VERANO 2010 (PARTE II)

1. CINE DE ACCIÓN

En los estrenos de “El Equipo A” y “Los Mercenarios”, comentados en nuestro apartado de nostalgia ochentera, se encontraban las dos principales apuestas del cine de acción de este verano. Sin embargo, no fueron los únicos títulos pertenecientes a este género que se estrenaron en estos meses estivales. Nos llegaron también otras superproducciones, con otras estrellas de notoriedad, aunque curiosamente, la más satisfactoria de ellas no se basaba en un gran presupuesto o en nombres estelares.

“Kick Ass. Listo para Machacar” era una producción más modesta, basada en la novela gráfica escrita por Mark Millar (creador también de “Wanted”, uno de los éxitos del verano de 2008), que buscaba dar un giro un poco más realista al género de superhéroes. El director de la película fue Matthew Vaughn, cineasta británico autor de títulos como “Layer Cake” o “Stardust”, quien desde hacia tiempo buscaba la forma de meterse en el género superheróico (llegó a estar contratado para dirigir “X Men 3 – La Decisión Final”, pero a última hora abandonó la producción, propiciando la entrada de Brett Ratner). Vaughn optó por una puesta en escena clasicista, en la línea del “Superman” de Richard Donner o el “Spiderman” de Sam Raimi, aunque con un toque más paródico y de humor negro heredado de la obra de Millar. La película contó con un excelente casting, donde, por encima del protagonista (Aaron Johnson) o la presencia de rostros más veteranos (Nicholas Cage o Mark Strong), hay que destacar el descubrimiento de la joven actriz Chloe Moretz, cuyas apariciones en pantalla como Hit-Girl elevan en varios puntos el interés de la cinta. La buena recepción de la película ha supuesto la inmediata preparación de una secuela cuya producción dará comienzo tras la publicación de la segunda novela gráfica sobre el personaje que prepara Mark Millar.

Varios años atrás una cinta como “Noche y Día” podría haberse convertido en un gran éxito de taquilla. A priori contaba con todos los ingredientes para ello: dos populares estrellas del firmamento cinematográfico (Tom Cruise y Cameron Diaz), un buen director (James Mangold, autor de títulos como “Inocencia Interrumpida”, “En La Cuerda Floja” o “El Tren de las 3.10”), un buen presupuesto, localizaciones exóticas y elaboradas escenas de acción. Sin embargo es complicado realizar un vehículo para una estrella cuando ésta ha perdido el favor del público. Más que un título para el verano, “Noche y Día” debía ser el salvavidas de Tom Cruise, viéndose superada por la responsabilidad. Se trata de una cinta entretenida, con buenas escenas de acción pero que al final acaba girando en exceso alrededor de su protagonista y productor, sin acabar de definir si lo que se busca es una comedia un tanto exagerada, o una nueva variante de “Misión Imposible”.

“Killers” presentaba una fórmula similar a la de “Noche y Día”. También se basaba en la popularidad de sus protagonistas, contó con localizaciones atractivas en la costa francesa y alternaba acción y comedia para ofrecer un entretenimiento ligero y refrescante al público. El problema es que una cosa son las intenciones y otra los resultados, y “Killers” se puede tomar como ejemplo de decisiones equivocadas en una película. Lo ideal para que una obra cinematográfica sea buena es partir de un buen guión, cosa que “Killers” no tiene. Se trata de una historia boba, inverosímil, mal escrita y con diálogos idiotas. Si no se tiene un buen guión, lo recomendable es hacerse con un buen director que sepa al menos dar fuerza a la puesta en escena. Robert Luketic rodó la cinta de manera impersonal, rudimentaria y tediosa. Si no se cuenta con un buen guión ni con un buen director, es imperativo hacerse con actores con personalidad, que llenen la pantalla. Ashton Kutcher se dedica a lucir abdominales y morritos en toda la película, pero tiene una alarmante falta de carisma; mientras que Katherine Heigl repite una vez más una interpretación estridente, cursi y simplona. Con estos ingredientes ni la recreación de Niza, ni el tono paródico de James Bond, ni la desaprovechada presencia de secundarios como Tom Selleck o Catherine O’Hara pueden hacer mucho para salvar al producto. Otra película más a sumar, junto con “El Aprendiz de Brujo”, el listado de lo peor del verano.

