martes, 31 de enero de 2017
lunes, 30 de enero de 2017
sábado, 28 de enero de 2017
viernes, 27 de enero de 2017
ESTRENOS DEL 27 DE ENERO DE 2017
BALLERINA
No sólo del verano o la navidad vive
el cine familiar, los pequeños de la casa tienen también derecho a contar con
sus propias propuestas cinematográficas. Esta semana la elegida ha sido
“Ballerina”, cinta de producción francesa y canadiense. Tras la película se
encuentra la productora Quad Films, responsables de “Intocable”, quienes buscan
darle un impulso a la animación dentro de la industria francesa. Ambientada en el año 1879, la cinta nos narra
las aventuras de Felicia, una niña que vive en un orfanato en su Bretaña natal,
cuya pasión es la danza y sueña con convertirse en una bailarina profesional.
Para conseguirlo, se escapa con la ayuda de su amigo Víctor y viaja nada menos
que hasta París. Allí se hará pasar por otra persona para conseguir entrar como
alumna de la Grand Opera House y así luchar por tener la vida que desea.
SOMNIA.DENTRO
DE TUS SUEÑOS
El ciclo Sitges Tour organizado por
la distribuidora A Contracorriente entra en su recta final con la llegada de su
cuarto título, “Somnia. Dentro de tus Sueños”, thriller de terror fantástico
dirigido por Mike Flanagan, responsable de “Ouija: El origen del mal” y
“Oculus. El espejo del mal”, quien ha escrito el guión con su habitual
colaborador Jeff Howard. La cinta cuenta con un reparto de rostros conocidos
encabezados por los actores Kate Bosworth, Thomas Jane y el joven actor Jacob
Tremblay, descubierto gracias a la película “La habitación”. Tras la pérdida de
su hijo, la pareja formada por Jessie y Mark deciden adoptar un niño. El
elegido es Cody, quien no sólo esconde un turbulento pasado, sino que además
tiene la capacidad de hacer realidad todos sus sueños, y especialmente
pesadillas nocturnas que amenazan con apoderarse del mundo real y acabar con su
vida.
MÚLTIPLE
Tras los fracasos de crítica y
público de “Airbender” y “After Earth”, el director M. Night Shyamalan ha
cambiado de estrategia, regresando a historias más pequeñas y producciones
mucho más modestas con el apoyo de la productora Blumhouse. Con su nuevo
trabajo, “Múltiple” recupera una excusa argumental empleada en varias ocasiones
en el cine, la personalidad múltiple, y nos presenta una nueva trama de
suspense con ese giro final sorpresa marca de la casa. El protagonista es
Kevin, un joven en cuyo cuerpo habitan hasta 23 personalidades diferentes,
quien llevado por su psicosis, secuestra a tres chicas. Quizás en una de las
personalidades de Kevin se encuentre la salvación de las tres jóvenes.
Shyamalan cuenta para llevar a buen término su historia con la cooperación de
James McAvoy, el profesor X de las nuevas entregas de los X Men, quien aquí nos
ofrece todo un tour de forcé interpretativo.
VIVIR
DE NOCHE
Cuando su carrera se encontraba en
uno de sus momentos más bajos, el actor Ben Affleck encontró la salvación a su
carrera cinematográfica dando el salto a la dirección. Tras “Adiós, Pequeña,
Adiós”, “The Town. Ciudad de Ladrones” y, sobre todo, la oscarizada “Argo”, el
cineasta ha logrado colocarse como uno de los nuevos directores más respetados
de la industria. Para su nueva aventura tras la cámara, “Vivir de Noche”, ha
apostado una vez más por adaptar una novela e Dennis Lehane, que tan buenos
resultados le dio con su opera prima. En esta ocasión se trata de una cinta de
época, tributo a la serie negra clásica, que nos narra la historia de Joe
Coughlins, un veterano de la Segunda Guerra Mundial e hijo de un
Superintendente de la policía de Boston, que se pasa al otro lado de la ley
para traficar con alcohol. Affleck hace doblete como director y actor, y se
hace acompañar por un reparto encabezado por las actrices Zoe Saldana, Sienna Miller y Elle Fanning.
