lunes, 28 de noviembre de 2011

“EL PISITO” / “CINCO METROS CUADRADOS”. CINCUENTA AÑOS NO ES NADA.

CARATULA

Por mucho que esté considerado como un medio de evasión, el cine, como la cultura en general, se alimenta de la sociedad en la que le ha tocado vivir. A través de sus imágenes se evidencian los anhelos y necesidades de sus ciudadanos, sirviendo de denuncia, pero también de documento histórico para la posteridad. Esto precisamente lo encontramos al poner nuestra mirada en dos títulos separados por aproximadamente 50 años en su realización, pero que tratan un mismo tema, la problemática de la vivienda. En “El Pisito”, Marco Ferreri y Rafael Azcona dibujaban un esperpéntico Madrid abatido por la postguerra y el franquismo; hoy, en “Cinco Metros Cuadrados”, el cineasta Max Lemcke habla del periodo de crisis económica que sufrimos, tomando como punto de partida el estallido de la burbuja inmobiliaria y sus consecuencias.

“EL PISITO”. ESPAÑA NEGRA.

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En 1959 “El Pisito” llegó a las carteleras españolas para sumarse a lo que había sido una década prodigiosa de películas de fuerte contenido crítico y corrosivo a la hora de reflejar la sociedad de la época. Fue el advenimiento de autores como Luis García Berlanga, José María Forqué o Juan Antonio Bardem, pero faltaba aún una figura que se desvelaría decisiva para el desarrollo del cine español, el guionista Rafael Azcona. El origen de “El Pisito” se encuentra en la novela original del propio guionista, a su vez integrada en una trilogía literaria que se completaría con “El Cochecito” (adaptada justo a continuación también por Marco Ferreri) y “Los Muertos no se Tocan, Nene” (esta última acaba de ser llevada al cine de la mano de José Luis García Sánchez, quien trabajó con el afamado guionista en títulos como “Belle Epoque”, “Suspiros de España (y Portugal)” o “Siempre Hay un Camino a la Derecha”). Para esta primera historia, Azcona se basó en una dramática situación real, el incremento de la demanda de viviendas en Madrid durante los años 50, motivado por el éxodo hacia la capital de los habitantes de las zonas rurales, en busca de mejores condiciones para vivir. La extrema pobreza de esta España posterior a la Guerra Civil obligaba a muchas familias a vivir hacinados en pequeños pisos de alquiler, soñando con poder acceder a una vivienda propia. Los protagonistas de la historia son Rodolfo (José Luis López Vázquez) y Petrita (Mari Carrillo), una pareja de eternos novios que no se han podido casar precisamente por no tener un lugar a donde mudarse tras el matrimonio. Su esperanza está en poder heredar el piso de alquiler donde vive Rodolfo, propiedad de Doña Martina (Concha López Silva), una anciana enferma que pone como única condición que cuiden de sus pertenencias y de los otros inquilinos que cohabitan ahí: Meri (Celia Conde), una mujer de vida ligera y buen corazón y Dimas (José Cordero “El Bombonero”), un matasanos charlatán. Para asegurarse la herencia, Rodolfo acabará casándose con la anciana, quien, animada por su nuevo estado, se resiste a morir. A pesar del trasfondo dramático de la historia y las miserias que reflejaba, Azcona apostó por un tono esperpéntico, logrando con su característico humor corrosivo y lo afilado de los diálogos suavizar la crudeza de sus imágenes.

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La adaptación de la novela fue escrita a cuatro manos con el director de la película, Marco Ferreri, quien trajo con sí una puesta en escena heredada del neorrealismo italiano. Así frente a las escenas de interior, donde el costumbrismo teatral adquiere un mayor protagonismo, encontramos numerosas escenas rodadas en los espacios reales de Madrid, con la ciudad representada prácticamente en ruinas. Ferreri empleó también numerosos extras y actores secundarios no profesionales, gente de la calle que aportaban a la cinta un carácter documentalista y que aumentaba la verosimilitud de las circunstancias de los personajes principales. De manera paralela, Ferreri mostraba el desarrollo incipiente de esta sociedad que empezó a levantar la cabeza a partir de la década de los 60, aunque destinado principalmente a las clases más pudientes, a través de los edificios en construcción en el centro de Madrid, inaccesibles para humildes trabajadores como Rodolfo, o la notable prosperidad de la empresa en la que trabaja el protagonista, para mayor beneficio del empresario, Don Manuel (Gregorio Saugar).

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Junto con el extraordinario guión y la puesta en escena de Ferreri, la película se sustenta en el conjunto de actores que la pueblan, capaces de aportar a sus personajes una humanidad que va más allá del retrato grotesco que hace Azcona de cada uno de ellos. No puede haber otro Rodolfo que no sea José Luis López Vázquez (por mucho que, en modernas adaptaciones teatrales de la obra, cómicos como Pepe Viyuela hayan intentado darle la réplica). Alejado de la imagen huraña que se convirtió en su seña de identidad en películas posteriores, en “El Pisito” refleja a la perfección esa imagen del español de la época, calzonazos y pusilánime, que se deja mangonear por todos los que pululan a su alrededor y que buscan sacar provecho de él, llegando a convertirse en una especie de gigoló para contentar las demandas de los demás. La picaresca impera en esta historia y todos los personajes, salvo Rodolfo (y en menor medida, Meri), buscan egoístamente su propio beneficio. Así Petrita, ante la dificultad de tener que abandonar la casa de su hermana donde vive, presiona a Rodolfo para que solucione de cualquier manera su situación, convirtiéndose poco a poco en un personaje tremendamente antipático y odioso que ambiciona una mayor posición social y, finalmente, se deja llevar por una falsa conciencia de clase. Mari Carrillo logra una triple dificultad, al marcar sutilmente esta evolución en el personaje, sin renunciar a transmitir el amor que Petrita sigue sintiendo por Rodolfo y el miedo de ésta a vivir en las mismas condiciones infrahumanas de su hermana. Doña Martina, sin perder nunca su halo de bondad e inocencia, acaba convirtiéndose en un personaje insufrible, no sólo porque su empeño en seguir viviendo se convierte en una constante angustia para el protagonista, sino por la transformación que ofrece tras la falsa boda, quijotescamente convencida de que su relación con Rodolfo es auténtica y comportándose como una adolescente que acaba de descubrir el amor verdadero.

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El orden de personajes secundarios ayuda a dar color y variedad a la película. Dimas, con sus chanchullos para poder mantener su consulta de callista, o el compañero de trabajo de Rodolfo, Sáez (Ángel Álvarez), disimulan de amistad lo que es realmente una relación interesada. El primero para comprometer al protagonista y así mantener sus privilegios en el pisito, el segundo como pelota de la empresa, poniendo siempre buena cara a todos, pero revelando su verdadera cara a las espaldas de los demás. Su amistad con Rodolfo queda en evidencia cuando prefiere piropear a las mujeres por la calle en lugar de llevarle hasta el lecho de muerte de la anciana. En cualquier caso, no encontramos verdadera malicia en los actos de ninguno de los dos, sino simple picaresca española, algo que Azcona siempre supo reflejar muy bien. Tampoco podemos acusar malevolencia en la hermana de Petrita (María Luisa Ponte) al querer deshacerse de su hermana, simplemente necesidad y miseria al tener que sacar adelante una familia numerosa en el pequeño espacio de su piso de alquiler. Don Manuel no sale tampoco beneficiado del retrato que se hace en la película del empresario de la época, más preocupado de las cuentas y el bienestar de su negocio, aunque en ningún momento se le demoniza, demostrando tener también, a desgana y no siempre bien orientado, un lado humano. Como decíamos antes, es en Mery en quien encontramos, junto con el protagonista, una mayor candidez. Entre chica de compañía y prostituta, su espíritu alegre y generoso contrasta con el carácter interesado del resto de los personajes secundarios, ganándose la simpatía del espectador en las pocas escenas en las que sale (se trata uno de esos casos en los que las triquiñuelas para esquivar la censura ayudan a la presentación del personaje).

