Acabamos de pasar una semana que invita necesariamente a la reflexión. Desde hace varios años se viene buscando las causas de los bajos índices de recaudación de las salas de cine en nuestro país, obligando a muchas salas a cerrar y estigmatizando a España como uno de los países líderes en descargas ilegales por internet. En este tiempo se ha hablado precisamente del problema de la piratería, de la calidad de las películas, del cambio del sector hacia un entretenimiento doméstico, de la aparición de nuevas plataformas que compiten con las salas de cine y, sí, también se mencionó el precio de las entradas, aunque esto último principalmente por parte de los consumidores que consideraban, y lo siguen haciendo, excesivo el precio de las entradas. Los pasado días 21, 22 y 23 de octubre tuvo lugar la Fiesta del Cine, donde los espectadores podían disfrutar de precios mucho más económicos, 2,90€ la entrada, al cambio unas 483 pesetas. En Adivina Quién Viene al Cine, que ya peinamos alguna cana que otra, recordamos una época en la que el precio de la entrada estaba aproximadamente en ese montante. Lo cierto es que esta campaña ha sido un éxito desbordante, y durante esos tres días las salas han registrado un aumento de espectadores de un 550%. Se experimentaron colas como hacía tiempo que no se veían, salvo en las oficinas de desempleo. Ahora la pregunta que nos hacemos es, ¿siguen siendo la piratería, la calidad de las películas, el cambio del sector hacia un entretenimiento doméstico o la aparición de nuevas plataformas los responsables de que el público haya abandonado las salas de cine?, ¿son vinculantes los datos experimentados en estos tres días o se debe meramente a una cuestión puntual debido a la novedad de la campaña? Creemos que es importante reflexionar al respecto y sacar conclusiones si verdaderamente queremos sacar a flote el mercado cinematográfico. Mientras tanto, veamos qué más nos trae la actualidad de esta semana.
En 2009, una joven estudiante de la ESCAC, la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña, sorprendía con el estreno de su opera prima “Tres Días con la Familia”, una cinta coral que logró imponerse en diferentes festivales como Málaga o Cartagena y entregas de premios como los Goya o los Gaudí. Ahora Mar Coll regresa con su segundo largometraje, “Todos Queremos lo Mejor para Ella”, para el que ha contado también con la colaboración de la ESCAC. La cinta nos narra la historia de Geni, una mujer que un año después de sufrir un accidente de tráfico, cree estar lista para retomar su vida. Lo cierto es que, a pesar de su esfuerzo, a Geni su vida anterior al accidente ha dejado de interesarle y se siente incapaz de complacer a todo el mundo, especialmente a su familia. El desconcierto da paso a un comportamiento cada vez más errático y dentro de ella empieza a crecer la idea de fugarse y dejar toda aquella vida atrás. Protagoniza la película Nara Novas, recordada por su papel en la cinta de Agustí Villaronga “Pa Negre”, a la que acompañan Valeria Bertuccelli, Pau Durà, Àgata Roca y Clara Segura.
La carrera de Eugenio Mira ha estado dirigida sobre todo al cine de género, especialmente el thriller y el terror, y con apuestas de corte internacional que buscaban hacerse hueco en el mercado comercial. Tras “The Birthday” y “Agnosia”, el cineasta regresa ahora con “Grand Piano”, cinta de inspiración Hitchcoriana y con reparto internacional. La cinta nos narra la historia de Tom Selznick, el pianista con más talento de su generación, quien ha dejado de dar conciertos debido a su miedo escénico. Años después de una interpretación aciaga, reaparece ante el público en un esperado concierto en Chicago. Con el teatro abarrotado y ante el público expectante, Tom encuentra un mensaje escrito en la partitura: «Si fallas una sola nota, morirás». Tom debe descubrir, sin abandonar el escenario, cuáles son los motivos del francotirador anónimo para amenazarle y conseguir ayuda sin que nadie se dé cuenta. Protagoniza la cinta Elijah Wood, quien además cuenta con otra producción española, “Open Windows” de Nacho Vigalondo, entre sus próximos estrenos. Completan el reparto John Cusack, Kerry Bishé, Tamsin Egerton, Alex Winter, Allen Leech, Dee Wallace y Don McManus.