LION
Con seis candidaturas a los Oscars,
“Lion” es el único estreno de esta semana que ha entrado en la carrera de los
premios de la academia de Hollywood, y lo ha hecho con su aportación a la
diversidad racial que se buscaba para esta edición. Basada en la novela
autobiográfica de Saroo Brierley, narra la historia de un niño que se pierde
con cinco años en un tres y que 25 años después comenzará a buscar a su familia
perdida, para reencontrarse con ellos. Dirige la película Garth Davies, quien
debuta de esta manera en el terreno del largometraje, y cuenta con un llamativo
reparto de actores, encabezado por Dev Patel, Nicole Kidman y Rooney Mara.
lunes, 23 de enero de 2017
“AL BORDE DEL AGUA” / “LA OTRA”. ENTREVISTA A JOSEP VILAGELIU Y DANIEL LEÓN LACAVE
Desde hace varios años,
Josep Vilageliu y Daniel León Lacave se han convertido en abanderados de una
manera de hacer y entender el cine que han dado a denominar “Cine Leve”. Se
trata de aprovechar los recursos que están a tu alcance y construir las
historias de acuerdo a estos elementos y no al revés. Se trata de trabajar con
equipos pequeños y cercanos, con gran confianza interna para agilizar el proceso
de rodaje y dar siempre espacio para la creatividad de cada uno de los participantes
de la película. En definitiva, se trata de luchar contracorriente para llevar a
cabo proyectos cinematográficos en tiempos de penuria económica, y hacer en
este caso de la necesidad no una virtud, sino más bien una filosofía. Este
jueves 26 de enero ambos cineastas vuelven a reunir sus últimos trabajos donde
no sólo podemos apreciar un mismo planteamiento de producción, sino temáticas y
formatos cercanos. Hemos hablado con ambos para que nos introduzcan en esta
forma de trabajar y las características de los cortometrajes que podremos ver
en TEA Tenerife Espacio de las Artes a partir de las 20.00h.
1. ¿Qué nos podéis adelantar de los dos cortos que se van a
poder ver el jueves 26 en TEA Tenerife Espacio de las Artes?
Josep Vilageliu: En mi caso es una aproximación al
cine de género, una mujer que vive en un velero y un día, al regresar, se
encuentra con una desconocida en el interior del barco. Me interesaba más
sugerir que contar, hacer un corto inquietante, que el espectador se haga
muchas preguntas. La protagonista no vive en tierra firme, sino en un velero
que está medio sumergido en el agua, en esa oscuridad sin forma que a veces significa
peligro y casi siempre simboliza el inconsciente, donde anidan las formas
monstruosas del imaginario cinematográfico. Iniciar el corto con unos planos
rodados bajo el agua abría al espectador a todo este caudal de recuerdos de
otras películas, solo que esta vez no habría grandes escualos con las fauces
abiertas, listos para engullir a la protagonista. Reescribí el guión varias
veces, porque pasó mucho tiempo hasta que pudimos terminar el corto. Después de
tanto tiempo, el corto apenas se parecía al guión primitivo, aunque conservaba
la anécdota básica, la de la mujer desmemoriada. Decidí dividir el corto en dos
partes, que denominé Nocturno y Diurno, como dos variaciones de la misma
historia, aunque en realidad el segmento Nocturno está metido dentro del cuerpo
principal del film, como si se tratase de una pesadilla. Nocturno tiene una
estética más cercana al cine de terror, con sus planos amenazantes debajo del
agua o los encuadres misteriosos de las piernas de Laura recorriendo la
cubierta del velero, o la propia existencia de Laura que parece cohabitar el
mismo espacio pero en otra dimensión o tiempo.