“CINCO METROS CUADRADOS”. LA BURBUJA DE LA FELICIDAD

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La búsqueda de la felicidad a través de la vivienda es también el tema principal de la cinta de Max Lemcke “Cinco Metros Cuadrados”, situada en unas circunstancias distintas a las de “El pisito”, pero no menos dramáticas. La película habla de los engaños de la sociedad y sus consecuencias, de la España de apariencias que experimentamos durante dos décadas y la dura puesta al día con la que nos enfrentamos ahora. Los protagonistas de la cinta son una pareja de clase trabajadora, que, al igual que Rodolfo y Petrita, han ido postergando su matrimonio a la espera de poder contar con una casa propia en la que formar una familia. Sin embargo, Álex y Virginia viven en una España diferente, en la que falsamente se les hizo creer que la felicidad residía en el consumo, que debían aspirar a vivir en una cómoda urbanización, con piscina y una terracita de cinco metros cuadrados en la que poder descansar los fines de semana, y que la sociedad (la inmobiliaria, el banco) le iba a conceder los medios adecuados para poder acceder a todo esto sin un mayor sacrificio. La paralización de las obras y la pérdida de sus ahorros convierte a los protagonistas en dos nuevos quijotes luchando contra molinos para reclamar lo que se les había prometido, enfrentándose con idealismo y el honor a la avaricia y el pragmatismo, pero hundiéndose aún más en el abismo de la crisis. En este sentido, la cinta elude el oportunismo para denunciar aspectos como la especulación inmobiliaria, la corrupción política, la hipocresía y el desamparo ante los bancos, la inoperancia de la Justicia y, finalmente, la criminalización de la víctima.

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Con este segundo trabajo, el cineasta Max Lemcke y los guionistas, Daniel y Pablo Remón, buscan seguir la línea establecida con su Opera Prima, “Casual Day”, donde ya denunciaban la situación del mercado laboral. De esta manera, “Cinco Metros Cuadrados” se presenta como una obra comprometida que quiere erigirse como voz de los más desfavorecidos, dispuesta a poner sobre el tapete una situación de injusticia social que está afectando a muchas familias en nuestro país, a aquellos que, en su momento, se dejaron llevar por las promesas de prosperidad y ahora, al desplomarse el castillo de naipes, han descubierto que la banca nunca pierde y que, frente a los desmanes de constructoras y financieras, es a ellos a quienes les toca pagar la fiesta, mientras aquellos siguen lucrándose a su costa. Dicho esto, nadie pone en duda la relevancia de la cinta ni el compromiso de sus autores con la causa, sin embargo, contar con un tema de esta trascendencia no es sustento suficiente para construir una película. El guión evidencia un fatuo conformismo con la denuncia de su discurso y cojea a la hora de dar una mayor dimensión a las situaciones y los personajes. La acción avanza de manera torpe, enlazando secuencias de manera atropellada, incapaz de ahondar en ellas con el detenimiento que se merecen. A esto hay que sumar incongruencias o situaciones de escasa verosimilitud, como la disponibilidad con la que cuenta Álex de la furgoneta de la empresa para la que trabaja (especialmente en el último tramo de la película). Todo se sobredramatiza por acumulación, pero los autores se muestran incapaces de ir más allá del mero esbozo y el discurso maniqueo, con personajes que entran y desaparecen de la historia dejando líneas argumentales inconclusas y otros que, pese a contar con una mayor presencia en el metraje, se nos antojan prescindibles ante su falta de entidad. Un ejemplo de esto es el propio título, que hace referencia a las medidas de la terraza del piso, un elemento al que se le presupone una mayor importancia pero que a duras penas se menciona en la película. 

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A nivel interpretativo hay que aplaudir el trabajo realizado por Fernando Tejero, quien trasciende su imagen televisiva y consigue dar tridimensionalidad a su personaje sin que el espectador se vea tentado a identificarle con otras actuaciones anteriores más populares. Menos afortunado resulta el papel de Malena Alterio. Si bien la actriz se esfuerza para darle también entidad y la química con Tejero se mantiene inquebrantable, su personaje se convierten en una rémora para la historia. Resulta totalmente pasivo y, en los momentos en los que desaparece de la acción, el espectador no la echa de menos. Resulta un verdadero desperdicio de las capacidades del intérprete ver a un actor de la categoría de Emilio Gutiérrez Caba lidiando con un papel tan maniqueo y falto de entidad como el de Montañés, de la misma manera que el concejal de Urbanismo Arganda de Manuel Morón parece sacado de algún thriller de serie B. De entre los secundarios, sólo podríamos destacar a Jorge Bosch, quien sí logra dar cierta presencia a Toño, el compañero de desgracias de Álex, a pesar de que se trata de otro de esos personajes que aparece y desaparece de la historia al antojo de los autores.

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CONCLUSIÓN.

Resulta sintomático como pese a las distinciones entre ambas obras, el espacio transcurrido y los avances que ha desarrollado la sociedad, la vivienda siga marcando de manera tan dramática el devenir de sus personajes protagonistas, lo que viene a decirnos que, desgraciadamente, España no ha cambiado tanto como aparenta. Por otro lado, es una pena que donde sí comprobamos un cambio es en la creatividad a la hora de tratar un mismo tema y el ingenio a la hora de indagar y reflexionar sobre la realidad que nos rodea.

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viernes, 25 de noviembre de 2011

ESTRENOS DEL 25 DE NOVIEMBRE

Esta semana contamos sólo con tres estrenos en la cartelera, pero se trata de tres títulos que tienen un interés especial, ofreciéndonos tres alternativas tentadoras para este fin de semana. Situadas entre la comedia, el drama y la aventura, las películas que detallamos a continuación tienen la particularidad de estar dirigidas a públicos muy diferentes, por lo que no existe una competencia directa entre ellas (aunque esto no quiere decir que no nos pueda apetecer ver las tres….).

SEIS PUNTOS SOBRE EMMA

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Director: Roberto Pérez Toledo

Guión: Roberto Pérez Toledo

Reparto: Verónica Echegui, Alex García, Fernando Tielve, Nacho Aldeguer, Mariam Hernández, Antonio Velázquez, Paloma Soroa, Mabel del Pozo, Blanca Rodríguez.

“Seis Puntos sobre Emma” es una película pequeña, modesta, realizada con pocos medios, pero con mucho entusiasmo, suponiendo el debut en el terreno del largometraje del cineasta lanzaroteño Roberto Pérez Toledo, autor de excelentes cortometrajes como “Nuestro Propio Cielo”, “Manguitos” o “Los Gritones”. Rodada en gran parte en Tenerife, la cinta está producida por La Mirada, que ya había apoyado los trabajos de este director en el mundo del corto y en la que encontramos también un cruce entre comedia y drama, con cierto espíritu poético. Para los papeles principales, Pérez Toledo ha contado con un excelente trío protagonista: Verónica Echegui (“Yo Soy la Juani”), Alex García (“Tierra de Lobos”) y Fernando Tielve (“El Espinazo del Diablo”). “Seis Puntos sobre Emma” se estrena de manera excepcional este fin de semana en Tenerife y Las Palmas, quedando su estreno nacional pendiente hasta el próximo mes de enero.

Emma casi ha cumplido los treinta. Es guapa, magnética, despampanante. Y también es ciega. La joven trabaja como coordinadora del Teléfono de la Esperanza, vive en un pequeño apartamento (sólo acompañada por su inseparable perra guía, Rosca) y sale con Jorge desde hace medio año. Emma, sin embargo, parece más interesada en los espermatozoides de Jorge que en Jorge como persona. Y es que ella sueña, desde hace años y de forma casi obsesiva, con quedarse embarazada, pero Emma pronto descubre que su novio actual no se lo va a poner fácil. Sin dudarlo, rompe con él y decide emprender la búsqueda de un espermatozoide perfecto. Simplemente. Sin enamorarse, sin sentimientos. Una vez que toma la decisión, en la vida de Emma pronto irrumpen dos candidatos aparentemente idóneos como sementales: el psicólogo Germán, al que conoce en un grupo de terapia al que comienza a acudir, y su joven vecino Diego. El objetivo de Emma parece fácil de lograr, pero nuestra protagonista pronto caerá en la trampa de su propio juego y descubrirá que hay muchos modos de estar ciega.

UN MÉTODO PELIGROSO

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Director: David Cronenberg

Guión: Christopher Hampton

Reparto: Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel, Sarah Gadon, André Hennicke, Arndt Schwering-Sohnrey, Mignon Remé, Mareike Carrière, Franziska Arndt, Wladimir Matuchin, André Dietz, Anna Thalbach, Sarah Marecek, Bjorn Geske

David Cronenberg no es un director al uso. Desde su debut con películas como “Vinieron de Dentro de” o “Rabia”, ha demostrado ser capaz de mantener un estilo muy personal en todos sus trabajos, con especial predilección por temas como la identidad, la relación con la sexualidad o la monstruosidad. En sus últimas películas, el director ha dejado patente un interés por despojarse de su etiqueta de director de cine de terror para acercarse a historias más realistas. Ahora, con “Un Método Peligroso”, nos introduce en la tensa relación entre Sigmund Freud y Carl Jung, los dos padres del Psicoanálisis, a partir de un guión escrito por el prestigioso Christopher Hampton (“Las Amistades Peligrosas”, “Expiación. Más Allá de la Pasión”). Protagonizan la cinta Michael Fassbender (“Malditos Bastardos”), Keira Knightley (“Orgullo y Prejuicio”), Viggo Mortensen (“Una Historia de Violencia”). Precisamente la presencia de Mortensen supone el tercer trabajo consecutivo entre actor y director, que hasta la fecha siempre se ha saldado con extraordinarias interpretaciones.