Hay dos formas de acercarse a ver “Salt”. En primer lugar lo podemos ver como un thriller conspiratorio de política ficción, con una Angelina Jolie entregada a su papel de heroína de acción, ayudada por un realizador como Phillip Noyce, que apuesta por una narrativa realista y contundente. En este caso, el problema de la película es un guión disparatado, inverosímil, que convierte la interesante premisa inicial en una sucesión de despropósitos. La otra opción es entender el guión como un tributo desproporcionado a la literatura pulp de espionaje, con sus personajes de cartón piedra y sus situaciones al límite. En ese caso, el enfoque del director y la protagonista es completamente errado y hubiese hecho falta una perspectiva más desenfadada por parte de los dos. Sea como sea, nos encontramos ante una película fallida, que no ayuda en absoluto a mejorar el nivel de las cintas de acción de este verano.

2. COMEDIAS

En el apartado de comedias nos vamos a quedar con tres títulos muy distintos entre sí, dirigidos a públicos diferentes y, por lo tanto, con diversas concepciones del humor.

En el caso de “Sexo en Nueva York 2” el sector demográfico al que iba dirigido era evidente (aunque no necesariamente excluyente): público adulto, femenino, con un nivel socio-cultural medio-alto. A su favor contaba con el prestigio que aún mantiene la serie de televisión, todo un referente en cuanto al tratamiento de la figura de la mujer en televisión. Desgraciadamente, el salto al cine de Carrie y compañía no ha sido del todo acertado. Ya en la primera entrega cinematográfica se pudo apreciar una cierta traición a los planteamientos de la serie, algo que ha tocado fondo (esperemos) en esta secuela. Lo que en la pequeña pantalla había sido una descripción ácida y compleja de los cambios culturales, económicos, sociales y sexuales a los que se enfrentaban las mujeres con el cambio de siglo, en esta película decae en esperpento y caricatura; mientras que la elegancia y el glamour que servía de bandera a la serie, aquí entra de lleno en el más completo de los ridículos y la vulgaridad ante el ostentoso escaparate de trivialidades que hace gala la película. En nuestra opinión, esta “Sexo en Nueva York 2” pasa a completar, junto con “Killers” y “El Aprendiz de Brujo” el pódium de lo peor del verano.

Tampoco es que “Niños Grandes”, protagonizada por Adam Sandler y su troupe (Kevin James, Chris Rock, David Spade y Rob Schneider), haya sido la panacea de la comedia estadounidense de este verano, pero también es cierto que, en sus limitaciones, es consecuente con el tipo de cine que suele ofrecer este popular humorista. Se trata de una comedia amable, familiar, de mensaje conservador acerca de los valores de la familia y la amistad, aderezado con unos toques de humor grueso y levemente escatológico. Eso sí, ante esta reunión de cómicos uno podría esperar una sucesión imparable de gags y lo cierto es que el espectador sale de la sala con la impresión de no haberse reído tanto como esperaba con la película, al fin y al cabo se trataba de eso, un vehículo para el lucimiento de los artistas. La dirección de Dennis Dugan es meramente funcional e impersonal y se echa de menos un mayor protagonismo de los personajes femeninos con unas Salma Hayek, Maria Bello y Maya Rudolph completamente desaprovechadas.

