Inauguramos el mes de octubre mirando atrás con tristeza tras algunas defunciones relacionadas con el mundo del cine que acaecieron en septiembre. Despedimos así a algunos ilustres nombres del cine de diferente procedencia, época y vinculados a distintos apartados de la creación cinematográfica, todos ellos con el vínculo en común de habernos hecho disfrutar con el Séptimo Arte. A todos ellos queremos darles las gracias por el Cine.
KEVIN McCARTHY (15 de febrero de 1914 – 11 de septiembre de 2010)
Poco conocido de cara al público general, Kevin McCarthy era un actor de larga trayectoria (debutó en el cine en 1944, con una breve aparición en la cinta bélica “Cita en los Cielos”), además a lo largo de toda su carrera alternó cine, televisión y teatro, manteniéndose aún en activo en el momento de su fallecimiento a la edad de 96 años (su último trabajo para la gran pantalla fue en la cinta “Wesley”, biopic del fundador del movimiento Metodista Inglés, John Wesley).
De físico atractivo y atlético, McCarthy se dio a conocer gracias a su papel de Biff en la adaptación de 1951 de la obra teatral de Arthur Miller “Muerte de un Viajante”, siendo nominado al Oscar a Mejor Actor de Reparto y obteniendo un Globo de Oro por este papel. Su trayectoria teatral le abrió también las puertas de la televisión, sobre todo a la hora de participar en programas donde se escenificaban diferentes obras de la dramaturgia norteamericana de la época (“Actor’s Studio”, “Studio One”, “The Philco Television Playhouse”). Esto le permitió ganarse la vida con la interpretación y ganar cierta popularidad, ayudándole a obtener el papel protagonista de la cinta que pasó a ser la más relevante de su carrera, “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos”, dirigida por Don Siegel. Su interpretación de un hombre corriente que descubre el ataque invasor de una raza extraterrestre que se dedica a clonar a los seres humanos para ocupar su lugar le permitió pasar a los anales de la Historia del Cine, especialmente gracias a su monólogo final que ha pasado a ser una de las mejores síntesis de la paranoia imperante en la sociedad (y en el cine) ante la “Amenaza del Comunismo”.
Este papel no le sirvió para afianzar su posición en el cine, pero sí le permitió añadir a sus trabajos en producciones teatrales para televisión papeles en series de acción, suspense o fantasía, como “La Dimensión Desconocida”, “El Fugitivo”, “La Hora de Alfred Hitchcock”, “El Hombre de C.I.P.O.L.” o “Los Invasores”. Al mismo tiempo, podíamos encontrarle en papeles secundarios en algunas películas, como “El Premio” (junto a Paul Newman, Elke Sommers o Edward G. Robinson) o el western “El Destino también Juega” (con Henry Fonda, Jason Robards y Joanne Woodward).
Pese a estos títulos, en la década de los 70, su nombre había caído en el olvido, convirtiéndose en un secundario recurrente en series de televisión (“Misión Imposible”, “Banacek”, “Hawai 5-0”) que intentaban seguir explotando la poca fama que le quedaba. Afortunadamente, su presencia en “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos” le seguía granjeando un estatus de actor de culto que le permitió tener una segunda oportunidad a finales de esta década. En este sentido 1978 queda marcado como un año decisivo en esta nueva etapa de su carrera. El director Phillip Kauffmann le regaló un cinéfilo cameo en su remake de la cinta de Don Siegel, “La Invasión de los Ultracuerpos”, mientras que un joven director llamado Joe Dante, gran amante del cine de fantasía de los años 60, le ofreció un pequeño papel en su película “Piraña”. Dante se convirtió en uno de los directores en alza de los 80, gracias al apoyo como productor de Steven Spielberg, y siguió manteniendo su vínculo con actores de la vieja guardia como McCarthy, ofreciéndole roles secundarios, pero de lucimiento, en sus películas. De esta manera, McCarthy pudo pasearse por algunas producciones de peso como “En los Límites de la Realidad” o “El Chip Prodigioso”, mientras seguía manteniendo su participación puntual en series televisivas de éxito como “Vacaciones en el Mar”, “Dinastía”, “El Equipo A”, “Los Colby” o “Se Ha Escrito un Crimen”.
Tal y como comentábamos antes, McCarthy se mantuvo activo hasta el final, falleciendo en su casa de Massachusetts debido a complicaciones con una neumonía.