La trama transcurre en los albores de la I Guerra Mundial. Es una poderosa historia de descubrimiento sexual e intelectual basada en acontecimientos reales a partir de la turbulenta relación entre el joven psiquiatra Carl Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Sabina Spielrein (Keira Knightley), paciente y amante del primero. A este trío se añade Otto Gross (Vincent Cassel), un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites. Esta exploración de la sensualidad, de la ambición y del engaño llega a su momento cumbre cuando Jung, Freud y Sabina se reúnen antes de separarse definitivamente y cambiar la dirección del pensamiento moderno.

EL GATO CON BOTAS

el gato con botas

Director: Chris Miller

Guión: Tom Wheeler

Reparto: [Voces en versión original] Zach Galifianakis, Antonio Banderas, Salma Hayek, Billy Bob Thornton, Amy Sedaris

Tras estrenarse “Shrek 2” quedó claro que el gran robaescenas de la película era ese Gato con Botas al que prestaba su voz con deje andaluz Antonio Banderas. Enseguida se empezó a preparar un spin off (es decir, una historia independiente, protagonizada por el que se había dado a conocer como personajes secundario), aunque Dreamworks Animation prefirió esperar a clausurar la franquicia del ogro verde antes de estrenar esta aventura. Banderas vuelve a repetir como el mítico personaje de los cuentos de hadas, contando la versión original también con las voces de Zach Galifianakis (“Resacón en Las Vegas”) y Salma Hayek (“Abierto hasta el Amanecer”), completando esta última el tono latino de la cinta.

Mucho antes de conocer a Shrek, el notorio espadachín, amante y forajido Gato con Botas se convierte en un héroe cuando emprende una aventura con la dura y curtida Kitty Zarpas Suaves y el astuto Humpty Dumpty para salvar a su pueblo. Esta es la verdadera historia del Gato, del Mito, de la Leyenda... y las Botas.

miércoles, 23 de noviembre de 2011

MICHAEL BAY. EL RUIDO Y LA FURIA

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El nombre de Michael Bay es hoy por hoy sinónimo de las grandes superproducciones de acción más comerciales del panorama hollywoodiense actual. Para algunos un innovador, para otros la personificación de la banalización del cine, lo cierto es que este director ha sabido convertir cada estreno suyo en todo un acontecimiento, independientemente de la calidad del producto final. Títulos como las dos entregas de “Dos Policías Rebeldes”, “La Roca”, “Armageddon” o la trilogía de “Transformers” han marcado un estilo basado sobre todo saturar la pantalla de ruido y furia, con todo tipo de explosiones, efectos especiales y un montaje frenético y entrecortado.

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La carrera de Bay comenzó de forma meteórica dentro del campo de la publicidad y la música. Ya desde sus primeros trabajos se encargó de rodar los videoclips de artistas como Tina Turner, Meat Loaf o Lionel Richie, además dirigir spots para algunas de las principales empresas del mercado como Coca Cola, Nike, Reebok o Budweiser. Fue gracias a la reputación que se había labrado con estos trabajos que el productor Jerry Bruckheimer se fijó en él. Bruckheimer era ya un productor de importante peso en la industria gracias al éxito de títulos como “Flashdance”, “Top Gun”, “Superdetective en Hollywood” o “Días de Trueno”. Sus películas se habían caracterizado por ser puros productos comerciales, rompedores de taquilla, con una estética muy moderna, algo en lo que el estilo de Bay encajaba a la perfección.

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Michael Bay debutó en el cine con “Dos Policías Rebeldes”, una cinta de acción al servicio de sus principales protagonistas, Will Smith y Martin Lawrence, y que apostaba por una mezcla de humor y acción desproporcionada. Al igual que había sucedido con Eddie Murphy y “Superdetective en Hollywood”, Bruckheimer quería coger a dos cómicos populares gracias a la televisión y establecer una nueva franquicia cinematográfica. En ese momento Will Smith estaba empezando a establecer su carrera como actor cinematográfico tras el éxito de “El Príncipe de Bel-Air” y buscaba ir más allá de su imagen de comediante, demostrando que podía afrontar otros retos. Por otro lado, la carrera de Lawrence se basaba, hasta ese momento, principalmente en papeles secundarios en películas destinadas a la comunidad negra en Estados Unidos, siendo su título más popular “Boomerang. El Príncipe de las Mujeres”, protagonizada por Eddie Murphy. Necesitaba urgentemente un proyecto que le permitiera acceder a papeles protagonistas en cintas de mayor proyección, además de darse a conocer internacionalmente. Ambos hallaron lo que buscaban en este proyecto, donde además encontramos ya predefinidas algunas de las señas de identidad de su director. Visualmente la película destacó por unas impactantes y frenéticas escenas de acción, en las que la cámara no dejaba de moverse, contrastando con una serie de planos a cámara lenta, preferentemente en contrapicado, que enfatizaban el carácter heroico de los protagonistas. La química entre los dos actores funcionó muy bien, Bay debutó en el cine con un estruendo y Bruckheimer sumó un nuevo taquillazo a su cartera. Desgraciadamente, también quedaron patentes los handicaps del cine de su director: Se apreciaba un completo desinterés por parte del cineasta en completar su apabullante puesta en escena visual con algo de contenido. El guión era demasiado simple, repleto de momentos absurdos, cuyo único aliciente era el gag cómico al servicio de las estrellas.

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Tras el éxito de “Dos Policías Rebeldes”, Michael Bay regresó inmediatamente con otro gran taquillazo, “La Roca”. Si su Opera Prima establecía la hoja de ruta de su director, este segundo trabajo la asentaba de manera definitiva, superando algunos de los escollos existentes en la anterior y marcando toda una moda de cine de acción que influyó en producciones posteriores en todos los niveles. En este caso el protagonismo de los dos cómicos fue reemplazado por dos actores de mayor caché y prestigio: Nicholas Cage y Sean Connery, sin olvidar la presencia entre el reparto de Ed Harris o William Forsythe. Cage acababa de ganar el Oscar por “Leaving Las Vegas”, iniciando así una faceta inexplorada hasta ese momento en su filmografía como héroe de acción y que posteriormente ha acabado imponiéndose a todo lo demás. Por su parte, Connery buscaba demostrar que, a pesar de su edad, seguía siendo un referente imprescindible del cine de acción. De nuevo, Bay puso todo su esfuerzo en el aparato audiovisual de la película, con frenéticas persecuciones e intensas escenas de acción, sin olvidar su sello particular, el plano contrapicado a cámara lenta de los héroes. En esta ocasión el guión, sin ser nada del otro mundo, no caía en el risible ridículo de su primera película y el resultado ha mantenido a “La Roca” como la cinta más equilibrada de Michael Bay hasta la fecha.

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Siguiendo con la racha y aprovechando el espíritu apocalíptico del fin del milenio, el director se apuntó al resurgir del cine de catástrofes con “Armageddon”. Teniendo en cuenta la cantidad de productos de ínfima calidad sobre el fin del mundo o algún tipo de catástrofe natural que llegaron a la gran pantalla por esa época (su más directa competidora fue “Deep Impact”, de tono más melodramático), la cinta de Michael Bay cuenta a su favor con que, además del empaque ensordecedor propio de su director, está realizada con un sano sentido de autoparodia. Si está claro que ni siquiera los personajes se toman en serio a sí mismos, ¿por qué debería hacerlo el público? El guión sigue siendo el punto débil, pero queda salvado precisamente por ese tono de cómedia macarra que tan bien define a los personajes. En esta ocasión la historia se sustenta sobre un reparto coral, liderado por Bruce Willis y Ben Affleck, pero en el que también brillan con personalidad propia actores como Steve Buscemi o Billy Bob Thorton.

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Quizás cansado de las críticas a la falta de pretensiones de sus películas, Michael Bay optó por buscar para su siguiente proyecto un tema más ambicioso. En este caso, aprovechando el 60 aniversario del ataque a Pearl Harbor, Brukheimer y Bay optaron por llevar a cabo una película conmemorativa, en la línea de clásicos de los años 60 y 70 como “El Día Más Largo”, “Tora, Tora, Tora” o “La Batalla de Midway”. Para ello no sólo se recurrió a todo el despliegue visual propio de sus creadores, sino que se buscó un reparto repleto de actores conocidos. A parte del trío protagonista formado por Ben Affleck, Josh Harnett y Kate Beckinsale, encontramos secundarios de peso como John Voight, Alec Baldwin, Dan Aykroyd, Cuba Gooding Jr. o Tom Sizemore. Desgraciadamente de nuevo se partió de un guión absolutamente nefasto, con una historia de amor anodina y unos diálogos de absoluta vergüenza ajena. Mientras que, en sus anteriores películas, estos defectos se aceptaban debido al carácter meramente lúdico de aquellas producciones, aquí actuó en detrimento suyo. “Pearl Harbor” supuso el primer fracaso comercial en la carrera de Michael Bay, marcó el inicio de un lustro desastroso para la carrera de Affleck y provocó una absoluta desilusión para aquellos que fueron a verla esperando algo más que elaborados planos del bombardeo y patriotismo barato.