Daniel León Lacave: Ambos cortometrajes son dos
aproximaciones al género de terror o fantástico, y, a pesar de sus diferencias
de estilo narrativo, los dos basan todo en la creación de una atmósfera malsana
e inquietante. En mi caso, esa atmósfera está reforzada gracias a la magnífica
banda sonora musical original de Jonay Armas, y es que la música en este caso
es casi un personaje más. En el caso de “Al Borde del Agua” todo se localiza en
un barco amarrado en el puerto, y en el caso de “La Otra”, curiosamente, todo
se localiza al borde del agua de una presa, donde los personajes, tres
amigas, están de acampada. La acampada
es uno de esos lugares comunes que el género de terror ha utilizado hasta la
saciedad, y precisamente por eso quise usarlo. Porque “La Otra” es un homenaje
y un guiño en sí mismo al género de principio a fin. Hay también un rendir
homenaje al maestro Kubrick, pero eso ya lo verán ustedes mismos.
2. Al final, ambos
habéis quedado como fieles defensores del cine leve, etiquetado como tal,
aunque la crisis y la llegada de lo digital ha hecho proliferar trabajos
audiovisuales que comparten muchas de las características. ¿Ha vuelto la
situación actual lo leve en lo habitual, al menos en lo que se refiere a
producción?
JV: Cada uno entiende lo leve de una manera distinta. Enzo
Scala, por ejemplo, afirmaba que esta levedad implicaba una gran carga de
profundidad. Lo leve surge también de una necesidad de seguir haciendo cine. La
levedad no está reñida con la intensidad. Creo que tanto Dani como yo hacemos
un cine intenso y nos implicamos intensamente en lo que hacemos. El cine leve
no tiene nada que ver con el cine de los concursos de cine exprés.
Hay mucho trabajo previo, mucha reflexión y dudas porque transitamos parajes
desconocidos que no sabemos a dónde nos llevan. En cierto modo, nos exponemos a
la incomprensión. “Del amor y otras necesidades”, el corto que rodamos el año
pasado y estrenaremos dentro de poco, es un corto narrativo que no tiene nada
que ver con este, un corto “hablado”, donde el diálogo y los personajes es lo
importante, como en “Dueto”, el corto que hemos rodado estos días. La verdad es
que me gusta cambiar y experimentar otras cosas. Con cada película aprendemos
algo nuevo.
DLC: El “Cine Leve” ha existido desde siempre. No lo hemos
inventado nosotros, aunque sí que le dimos una denominación de origen. Lo
cierto es que en los últimos tiempos han proliferado los trabajos que podrían
calificarse de leves. No hace mucho estuve en La Palma asistiendo y
participando en una sesión de cortometrajes, y me llamó poderosamente la
atención que casi todos los cortos se basaban en una o dos localizaciones y en
dos personajes. Todos buscaban la simplificación para poder contar sus
historias, y se notaba que explotaban al máximo unos recursos mínimos a su
alcance. De todas formas, y más allá de estas consideraciones, para mí el cine
leve es más una filosofía de rodaje que un estilo de producción.
3. El cine leve es un
tipo de cine hecho en familia. ¿Cómo ha sido la relación con el equipo durante
el rodaje de estos dos trabajos?
JV: Rodar un corto en el interior de un pequeño velero, que era
al mismo tiempo set de rodaje y sede del equipo, durante un montón de horas,
precisaba que todos nos sintiéramos a gusto en un espacio tan reducido. Y menos
mal que el velero estaba amarrado a tierra. En mi caso, me siento a gusto
cuando hay confianza y nos conocemos todos. En cada rodaje incorporamos a
nuevas personas y vamos formando una pequeña familia. En el rodaje de Dueto
solo éramos cinco personas incluyendo a los dos actores, en Al borde del agua
éramos más de diez.
DLC: Si hay mal rollo en el set, entonces esto ya no es cine
leve. Para eso ya está el cine industrial. Cuando rodamos “La Otra” éramos un
equipo de unas diez personas, y casi todos, la protagonista Cristina Piñero, el
dire de foto Pablo García o el sonidista Dani Mendoza, habíamos convivido
intensamente un año de nuestras vidas el año anterior rodando el largometraje
“Los Días vacíos” así que no hubo que forzar el “efecto familia”. También hubo
nuevas incorporaciones, como las actrices Saida Fuentes o Yazmina Guerra, que
se adaptaron maravillosamente a esta filosofía y parecía que llevábamos toda la
vida rodando juntos. El rodaje fue en condiciones extremas, un rodaje muy duro,
pero al final del mismo todos estábamos sonriendo. Eso es uno de los regalos
del cine leve.