Ante este panorama, para nosotros, la comedia del verano ha sido “Todo sobre mi Desmadre”. El origen de la cinta lo podemos encontrar en la producción de 2008 “Paso de Ti”, una comedia romántica donde la historia principal se vio eclipsada por la irrupción de los dos personajes secundarios interpretados por Russell Brand y Jonah Hill. En vista de la química existente entre ambos actores y las carcajadas generadas en la platea por el personaje de la estrella del rock Aldous Snow, se optó por rodar un spin off dándole a éste todo el protagonismo, frente al inocente y convencional aspirante a productor musical interpretado por Hill. A partir de aquí, “Todo sobre mi Desmadre” se convierte en un viaje hacia el desvarío, enlazando situaciones cada vez más descerebradas en las que se parodia el mundo de la industria musical. La excelente química entre los dos protagonistas, un guión simple pero repleto de situaciones absurdas y disparatadas, los tronchantes números musicales (con temas antológicos como la ridícula “African Child” o la alucinógena “Furry Walls”, compuestos por Jason Segel, el protagonista de “Paso de Tí”, quien también ejerce aquí funciones de guionista y productor) y una surrealista selección de secundarios (a destacar el agresivo productor musical interpretado por Sean 'Diddy' Combs y su filosofía de “follar las mentes” y la presencia de la habitualmente seria Rose Byrne como la estrella del rock Jackie Q) convierten a esta película en un inesperado entretenimiento, muy superior a la cinta que lo inspiró.

3. CINE ESPAÑOL

Entre tanta producción llegada desde fuera de nuestras fronteras, principalmente desde Estados Unidos, la industria nacional ha buscado hacerse también con un hueco en el mercado cinematográfico con algunas producciones ambiciosas desde el punto de vista comercial y artístico, aunque por regla general con poca fortuna en ambos campos.

“Una Hora Más en Canarias” intentaba repetir el éxito obtenido por David Serrano como guionista de las dos entregas de “El Otro Lado de la Cama” y como director con “Días de Fútbol”. Para ello el cineasta recuperaba su interés por el musical clásico, mezclado con elementos de telenovela sudamericana, rodando en localizaciones de la isla de Tenerife como Garachico, Icod de los Vinos, La Laguna o Buenavista del Norte. De la película destaca la luminosa y colorista fotografía de Carlos Ferro y la presencia de secundarios como Miren Ibarguren o veteranos como Eduardo Blanco, Isabel Ordaz y Kitty Manver, aunque la química entre estos tres actores no es explotada en toda su magnitud, desaprovechando las posibilidades que brindaban sus respectivos personajes en favor de una trama principal anodina y carente de gracia. Los números musicales resultan artificiosos y el tono extravagante, con cierta cercanía al realismo mágico, acaba siendo forzado e insuficiente.

Por su parte, “Lope” busca adentrarse en el terreno de las grandes producciones de época, tomando como punto de partida la referencia a una de las figuras clave de la literatura española, el escritor Lope de Vega, sin embargo no se trata de un biopic, sino de una cita de romance y aventuras con trío amoroso a cargo de los actores Alberto Amman (nueva estrella del cine patrio tras el éxito obtenido con “Celda 211”), Leonor Watling y Pilar López de Ayala. Con un excelente diseño de producción, una esmerada dirección de fotografía y un interesante plantel de actores (Juan Diego, Luis Tosar, Antonio de la Torre, Selton Mello, Sonia Braga o Antonio Dechent, entre otros) que buscan darle empaque de superproducción al producto, la película, sin embargo, fracasa al quedarse muy corta en sus resultados. La dirección del brasileño Andrucha Waddington carece de la fuerza y el ritmo necesario, no levantando el vuelo ni siquiera durante las escenas de peleas a espada. Sinceramente, un nuevo ejemplo del quiero y no puedo del cine nacional cuando intenta emular modelos extranjeros.

Más interesante, arriesgada y conmovedora nos ha parecido “Todo lo que Tú Quieras”, tercera película como del director del otrora actor Achero Mañas. Se trata de un cineasta de trayectoria poco común, interesado por temas sociales, acercándose al problema del maltrato infantil con su opera prima, “El Bola”, y la cultura de guerrilla con “Noviembre”. “Todo lo que Tú Quieras” no es una película redonda, pero suple sus irregularidades con una trama que no deja indiferente y un prodigioso trabajo interpretativo (especialmente Juan Diego Botto y José Luis Gómez). La apuesta de Mañas por la tolerancia y la ruptura con los prejuicios es de aplaudir, así como la decisión del cineasta de apartarse de caminos trillados sin por ello perder ternura o emotividad. Lo que empieza siendo una película dolorosa, se convierte en un canto a la libertad a través de la mirada inocente, desprejuiciada de una niña.