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Para salir del paso de este fracaso, Bay volvió a reunir a Will Smith y a Martin Lawrence para una segunda parte de “Dos Policías Rebeldes”. En esta ocasión ambas estrellas contaban con un caché muy superior al que tenían en 1995, aumentando el presupuesto de la cinta hasta los 130 millones de dólares frente a los escasos 10 millones de la primera entrega. Uno de los atractivos en España fue poder ver al actor catalán Jordi Mollá interpretando al villano de la película (¡cómo no!), un peligroso traficante de droga. La cinta ofrecía lo que prometía, mucha acción, mucho espectáculo visual, un gran despliegue de medios y una serie de chistes preparados para que los protagonistas se puedan lucir. Bay quiso que el alto presupuesto con el que contaba luciera en pantalla y sin duda lo consiguió, ofreciendo una película mucho más aparatosa y estruendosa que todo lo que había hecho antes. La cinta fue un éxito espectacular, tal y como se esperaba, y no tuvo problemas en recuperar el dinero invertido y doblarlo en taquilla.

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“Dos Policías Rebeldes 2” se convirtió en el canto del cisne del tándem Bay/Bruckheimer. Cuando parecía que la asociación entre el director y el productor era un lucrativo acuerdo de por vida, Steven Spielberg le ofreció a Michael Bay la producción de su siguiente película, “La Isla”. Se trataba de un guión que se estaba vendiendo como el novamás de la ciencia ficción y el Rey Midas de Hollywood quería a un director potente y comercial detrás. Bay se mudó a la Dreamworks y llevó a cabo este encargo, que estaba protagonizado por Ewan Mcgregor y Scarlett Johansson, dos estrellas bien conocidas y en auge, pero poco habituales en el género de acción. La película no consiguió la recaudación esperada, y pronto el dedo acusador de los productores apuntó hacia los actores. Lo cierto es que ambos ofrecieron un trabajo esforzado y que la verdadera razón del fracaso estaba en un guión que no era tan innovador como se quería vender y que ofrecía situaciones bastante cuestionables e inverosímiles. La historia resultaba una imitación de títulos como “Matrix” o “La Fuga de Logan” durante su primera parte, para a continuación caer en una continua persecución al más puro estilo Michael Bay que sobrepasaba los límites de credulidad del espectador. Estaba claro que Bay era un director adecuado para proyectos comerciales sin mayor ambición que entretener y asombrar al espectador durante dos horas con virguerías visuales que no le dejaran espacio para reflexionar. Desde el momento en el que buscaba que sus películas activaran más de una neurona en el público, enseguida quedan patentes sus limitaciones.

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Quizás por esto, para su siguiente proyecto, “Transformers”, quiso alejarse de argumentos complicados y optó por llevar a la pantalla una serie de juguetes que le diera pie para introducir escenas de acción incesante y todo un despliegue de efectos especiales. De nuevo con producción de Steven Spielberg, la película arrasó en taquilla, convirtiéndose en uno de los éxitos del verano de 2007. Bay volvía a demostrar que era el rey del espectáculo palomitero, aunque las voces críticas se quejaran de un humor extremadamente pueril, un argumento repleto de inconsistencias y unos robots que, en algunos momentos de la batalla, no llegaban a distinguirse unos de otros. En el apartado interpretativo se dio el papel protagonista a Shia LaBeouf, un joven intérprete que con este trabajo pasó a convertirse en el protegido de Spielberg, protagonizando también la cuarta entrega de Indiana Jones, como hijo de Harrison Ford. Además con esta cinta saltó (efímeramente) a la fama Megan Fox, convirtiéndose en el prototipo perfecto de coprotagonista femenina del gusto del director.

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Los ingresos en taquilla enseguida justificaron la producción de una secuela, para la que Bay se aseguró la participación del mismo equipo artístico y técnico. “Transformers 2. La Venganza de los Caídos” repetía fórmula, es decir, explosiones, efectos especiales, una puesta en escena rápida y dinámica que no diera un solo descanso al espectador y mucho humor preadolescente. En el apartado de infografía, se mejoraba notablemente las luchas de robots en pantalla, siendo posible distinguir mejor a los personajes entre tanto amasijo digital, pero una vez más aspectos tan mundanos como la historia que se quería contar o el desarrollo de personajes carecieron de importancia. Esto se evidencia en un metraje excesivo, al que no le hubiese venido mal algo de tijera especialmente en su bloque central, donde la acción se detiene y los personajes deambulan de un lado a otro sin nada interesante que decir o hacer. La taquilla se saldó con otro éxito desorbitado para la franquicia, aunque los ánimos al final de la producción no resultaban tan positivos como con la anterior. Michael Bay aseguró que no dirigiría la tercera entrega y su relación con Megan Fox levantó la polémica cuando la actriz se dedicó a tacharlo de tirano en el rodaje en diferentes entrevistas.

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Al final, Hollywood es Hollywood, y Michael Bay aceptó cerrar la trilogía, poniéndose detrás de la cámara una vez más en “Transformers 3. El Otro Lado de La Luna”. Para esta tercera entrega, el principal aliciente era la incorporación del nuevo sistema estereoscópico patentado por James Cameron para “Avatar”, con el que aún Bay no había trabajado. El cineasta se mostró muy satisfecho con la experiencia y la película salió beneficiada con un montaje menos entrecortado, lo que permitía al espectador recrearse mejor en las escenas de acción. A nivel interpretativo se prescindió de Megan Fox y se incorporó a la modelo Rosie Huntington-Whiteley, quien aceptó de mejor grado las exigencias del director (básicamente modelar y lucir palmito por la pantalla, imperturbable ante lo que le rodeaba). Una vez más cada vez que Bay se alejaba de la acción y cedía espacio a los personajes, la película evidenciaba sus carencias, y tras un arranque espectacular, la cinta decaía gravemente para recuperar su ritmo en la extensa batalla final. Curiosamente, pese a que la película mejoraba en algunos aspectos a sus dos predecesoras (muy especialmente a “Transformers 2. La Venganza de los Caídos”), la recepción del público fue menos entusiasta.

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En esta ocasión parece que Michael Bay sí cumplirá su promesa de no continuar con la franquicia y los productores ya están hablando de un cambio de rumbo para la tercera entrega, barajándose un posible actor protagonista de características muy diferentes a Shia LaBeouf, el astro del cine de acción Jason Statham (pareja en la vida real de Rosie Huntington-Whiteley, por lo que los rumores también apuntan a una posible reunión en pantalla de ambos). El director aún no ha revelado cuál será su siguiente trabajo tras la cámara, aunque los rumores sobre una posible entrega de “Dos Policías Rebeldes” podrían materializarse en un futuro cercano. Al menos sus principales responsables parecen estar a favor de que esto suceda, por lo que sólo sería cuestión de cuadrar agendas para llevarla a cabo.

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lunes, 21 de noviembre de 2011

KIRSTEN DUNST. MADURANDO EN EL CINE

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Se ha hablado mucho de lo difícil que es para los niños prodigio poder mantener una carrera artística una vez superada la adolescencia. Muchos se quedan por el camino, independientemente de la fama que tuvieran; otros consiguen vencer los problemas de la transición y se labran una buena carrera en el cine. Kirsten Dunst saltó a la fama con tan sólo 11 años y desde entonces se caracterizó por llevar una carrera diferente a la de una estrella infantil al uso. A lo largo de 17 años, su filmografía ha sufrido diferentes altibajos, pero también evidencian el interés de la actriz por correr riesgos y desafiar su capacidad interpretativa. El último reto al que ha hecho frente ha sido el difícil papel en la películas de Lars Von Trier, “Melancolía”, con el que ha recibido todo tipo de halagos a su trabajo, además del Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes. Películas como ésta o la todavía inédita en nuestro país “All Good Things” parecen marcar definitivamente, a sus 29 años, el paso a la categoría de intérprete adulta.