4. ¿Casualidad o
causalidad de que ambos hayan coincidido en temáticas cercanas con estos dos
cortometrajes?
JV: Llevamos dos años coincidiendo en las temáticas que abordamos,
el año pasado teníamos “Del amor y otras necesidades” y Dani “Amanecer”, que
abordaban la prostitución de una forma un tanto esquinada, y también queríamos
estrenarlas conjuntamente, pero no la tuve terminada a tiempo. Y lo cierto es
que no nos ponemos de acuerdo para hacer esto. Es una sorpresa incluso para
nosotros mismos.
DLC: Una maravillosa casualidad. Ya hace años, cuando estrenamos
conjuntamente “Ángeles” y “Nube9” existió cierta sincronía. En esa ocasión los
dos optamos por aproximaciones al cine de género desde un punto de vista
críptico e intimista. Cuando volvimos a coincidir en temática con “Amanecer” y
“Del amor y otras necesidades” la casualidad fue aún mayor. Dos historias que
usaban el tema de la prostitución como excusa para hablar de la soledad. Y en
esta ocasión, cuando Josep me dejó ver su “al borde del agua” le dije: “no
puedo creer que hayamos vuelto coincidir
otra vez”. Sinceramente, me gusta esta casualidad, ya que, a pesar de que nuestros
estilos son muy muy diferentes, y que nos separan algunas décadas, veo que nos
inquietan y preocupan las mismas cosas.
5. Más allá de
cuestiones económicas, el cine leve se planteó también como una forma libre de
contar historias sin tener que recurrir a los patrones industriales. ¿Cómo se
enfoca, entonces dos títulos de género como los que propone esta sesión del día
26?
JV: El cine de género siempre me ha interesado como espectador,
pero es impensable que, con los medios de que disponemos, podamos rodar un
thriller o una película de ciencia ficción convencional. Pero podemos
aproximarnos al género desde otras perspectivas. En mi caso lo que he hecho ha
sido apropiarme de algunas convenciones del género para contar otra cosa. Ya lo
hice en “Nube9”, que se inspiraba en “Alphaville” de Godard, y aquí lo hago
partiendo de una secuencia de “Mullholland Drive” de Lynch.
DLC: Pues en tu pregunta está la respuesta. Es una forma libre de
contar historias. Y esa libertad absoluta puede canalizarse en ofrecer algo sin
ningún tipo de concesión al espectador, o en algo completamente académico. Al
menos para mí no hay reglas ni estructura que respetar a menos que sea eso lo
que quiero hacer. Algunos dicen que es esta ocasión he dejado atrás el drama
social ese que tanto me gusta, para meterme en el pantanoso terreno del cine de
terror. Pero lo cierto es que “La Otra” es también, en cierta forma un drama
social, sobre la soledad y la marginación. Simplemente el camino que hemos
tomado para hablar de ello es diferente.
6. En vuestras respectivas filmografías los personajes
femeninos siempre han tenido un rol importante y en los dos cortos que
presentáis ahora se aprecia también una significativa presencia femenina al
frente del reparto. ¿Es la mirada de la mujer más acorde con la filosofía de lo
leve que la masculina?
JV: Pues no tengo ni idea, si es una mirada más leve o más
profunda. Lo cierto es que en mi caso la mujer siempre ha estado delante de mi
objetivo, ya en “Ballet para mujeres” ironizaba sobre ello. Trataba de un
director de cine que pretendía rodar una película sobre la mujer y no lograba
salir de los tópicos, de modo que al final decide no hacerla. En el primer
borrador de “Al borde del agua” solo había tres mujeres, luego añadí una
cuarta. Al final hay seis actrices.
DLC: En mi época pre-leve, cuando aún los cortometrajes que hacía
tenían una fuerte intención industrial, ya el universo de la mujer estaba muy
presente. “Hanna después del tiempo” (2004) o “Los Pechos de Paula” (2009) eran
historias de mujeres. Creo que la psicología femenina y su rol impuesto por una
sociedad patriarcal es mucho más complejo, y por lo tanto, mucho más
interesante y enriquecedor desde el punto de vista narrativo que el masculino.