Desde su presentación en la pasada edición del Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro, “La Vida de Adèle” ha ido generando diversas polémicas a su alrededor. Su duración (tres horas), lo explícito de sus escenas sexuales lésbicas o los enfrentamientos entre el director Abdellatif Kechiche, quien ya estrenó en nuestro país “La escurridiza, o cómo esquivar el amor” en 2003 y “Cuscús” en 2007, y su protagonista Léa Seydoux, vista en “Adiós a la Reina” y “Misión Imposible Protocolo Fantasma”, han sido fuente de muchos comentarios en los medios y las redes. Basada en la novela gráfica “El Azul Es un Color Cálido” de Julie Maroh, narra la relación entre Adèle, una chica de 15 años y Emma, una joven de pelo azul que le descubrirá lo que es el deseo y el camino a la madurez. Seydoux interpreta a Emma, mientras que el papel de Adèle corre a cargo de Adèle Exarchopoulos.
Que Sandra Bullock esté disfrutando ahora del aplauso crítico con “Gravity” no significa que haya dejado la comedia por el drama. Con la cinta de Alfonso Cuarón aún triunfando en taquilla, la actriz protagoniza junto a Melissa MacCarthy, otra intérprete especializada en el humor, “Cuerpos Especiales”, segundo largometraje como director de Paul Feig tras “La Boda de mi Mejor Amiga”. Bullock y McCarthy interpretan a la Agente Especial del FBI Sarah Ashburn –la Federal– y la agente de la policía de Boston Shannon Mullins –la Pelusa – quienes pese a sus diferencias unen sus fuerzas para cerrarle el negocio a un despiadado capo de la droga.
Uno de los éxitos sorpresa del pasado verano fue “El Expediente Warren. The Conjuring”, gracias a una propuesta clásica de cine de terror que encandiló al público. Cuando la película aún se mantiene en algunas salas comerciales, su director James Wan presenta “Insidious. Capítulo 2”, con la que avisa que se despide del género de terror para probar con otro tipo de argumentos (su próxima película será “A Todo Gas 7”). En esta segunda entrega regresan Josh y Renai Lambert, quienes ahora se han mudado con sus hijos a la casa de Lorraine, la madre de Josh, esperando olvidar el pasado y comenzar una nueva vida. Pero pronto la familia empieza a experimentar extrañas visiones y fenómenos amenazantes que les obligarán a desentrañar el oscuro secreto que les ha dejado peligrosamente conectados con el mundo espiritual. La cinta vuelve a estar protagonizada por Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Lin Shaye y Leigh Whannell, con la incorporación de la veterana actriz Barbara Hershey, quien ya en los 80 sufrió los ataques del Más Allá en “El Ente”.
NOTAS EN UN PENTAGRAMA
1. MÚSICA DE ESTRENO: TURBO
2. CON LA FIRMA DE: HENRY JACKMAN
3. MÚSICA Y LETRA: RESERVOIR DOGS
4. PARTITURAS DE AYER Y HOY: GIULIETTA DE LOS ESPÍRITUS
1. ESTRENOS
2. CRÍTICA: “EL MAYORDOMO”, “PRISIONEROS”
3. PROTAGONISTA: LOS 3 CUATES (ALFONSO CUARÓN, GUILLERMO DEL TORO, ALEJANDRO GONZÁLEZ IÑÁRRITU)
4. LA PELÍCULA DEL RECUERDO: “LOS SOBORNADOS” (FRITZ LANG, 1953)
5. CINE EN CANARIAS
6. NOTICIAS
7. Y LA PRÓXIMA SEMANA….
En el cine no hay fórmulas mágicas, ni combinaciones perfectas. Por mucho que desde los estudios de Hollywood se quiera diseccionar las claves de un éxito de taquilla para replicar el modelo, o establecer patrones de interés de la audiencia a través de estadísticas, lo cierto es que a la hora del estreno es difícil predecir con exactitud la aceptación que va a tener una película. Estrenos recientes nos han demostrado que no por jugar sobre seguro se obtiene el efecto deseado. Por ello, frente al aumento de secuelas, remakes o adaptaciones de materiales de éxito en otros formatos como los videojuegos, el comic o la literatura, es importante mantener ese porcentaje de películas que se arriesgan por caminos intransitados. En este sentido, “Gravity” de Alfonso Cuarón recoge el testigo de “Origen” de Christopher Nolan. Ambas son dos películas que han logrado captar la atención de los espectadores con argumentos novedosos, pero también con un sabio equilibrio entre impronta autoral y componentes comerciales. Cuarón ha tardado siete años en levantar este proyecto porque nadie se atrevía con un material tan complejo y atípico, presumiendo que el público se perdería entre la jerga técnica y los extensos planos secuencia, pero finalmente la taquilla le ha dado la razón y la cinta se ha convertido en uno éxito arrasador en el que se ha conciliado el visto bueno de la crítica y el entusiasmo de los espectadores.