PRIMERA ETAPA: ACTRIZ INFANTIL

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Hija del médico Klaus Dunst y la propietaria de una galería de arte Inez Dunst, con sólo tres años comenzó a trabajar como modelo publicitaria, siendo protagonista de anuncios de la empresa Ford. A partir de aquí se dedicó a hacer pequeñas apariciones en todo tipo de obras, en muchas ocasiones quedando sin acreditar por lo mínimo de su participación. Con siete años, la pudimos ver en “Historias de Nueva York”, cinta dirigida por un trío de directores de renombre, Francis Ford Coppola, Martin Scorcese y Woody Allen, apareciendo en el episodio de este último. Un año después Kirsten trabajó junto con Tom Hanks en “La Hoguera de las Vanidades” y, a continuación, probó fortuna en el mundo de la televisión, en series como “Sister”, “Star Trek. La Nueva Generación” o “Saturday Night Live”. Sin embargo, su entrada por la puerta grande al mundo del cine se produjo en 1994. Ese año protagonizó “Entrevista con el Vampiro”, donde plantaba cara a actores de la talla de Tom Cruise, Brad Pitt o Antonio Banderas, consiguiendo hacerse notar, con sólo 11 años, entre tantos intérpretes cotizados y alcanzando una nominación al Globo de Oro. Esta interpretación fue complementada ese mismo año con su participación en “Mujercitas”, donde, si bien se trataba de un papel más reducido, también se las apañaba para destacar dentro de un reparto de lujo, junto a Winona Rider y Susan Sarandon. Gracias a estas dos películas quedó claro que Kirsten Dunst iba a tener un futuro notable delante suyo.

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A partir de aquí empezó a alternar trabajos en cine con la televisión. Fue en televisión donde interpretó sus papeles más dramáticos. Apareció en series como “Otros Limites” o el piloto de “Gun” de Robert Altman, protagonizó el telefilm “Ruby Ridge: An American Tragedy” e interpretó a una madre adolescente en “Fifteen and Pregnant”; sin embargo, su papel más destacado fue en la serie “Urgencias”, donde daba vida a una joven prostituta. En la pantalla grande, se dedicó a intervenir en películas dirigidas a un público juvenil, pertenecientes al género de aventuras y la comedia. Un año después de trabajar en “Mujercitas” protagonizó “Jumanji”, junto a Robin Williams, donde debía hacer frente a un complicado rodaje donde la mayor parte de los elementos ante los que tenía que reaccionar fueron generados a posteriori a través de la infografía, además de tener que lidiar con la desbordante capacidad de improvisación de su actor protagonista. La cinta fue un gran éxito, pero la presencia de Dunst quedó en segundo plano ante la efusión de efectos digitales y la personalidad de Robin Williams. Más tarde llegó “Pequeños Guerreros”, de nuevo lidiando con los efectos digitales, o “Anastasia”, donde presto su voz a la protagonista de la película. En 1997 hizo una breve aparición en “La Cortina de Humo” de Barry Levinson, interpretando a la actriz que se hacía pasar por inocente víctima de guerra en la pantomima ideada por Dustin Hoffmann y Robert DeNiro. Muchos de estos trabajos apuntaban más a un interés comercial y quedaban lejos de las aspiraciones artísticas de los dos trabajos que la lanzaron a la fama; sin embargo, sirvieron para mantener a la actriz en la industria y poder alternar el cine con su educación. Más allá del impacto que supuso su participación en “Entrevista con el Vampiro”, Kirsten Dunst llevó una infancia alejada de esa sobreexplotación de la fama que malogra la carrera de muchos niños actores.

SEGUNDA ETAPA: ACTRIZ ADOLESCENTE

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Kirsten Dunst dio el primer paso hacia la madurez interpretativa en 1999, gracias a la oportunidad que le brindó Sofía Coppola con la película “Las Vírgenes Suicidas”. Esta película no sólo la situó dentro de la industria más allá de las producciones infantiles o juveniles, también le permitió ampliar sus horizontes interpretativos con registros más dramáticos. Esta película le permitió también establecer una estrecha amistad con la directora, Sofia Coppola, quien gracias a este título conseguía quitarse el estigma de “El Padrino III” y presentarse como una prometedora cineasta. Tras títulos de escasa trascendencia, de repente, la actriz conseguía revalidar las excelentes expectativas que había creado en 1994. En cualquier caso, los efectos de este cambio aún tardarían en dejarse ver. Dunst continuó apareciendo en diferentes comedias, como “Aventuras en La Casa Blanca” de Andrew Fleming o “A Por Todas” de Peyton Reed. En estos dos casos, a pesar de las apariencias, que hacía prever dos comedias tontas, nos encontramos ante dos comedias bastante decentes y entretenidas, muy superiores a las expectativas. Menos suerte tuvo con títulos como “El Cuervo: Salvación” de Bharat Nalluri, espantosa tercera parte de la franquicia que iniciaran Alex Proyas y Brandon Lee en 1993, el thriller “Luckytown” de Paul Nicholas junto a James Caan, o la comedia romántica “Así Es el Amor” de Tom O’Haver junto a Ben Foster. Dunst volvió a dar muestras de su madurez interpretativa en títulos como “Amor Loco, Amor Prohibido”, dirigida por John Stockwell en 2001, y especialmente en “El Maullido del Gato” de Peter Bogdanovich de 2002. En esta última interpretaba a Marion Davies, joven amante del magnate de la prensa William Randolph Hearst. La cinta estaba basada en una de esas leyendas oscuras del cine en torno a la posible aventura de ésta con Charles Chaplin y su relación con la muerte accidental del director de cine Thomas H. Ince.

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A pesar de alternar títulos comerciales con otros de mayor prestigio crítico, Kirsten Dunst no había terminado de asentar su posición en la Industria del Cine. Había hecho muchas películas, pero aún estaba necesitada de un gran taquillazo. Finalmente su salto definitivo a la fama y reconocimiento a nivel mundial le ha llegado en su papel de Mary Jane Watson en “Spider-man”. Su frescura y naturalidad fueron definitivas para dar vida a este personaje y conseguir arrancarle algo más que ser simplemente la novia del superhéroe, además de tener una excelente química en pantalla con su protagonista, Tobey Maguire. A continuación llegaron “Levity” de Ed Solomon o “La Sonrisa de Mona Lisa” de Mike Newell, especie de “El Club de los Poetas Muertos” en versión femenina, donde fue seleccionada como parte del prometedor reparto de jóvenes actrices protagonistas. En estas cintas tuvo la oportunidad de compartir pantalla con estrellas de la talla de Billy Bob Thorton, Morgan Freeman, Holly Hunter o Julia Roberts, pero, desgraciadamente ninguna de ellas añadió nada a su carrera. “Levity” pasó bastante desapercibida y en “La Sonrisa de Mona Lisa”, toda la atención recayó en su protagonista, Julia Roberts, y la joven actriz Maggie Gyllenhaal. En 2004, pasó a repetir su papel de Mary Jane Watson en “Spider-Man 2”, donde si bien su papel no añadía nada nuevo con respecto a la primera parte, sí se mantenían intactas las virtudes de su interpretación en la primera parte.

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En 2004 el director Michel Gondry contó con ella para un papel secundario en la extraordinaria “¡Olvídate de Mi!”, donde una vez más la presencia de la actriz quedó neutralizada por la labor de los dos protagonistas, unos excelentes Jim Carrey y Kate Winslet y, a continuación, Dunst participó en dos comedias románticas que no tuvieron demasiado éxito, “Wimbledon” de Richard Loncraine y “Elizabethtown” de Cameron Crowe. En ninguno de estos dos casos podemos hablar de fracaso injusto, ya que las cintas resultaban ser insuficientes, aunque de nuevo la belleza de la actriz y su naturalidad interpretativa destacaban dentro del conjunto. Antes de meterse en la piel de Mary Jane Watson por tercera vez, Kirsten Dunst se reencontró con Sofía Coppola para rodar “María Antonieta”. Actriz y directora no habían coincidido en “Lost in Translation”, donde la protagonista había sido Scarlett Johansson en un papel que perfectamente podía haber interpretado también Dunst. “María Antonieta” iba a ser el tour de force de la directora, su título más ambicioso hasta la fecha y una oportunidad para Dunst para desplegar de manera definitiva sus registros interpretativos. Sin embargo, Coppola se dejó llevar en exceso por el esteticismo, ofreciendo una cinta vacía con una puesta en escena y un uso de la música contraproducente. En lo referente al trabajo de Dunst, su esfuerzo es apreciable en la cinta, pero insuficiente. La película es indudablemente suya, cargando con el peso dramático durante todo el metraje, sin embargo, al final se trata de un personaje y un proyecto que podían haber dado mucho más de sí.