Los hombres somos mucho más simples, porque es lo que la sociedad espera de
nosotros. Factores como la amistad, los hijos, el amor, la infidelidad, las
drogas, el comportamiento social ante determinadas situaciones de la vida, son
más cinematográficos si los muestras desde la mirada femenina.
7. Daniel, después de encadenar dos largometrajes, ¿ha
cambiado tu perspectiva a la hora de afrontar un nuevo corto?
DLC: En absoluto. Sigo afrontando cada proyecto igual si se trata
de un corto que de un largo. En un largo el esfuerzo es mayor, no solo el mío
sino el de todo el equipo, y la inversión económica es otra también, y eso hay
que valorarlo en su justa medida. Pero a la hora de planificar el trabajo, o
escribir el guión, para mi es exactamente lo mismo. La duración final del
metraje es para mí lo de menos. Si mi historia tiene que durar 5 minutos, eso
durará. Y si después de escribirla veo que la cosa se va a ir a 90 minutos,
pues bienvenido sea.
8. Josep, sin contar
con tu aportación a La Laguna Plató de Cine en 2015, tu anterior trabajo fue
“Paraísos” en 2014, pero ya tienes otros dos trabajos pendiente de estreno,
“Duetos” y “Del Amor y Otras Necesidades”. ¿Qué te han aportado estos dos años
de pausa?
JV: No ha habido pausa, sino dificultades logísticas. Al borde
del agua la empezamos en el verano de 2015, pero no pudimos volver a reunir al
equipo con el que iniciamos la aventura del corto, y no la terminamos hasta el
mes de septiembre de 2016 con un equipo distinto, por esto el corto consta de
dos partes, “Nocturno” y “Diurno” que de alguna manera se complementan. Como no
sabía si podríamos terminar el corto se nos ocurrió rodar otro y así surgió
“Del Amor y otras necesidades”, que se rodó entre los meses de diciembre de
2015 y enero de 2016, y está todavía pendiente de la música. En cambio, “Dueto”
se rodó en una sola mañana durante estas fiestas, entre la Navidad y el Fin de
año. Este año se han amontonado los estrenos.
9. ¿Hay nuevos
proyectos a la vista? ¿Para cuándo una película conjunta?
JV: En cuanto a proyectos, está el guión de “Paseo nocturno”,
que es un thriller que escribimos René Martín y yo, pero entraña dificultades
técnicas considerables y por esto lo tenemos a la espera. Quizás aparezca otra
idea por el camino y mis ganas de rodar me lleven a producirla. Vivir en dos
islas separadas por el océano no debería ser un obstáculo para rodar una
película conjunta, y la verdad es que lo he intentado varias veces, ir a Gran
Canaria con Laly y René y rodar allí algo con Dani y con David Delgado, pero
siempre se han presentado dificultades y hemos acabado o bien olvidándonos del
proyecto o rodándolo en Tenerife, como pasó con “Rondó”, que lo escribí para
rodarlo allí.
DLC: Pues en mi caso estoy escribiendo el guión de otro
largometraje, y hay varios guiones cortos en la recámara, pero la verdad es que
en este mismo instante no hay nada concreto. Y si te soy sincero es algo que me
fastidia. Durante estos quince años, exceptuando los tres años tras el
nacimiento de mi hijo en los que me dediqué a la paternidad en cuerpo y
alma, siempre he estado trabajando en
alguna producción concreta y próxima. Y ahora por primera vez no hay nada
concreto en el horizonte. Pero lo encontraré pronto. Seguro. Y sobre la película
conjunta, pues lo hemos hablado varias veces, pero nunca lo concretamos. Creo
que sería interesante, ya que como ya hemos visto, a pesar de tener estilos
narrativos muy diferentes, hay mucha coincidencia en nuestra forma de afrontar
un proyecto. Es verdad que el atlántico está por medio, pero nada que no se
pueda solucionar.