Parte del secreto del éxito de “Gravity” está en que en ella conviven diferentes películas, que pueden atraer a públicos dispares. Como cinta de ciencia ficción nos presenta un cuidado trabajo de recreación de las condiciones del espacio exterior. Nada es perfecto y habrá quien le ponga pegas a detalles técnicos, pero la cinta ha pretendido acercarse al reto de fidelidad científica de “2001. Una Odisea en el Espacio” y lo ha conseguido con éxito, trasladando al espectador la sensación de ingravidez de los personajes, así como el abismal vértigo de quedar a la deriva sin capacidad de asirse a nada. En su base, la cinta es también una película de aventuras a contrarreloj, en la que los protagonistas tienen que atravesar un territorio hostil y huir de la avalancha tecnológica que se les aproxima. Y por último se trata de una historia de carácter espiritual, un renacer vital, con una protagonista anímicamente marchita y que para sobrevivir al reto físico que tiene por delante, debe previamente curar sus heridas emocionales.
Cuarón arranca la película con un impactante plano secuencia de 17 minutos, indispensable para situar al espectador no sólo en el contexto ingrávido de los protagonistas, sino para adquirir la sensación de tiempo real en la que prácticamente se desarrolla la historia. Pasado ese plano secuencia ya el director abandona esa estructura temporal, pero ha sido suficiente como para que el espectador mantenga esa impresión hasta el final de la película. A pesar de lo frenético de algunas escenas, la cinta tiene un ritmo pausado, necesario para subrayar las condiciones físicas de la gravedad cero, pero también la tensión del momento. En esto ayuda enormemente el uso del sistema estereoscópico, convirtiendo a “Gravity” en una de las pocas películas que verdaderamente marca la distancia entre su visionado en 2D y 3D, con una narrativa que verdaderamente integra este formato, en lugar de utilizarlo como un mero adorno o curiosidad (la primera que llega a nuestras pantallas desde “La Vida de Pi”, nos atreveríamos a decir). El uso de la profundidad de plano aumenta la sensación de abismo en el espectador, al mismo tiempo que marca de manera especial la distancia entre los objetos, fundamental cuando el desplazamiento físico de los personajes es un auténtico desafío.
En el apartado interpretativo, la cinta supone un tour de force para los dos protagonistas, especialmente para Sandra Bullock, no sólo por el hecho de cargar sobre sus hombros íntegramente el desarrollo de la historia, sino también por las condiciones de rodaje, que les ha supuesto un esfuerzo físico añadido (colgados de cables dentro de un pequeño espacio que posteriormente se transformó en el espacio exterior en postproducción). Choca precisamente ver a una actriz como Bullock, habitualmente identificada con papeles más frívolos y lúdicos, pero ya la actriz había mostrado previamente su vena dramática en títulos como “Crash”, “Historia de un Crimen” o “The Blind Side. Un Sueño Posible” y aquí sale victoriosa del desafío, aunque quizás el bagaje previo de la actriz haga que el componente emocional de la película parezca más edulcorado. Por su parte, George Clooney se limita a interpretar un papel de apoyo, bien delimitado en su posición de secundario de peso, convirtiéndose en el soporte moral que ayuda a impulsar a la protagonista en su viaje físico y emocional.
La película ha contado también con una importante labor de postproducción, ya que todo el entorno que acompaña a los personajes ha sido recreado digitalmente, con el reto de calcular en todo momento la situación física de los personajes en ese espacio desconocido, la posición de La Tierra o la situación de los diferentes objetos. Todo diseñado de manera realista y milimétrica para transportar al espectador a 600 kilómetros de la superficie terrestre. Otro aspecto minuciosamente mimado ha sido el de sonido. Precisamente la ausencia de éste en el espacio exterior ha supuesto un importante reto para el equipo de la película diseñando elementos que soporten esa sensación de vacío, al mismo tiempo que, como comentábamos en nuestro podcast de Notas en un Fotograma del pasado miércoles 9 de octubre, la banda sonora se ha apoyado fuertemente en la partitura musical de Steven Price para dar voz a los objetos y la acción.
Es cierto que, pese a sus múltiples cualidades, “Gravity” no es una película perfecta, hay elementos no terminan de encajar de manera tan precisa como se pretendía. Así, desde un punto de vista de verosimilitud, cuesta unir la trama científica con la espiritual, ya que cuesta creer que la NASA se atreviera a enviar al espacio a un astronauta con el hándicap psicológico de la protagonista, o también la impronta poética de Cuarón no siempre casa bien con ese relato hiperrealista, como por ejemplo la ruptura de la cuarta pared por parte de una lágrima (un elemento dramático que desestabiliza la línea de la diégesis de la película). Habrá también quien no acepte a Sandra Bullock en este papel, aunque aquí en nuestra opinión, esto se puede deber más a un problema de prejuicio debido a la trayectoria previa de la actriz, ya que el esfuerzo de la actriz y sus logros en este trabajo son notables. En cualquier caso, todo esto forma parte del viaje que nos propone el director en la película, sin duda, uno de los acontecimientos de la temporada y de este año 2013.