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“Spider-Man 3” estuvo lejos de obtener la excelente repercusión que habían tenido los dos títulos anteriores de la franquicia. En lo referente a Dunst, si bien por un lado se quería ampliar los conflictos en su relación con Peter Parker y con su carrera artística, lo cierto es que el personaje de Mary Jane pasó a un segundo término, en favor de Gwen Stacy, nuevo interés romántico del héroe, a la que daba vida Bryce Dallas Howard. Lo cierto es que en esta película el reparto no puede evitar evidenciar un cansancio de sus personajes, al igual que su director, Sam Raimi, quien se vio forzado por el estudio a introducir una serie de elementos en la película con los que no estaba de acuerdo. Esto produjo una clausura de la franquicia con vistas a un reinició del personaje que llegará a las pantallas de cine este próximo 2012 con Andrew Garfield, Emma Stone y Rhys Ifans. A estas alturas, a pesar de su juventud, la carrera de Kirsten Dunst había pasado por diferentes etapas que la habían llevado a convertirse en una de las actrices más prometedoras del actual panorama hollywoodiense. Sus inicios como actriz infantil habían dado paso a una actriz que maduraba película a película gracias a su naturalidad interpretativa y su belleza. Sin embargo, la estela ascendente de su carrera estaba a punto de verse interrumpida por problemas personales. Tras su participación en “Nueva York para Principiantes”, una cinta coprotagonizada por Simon Pegg, Jeff Bridges y Megan Fox y sobre la que habían grandes expectativas que nunca se cumplieron, la actriz decidió ingresar en un centro de desintoxicación para luchar contra su creciente dependencia del alcohol y las drogas.

TERCERA ETAPA: ACTRIZ ADULTA

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Entre 2008 y 2010, la actriz estuvo alejada de la industria, dejando en suspenso algunos de los papeles con los que ya se había comprometido. Su regreso se produjo el año pasado con la cinta “All Good Things”, un drama romántico, coprotagonizado por Ryan Gosling, con el que la actriz venía a desprenderse definitivamente de su imagen de actriz adolescente. Una nueva etapa daba comienzo, aparentemente más centrada y con la intención de seleccionar mejor los papeles que iba a interpretar. “All Good Things” obtuvo excelentes críticas en el apartado interpretativo, pero escaso éxito comercial a pesar de su pareja protagonista, hasta el punto de que aún hoy sigue sin tener fecha prevista de estreno en España, lo que hace prever una posible salida directa en formato doméstico ya para 2012.

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El estreno de “Melancolía” de Lars Von Trier ha vuelto a dar un impulso internacional a la carrera de Kirsten Dunst. Aquí la vemos en un papel desafiante para una actriz de sus características, alejándola de sus habituales personajes de chica encantadora y ayudándola a exorcizar esos demonios internos que han marcado su devenir profesional y personal en los últimos años, sobre todo en aquellas secuencias en las que no duda en exponerse física y emocionalmente para reflejar el derrumbe psicológico de Justine. Curiosamente, el papel inicialmente no estaba escrito para Dunst, sino para Penélope Cruz, quien tuvo que declinar la oferta debido a su embarazo. Por otro lado, el director ha comentado que ese papel es, en realidad, un alter ego en el que el cineasta ha depositado toda su lucha contra la depresión y en última instancia, la aceptación de que esa enfermedad le va a acompañar siempre como un aspecto vital de su personalidad. Pese a esto, la actriz ha sabido interiorizar a la perfección su personaje, haciéndolo suyo y representando fielmente esa dualidad que se establece con el papel de Charlotte Gainsbourgh.

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El futuro inmediato de la carrera de Kirsten Dunst parece marcado por este tipo de papeles en películas pequeñas e independientes. En 2012 la podremos ver en la adaptación que ha realizado Walter Salles de la novela de Jack Kerouak “En la Carretera”, junto a Garrett Hedlund, Sam Riley y Kristen Stewart. A ésta le seguirá la producción franco canadiense “Upside Down”, segundo largometraje del cineasta argentino Juan Diego Solanas tras la espléndida recepción de su Opera Prima “Nordeste” y donde la actriz compartirá protagonismo con el británico Jim Sturgess. Además, recientemente su nombre se ha vinculado con la producción indie “Red Light Winter”, adaptación de la obra teatral homónima de Adam Rapp acerca de la obsesión sexual de dos amigos por una prostituta, y que estará co-protagonizada por Blilly Cudrup y Mark Ruffalo. Sin duda, películas que le ofrecen una oportunidad para seguir creciendo como actriz, al mismo tiempo que se va distanciando de esa imagen de joven estrella emergente. Pese a su participación en títulos como “Jumanji”, la trilogía de “Spiderman” o “La Sonrisa de Mona Lisa”, Kirsten Dunst siempre ha luchado por no instalarse en el star system Hollywoodiense y ahora que ya ha alcanzado la suficiente madurez personal y profesional, todo parece indicar que cada vez será más difícil verla participar en grandes superproducciones.

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viernes, 18 de noviembre de 2011

ESTRENOS DEL 18 DE NOVIEMBRE

Dos grandes eventos definen este fin de semana, con el que además abrimos la temporada prenavideña. Los vampiros de la saga “Crepúsculo” coparán la atención de la audiencia juvenil (y la no tan juvenil, que de todo hay), mientras que el veterano director Roman Polanski espera atraer a los espectadores adultos con “Un Dios Salvaje”, una manzana envenenada que nos recupera la vena más corrosiva de este cineasta polaco. Pero nos son estos los únicos estrenos que nos depara este 18 de noviembre.

WINX 3D. LA AVENTURA MÁGICA

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Director: Iginio Straffi

Guión: Iginio Straffi

“Winx Club” es una serie de animación italiana, creada por Iginio Straffi y producida entre 2004 y 2008, que ofrecía un acercamiento modernizador del género de fantasía de cara a las jóvenes audiencias. Mezclando humor, aventura y romance durante sus cuatro temporadas se nos narraba el proceso de aprendizaje de seis jóvenes brujas adolescentes, habitantes del mundo fantástico llamado Magix. Tras su exitoso paso por televisión las Winx generaron toda una franquicia de merchandising, con muñecos, comics, clubs infantiles, etc., convirtiéndose en todo un fenómeno. En 2007 dieron el salto al terreno del largometraje con “Winx, El Secreto del Reino Perdido” y ahora regresan con “Winx 3D. La Aventura Mágica”, que, como su título indica, viene a sumarse a la moda del sistema estereoscópico.

La celebración del inicio del nuevo año escolar en la escuela de hadas Alfea se ve interrumpido por la presencia de Icy, Darcy y Stormy, las perversas Trix. Sin Bloom, las Winx se ven obligadas a tratar con el desbaratamiento causado por las brujas quienes, tras asistir a la fiesta, roban un poderos y misterioso objeto. Mientras tanto, Bloom está en Domino donde finalmente ha encontrado a sus padres y está disfrutando del mejor momento de su vida como princesa. Pero no es oro todo lo que reluce, y las tres brujas ancestrales han vuelto para atormentar a Stella, Layla, Tecna, Musa, Flora y Bloom. Además un oscuro secreto recae en el reino de Eraklyon y sobre la relación de Bloom y Sky, es hora de que Sky, se legitime como soberano del reino, para descubrir de qué se trata. Están las brujas involucradas en este secreto? Solo con la ayuda del Winx Club junto a las Specialist, Bloom y Sky, podrán vencer las adversidades y rescatar el Reino Mágico.

ASESINOS DE ÉLITE

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Director: Gary McKendry

Guión: Matt Sherring

Reparto: Clive Owen, Robert De Niro, Jason Statham, Dominic Purcell, Yvonne Strahovski, Aden Young, Ben Mendelsohn, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Firass Dirani, Lachy Hulme, Grant Bowler, David Whiteley, Matt Nable, Nick Tate, Bille Brown, Stewart Morritt, Michael Dorman, Daniel Roberts, Rodney Afif

Inspirada en hechos reales y en la novela "The Feather Men", de Sir Ranulph Fiennes (1991), “Asesinos de Élite” sigue el modelo del cine de acción actual, sin perder de vista el legado de los Action Heroes de los años 80. Jason Statham se ha convertido por derecho propio en el heredero de los Schwarzenegger, Willis, Van Damme y Stallone de la época (no por casualidad ha protagonizado junto con este último las aventuras de “Los Mercenarios”). Si bien la cinta cuenta con otros nombres a destacar, especialmente Clive Owen (en el papel del villano) y Robert De Niro (aquí interpretando una especie de Coronel Truman de la trilogía de “Rambo”), está claro que la película es un vehículo de lucimiento para el protagonista de “Transporter” o “Crank”, quien vuelve a demostrar su habilidad en el campo de las artes marciales, ejecutando él mismo la mayor parte de sus escenas de riesgo.

Narra la historia de Danny (Jason Statham), uno de los más hábiles agentes de operaciones especiales. Obligado a abandonar su autoimpuesto exilio, Danny vuelve a reunir a su viejo equipo de agentes de élite para llevar a cabo una casi imposible misión de venganza: rescatar a su antiguo mentor y socio Hunter (Robert de Niro). Juntos deberán lidiar con una de las unidades militares más temidas que existen, el Servicio Aéreo Especial británico (SAS), para neutralizar una célula de soldados renegados y a su líder Spike (Clive Owen) antes de que sus acciones provoquen una imparable crisis internacional.