4. CINE DE AUTOR

Además de los títulos anteriores que hemos ido agrupando por géneros, este verano coincidieron en pantalla una serie de reconocidos autores cinematográficos, quienes a través de sus películas han procurado trasgredir los límites del cine comercial.

En este sentido, una de las películas más celebradas de la temporada ha sido “Origen” de Christopher Nolan, quien tras el tremendo éxito logrado con “El Caballero Oscuro” ha vuelto a meterse al público en el bolsillo con una cinta compleja y más innovadora de lo que se podría esperar del típico blockbuster veraniego. Avalada por la presencia de Leonardo DiCaprio como cabeza de cartel, cuenta además con otros actores de nivel, como Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Cillian Murphy, Marion Cotillard, Ellen Page o Michael Caine (quien ha pasado a convertirse en el actor fetiche del director). Nolan recoge elementos de la ciencia ficción (ese mundo onírico que crean los protagonistas tiene mucho de Matrix), el cine de espionaje (el director homenajea a la franquicia de James Bond en varias ocasiones, especialmente con el clímax en la nieve que recuerda a “Al Servicio Secreto de su Majestad”) o el drama sobrenatural (en la trama romántica podemos encontrar también otra referencia cinéfila a la cinta de Andréi Tarkovski “Solaris”). A nivel formal, la cinta alterna poderosas escenas de acción, con curiosos juegos de perspectiva (el periodo de ingravidez en el hotel) y un complejo tratamiento del tiempo fílmico (en la película encontramos la caída de una furgoneta más larga de la historia del cine). En general, una película que demuestra que la ambición, al originalidad y la inteligencia no tiene por qué estar reñidos con la comercialidad.

Por su parte, tras la fría recepción de “La Joven del Agua” y “El Incidente”, el cineasta M. Night Shyamalan apostó por la adaptación de la popular serie de televisión “Avatar. La leyenda de Aang” en “Airbender. El Último Guerrero”. En esta ocasión el director abandonaba el territorio fantástico/realista habitual de sus películas para adentrarse en una historia de aventuras, artes marciales y criaturas fantásticas, implicando un mayor esfuerzo de diseño de producción y efectos especiales. Shyamalan se esfuerza en superponer el desarrollo emocional de los personajes por encima de la acción y el CGI y en ofrecer una puesta en escena elaborada y elegante (aunque en esta ocasión queda más evidente que en trabajos anteriores la ineficacia del director a la hora rodar escenas de acción). Sin embargo, la película cuenta con dos hándicaps principales. En primer lugar, que se trata del primer episodio de una trilogía, un arco introductorio a la historia y los personajes principales, dejando un final abierto de cara a una segunda entrega que posiblemente no llegue a ver la luz (tal y como sucediera hace tres años con “La Brújula Dorada”). En segundo lugar que, por primera vez en la filmografía de Shyamalan, nos encontramos con personajes carentes de interés y que no logran conectar con el espectador (sólo al final podemos experimentar una catarsis emocional hacia Aang, mientras que otros personajes, como Katara, Sokka o el Príncipe Zuko, se quedan cortos, bien sea por recortes en la mesa de montaje o en previsión a los siguientes dos episodios de la serie). Si a esto le sumamos un pálido uso del 3D (la película fue rodada en 2D y convertida al sistema estereoscópico en postproducción), el resultado es un nuevo fracaso en la carrera del director de Filadelfia.