Como es habitual una vez entramos en la recta final del año, nos llega la temporada de premios, con los Goya (por parte del cine nacional) y los Oscars (en lo que se refiere a las producciones hollywoodienses) como objetivo final. Los últimos estrenos en nuestro país parten con aspiraciones a colocarse en esta carrera, llamando la atención la importante cantidad de biopics que nos irán llegando próximamente. Aunque generalmente esté considerado como una categoría agradecida por parte del público y las candidaturas de premios, sobre todo en lo referente al apartado interpretativo, el biopic es un género difícil en cuanto a su preocupante tendencia a un tratamiento convencional y meramente ilustrativo. Pocas son las cintas integradas dentro de esta etiqueta que verdaderamente han supuesto un aporte importante al arte cinematográfico, siendo obras que, por regla general, tienden a caer rápidamente en el olvido. De los múltiples títulos que nos llegarán en los próximos meses veremos cuántos serán capaces de sobrevivir más allá de su etapa comercial en los cines y su campaña inicial en formato doméstico.
“jOBS”. EL MUNDO EN SUS MANOS
Si Steve Jobs fue, efectivamente, una figura revolucionaria en el mundo de la informática y la tecnología se debió, entre otras razones, por buscar siempre un camino diferente e innovador en cada proyecto que emprendía. Es por esto que resulta tan lamentable que su biopic haya resultado ser una película tan vulgar y anodina. Tampoco es que uno esperara mucho de un director como Joshua Michael Stern, entre cuyos créditos lo más destacado había sido “El Último Voto”, una olvidable comedia protagonizada por Kevin Costner, cuyo único mérito era la presencia siempre efectiva de actores como Kelsey Grammer, Dennis Hopper, Nathan Lane o Stanley Tucci. Con su último trabajo, este director tenía la oportunidad de ahondar en la vida de alguien que cambió la sociedad tal y como la conocíamos, sin embargo, se limitó a rodar un melodrama televisivo de sobremesa, insípido y formulario. Nada en su puesta en escena es digno de mención. Se trata de una película que parece rodada con desgana, sin fuerza narrativa, sin carga dramática más allá del conjunto de clichés habituales y agotados. La dirección de actores busca únicamente que los intérpretes mimeticen a los referentes reales, como si una caracterización clónica pudiera sustituir a la indagación psicológica de los personajes.
Para ser justos, también hay que aclarar que Joshua Michael Stern tampoco tenía mucho que hacer con el rudimentario guion del principiante Matt Whiteley, quien nos presenta una versión recortada y simplificada, un reader’s digest de baratillo, de la biografía de Steve Jobs, centrándose en su relación con Apple, pero desestimando muchos elementos clave en su vida. A penas existe un tratamiento interno del personaje, las elipsis dejan descolgado componentes dramáticos y emocionales necesarios para comprenderlo mejor e incluso a la hora de ilustrar su faceta profesional se queda muy corto. Eso en lo que se refiere al protagonista, si ya nos fijamos en los secundarios, nos encontramos con que la inmensa mayoría de ellos cumple una función meramente testimonial, entrando y saliendo de la acción prácticamente sin dejar huella. Salvo Jobs, sólo hay dos personajes dignos de cierto interés, el compañero de éste en los orígenes de Apple, Steve Wozniak, interpretado por Josh Gad, y Mike Markkula, el primer ejecutivo que apostó por la genialidad de nuestro protagonista, al que da vida el siempre efectivo Dermot Mulroney.
Al final la película se lo juega todo a una carta, la interpretación de Ashton Kutcher, mediocre actor, cuya mayor aportación al papel es el gran parecido físico con el verdadero Steve Jobs. Desgraciadamente, Kutcher, ansioso de demostrar que puede ser un actor serio y alejarse así del tipo de comedietas románticas de medio pelo que suele interpretar en el cine, se dedica toda la película a mimetizar la forma de andar y los gestos de su personaje. Es tal el esfuerzo que pone en estos detalles, que su interpretación resulta excesiva y forzada, en muchas ocasiones rayando la parodia.