CLAUDE CHABROL (24 de junio de 1930 – 12 de septiembre de 2010)
La pérdida de Claude Chabrol supone la segunda desaparición de un miembro de la Nouvelle Vague este año. El pasado 11 de enero despedíamos también a Eric Rohmer, cineasta con el que Chabrol tenía un vínculo especial. Juntos formaron un decisivo equipo crítico durante su etapa en la revista Cahiers Du Cinema, ofreciendo uno de los primeros estudios sobre la carrera de Alfred Hichcock, cuya tesis sirvió para reivindicar la carrera de este director, quien hasta ese momento era visto como un artesano hábil especializado en películas de corte comercial. Chabrol y Rohmer defendieron que bajo esa patina de cine de género, se ocultaban las claves de una concepción del Séptimo Arte absolutamente personal e intransferible. Por otro lado, Chabrol no sólo se convirtió en el primero de este grupo de críticos franceses en dar el salto a la dirección con “El Bello Sergio”, aplicando los conceptos con los que había estado teorizando en la revista, sino que, a través de su productora AJYM Films (fundada gracias a un dinero heredado por su mujer) y tras el éxito comercial de su segunda película (“Los Primos”, rodada en 1958), ayudó a financiar las primeras películas de Eric Rohmer y de otros directores como Jacques Rivette o Philippe de Broca.
Del grupo que conformó la Nouvelle Vague, Chabrol era visto como el que tenía un enfoque más comercial, ya que en muchas ocasiones (siguiendo el legado de Alfred Hitchcock) utilizaba estructuras del cine policíaco o de suspense en sus películas para tratar aquellos temas que realmente le obsesionaban: La crítica contra la hipocresía y la diferencia de clases, especialmente contra burguesía, a la que veía como un grupo de personas obsesionadas con las apariencias y su posición de poder frente a las clases más desfavorecidas. El propio Chabrol era consciente de la contradicción en la que entraba con su cine. Procedente de una familia acomodada, él mismo provenía de esta clase social y fue gracias a la posición desahogada de su primera mujer, Agnès Goute, que pudo abandonar sus estudios de farmacia (que cursaba con el fin de continuar con el negocio familiar) para dedicarse a la crítica cinematográfica primero y a la dirección después.
Gran amante también de la literatura y el teatro, Chabrol no podía ocultar la influencia de sus lecturas en muchas de sus películas, e incluso llegó a adentrarse en terrenos más clasicistas con sus particulares adaptaciones de “Hamlet” (en “Ofelia”, versión modernizada de la obra de Shakespeare donde Chabrol adaptó la trama de corrupción y traición original a sus parámetros hitchcorianos) o de la novela de Gustave Flaubert “Madame Bovary”. Aquí podemos apreciar también la debilidad del cineasta por los personajes femeninos, a los que da un mayor empaque y protagonismo que a los masculinos. Por regla general, el cine de Chabrol es un cine de personajes, donde el director se esfuerza siempre en profundizar en sus razones y comportamientos, sin embargo, es cierto que en su filmografía abundan más las mujeres fuertes e independientes. Esto fue especialmente notable en sus colaboraciones con la actriz Isabelle Huppert, con la que llegó a trabajar en siete ocasiones (“Violette”, "Asunto de Mujeres", la ya mencionada "Madame Bovary", "La Ceremonia", "No Va Más", "Gracias por el Chocolate" y “Borrachera de Poder”).
En el momento de su fallecimiento, Chabrol se encontraba en un periodo de plena efervescencia creativa, llegando a dirigir seis largometrajes a lo largo de la primera década del siglo XXI (algunos tan aclamados como “Gracias por el Chocolate”, “La Flor del Mal” o “La Dama de Honor”), además de algunos episodios para series de televisión. Su última película fue “Inspector Bellamy” (inédita en nuestro país), su regreso al género policíaco, con un protagonista de lujo, Gerard Depardieu.
GLORIA STUART (4 de julio de 1910 – 26 de septiembre de 2010)
El 26 de septiembre despedíamos también a Gloria Stuart, veterana actriz y longeva mujer que llegó a superar el siglo de vida. Recordada en la actualidad principalmente por su papel en “Titanic” donde interpretaba a la anciana Rose, podemos decir que James Cameron tuvo buen ojo a la hora de escogerla para el papel, ya que a lo largo de su vida demostró tener un sentido de la independencia y la rebeldía muy cercano al papel que compartió junto con Kate Winslet.