Con “Conocerás al Hombre de Tus Sueños” se produjo la habitual cita anual con el cine de Woody Allen, quien continuaba con esta película su periplo por tierras europeas (la cinta está producida por la empresa catalana Mediapro y rodada en Londres), después de regresar momentáneamente a Manhattan en “Si la Cosa Funciona”. Desde hace una década, salvo honrosas excepciones como “Match Point”, la carrera de Allen evidencia un notable cansancio en el artista, quien parece que ya no es capaz de retomar sus obsesiones habituales con la misma frescura y originalidad de antaño. Este último trabajo no es una excepción. Si bien se sigue manteniendo el naturalismo de sus diálogos, sus situaciones cómicas y la habilidad del cineasta para reflejar el espíritu de una ciudad (aunque le sea ajena como es el caso de Londres), la impresión resultante es la de collage de hallazgos anteriores. Así, por ejemplo tenemos que la necesidad del personaje de Gemma Jones de suplir su vacío existencial con elemento esotéricos recuerda a la Mia Farrow de “Alice”, la Charmaine de Lucy Punch recupera el papel de prostituta atolondrada de Mira Sorvino en “Poderosa Afrodita” y la crisis de madurez de Anthony Hopkins equivale a la de Sydney Pollack en “Maridos y Mujeres”. Del reparto destacan Gemma Jones y Naomi Watts, con buenos trabajos por parte de Josh Brolin y Lucy Punch, pero que, en el otro lado de la balanza, se enfrentan con un pasado de rosca Anthony Hopkins y una insulsa Freida Pinto.

Siguiendo la línea de “Retrato de una Dama”, la directora Jane Campion presentaba “Bright Star”, cinta que recrea la relación amorosa existente entre el poeta John Keats y Fanny Brawne, una dama de clase alta, rebelde e independiente. Interesada sobre todo en la perspectiva femenina en todas sus películas, Campion se centra aquí en la perspectiva de ella, como mujer culta e inteligente que choca con las restricciones que le impone la sociedad. Por su parte, Keats se mantiene como una figura al mismo tiempo cercana y distante, alguien que participa del juego social, pero que no pertenece a él, de ahí que su relación con la protagonista, pese al prestigio del poeta, sea vista con recelo por la familia de ella. Campion utiliza una puesta en escena exquisita y estilizada, apoyada principalmente en la bellísima dirección de fotografía de Greig Fraser, quien da un toque impresionista al uso de la luz y los colores. En lo referente al reparto, los actores protagonistas, Abbie Cornish y Ben Whishaw, realizan dos excelentes composiciones, compartiendo una sutil, pero apasionada química; sin embargo, el verdadero rey de la función es Paul Schneider en el papel de Charles Armitage Brown, uno de los más cercanos amigos de Keats. Schneider aporta una gran fuerza y carácter a su personaje, el único que es capaz de comprender en toda su dimensión la delicada situación del amor entre Keats y Brawne.

En 2006, cuando estrenó “Arthur y los Minimoys”, Luc Besson anunció que se retiraba de la dirección para centrarse en su labor de productor, algo que desgraciadamente ha no ha cumplido, dirigiendo desde entonces dos películas, la anodina “Arthur y la Venganza de Maltazar” y “Adele y el Misterio de la Momia”, adaptación de las novelas gráficas creadas por Jacques Tardi sobre el personaje de la periodista y aventurera Adele Blanc-Sec. La trama está ambientada en 1911 y se adentra en el terreno de la literatura pulp, con momias, hechizos mágicos y criaturas antediluvianas. El diseño de producción de la película, la fotografía, el maquillaje o los efectos especiales dan una cuidada estética a la cinta, sin embargo, Besson intenta aglutinar demasiados elementos en la historia, de manera que la película avanza de manera cansina, dispersa y hasta aburrida. El protagonismo de la cinta cae en manos de la prácticamente desconocida Louise Bourgoin, quien defiende con determinación a su personaje, mientras que entre los secundarios se encuentran intérpretes de trayectoria más dilatada como Mathieu Amalric (“La Condición Humana”, “Quatum of Solace”), Gilles Lellouche (“El Secreto de Anthony Zimmer”, “Paris”) o Jean-Paul Rouve (“Largo Domingo de Noviazgo”, “La Vida en Rosa”), aunque todos ellos caracterizados hasta quedar prácticamente irreconocibles.