En definitiva, “jOBS”, la película, es “un quiero y no puedo”, una película muy limitada y rutinaria que se queda a años luz de lo que su protagonista se merecía. No es que no podamos compararla con el espléndido biopic de Mark Zuckerberg que realizó David Fincher en “La Red Social”, es que también queda en evidencia ante aquel primer acercamiento televisivo a los orígenes de Apple y Microsoft que fue “Los Piratas de Sillicon Valley”, protagonizada por Noah Wyle y Anthony Michael Hallen 1999. Y es que hasta la entrada de Wikipedia sobre Steve Jobs resulta más ilustrativa y emocionante que la película perpetrada por Joshua Michael Stern.
“BEHIND THE CANDELABRA”. EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES
Si decíamos que “jOBS” es una cinta estrenada en cine, pero que evidenciaba una narrativa propia de melodrama televisivo de sobremesa, la siguiente cinta que queremos tratar aquí representa todo lo contrario. A nadie se le escapa que la televisión es un medio que se encuentra en medio de una revolución creativa, ofreciendo algunos de los mejores trabajos de la ficción actual. Mientras el cine parece anquilosado en fórmulas reiterativas, pensadas para atraer al público juvenil y sacrificando a los espectadores adultos, la pequeña pantalla está acogiendo a toda esa audiencia que ha preferido quedarse en casa ante la falta de propuestas interesantes de la cartelera. Es más, algunos de los principales artistas que están viendo cómo sus proyectos cinematográficos se van aplazando sine die debido a la falta de financiación y a la poca confianza que tienen en ellos los grandes estudios, están encontrando su lugar en canales privados como HBO, dispuestos a arriesgarse con propuestas más provocativas e interesantes. Hace relativamente poco, en referencia a su película “Lincoln”, Steven Spielberg comentó que fue tal la dificultad para levantar esta producción, que el legendario cineasta se planteó reconvertirla en una miniserie televisiva y estuvo en un tris de llevar a cabo su amenaza. Otro Steven, Soderbergh, pertenece también a ese grupo de artistas desencantados con las presiones económicas marcadas por la industria cinematográfica y que ha amenazado repetidamente con abandonar el cine.
“Behind the Candelabra” fue también un proyecto que nació con intención de llegar a la gran pantalla, sin embargo, el romance entre dos gays no parecía generar buenas expectativas en los estudios, por mucho que uno de los personajes fuera Liberache, popular artista, conocido por sus excesivos trajes, sus afiladas bromas en el escenario y su habilidad con el piano. Tampoco supuso motivo suficiente para dar luz verde a la producción que los dos personajes principales fueran a estar interpretados por estrellas del calado de Michael Douglas y Matt Damon. Así que harto de luchar contra molinos de viento, Steven Soderbergh optó por trasladar todo el proyecto a la pequeña pantalla, con el apoyo también de HBO, que con este telefilm ha sumado a su extenso expediente uno de los títulos estrella de la temporada, presentada en el Festival de Cannes, donde optó a la Palma de Oro, nominada a 15 premios EMMY y ganadora de 11 de ellos, incluyendo Mejor película, Mejor dirección y Mejor Actor Principal para Douglas en las categorías de Miniserie o Telefilm. Sí hay que advertir antes de empezar que “Behind the Candelabra” no está interesada en la carrera profesional de Liberace. Si bien algunas secuencias escenifican parte de sus conciertos, esto tiene la función principal de ayudar a la descripción del personaje principal, especialmente su personalidad narcisista y egocéntrica, pero en ningún momento valorar o definir su valor artístico. La cinta adapta la autobiografía de quien fuera la pareja del músico entre 1976 y 1982, Scott Thorson, tomando el punto de vista de éste desde un primer momento. El encargado de escribir el guion ha sido Richard LaGravenese, escritor especializado en dramas de corte amoroso con un importante peso psicológico, destacando especialmente títulos como “Los Puentes de Madison” o “El Hombre que Susurraba a los Caballos”, y entre los que “Behind the Candelabra” gozará también de un puesto privilegiado.
A lo largo del metraje podemos apreciar la evolución del personaje protagonista, desde la inocencia inicial, su fascinación por el artista, la seducción que se establece entre ambos, así como una extraña relación que oscilaba entre el sexo, el paternalismo (Liberace prometió en repetidas ocasiones su intención de adoptarle, a pesar de que Thorson era ya mayor de edad) e incluso narcisismo (a instancias del pianista, el protagonista se sometió a una operación de cirugía estética para asimilar sus rasgos a los de su amante, generándole posteriormente un problema de drogadicción debido a una fuerte medicación recetada por el cirujano para mantenerse delgado y en forma). Esta dependencia, sumado a la promiscuidad del artista, fueron minando la relación, una vez se apagó la pasión y la pareja fue cayendo en la monotonía. La película dista mucho de hacer un retrato embellecedor de los dos personajes, aunque justifica sus acciones en base a las carencias afectivas de ambos y la necesidad de recibir atención del otro.
