscar a Mejor Canción Original y se convirtió en cinta de culto instantáneo, sin embargo este éxito no se extendió a las siguientes producciones de Carney. Ahora el cineasta ha querido regresar a un territorio similar con “Begin Again”, comedia romántica, ambientada también en ese terreno intermedio entre la música indie y las grandes discográficas. Para ello en esta ocasión ha querido contar con dos rostros más conocidos, Mark Ruffalo y Keira Knightley, a los que se suman Hailee Steinfeld, Adam Levine, Catherine Keener, Mos Def o Rob Morrow en roles secundarios.
Gretta y Dave, son una pareja enamorada a la par que compañeros compositores, que llegan a Nueva York cuando él firma un acuerdo con un importante sello discográfico. Pero su recién adquirida fama pronto tienta a Dave y deja de lado a Gretta, cuyo mundo se viene abajo. Cuando Dan, un ejecutivo discográfico en horas bajas, descubre a Gretta durante una actuación en los escenarios del East Village, queda cautivado al instante por su talento y le propone empezar a trabajar juntos. Una colaboración que les transformará a ambos, a la vez que compondrá la banda sonora de un maravilloso verano neoyorkino.
 
Dragón 2
Quizás cuando se estrenó en 2010, “Cómo Entrenar a tu Dragón” no fue el éxito que Dreamworks esperaba que fuera, sin embargo, con el paso del tiempo se ha seguido manteniendo como una de sus mejores películas y ha conseguido arrastrar a un creciente número de fans (por no hablar del merchandising y otros elementos complementarios como la serie de animación basada en los personajes de la película). Aprovechando la saga literaria creada por Cressida Cowell, el estudio de animación ha querido arriesgarse con una segunda entrega, de nuevo con Dean DeBlois al frente de guion y dirección.
Esta segunda parte nos devuelve a ese fantástico mundo de Hipo y Desdentao, cinco años después de haber conseguido unir con éxito a dragones y vikingos en la Isla de Berk. Mientras Astrid, Snoutlou y el resto de la banda se desafían los unos a los otros con carreras de dragones (el nuevo deporte favorito en la isla), la ahora inseparable pareja viaja por los cielos, trazando territorios desconocidos y explorando nuevos mundos. Cuando una de sus aventuras los lleva a descubrir una isla de hielo secreta, que es el hogar de cientos de dragones salvajes y del misterioso Jinete de Dragones, los dos amigos se encuentran en el centro de una batalla para proteger la paz. Ahora Hipo y Desdentao deben unirse para luchar por lo que creen y así se darán cuenta que sólo juntos tendrán el poder de cambiar el futuro tanto de los hombres, como de los dragones.