George Clooney es un artista que ha sabido marcar una línea divisoria entre sus trabajos como estrella de Hollywood y como actor involucrado en proyectos más arriesgados. “El Americano”, segundo título como director del famoso fotógrafo Anton Corbijn, pertenece claramente a este segundo grupo. Basada en una novela de Martin Booth, la película está ideada como un western moderno, con un pistolero refugiado en un recóndito pueblo italiano (la película se rodó en Abruzzo por decisión de Clooney, quien quiso de esta manera ayudar económicamente a esta zona después de que fuera duramente azotada por un terremoto en abril de 2009), quien reflexiona sobre su labor, mientras es poco a poco cercado por otros asesinos a sueldo. Argumentalmente la cinta es de una simpleza absoluta y en el apartado interpretativo, la estrella (de semblante impertérrito durante todo el metraje) es claramente eclipsada por sus dos partenaires, la holandesa Thekla Reuten y la italiana Violante Placido. Sin embargo, el verdadero protagonista es Anton Corbijn, quien ofrece una puesta en escena desnuda y reflexiva, donde los silencios y los tiempos muertos pasan a definir el discurso de la película. Esto hace que sea una cinta visualmente muy interesante, pero en absoluto un producto de consumo masivo a mayor gloria de su protagonista y productor.

Ryan Murphy se ha convertido en una de las más destacadas personalidades de la televisión estadounidense. El éxito de su serie “Nip/Tuck” le definió como un hábil diseccionador de la hipocresía de la sociedad moderna y su obsesión por moldear el cuerpo y su actual trabajo en “Glee” le ha vuelto a recompensar con el aplauso del público y la crítica por su visión postmoderna del género del musical. En cine hizo su primer acercamiento con el drama familiar “Recortes de mi vida”, que, debido a su corte independiente, pasó disimuladamente por las carteleras. Ahora, cambia de registro y ofrece una apuesta por todo lo alto con “Come, Reza, Ama”, superproducción basada en el bestseller del mismo título de Elisabeth Gilbert, reconvertida en una historia para el lucimiento artístico de Julia Roberts. A medio camino entre literatura de viajes y libro de autoayuda, la historia nos acerca a la crisis de la madurez femenina a través de su protagonista, una exitosa mujer en el terreno profesional, pero insegura en sus relaciones sentimentales. Desgraciadamente, lo que podría ser una historia de doble viaje, geográfico e introspectivo, acaba convirtiéndose en un publirreportaje turístico, repleto de paisajes embriagadores, pero también incapaz de profundizar más allá de los clichés más burdos y ramplones. Sólo la presencia de un siempre elegante Richard Jenkins permite despertar cierto interés en aquellos espectadores que no formamos parte del sector demográfico al que va dirigida la película. Por el contrario, lo peor de la cinta es un almidonado Javier Bardem hablando con acento brasileño.

Cerramos este repaso por los títulos estrenados en la temporada veraniega 2010 con la cinta argentina “Carancho”, un rotundo drama protagonizado por Ricardo Darín y Martina Gusman y dirigido por Pablo Trapero, que ya ha sido escogida para representar a su país de cara a los próximos premios Oscar. Trapero ha demostrado con sus películas anteriores que es un cineasta valiente, que no se achica a la hora de reflejar el drama y la violencia de una historia, y en este caso sigue manteniéndose inamovible en su credo. Con apariencia de cine negro, la cinta presenta una visión acusadora y nada complaciente de la corrupción que existe entre algunas aseguradoras sanitarias en Argentina. Para ello se apoya en un trabajo de sus actores y en una puesta en escena cruda, cortante y directa, con momentos de verdadero impacto emocional y físico en el espectador. Para nosotros, una de las mejores películas estrenadas este verano, junto con “Origen” y “Toy Story 3”.

5. CONCLUSIÓN

Finalizado el verano, en ocasiones parece más sencillo dejarse llevar por las decepciones y las películas irregulares a la hora de valorar todo el periodo como insatisfactorio, sin embargo, en nuestra opinión, este verano de 2010 ha superado algunas pruebas. Como hemos podido ver se han ofrecido títulos variados y dirigidos a públicos muy diferentes, y pese a la existencia de película infumables o meramente anodinas, hemos podido disfrutar de títulos que nos han devuelto la fe en el Séptimo Arte, y con eso damos por compensados algunos errores y los engaños a los que nos ha sometido la industria durante este periodo. Sinceramente, si bien han existido temporadas veraniegas más óptimas en lo referente a materia cinematográfica, ojalá todos los años pudiéramos contar con títulos de calidad como los de este año para paliar las altas temperaturas estivales.