UN DIOS SALVAJE

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Director: Roman Polanski

Guión: Roman Polanski, Yasmina Reza

Reparto: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly

No hemos tenido que esperar mucho entre el estreno de “El Escritor” y el regreso a la dirección de Roman Polanski con “Un Dios Salvaje”. Sin duda cada estreno de una película de este cineasta, uno de los autores más estimulantes del panorama cinematográfico actual, es todo un gozo para los amantes del Séptimo Arte. Su nueva película es una adaptación de una obra de teatro escrita por Yasmina Reza, y que cuyo guión ha sido elaborado a cuatro manos entre la dramaturga y el director, intentando mantenerse lo más fieles posible al texto original. Polanski ha querido rodar una comedia negra, ácida y provocativa que se desarrolla en tiempo real y sustentada por cuatro únicos personajes. Para ello ha contado con un reparto de campanillas, donde especialmente destaca el apartado femenino, integrado por Kate Winslet (ganadora de un Oscar por “El Lector”) y Jodie Foster (doblemente premiada por la academia de Hollywood por su trabajo en “Acusados” y “El Silencio de los Corderos”), pero sin desdeñar los valores de la pareja de actores, Christoph Waltz (quien saltó a la fama gracias a su espléndido papel en la cinta de Quentin Tarantino “Malditos Bastardos”) y John C. Reilly (verdadero secundario de lujo de Hollywood, capaz de saltar con total naturalidad del drama más oscuro a la comedia más estrafalaria).

Dos niños de unos 11 años se enfrentan con violencia en un parque -sangre, labios hinchados y algún diente roto. Dispuestos a encontrar una solución, los padres de la "víctima", Penelope y Michael, han invitado a su casa a Nancy y Allen, los padres del "matón". Lo que empieza siendo una charla con bromas y frases cordiales adquiere un tinte más violento a medida que los padres van revelando sus contradicciones más básicas, convirtiendo el encuentro en un brutal juicio final ante "un dios salvaje".

LA SAGA CREPÚSCULO. AMANECER. PARTE I

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Director: Bill Condon

Guión: Melissa Rosenberg

Reparto: Robert Pattinson, Kristen Stewart, Taylor Lautner, Dakota Fanning, Michael Sheen, Ashley Greene, Maggie Grace, Kellan Lutz, Anna Kendrick, Nikki Reed, Jackson Rathbone, Lee Pace, Billy Burke, Peter Facinelli, Christian Serratos, Sarah Clarke, Elizabeth Reaser, Michael Welch, Joe Anderson, Noel Fisher, MyAnna Buring, Rami Malek, Booboo Stewart, Justin Chon, Tinsel Korey, Wendell Pierce, Mía Maestro, Christian Camargo, Angela Sarafyan, Casey LaBow, Judith Shekoni, Alex Meraz, Julia Jones, Gil Birmingham, Omar Metwally, Kiowa Gordon, Andrea Gabriel, Chaske Spencer, Ty Olsson, Marlane Barnes, Toni Trucks, Bronson Pelletier, Guri Weinberg, Valorie Curry, Andrea Powell, Tracey Heggins, Erik Odom, Alex Rice, Lisa Howard, Bill Tangradi, Tyson Houseman, Masami Kosaka, Patrick Brennan, Carolina Virguez, Sebastiao Lemos

Nos vamos acercando al final. El estreno de la cuarta entrega de la saga de “Crepúsculo (Twilight)”, basada en la novela de Stephenie Meyer, se convierte en el gran evento mediático de la semana y, sin duda, el título que se alzará con el podio de recaudación de este fin de semana. Siguiendo la estela de Harry Potter, los productores de esta franquicia han querido alargar un poco su conclusión, dividiendo en dos partes la adaptación del último libro de la serie, reservándose el clímax final ya para su estreno en 2012. Aquí recuperamos al completo del reparto de actores de las películas anteriores, que se reúnen para un evento especial, la esperada boda entre la mortal Bella Swan y el vampiro Edward Cullen.

Para siempre es solo el comienzo. “La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte 1″ arroja luz sobre los secretos y misterios de este romance épico que ha cautivado a millones de personas en todo el mundo. En este nuevo capítulo, los protagonistas Bella Swan y Edward Cullen tendrán que hacer frente junto a sus seres queridos a la cadena de acontecimientos ocasionados por su boda, su romántica luna de miel y el nacimiento de su primera hija… que trae consigo una imprevista y sorprendente consecuencia para Jacob Black.

martes, 15 de noviembre de 2011

“SACRIFICIO” / “MELANCOLÍA”. EL APOCALIPSIS LLEGÓ DEL ESTE.

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INTRODUCCIÓN

La conexión del cine de Lars Von Trier con la filmografía de Andrei Tarkovski ha quedado patente en múltiples ocasiones en la carrera del cineasta danés, siendo el ejemplo más cercano su anterior película, “Anticristo”; sin embargo, con “Melancolía” esta referencia ha ido más allá de lo estético o lo filosófico, estableciéndose un vínculo especial hacia uno de los títulos concretos de la carrera del director ruso, “Sacrificio”.

DEMIURGOS

Tarkovski

Al igual que Jean Luc Godard o Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski es mucho más que un cineasta europeo. Más allá de la (extraordinaria) calidad de sus obras encontrábamos un planteamiento crítico y filosófico sobre lo que debía ser el cine como forma artística. Para Tarkovski la realización de una película era un ejercicio de arte integral donde debían conjugarse los más altos valores del teatro, la fotografía, la pintura o la arquitectura en pos de un tempo narrativo que ayudara a la imagen a trascender lo físico y a alcanzar su cenit espiritual. Esta teoría la fue desarrollando a lo largo de su carrera, en las décadas de los 60 y 70, con películas como “La Infancia de Iván”, “Andrei Rublev”, “Solaris”, “El Espejo” o “Stalker”; sin embargo, es en “Sacrificio” donde todo esto cobra un mensaje especial. Canto del cisne de Tarkovski, la película fue realizada durante los últimos años del director, mientras éste combatía contra el cáncer que finalmente acabó con su vida. En ella encontramos una visión desencantada de la vida y la sociedad, con un cineasta hastiado de la hipocresía y la pasividad del ser humano, sin embargo, pese a todo, subyace en la cinta un último aliento de esperanza. Rodada en Suecia, “Sacrificio” se estrenó en 1986 pocos meses antes del fallecimiento del director y contó con un gran número de colaboradores habituales del cine de Ingmar Bergman (como el actor Erland Josephson o el director de fotografía Sven Nykvist), por el que Tarkovski sentía una especial predilección.

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Lars Von Trier es un cineasta perteneciente a una generación posterior a la de Tarkovski y Bergman que siempre ha tenido que lidiar con la sombra de estos grandes cineastas, pero que además se ha tenido que enfrentar a una etapa cinematográfica donde aquellos elementos que permitieron el florecimiento de una Edad de Oro del Cine Europeo se han ido extinguiendo, priorizándose las leyes del mercado y la industria que prioriza lo comercial sobre lo artístico. Von Trier ha sido de esos pocos cineastas que ha conseguido trascender en este entorno y lo ha hecho convirtiendo el escándalo, la polémica y una continua reinvención de las leyes del cine en sus principales armas. Si en “Europa” hacía del artificio una herramienta narrativa, con la llegada del Dogma (“Rompiendo las Olas”, “Los Idiotas”) reivindicó junto con otros cineastas un regreso a la austeridad, siendo el primero en romper las reglas con títulos como “Bailar en la Oscuridad”. Con el díptico formado por “Dogville” y “Manderlay” llegó a prescindir de los decorados y en “Anticristo” jugó a la provocación con imágenes de violencia y sexualidad de fuerte impacto en el espectador. Por otro lado, sus declaraciones públicas suelen obtener siempre los titulares de la prensa, especialmente cuando se autoproclama el mejor director que existe o provoca al personal con sus apologías del nazismo. Sin embargo, pese a todos estos giros y contrastes en su carrera, no podemos obviar la coherencia y el carácter íntimamente personal que define a cada una de sus películas. Al igual que “Anticristo”, “Melancolía” nace como un método para exorcizar sus propios demonios y combatir su tendencia a la depresión. Si en la anterior, el género de terror se convertía en una excusa para hablar de la enfermedad, aquí, ésta adquiere la forma de un gigantesco planeta de poético nombre que se aproxima a la Tierra, amenazando con destruirlo todo. Para ello, Trier se ha rodeado una vez más de un importante reparto de actores, donde destacan las dos actrices protagonistas, Kristen Dunst y Charlotte Gainsbourg.