viernes, 20 de enero de 2017
ESTRENOS DEL 20 DE ENERO DE 2016
CALLBACK
El director Carles Torras nos propone
con “Callback” un oscuro viaje interior por la mente de su protagonista, Larry
De Cecco, un ferviente cristiano evangélico que vive en Nueva York y trabaja
como mozo de mudanzas, aunque su gran aspiración es convertirse en actor
profesional de anuncios publicitarios. Rodada de manera independiente y con un
presupuesto limitado, la cinta cuenta con un excelente trabajo del actor Martín
Bacigalupo (también coguionista de la historia) y nos ofrece una mirada turbia
al gran sueño americano. Junto a Bacigalupo encontramos también a los actores
Lilli Stein, Larry Fessenden, Timothy Gibbs y Rigoberto Garcia.
LOS DEL TÚNEL
Tras participar en series como
“Plutón B.R.B. Nero” o “Plaza de España”, el guionista Pepón Montero debuta en
la dirección con la película “Los del Túnel”, comedia negra que ha coescrito
con Juan Maidagán, con quien ya trabajó en la primera temporada de “Camera
Café”. Precisamente, aunque se trata de una cinta coral, uno de los roles
principales está interpretado por Arturo Valls, quien fuera uno de los rostros
destacado de aquella serie televisiva. La cinta nos narra las experiencias de
un grupo de supervivientes del hundimiento de un túnel. El conflicto no será
tanto la catástrofe en sí, sino su regreso a la vida cotidiana tras quince días
atrapados. Junto a Valls encontramos rostros veteranos y de nueva hornada del
cine nacional como Natalia de Molina, Neus Asensi, Teresa Gimpera, Manolo Solo,
Àlex Batllori o Jesús Guzmán.
SHIN GODZILLA
Desde su primera aparición en “Japón
bajo el Terror del Monstruo” en 1954, Godzilla pasó a convertirse en un icono
del cine. Tras múltiples entregas nipones y dos aproximaciones hollywoodienses,
la criatura afronta una revisión de su mitología en “Shin Godzilla” bajo la
mirada del veterano Hideaki Annon, creador de la también mítica “Neo Genesis
Evangelion”. Si en la cinta original de Ishirô Honda el trasfondo era la
amenaza nuclear, en esta ocasión, el detonante del despertar del monstruo es un
desastre natural, aportando a la saga un mensaje medioambiental. Protagonizada
por Hiroki Hasegawa, Yutaka Takenouchi,
Satomi Ishihara y Ren Ohsugi, la cinta llega a las pantallas de nuestro país
como tercer título del ciclo Stiges Tour propuesto por la distribuidora A
Contracorriente.
XXx. REACTIVATED
A principios de los 2000, la
franquicia de 007 estaba languideciendo ante una serie de títulos protagonizados
por Pierce Brosnan y que no conseguían
levantar el nivel de calidad de la serie. En esta época el cineasta Rob Cohen
quiso aprovechar para proponer una versión juvenil del agente secreto, con una
imagen más alternativa y con secuencias de deporte de alto riesgo. La cinta
estuvo protagonizada por Vin Diesel, quien acababa de protagonizar la primera
entrega de “A Todo Gas” a las órdenes del director. Ausente en la segunda
entrega donde fue sustituido por Ice Cube, Diesel regresa al personaje esta
semana con “xXx. Reactivated” bajo la dirección de D.J. Caruso. En esta
ocasión, Cage regresa al servicio activo para detener al autoritario y
peligroso guerrero Xiang y recuperar a toda costa un arma siniestra conocida
como “La Caja de Pandora”. Con Samuel L. Jackson repitiendo también papel, la
cinta cuenta con un reparto internacional encabezado por los artistas marciales
Donnie Yen y Tony Jaa, al actriz de Bollywood Deepika Padukone, Rory McCann
(conocido por su papel de El Perro en “Juego de Tronos”), Nina Dobrev, Ruby
Rose y Toni Collette.