Su actitud desafiante ante el conservadurismo de la sociedad ya estaba presente durante su adolescencia, encontrándose con problemas en el colegio por vestir de manera provocativa y descocada. Con un rostro angelical e inocente, Gloria Stuart no tuvo inconvenientes a la hora de lucir su esplendoroso físico, iniciando su carrera artística como modelo. Entre sus intereses y talentos estaba también el baile y la canción, llegando incluso a fundar un club junto con otras compañeras. En este sentido podíamos decir que en ella se reflejaba a la perfección el aire de liberación de la mujer de principios de siglo, así como el modelo de feminidad de los años 20.
Esto le sirvió para llamar la atención de los estudios de Hollywood, iniciando su carrera en el cine a principios de los años 30. Su primera aparición en la gran pantalla fue en 1932, en el drama romántico “Street of Women” y a lo largo de esta década participó en multitud de películas de muy diferentes géneros. Vinculada durante esta etapa a la Universal, el estudio le prometió hacer de ella una gran estrella, potenciando su imagen más glamurosa. Sin embargo, tras una década de trabajo, Stuart empezó a sentirse engañada por el estudio. Si bien participó en títulos llamativos, como las comedias “Escándalos Romanos” o “Aquí viene la Armada” (esta última junto a James Cagney), el musical “Vampiresas 1935” o una versión de la novela de Alejandro Dumas “Los Tres Mosqueteros” en 1939, sólo llegó a destacar realmente en sus tres colaboraciones con el director James Whale en “El Caserón de las Sombras”, “El Hombre Invisible” o “Un Beso ante el Espejo”. Durante la primera mitad de la década de los 40 alternó cine y teatro, hasta que decidió retirarse de la interpretación y dedicarse a la pintura.
Este retiro duró hasta 1975, cuando decidió regresar a la actuación y empezó a trabajar en el terreno televisivo. Su retorno al cine se produjo en 1982, en un papel secundario en la cinta de Peter O’Toole “Mi Año Favorito”, sin embargo, estos trabajos para la gran y pequeña pantalla era puntuales y espaciados en el tiempo. Fue su aparición en “Titanic” lo que volvió a poner su nombre en boca de todos. Nominada al Oscar por este trabajo, se convirtió en la persona más anciana que había optado a un premio de la Academia de Hollywood. Tras este último momento de gloria siguió trabajando en televisión, obteniendo sus dos últimos papeles en la gran pantalla de manos del director alemán Wim Wenders en “El Hotel del Millón de Dólares” y “Tierra de Abundancia”.
Stuart falleció víctima de un cáncer de pulmón, contra el que llevaba cinco años luchando.
SALLY MENKE (17 de diciembre de 1953 – 27 de septiembre de 2010)
Chocante resultó el anuncio del fallecimiento de Sally Menke, responsable del montaje de todas las películas de Quentin Tarantino, quien apareció muerta en las colinas de Hollywood después de que saliera a sacar a su perro a pasear. Aparentemente, esta artista se vio afectada por la ola de calor que azotaba ese día la Meca del Cine, aunque todavía no se conoce un informe oficial sobre este suceso.
Menke debutó en el cine en 1983 (con la cinta “Cold Feet”, protagonizada por Griffin Dunne), sin embargo, no fue hasta la década de los 90 que realmente se dedicó a la edición cinematográfica de manera continuada. En 1990 se encargó del montaje de “Las Tortugas Ninja”, trabajando también con directores como Oliver Stone (“El Cielo y la Tierra”), Lee Tamahori (“Mulholland Falls. La Brigada del Sombrero”) o Billy Bob Thorton (“Todos los Caballos Bellos”).
En cualquier caso, fue su relación profesional con Quentin Tarantino la que realmente dio fama y prestigio a Sally Menke. Director y editora colaboraron por primera vez en 1992 en “Reservoir Dogs” y desde entonces fueron inseparables. Sin lugar a dudas, el trabajo de Menke ha sido crucial a la hora de dar forma definitiva a las películas de este director y en su trabajo hay que destacar su habilidad para dar ritmo y empaque a ese gusto de Tarantino por los monólogos extensos, los diálogos rápidos y las secuencias lentas y pausadas. Además Menke debía enfrentarse a los guiños metacinematográficos habituales en estas películas, muchos de ellos relacionados directamente con el montaje de las imágenes (el estilo setentero de “Jackie Brown”, el crisol de referencias de “Kill Bill” o la complejidad de las escenas automovilísticas de “Death Proof”, por mencionar algunas referencias).