Soderbergh filma esta historia con su habitual narrativa sobria y distante, elegante y esterilizada, delegando el énfasis emocional en la historia y los actores, mientras que él se dedica a captar minuciosamente cada detalle, recreándose sobre todo en lo excesivo del estilo de Liberace. En este sentido, la película deposita también mucha importancia en el diseño de producción. Los decorados, el vestuario, el maquillaje y la peluquería ayudan a definir a los personajes muchas veces que mejor el propio guion, ofreciendo una estética de rococó kitsch, donde el lujo y lo hortera conviven sin medida. Michael Douglas y Matt Damon destilan una química excepcional, arriesgándose con papeles en los que están muy expuestos y con los que las dos estrellas demuestran su habilidad para desprenderse de su imagen masculina habitual. En este sentido, hay que destacar especialmente el rol de Douglas, quien no sólo establece una magnífica recreación de Liberace, sino que no duda en mostrar un cuerpo envejecido y flácido, frente al joven y fornido Damon. No podemos olvidar tampoco las espléndidas apariciones en papeles secundarios de intérpretes de lujo como Scott Bakula, Debbie Reynolds, Dan Aykroyd o un prácticamente irreconocible Rob Lowe.
Que “Behind the Candelabra” nos haya llegado a través de la pequeña pantalla no quita para que sea una de las propuestas más interesantes que nos ha llegado este año por parte del cine estadounidense. Si esto es lo que nos propone Hollywood como alternativa para llevar a cabo un tipo de cine de autor valiente y sin cortapisas, bienvenido sea, pero que luego no se quejen si algunos sustituimos definitivamente las salas comerciales por nuestra sala de estar.
“RUSH”. DOS HOMBRES Y UN DESTINO
Siguiendo en el terreno del biopic, tenemos también ya en cartelera desde hace varias semanas “Rush”, acercamiento a la rivalidad existente entre los pilotos de Fórmula 1 James Hunt y Nikki Lauda en la década de los 70 del pasado siglo. Dirigida por Ron Howard, supone la segunda ocasión en la que este cineasta se alía con el guionista y dramaturgo Peter Morgan tras “El Desafío. Frost contra Nixon”, y, junto con ésta, también la quinta oportunidad que ha tenido el director de acercarse a una historia verídica, tras “Apollo 13”, “Una Mente Maravillosa”, “Cinderella Man. El Hombre que no se Dejó Tumbar”. Como es habitual en la mayor parte de los biopics, hay que decir que Morgan y Howard reinterpretan los hechos reales a su conveniencia, introduciendo elementos de ficción, modificando datos o exagerando situaciones para ayudar al impacto dramático de la película. Pese a esto la cinta ha contado con el visto bueno de Nikki Lauda, quien a su vez asesoró al actor Daniel Brühl a la hora de interpretarle, y en la producción se ha hecho un intenso esfuerzo para reproducir con fidelidad la época en la que se desarrolla la historia, así como la recreación de las carreras de Fórmula 1.
A nivel argumental el principal interés de director y guionista ha sido precisamente marcar un momento de cambio en la filosofía de este deporte, empleando la figura de Hunt y Lauda como excusa para exponer dos puntos de vistas opuestos. En este sentido, podemos entender que se mediatice la relación entre los dos pilotos, convirtiéndola prácticamente en una rivalidad de tintes épicos. James Hunt representa en toda su plenitud la frivolidad imperante hasta aquel momento dentro del mundo de la Fórmula 1, donde los pilotos actuaban a modo de estrellas del rock o toreros, utilizando el hálito de muerte que les acompañaba para desarrollar un estilo de vida marcado por el exceso y la búsqueda de lo epicúreo. Sexo, drogas, alcohol y velocidad eran, sin duda, una combinación destructiva y obsesiva. Por su parte, Lauda abría una puerta a un estilo diferente de afrontar el deporte, intentando minimizar los riesgos, estudiando minuciosamente las pistas para acortar los tiempos, preparando el coche con sumo cuidado para incrementar velocidad y seguridad al volante. Sin embargo, esto lleva al personaje a una desafección total tanto del deporte como de las personas que le rodean y que acaban convirtiéndose en meros números, estadísticas y posibilidades. La cinta se interesa por las luces y las sombras de ambas personalidades, sin decantarse por ninguna de las dos en concreto. En este sentido, la cinta se apoya en un cuidado guion que busca continuamente equilibrar, como sucedía en la pistas de carrera, esa confrontación vital entre los dos protagonistas, y también en una espléndida dirección de actores. La caracterización de Chris Hemsworth y Daniel Brühl busca mimetizar el aspecto físico de sus referentes reales, pero no se queda ahí, Howard trabaja con esmero en los actores el trasfondo psicológico. Es en esto último donde sí encontramos un evidente desequilibrio, motivado especialmente por las habilidades interpretativas de los dos actores principales. Brühl demuestra ser un intérprete más formado y disciplinado, con más tablas y meticuloso a la hora de desarrollar su papel (de ahí también que haya sido tan buena elección para encarnar a Nikki Lauda), mientras que Hemsworth se esfuerza pero no logra sacarle todo el partido a su personificación de Hunt. El Thor cinematográfico sabe lucirse en los apartados más superficiales de su personaje, pero cuando se trata de ahondar en su mundo interior se muestra torpe y carente de recursos para afrontar el reto con éxito.