Estamos en plena temporada de
premios, con las candidaturas a los Oscars a punto de ser anunciadas el próximo
martes 24 de enero, y varios son los títulos que se estrenan esta semana que
ambicionan entrar en estas nominaciones. “La Luz entre Océanos” es la nueva
propuesta dramática de Derek Cianfrance tras “Blue Valentine” y “Cruce de
Caminos”. Basada en la novela homónima de M.L. Stedman, nos narra la historia
del matrimonio formado por el farero Tom Sherbourne e Isabel, cuya historia de
amor se ve empañada cuando ella pierde el hijo que estaban esperando. En su
hora más oscura, encuentran en el interior del bote un hombre muerto y un bebé
que llora con desesperación. Tom e Isabel deciden criarlo como si fuera el que
acaban de perder, sin informar a las autoridades. La cinta cuenta con un
reparto de excepción, encabezado por
Alicia Vikander, Michael Fassbender y Rachel Weisz.
FIGURAS OCULTAS
Si el año pasado la ceremonia de los
Oscars se vio empañada por la polémica de Oscars so White, en referencia a la
acusación de falta de diversidad racial por parte del lobby afroamericano, al
no ver representantes de su raza entre los candidatos. Este año, varias son las
películas que se postulan a cubrir ese aspecto de cara a las nominaciones. Una
de ellas es “Figuras Ocultas”, que nos narra la presencia de un grupo de
mujeres matemáticas Afro-Americanas que fueron los auténticos cerebros en la
tarea de calcular la puesta en órbita del astronauta John Glenn y garantizar su
regreso. Con las actrices Taraji P. Henson, Octavia Spencer y Janelle Monáe en
los tres papeles principales, la cinta cuenta también con Kevin Costner,
Kirsten Dunst, Jim Parsons y Mahershala Ali. Dirige la película Theodore Melfi,
quien destacara en 2014 con su opera prima “St. Vincent”.
LOVING
También de temática racial y basada
en un hecho real, “Loving” es la nueva película de Jeff Nichols, autor de “Take
Shelter” y “Mud”. En esta ocasión, el cineasta se basa en el documental de la
HBO “The Loving Story”, que relataba el caso de Mildred y Richard Loving, una
pareja interracial que se casó en Virginia en 1958 y tuvo que afrontar no sólo
el racismo social, sino también el legal, ya que en su estado no estaba
permitido el matrimonio entre miembros de distinta raza. Ambos iniciaron una
batalla legal por ver reconocidos sus derechos que supuso un hito social en
Estados Unidos. Interpretan los dos papeles principales Joel Edgerton y Ruth
Negga, con la participación de Michael Shannon y Marton Csokas.
TONI ERDMANN
No es habitual que una comedia se
alce con los principales galardones del año en Europa, imponiéndose a
directores como Paul Verhoeven o Pedro Almodóvar, y mucho menos que esta
comedia sea de origen alemán. Este logro lo ha conseguido la directora Maren
Ade con “Toni Erdmann”, mejor película del año según los Premios de la Academia
del Cine Europeo y firme candidata a llevarse el Oscar de Mejor Película de
Habla no Inglesa. La cinta nos narra la difícil relación entre la protagonista
Ines, ejecutiva en una importante empresa alemana con sede en Bucarest y que
lleva una vida muy ordenada, y su padre, quien socaba los cimientos de esa vida
tan estructurada. Protagonizan la película Sandra Hüller y Peter Simonischek.
jueves, 19 de enero de 2017
viernes, 13 de enero de 2017
ESTRENOS DEL 13 DE ENERO DE 2016
PROYECTO LÁZARO
El grancanario Mateo Gil regresa a primera plana con
“Proyecto Lázaro”, su tercer largometraje como director tras “Nadie Conoce a
Nadie” y “Blackthorne”. Rodada en parte en Tenerife, la cinta nos presenta una
trama de ciencia ficción en la que el protagonista, tras ser diagnosticado de
una enfermedad terminal, decide congelar su cuerpo y despertar 60 años después,
convirtiéndose en el primer hombre resucitado de la Historia. Como ya sucediera
con su anterior trabajo, Gil ha optado por un reparto internacional, con vistas
a una mayor distribución internacional. Protagoniza la película Tom Hughes, al
que hemos podido ver en “Cruce de Destinos” o “Cuestión de Tiempo”, y al que
acompañan Charlotte Le Bon, Oona Chaplin y Barry Ward.