Esta relación le supuso a la editora dos nominaciones a los Oscars (en 1995 por “Pulp Fiction” y en 2010 por “Malditos Bastardos”), además de múltiples premios y nominaciones en otros galardones y festivales. Por lo tanto, además de la pérdida de esta artista, ahora también se plantea la duda sobre cómo puede afectar esta pérdida al cine de Quentin Tarantino.
ARTHUR PENN (27 de septiembre de 1922 – 28 de septiembre de 2010)
Si la pérdida de Claude Chabrol supone una dura pérdida para el cine francés, con el fallecimiento de Arthur Penn desaparece uno de los autores que marcaron la transición del cine clásico de Hollywood hacia el nuevo cine norteamericano que tuvo su auge especialmente en los años 70. Pionero en el campo de la televisión, su cine se centró principalmente en la crítica social y la desmitificación de algunos conceptos adquiridos por la sociedad estadounidense tras la Segunda Guerra Mundial.
Penn se formó en el campo del teatro y sus primeros trabajos en el medio audiovisual estuvieron marcados por esta formación. Al igual que Kevin McCarthy, a principio de los 50 vio la posibilidad de desarrollar su carrera en el incipiente campo de la televisión. Se trataba de un medio aún emergente cuya austeridad permitía abandonar los lugares comunes de la escena o el cine para buscar recursos novedosos y más económicos. “The Gulf Playhouse”, “Goodyear Television Playhouse”, “The Philco Television Playhouse” o “Playhouse 90” fueron algunos de los programas dedicados a la escenificación televisada de obras de teatro que ayudaron a Arthur Penn a adiestrarse en la narrativa audiovisual.
Su salto al cine se produjo en 1958 con el western “El Zurdo”, una revisión al mito de Billy el Niño, donde Penn ya dejó claro su interés por demoler mitos, dando una lectura homoerótica del personaje. Después llegaron otros trabajos de gran calidad como “El Milagro de Anna Sullivan” o “Acosado”, aunque su momento de mayor impacto fue entre 1966 y 1967, donde ofreció un duro díptico sobre la situación crítica de la sociedad estadounidense con “La Jauría Humana” y “Bonnie & Clyde”. Estos dos títulos se caracterizaron por su cruda representación de la violencia tanto a nivel físico (la paliza al sheriff interpretado por Marlon Brando en la primera o la brutal ejecución de los dos protagonistas al final de la segunda), como moral (Penn se alejaba de los códigos de Hollywood, presentando a la autoridades e incluso a los honestos ciudadanos de un pequeño pueblo como seres corruptos y viciados).
Los cambios sociales que se estaban produciendo y la aparición del movimiento hippie quedaron reflejados en títulos como “El Restaurante de Alicia”, mientras que su gran desmitificación de western llegó en 1970 con la extraordinaria “Pequeño Gran Hombre”, donde el director se permitía también criticar el intervencionismo de su país en la guerra de Vietnam. Durante esta década ofreció otros títulos interesantes, como “La Noche se Mueve” (contundente thriller protagonizado por un excelente Gene Hackman recién salido de las dos partes de “French Connection” y “La Conversación” y una debutante Melanie Griffith en un papel de seductora lolita) o “Missouri” (un desconcertante y grotesco western protagonizado por dos grandes figuras de la interpretación, Marlon Brando y Jack Nicholson).
Los 80 marcaron el declive de su carrera como director, con títulos de menor calado como “Georgia” o “Agente Doble en Berlín”. Penn cerró su carrera regresando al medio que le vio nacer como cineasta, la televisión, rodando algunas TV Movies (como “El Retrato”, protagonizada por una pareja de lujo: Gregory Peck y Lauren Bacall), o produciendo series como “Ley y Orden”.
Arthur Penn falleció un día después de cumplir los 88 años de edad, víctima de un fallo cardíaco.
TONY CURTIS (3 de junio de 1925 – 29 de septiembre de 2010)
Antes de cerrar el mes de septiembre nos llegaba también la noticia del fallecimiento de Tony Curtis, un actor cuya carrera se prodigó a lo largo de más de 60 años, conociendo el cine de la época dorada, la ruptura del canon en los 60 y 70 y manteniéndose en activo hasta su muerte.