Donde también hay que aplaudir a la película es en la magnífica recreación de las secuencias de carreras. La puesta en escena de Howard resulta vibrante y sabe captar toda la tensión, velocidad, intensidad y peligro de cada competición. Con una narrativa más acorde a las retransmisiones televisivas actuales, dando ritmo a la acción a través de un montaje rápido y planos cortos, imperando el uso de planos detalle sacados del uso de micro cámaras en el vehículo. Ese lenguaje postmoderno contrasta con la detallista recreación de los coches, recuperando su estructura y colores para satisfacer hasta el espectador más exigente. Sin embargo, a nuestro entender, el aspecto crucial para el buen éxito de estas secuencias radica en el uso del sonido. Los motores rugen e introducen al espectador en la pista a través del oído, conduciéndolo con potencia y fidelidad para que éste se sienta dentro de la cabina del coche y no a salvo en la butaca del cine. A esto hay que sumar la espléndida banda sonora de Hans Zimmer, quien tras decepcionar con su acercamiento a “El Hombre de Acero” y jugar sobre seguro en “El Llanero Solitario”, se ha marcado aquí su mejor partitura cinematográfica para este año 2013. El que ya fuera autor de la partitura musical de “Días de Trueno”, aplica aquí una potente mezcla de orquesta y electrónica que hace despegar la intensidad de las escenas de carreras, pero que también sabe marcar de manera minimalista el carácter autodestructivo de los dos protagonistas.
En nuestra opinión, Ron Howard ha logrado con “Rush” su mejor película en muchos años y ha demostrado que su tándem con el guionista Peter Morgan puede dar lugar a importantes películas en el futuro.
Mientras la industria nacional recupera a uno de los directores clave del boom del cine español de los años 90, Mariano Barroso, la actualidad cinematográfica internacional de esta semana está marcada por películas que adaptan dos acontecimientos históricos cercanos, la creación de la web Wikileaks, con su crisis de filtración de datos gubernamentales secretos, y uno de los casos de ataques de piratas somalíes en 2009, que curiosamente llega a nuestro país la misma semana que se ha anunciado la detención por las autoridades belgas de Mohamed Abdi Hassan, implicado en su día en el secuestro del atunero vasco Alakrana. Además Dreamworks Animation ofrece también una alternativa para el cine familiar, al mismo tiempo que uno de los nombres clave de la comedia romántica británica reciente estrena su nueva película.
Mariano Barroso es un cineasta de larga trayectoria en nuestro país, siempre interesado en películas centradas en personajes aunque muchas veces empleando para ello elementos propios del cine de género, como en “Mi Hermano del Alma”, “Éxtasis” o “Los Lobos de Washington”. Tras su anterior película el thriller judicial “Lo Mejor de Eva”, regresa ahora a nuestras pantallas con la comedia “Todas las Mujeres”, en la que cuenta la historia de Nacho, un veterinario que se enfrenta a las mujeres que han significado algo en su vida. Ante él aparece su amante, su madre, su psicóloga, su compañera, su ex-novia y su cuñada. Con todas ellas tiene cuentas pendientes y a todas ellas se tiene que enfrentar para resolverlas. El rol principal está interpretado por Eduard Fernández, quien ha pasado a convertirse en un rostro recurrente en el cine de Mariano Barroso desde que coincidieran en “Los Lobos de Washington”. A su lado un importante reparto femenino, donde podemos encontrar a Michelle Jenner, Nathalie Poza, Petra Martínez, María Morales, Marta Larralde y Lucía Quintana. Con este estreno Barroso consigue cumplir su intención original de llevar esta historia a la gran pantalla, ya que previamente fue desarrollada en forma de serie para televisión de 6 episodios, producida por la cadena TNT (convirtiéndose en la primera serie de televisión producida por un canal de pago en nuestro país ) y estrenada en 2010.