EL FIN DEL MUNDO

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En la película de Tarkovski, el fin del mundo viene determinado directamente por la acción del ser humano. Llegando ya casi al culmen de la Guerra Fría que había mantenido a Oriente y Occidente cuarenta años bajo la amenaza de una destrucción nuclear, el director escenificaba esos miedos a través de un pequeño grupo de personajes y cómo reaccionaban ante este desastroso final. Junto a esta representación del pánico y la capitulación de los protagonistas, el director insertó pequeños flashes de destrucción, que reforzaban el mensaje apocalíptico de la película. Sin embargo, al tratarse precisamente de un Apocalipsis generado por el hombre, Tarkovski se guardaba un último as en la manga, la voz de un sólo individuo capaz de apelar a la voluntad divina con su sacrificio para poder salvar a la humanidad, aunque ello suponga una renuncia personal de la razón, el amor o la sabiduría.

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Por su parte, Von Trier es inexorable en su Apocalipsis, su fin del mundo no viene determinado por el ser humano, sino por una causa externa, inevitable, sentenciando el futuro del ser humano desde el mismo principio de la película, aunque los protagonistas no lo sepan. Sin embargo, para este director la tragedia no es tal. Más allá del miedo o el dolor, no parece haber pena por la destrucción del ser humano, sino más bien un sentimiento de liberación final que libera a los protagonistas de sus miserias particulares. Frente al fracaso de la razón y el orden, encarnados respectivamente por los personajes de Kiefer Sutherland y Charlotte Gainsboug, Trier deja reinar nuevamente al caos y reivindica el carácter destructivo de la melancolía y la depresión como alternativas vitales.

NATURALEZA MUERTA

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Como hemos comentado, ambas películas establecen un detonante para su Apocalipsis particular, una guerra nuclear o la colisión con un planeta, sin embargo, estos elementos más que causas son efectos de algo subyacente. Tarkovski presenta una sociedad desbordada en su autocomplacencia, demasiado ensimismados en esa saturación de elementos y sentimientos que ha ido acumulando con el paso del tiempo y la han convertido en un dinosaurio, demasiado pesado para moverse con la agilidad de antaño. El director denuncia la pasividad de una especie humana a la que le sobran las palabras, pero le faltan las acciones. Para ello, con la excusa de la celebración de un cumpleaños, aísla a unos pocos personajes en un espacio aparentemente idílico, pero muerto, anquilosado en una tradición de la que ni pueden ni quieren escapar. Al igual que la casa en la que se desarrolla la acción, los protagonistas son seres inertes, atrapados en esa bellísima arquitectura que han construido y que, en última instancia, se convierte en su mausoleo. Frente al artificio de esa cultura generada por el ser humano, Tarkovski antepone el mundo natural, ejemplificando su mensaje con dos parábolas, contadas por Alexander, el protagonista de la cinta: la historia del árbol seco, que remite a la teoría del Eterno Retorno de Nietzsche, y la historia del jardín de la madre del protagonista, con la que el cineasta establece que toda creación procedente del ser humano, incluso las más altas y hermosas, es un acto de violencia que arremete contra el orden natural. Sólo la destrucción de todo ese peso muerto acumulado y el regreso a un estado primario y natural puede salvar a la humanidad.

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“Melancolía” toma también como punto de partida una celebración, en este caso una boda, sirviendo de excusa al director para describir una sociedad corrompida por la hipocresía y el egoísmo. Al igual que hiciera Thomas Vinterberg en la primera película del movimiento Dogma, “Celebration”, Trier dibuja, bajo una patina de felicidad y afecto familiar, todo un entrelazado de envidias, rencores, intolerancias y odios con el que busca destilar lo más atroz del ser humano. Al igual que en la cinta de Tarkovski, se trata de una Naturaleza Muerta, una sociedad que se ha ido matando a sí misma aprisionándose en unos convencionalismos que asfixian el espíritu del individuo. Al final, muerto ese aliento interior sólo permanecen unas vacías ceremonias. A continuación, en la segunda parte de su historia, centra la acción en la dicotomía entre los dos personajes principales: Claire, la hermana mayor, de vida asentada y cómoda, siempre velando por el bienestar de su hermana; y Justine, la verdadera protagonista de la historia, un personaje caótico, depresivo, inseguro (y que el propio Lars Von Trier ha definido como su alter ego en la película). La primera representa un orden social, arraigado en la mansión donde se desarrolla la acción, mientras que la segunda mantiene una relación más directa con ese planeta externo que rompe la armonía establecida, un vínculo que queda definitivamente patente en la escena en la que el personaje de Claire descubre a Justine desnuda en el bosque tendida a la luz de Melancolía. Durante la mayor parte de la película existe un predominio de la primera sobre la segunda, sin embargo, inevitablemente, la falsa apariencia y fortaleza de ese orden social artificial acabará cayendo ante la evidencia tomando el relevo la parte caótica de la naturaleza que representa Justine.

MEMENTO MORI. IMÁGENES DEL APOCALIPSIS

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El poder de la imagen juega un papel decisivo en ambas películas, como no puede ser menos viniendo de las manos de dos cineastas tan concienciados con el valor de la estética, por encima incluso de la narración. Tarkovski parecía construir sus películas a partir de grandes frescos, por los que deambulaba la cámara en extraordinarios planos secuencia, con pausados y elaborados travellings que extraían de la acción y el escenario toda su belleza y significación. “Sacrificio” no es una excepción en esto. La cinta abre con unos títulos de crédito ilustrados con el cuadro “La Adoración de los Reyes Magos” de Leonardo DaVinci, acompañada por el aria “Erbarme Dich Mein Gott” perteneciente a “La Pasión según San Mateo” de J.S. Bach, en referencia a la encarnación y el sacrificio de Cristo. Tras esto, encontramos un extenso plano secuencia de nueve minutos, en el que el autor ya deposita en boca de sus personajes todas las claves de su película. Esta predilección por los planos de larga duración sirve también para dejar tiempo a los actores para desarrollar emocionalmente a sus personajes, sin tener que apelar a recursos manipuladores para dirigir la mirada del espectador. Aquí podemos resaltar la portentosa escena del ataque de pánico del personaje de Adelaide ante el inminente final, dejando espacio a la actriz británica Susan Fleetwood, quien nos ofrece una asfixiante representación de esa angustia vital que inunda toda la película. Tarkovski utiliza la imagen también como elemento simbólico, insertando poderosas imágenes de carácter onírico de espacios vacíos o con los personajes cadavéricamente inmóviles, subrayando así el tono ominoso de la historia. El imponente prólogo de la cinta conecta de manera orgánica con el no menos prodigioso plano secuencia del final, dando a la película y a la existencia una naturaleza circular que evoca nuevamente a Nietzsche.

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Trier, por su parte, toma como referencia principalmente dos citas pictóricas, “Los Cazadores de la Nieve” de Pieter Brueghel el Viejo y “Ophelia” de John Everett Millais. La primera aparece directamente mencionada por el cineasta en pantalla en varias ocasiones, mientras que la segunda es recreada con el personaje de Justine en su vestido de novia. No serán las únicas referencias artísticas, en una de las secuencias, la protagonista, en un ataque de rabia, cambia los expositores de libros de su hermana, quitando las imágenes de belleza y orden elegidas por ésta en favor de otras de carácter tétrico y oscuro. Musicalmente, se impone el Preludio de “Tristán e Isolda” de Richard Wagner que suena de manera reiterada a lo largo de toda la cinta. Por otro lado, el director sitúa al principio de la cinta un extenso prólogo de siete minutos y medio, en el que escenifica una serie de cuadros vivientes con los que ya establece el tono apocalíptico y predispone al espectador para el clímax final de la película. Para la primera parte, con el desarrollo de la celebración de la boda, Trier utiliza la cámara en mano para dar un sentido de inmediatez y caos a la relación entre los personajes. Sin embargo, para los planos generales y, especialmente en la segunda parte de la película, prefiere planos estáticos con abundante uso del retoque digital en postproducción, lo que incrementa la sensación de fresco viviente de la puesta en escena. En estas imágenes, belleza y muerte se funden entre sí, hasta desembocar en el plano final de la película que cierra de manera sublime la historia.

CONCLUSIÓN

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En 1986, Andrei Tarkovski consiguió con “Sacrificio” trasladar el sentimiento existencialista que acompañaba al ser humano desde hacía varias décadas, legándonos una película que hoy en día, con esta situación de crisis internacional que nos desborda, parece ser más necesaria que nunca. Lars Von Trier se ha querido hacer eco también de esta misma preocupación, ofreciéndonos su película más equilibrada y minuciosa desde “Dogville”, ajena, pese al tema que trata, al tono agresivo y estridente de su anterior “Anticristo”. La combinación de las voces de estos dos grandes cineastas nos ofrecen un díptico dolorosamente actual y una mirada preocupada hacia el futuro de nuestra civilización.

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