La carrera de Tony Curtis es un ejemplo de superación personal. Procedente de una familia de inmigrantes húngaros (su verdadero nombre era Bernard Schwartz), se crió en el Bronx. Su situación era de tan extrema pobreza que sus padres tuvieron que entregarle a él y a sus hermanos al hospicio al no poder mantenerlos, aunque ésta fue una situación temporal y poco después regresaron a su casa familiar. No especialmente interesado en los estudios, a los 17 años se alistó en la Marina, donde curiosamente tuvo sus primeros contactos con el mundo de la interpretación. Después de participar en algunos talleres de teatro e interpretar pequeños papeles en obras de poca monta, fue descubierto por el productor David O. Selznick, quien le ofreció un contrato en la Universal. Tony Curtis empezó su carrera en el cine desde abajo, con pequeños papeles en películas de bajo presupuesto. Su porte de galán le sirvió para empezar a destacar, y su paso por títulos como “El Abrazo de la Muerte” le encasilló en papeles de fanfarrón y maleante. Su primera aparición en un título de alto presupuesto fue en el western “Winchester 73”, donde tenía una breve aparición, al que siguieron sus primeros papeles protagonistas en “Su Alteza el Ladrón” y “El Hijo de Alí Baba”.
A lo largo de la década de los 50 formó pareja cinematográfica con su primera esposa en la vida real, Janet Leigh (con la que estuvo casado 11 años, teniendo la pareja dos hijas, una de ellas, la también actriz Jamie Lee Curtis), en títulos como “El Gran Houdini”, “Coraza Negra” o “Los Vikingos”. Sin embargo, Curtis era un actor ambicioso y buscaba alcanzar papeles más relevantes y arriesgados, que le apartaran de ese encasillamiento en el que quería mantenerlo el estudio. Junto a Burt Lancanster protagonizó “Chantaje en Broadway” y exhibió su físico atlético en “Trapecio”, al mismo tiempo que protagonizaba una cinta de mensaje claramente antirracista, “Fugitivos”, donde compartía cartel con un referente de la lucha por la abolición de la discriminación racial como era Sidney Potier.
En 1959 protagonizó una de las películas más importantes y populares de su filmografía, “Con Faldas y a lo Loco”, donde dio muestras de una gran comicidad al reírse de su propia imagen de galán travistiéndose durante gran parte del metraje de la cinta. Esta cinta de Billy Wilder le emparejó en la gran pantalla con Marilyn Monroe, pero durante mucho tiempo el actor se refirió a aquella experiencia de manera muy negativa debido a la falta de profesionalidad de la actriz (“Besar a Marilyn Monroe era como besar a Adolf Hitler” dijo de una de las mayores Sex Symbols de la Historia de Cine), pero años más tarde reconoció en sus memorias haber mantenido con ella un breve idilio.
Tras “Con Faldas y a lo Loco”, llegó otro título decisivo, “Espartaco”, donde daba vida al esclavo poeta Antoninus. “Taras Bulba”, “La Pícara Soltera” o “La Carrera del Siglo” (donde se reencontraba con Jack Lemmon, su compañero de reparto de “Con Faldas y a lo Loco”) fueron otros de sus títulos más destacados de esta década. Pero Tony Curtis buscaba más reconocimiento como actor y eso se lo proporcionó la aterradora figura de Alberto DeSalvo, “El Estrangulador de Boston”. Curtis arriesgó su posición en la industria y la imagen amable que el público tenía de él, para ponerse en la piel de un asesino psicópata, logrando no sólo atemorizar a los espectadores, sino al mismo tiempo generar en ellos un sentimiento de lástima y compasión por su personaje.
La carrera de Tony Curtis siguió sumando películas de prestigio (“El Último Magnate” de Elia Kazan) con otras más comerciales, donde seguía explotando su imagen de galán (“El Truhán y su Prenda”). A medida que llegaba el final de los 70, la figura de Tony Curtis empezaba a perder brío en Hollywood, dejando paso a una nueva generación de estrellas que conectaban más con el público adolescente. Curtis siguió trabajando de manera continua, aunque en películas de menor trascendencia. Al final, la Muerte tocó a su puerta cuando contaba ya 85 años, falleciendo víctima de un paro cardiorrespiratorio.
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