LA TORTUGA ROJA
Ganadora del premio especial del jurado en la pasada edición
del festival de Cannes, “La Tortuga Roja” es la primera película no japonesa
producida por el estudio Ghibli, contando en este caso más bien con el apoyo de
Francia y Bélgica. Carente prácticamente de diálogos, nos narra la historia de
un hombre que naufraga en una isla tropical habitada por cangrejos, aves y otros
animales marinos. En su afán desesperado de escapar de allí, un día encuentra
una extraña tortuga que cambiará su vida para siempre. Dirige la película
Michael Dudok de Wit, quien debuta así en el terreno del largometraje, tras una
exitosa carrera en el cortometraje de animación.
¿TENÍA QUE SER ÉL?
La confrontación de los actores Bryan Cranston y James
Franco en pantalla supone el principal atractivo de “¿Tenía que Ser Él?”,
comedia centrada en el choque entre un padre sobreprotector aunque cariñoso y
el estrafalario primer novio de su hija mayor. De mentalidad conservadora, este
progenitor no verá con buenos ojos los modos de este multimillonario de Silicon
Valley bien intencionado pero socialmente bastante complicado. Dirige la
película John Hamburg, autor de “Y Entonces Llegó Ella” y “Te Quiero, Tío”.
LA AUTOPSIA DE JANE
DOE
El ciclo Sitges Tour es una iniciativa de la distribuidora A
Contracorriente para traer a las salas los títulos más destacados de la pasada
edición del festival de Sitges. Tras estrenar la semana pasada la coreana
“Train to Busan”, hoy viernes se estrena “La Autopsia de Jane Doe”, cinta
protagonizada por Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond y dirigida por André
Øvredal, quien se diera a conocer con su anterior trabajo “Troll Hunters”. En
la cinta, dos forenses, que son además padre e hijo, estudian el misterioso
cadáver de una joven sin identificar que aparece en un pequeño pueblo de
Virginia. Con precisión metódica, su autopsia pone al descubierto los secretos
ocultos tras el cadáver.
UNDERWORLD: GUERRAS
DE SANGRE
Cuando se estrenó en 2003, “Underworld” supuso una
refrescante vuelta de tuerca en el mito de los vampiros y los hombres lobo.
Catorce años más tarde, y con un desarrollo un tanto errático de la saga, llega
a las pantallas su quinta entrega, de nuevo protagonizada por Kate Beckinsale
como Selene, la vampira heroína en cuatro de las entregas de la franquicia.
Selene continúa en su búsqueda del fin de la guerra entre los vampiros y los
licántropos, contando en esta ocasión con la ayuda de David y su padre Thomas.
Dirige la película Anna Foerster, experimentada en series de televisión como
“Mentes Criminales” o “Outlander”, y completan el reparto principal Theo James,
visto en “La Saga Divergente” y Charles Dance, al que recientemente hemos
podido ver en el papel de Tywin Lannister en “Juego de Tronos”.
LA CIUDAD DE LAS
ESTRELLAS. LA LA LAND
Y llegamos al estreno estrella de esta semana, “La Ciudad de
las Estrellas. La La Land”, segundo largometraje de Damien Chazelle tras la
espléndida “Whiplash”. En este caso, la música vuelve a ser el centro de la
historia, además de ser un homenaje a la ciudad de Los Angeles. Los
protagonistas son Sebastián y Mia, ambos centrados en las esperanzas habituales
que ofrece la ciudad. Sebastian intenta convencer a la gente en pleno siglo XXI
de que les guste el jazz tradicional y Mia solo quiere acabar por una vez una
prueba de casting sin que la interrumpan con un "gracias por venir".
Ninguno de los dos imagina que su inesperado encuentro les va a llevar por un
camino que jamás habrían podido recorrer solos. La cinta supone el reencuentro
en pantalla de Ryan Gosling y Emma Stone, tras “Crazy Stupid Love” y “Gangster
Squad: Brigada de élite”.
jueves, 12 de enero de 2017
CINEMA PARADISO. "CANTANDO BAJO LA LLUVIA"
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