Tras finalizar las dos entregas de “La Saga Crepúsculo. Amanecer”, el cineasta Bill Condon, autor también de títulos tan dispares como “Candyman 2. Adiós a la Carne”, “Dioses y Monstruos” o “Dreamgirls”, ha vuelto a dar un giro de turca a su carrera. Acostumbrado a afrontar proyectos dispares, su nuevo trabajo os presenta la bambalinas de la creación del polémico sitio web Wikileaks. “El Quinto Poder” ahonda en la historia de Julian Assange y su colega, Daniel Domscheit-Berg, en su la lucha por exponer los engaños y la corrupción del poder, iluminando los oscuros recovecos de los secretos gubernamentales y crímenes corporativos. La cinta está protagonizada por uno de los actores de moda, Benedict Cumberbatch, conocido gracias a la serie de televisión “Sherlock” y visto recientemente como el villano de “Star Trek. En la Oscuridad”. Le acompaña Daniel Brühl, quien ahora mismo cuenta también en cartelera con otro biopic, “Rush”, donde se ponía en la piel del piloto de Fórmula 1 Nikki Lauda. Otros nombres del reparto a destacar son Laura Linney, Carice van Houten, Anthony Mackie, David Thewlis y Alicia Vikander.
Uno de los creadores de personajes televisivos como “La Víbora Negra” o “Mr. Bean”, Richard Curtis es también el guionista responsable de comedias como “Cuatro Bodas y Un Funeral”, “Notting Hill” o “El Diario de Bridget Jones”. Esta experiencia le permitió debutar como director con la espléndida “Love Actually” y ahora nos presenta “Una Cuestión de Tiempo”, una nueva comedia romántica, con toque de fantasía, acerca de las experiencias de un hombre que puede viajar en el tiempo y emplea esta habilidad para lograr el amor de su vida. La cinta está protagonizada por Domhnall Gleeson, hijo del también actor Brenda Gleeson y conocido sobre todo por su papel de Bill Weasley en las dos últimas entregas de la franquicia de Harry Potter. Le acompañan, entre otros, Rachel McAdams, Bill Nighy, Tom Hollander y Margot Robbie.
Tras el éxito de “Los Croods” el pasado mes de marzo, este año no habíamos contado con película de Dreamworks Animation para la temporada estival. Pasados los meses de vacaciones de los más pequeños, y aún lejos del inicio de la campaña prenavideña, nos llega “Turbo”, la historia de un caracol que consigue accidentalmente el poder de la hipervelocidad y se predispone a ganar las 500 Millas de Indianápolis. La cinta está dirigida por David Soren, quien debuta así en el largometraje después de dirigir para Dreamworks dos cortometrajes de “Madagascar”. En la versión original, se cuenta con las voces de actores como Ryan Reynolds, Snoop Dogg, Luis Guzmán, Bill Hader, Samuel L. Jackson, Richard Jenkins, Ken Jeong, Michael Peña, Michelle Rodriguez, Maya Rudolph o Paul Giamatti.
“Capitán Phillips” es también uno de los títulos esperados de la temporada y no es para menos. Dirigida por Paul Greengrass, autor de “El Mito de Bourne” y “El últimatum de Bourne”, quien regresa al cine después de la tibia recepción que tuvo su anterior trabajo “Green Zone: Distrito protegido”, y protagonizada por Tom Hanks, quien con este papel y su encarnación de Walt Disney en “Saving Mr. Banks” se ha posicionado como una apuesta fuerte de cara a los Oscars, narra la historia real del carguero “Maersk Alabama”, que fue retenido en 2009 por piratas somalíes, siendo el primer barco norteamericano secuestrado en doscientos años.
NOTAS EN UN PENTAGRAMA
1. MÚSICA DE ESTRENO: “GRAVITY”
2. CON LA FIRMA DE: CARTER BURWELL Y LOS HERMANOS COEN. “SANGRE FÁCIL”
3. MÚSICA Y LETRA: “GRANDES ESPERANZAS” PATRICK DOYLE
4. PARTITURAS DE AYER Y HOY: “2001. UNA ODISEA EN EL ESPACIO” SCORE RECHAZADO DE ALEX NORTH
